Ciemna, abstrakcyjna sztuka Adolpha Gottlieba
Adolph Gottlieb był jedną z kluczowych postaci w abstrakcji połowy XX wieku. Jego obrazy są emocjonalne, oszczędne i prymitywne, a wielu ludzi uważa je za mroczne. Jednak Gottlieb postrzegał siebie jako przeciwieństwo mroku. Czuł, że jest energiczny, złożony, pasjonująco nowoczesny i kimś, kto rzuca światło, prowadząc drogę swoją sztuką ku czemuś lepszemu dla ludzkości. Urodził się w Nowym Jorku na początku jednego z najbardziej burzliwych okresów w historii ludzkości, Gottlieb z pewnością dojrzał w mroku: w czasach społecznych, politycznych i ekonomicznych niepokojów, kiedy przyszłość społeczeństwa była kwestionowana w realny, konkretny sposób. Jest jasne, nie tylko z jego sztuki, ale także z jego pism, że lęki i niejednoznaczności I wojny światowej, Wielkiego Kryzysu i II wojny światowej w zdecydowany sposób przyczyniły się do rozwoju jego wizji estetycznej. Ale ta wizja estetyczna nie była tylko wizją smutku czy zagłady, jak sugerowało wielu krytyków. Była to w rzeczywistości wizja, przez którą Gottlieb starał się po prostu komunikować prawdę o ludzkim sercu i umyśle, w sposób pełen nadziei. Być może nieuniknione jest, że taka prawda, jaką Gottlieb ją postrzegał, musi zawierać pewien stopień szaleństwa i chaosu. Ale obszerne dzieło, które Gottlieb pozostawił po sobie, gdy zmarł w 1974 roku, obejmowało również piękno, spokój, harmonię i wzniosłość. Te paradoksalne złożoności, które definiowały jego czasami kontrowersyjny światopogląd, ostatecznie doprowadziły Adolpha Gottlieba do redefinicji sztuki abstrakcyjnej i zaowocowały stworzeniem dzieła, które dopiero teraz zaczyna być doceniane za swoją prawdziwą genialność i światło.
Artysta w sercu
Adolph Gottlieb urodził się w rodzinie robotniczej, imigranckiej w Nowym Jorku w 1904 roku. W porównaniu do wielu innych dzieci dorastających w Lower East Side w tamtym czasie, miał ogromny start w życiu, ponieważ jego rodzice zbudowali udany biznes papierniczy i mieli nadzieję przekazać go jemu pewnego dnia. Jednak już w młodym wieku wiedział na pewno, że jedyne, czym chce być, to artysta. Był tak pewny tego faktu, że w wieku 15 lat porzucił szkołę, aby w pełni poświęcić się swojej sztuce. Uczęszczał na wykłady w Art Students League, instytucji prowadzonej przez artystów, gdzie wielu artystów, którzy ostatecznie stali się częścią ruchu Abstract Expressionist, uczęszczało na zajęcia. A potem, w wieku zaledwie 17 lat, Gottlieb wyjechał do Europy, zarabiając na bilet, pracując na statku płynącym do Francji.
Jego młodzieńcza wiara w swoje umiejętności opłaciła się za granicą, gdy szybko zapoznał się ze światem europejskiego modernizmu. W przeciwieństwie do amerykańskiej sztuki lat 20. XX wieku, europejska sztuka w tym czasie była fantastycznie wynalazcza. Został wystawiony na Fauwizm, Kubizm, Suprematyzm, Futuryzm i Abstrakcję geometryczną. Często odwiedzał muzea i uczęszczał na wszelkie darmowe zajęcia artystyczne, które mógł znaleźć. A gdy jego wiza wygasła, spędził prawie kolejny rok podróżując po Europie. Po drodze stał się przekonany, że europejscy artyści są związani z czymś ważnym. Szczególnie zafascynował się rosnącym wpływem sztuki plemiennej, trendem, który zainspirował go do odrzucenia kolokwializmu figuratywnej sztuki amerykańskiej na rzecz poszukiwania uniwersalności w starożytnych symbolach i wiekowych tradycjach wizualnych.
Adolph Gottlieb - Czarny Plama, 1967, Sitodruk kolorowy, 31 1/8 × 23 1/8 in, 79.1 × 58.7 cm (Lewa) oraz Latające Linie, 1967, Sitodruk kolorowy, 30 × 22 in, 76.2 × 55.9 cm, zdjęcia dzięki Marlborough Gallery
Filozof Artysta
Kiedy Gottlieb wrócił do Nowego Jorku w 1922 roku, przyniósł ze sobą poczucie własnej odpowiedzialności jako artysty. Postrzegał siebie jako siłę modernizującą swoją kulturę i przyjął ideę, że artyści powinni być filozofami i agentami zmiany społecznej. Ukończył swoje studia artystyczne, a w ciągu następnych kilku lat zaprzyjaźnił się z grupą innych artystów/filozofów, takich jak Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith i Milton Avery, z których niektórzy ostatecznie stali się najsłynniejszymi amerykańskimi artystami swojego pokolenia. Gottlieb i jego towarzysze byli anomaliami. Byli artystami abstrakcyjnymi, a przynajmniej artystami, których prace były interpretowane jako abstrakcyjne, ale byli również chętni do publicznej dyskusji na temat znaczenia swojej twórczości.
W tamtym czasie artyści awangardowi, a zwłaszcza artyści abstrakcyjni, nie byli rozumiani w Stanach Zjednoczonych i zdecydowanie nie cieszyli się szerokim szacunkiem – nawet w Nowym Jorku. Wielu miało trudności z obroną siebie i swojej wartości, a zwłaszcza z wartością nowoczesnych ideałów estetycznych. Ale Gottlieb był naturalnym rzecznikiem i urodzonym komunikatorem. Był zaangażowany politycznie i społecznie, i szybko zabierał głos w obronie tego, co uważał za ważne. W 1935 roku Gottlieb i jego przyjaciel Mark Rothko (wówczas znany jako Marcus Rothkowitz) wprowadzili swoje przekonania w czyn, tworząc grupę o nazwie The Ten. W skład grupy weszli Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg i Yankel Kufeld. W otwartym proteście przeciwko panującym trendom w nowojorskiej scenie kuratorskiej, The Ten wspólnie wystawili swoje abstrakcyjne prace, odrzucając to, co nazywali „uznawanym równoważnikiem amerykańskiego malarstwa i malarstwa dosłownego."
Adolph Gottlieb - Czerwone tło, olej na papierze naklejonym na płótno
Piktogramy
Jednym z pierwszych postępów w kierunku dojrzałego stylu abstrakcyjnego, który Gottlieb ostatecznie rozwinął, miało miejsce na początku lat 40. XX wieku, w postaci jego obrazów Pictograph. Prace te były zasadniczo próbami stworzenia nowego symbolicznego języka obrazów, który mógłby komunikować uniwersalne emocje i uczucia. Gottlieb zaprojektował swoje obrazy Pictograph w taki sposób, że ich powierzchnia była spłaszczona, eliminując głębię i wszelkie poczucie iluzji, które mogłyby być związane z ich figuratywnymi elementami. Zdemokratyzował również wszystkie obszary płótna w proroczym odniesieniu do tego, co wkrótce zaczęto nazywać malarstwem „wszechobecnym”. Jego Pictographs wykorzystywały surowość przypominającą dziecięce znaki i wywoływały estetyczne tendencje społeczeństw plemiennych.
W pewnym sensie Gottlieb próbował stworzyć nowy alfabet obrazkowy w tradycji hieroglifów lub chińskich kanji. Ale zamiast próbować komunikować konkretne narracje, starał się zredukować swoje wypowiedzi do najważniejszych elementów. Zamiast wyjaśniać mity, do których się odnosił, próbował przekazać zbiorowe ludzkie uczucia, które zamieszkują ich sedno. Aby osiągnąć ten cel, starannie tworzył obrazy, które były całkowicie oryginalne i wolne od zewnętrznych skojarzeń, mając nadzieję, że ich uniwersalny charakter przewyższy drobne różnice kulturowe, które dzieliły ludzi.
Adolph Gottlieb - Piktogram, 1942, Olej na desce artystycznej, 29 1/4 × 23 1/4 cala, 74,3 × 59,1 cm, zdjęcia dzięki Hollis Taggart Galleries, Nowy Jork (po lewej) oraz Bez tytułu, 1949, Pastel na papierze, 24 × 18 cala, 61 × 45,7 cm, zdjęcia dzięki Berggruen Gallery, San Francisco (po prawej)
Krajobrazy wyobrażone
Gdy Gottlieb rozwijał swoje Piktogramy, zaangażował się w proces uproszczenia. Dzięki temu procesowi dotarł do serii prac, które nazwał Wyimaginowanymi Krajobrazami. W przeciwieństwie do Piktogramów, które nie kładły wyraźnego nacisku na żadną część obrazu, Gottlieb oddzielił płaszczyznę obrazu w tych malowidłach na dwa wyraźne obszary poprzez wprowadzenie linii horyzontu. Poniżej linii Gottlieb dodał piktograficzne bazgroły. Powyżej linii dodał kolorowe kształty geometryczne. Wyimaginowane Krajobrazy sugerowały hierarchiczną relację między dwoma typami obrazów. Przedstawione jako podrzędne jest bazgrołowate, emocjonalne, skomplikowane wyrażenie ludzkiego lęku. Unoszące się powyżej jest proste, bezpośrednie wyrażenie uniwersalnej czystości.
Imaginary Landscape został następnie jeszcze bardziej uproszczony do tego, co Gottlieb nazwał obrazami Burst. W tych dziełach wyeliminował linię horyzontu, ale zachował bazgroły na dole i zjednoczoną formę na górze. Bursts wykorzystywały duże pola koloru i jednoczyły element koloru z kształtem. Zapraszały do kontemplacji na niemal sakralnym poziomie i wydawały się komunikować koncepcję symbiotycznej relacji między wyższą a niższą świadomością.
Adolph Gottlieb - Krajobraz wyobrażony, 1971, akwaforta w kolorach, na papierze Fabriano, z pełnymi marginesami, 26 3/10 × 32 1/2 cala, 66,7 × 82,6 cm
Dziedzictwo Adolfa Gottlieba
W 1970 roku Gottlieb doznał udaru mózgu i stracił sprawność lewej strony ciała. Mimo to kontynuował tworzenie, tworząc niektóre z najbardziej głębokich i ekstremalnych wyrazów swojej serii Burst zaledwie rok przed swoją śmiercią. W momencie, gdy jego życie dobiegło końca, był znany nie tylko z unikalnego dorobku artystycznego, który stworzył, ale także z wpływu na prace innych. Jego filozofie były integralną częścią idei ekspresjonistów abstrakcyjnych. A jego wizja estetyczna uznawana jest za wpływową w rozwoju malarstwa Color Field oraz minimalizmu.
Ale równie ważny dla estetycznego dziedzictwa obrazów, rzeźb i grafik, które Adolph Gottlieb stworzył w ciągu swoich 70 lat, jest wkład, jaki wniósł do większej społeczności artystycznej, do której należał – tej, która transcendentuje formalne osiągnięcia, pokolenia i ruchy. Gottlieb miał wizję artysty jako kogoś, kto nie jest oddzielony od reszty społeczeństwa, ale jest z nim ściśle związany. Wierzył w potencjał sztuki do transformacji cywilizacji i uważał, że ważne jest, aby otwarcie i w prostym języku dyskutować o ideach estetycznych, aby mogły być zrozumiane przez wszystkich. Dostrzegał, że artyści są niezbędni dla zdolności kultury do zrozumienia samej siebie, a poprzez swoją pracę pokazał odpowiedzialność, jaką mają wszyscy artyści, aby wyrażać szaleństwo, chaos, geniusz, piękno, ciemność i światło swojego czasu.
Obraz wyróżniony: Adolph Gottlieb -
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
