Ciemna, abstrakcyjna sztuka Adolpha Gottlieba
Adolph Gottlieb był jedną z kluczowych postaci abstrakcji połowy XX wieku. Jego obrazy są pełne emocji, oszczędne i prymitywne, a wielu ludzi uważa je za mroczne. Jednak Gottlieb postrzegał siebie jako przeciwieństwo mroku. Czuł się energiczny, złożony, namiętnie nowoczesny i jako ktoś, kto rzuca światło, prowadząc swoją sztuką ku czemuś lepszemu dla ludzkości. Urodzony w Nowym Jorku na początku jednego z najbardziej burzliwych okresów w historii ludzkości, Gottlieb dojrzał w czasach ciemnych: czasach społecznych, politycznych i gospodarczych trudności, gdy przyszłość społeczeństwa była w realnym, konkretnym sensie niepewna. Widać to nie tylko w jego sztuce, ale także w jego pismach, że niepokoje i niejasności związane z I wojną światową, Wielkim Kryzysem i II wojną światową zdecydowanie przyczyniły się do rozwoju jego estetycznej wizji. Jednak ta wizja estetyczna nie była jedynie pełna smutku czy zagłady, jak sugerowało wielu krytyków. Była to w rzeczywistości wizja, przez którą Gottlieb starał się po prostu przekazać prawdę o ludzkim sercu i umyśle w sposób pełen nadziei. Być może nieuniknione jest, że taka prawda, jaką dostrzegał Gottlieb, musi zawierać pewien stopień szaleństwa i chaosu. Jednak obszerny dorobek, który pozostawił po sobie, gdy zmarł w 1974 roku, obejmował także piękno, spokój, harmonię i wzniosłość. Te paradoksalne złożoności, które definiowały jego czasem kontrowersyjne spojrzenie na świat, ostatecznie doprowadziły Adolpha Gottlieba do redefinicji sztuki abstrakcyjnej i zaowocowały powstaniem dzieł, które dopiero teraz zaczynają być doceniane za ich prawdziwy blask i światło.
Artysta z serca
Adolph Gottlieb urodził się w rodzinie robotniczej, imigranckiej w Nowym Jorku w 1904 roku. W porównaniu z wieloma innymi dziećmi dorastającymi w tamtym czasie na Dolnym Wschodzie, miał ogromny start w życiu, ponieważ jego rodzice prowadzili dochodowy sklep papierniczy i mieli nadzieję przekazać go mu kiedyś. Jednak już bardzo wcześnie wiedział na pewno, że chce być tylko artystą. Był tak pewny tego faktu, że porzucił szkołę w wieku 15 lat, aby całkowicie poświęcić się sztuce. Uczęszczał na wykłady w Art Students League, instytucji prowadzonej przez artystów, gdzie wielu twórców, którzy ostatecznie stali się częścią ruchu ekspresjonizmu abstrakcyjnego, brało udział w zajęciach. A potem, mając zaledwie 17 lat, Gottlieb wyjechał do Europy, zarabiając na podróż pracą na statku płynącym do Francji.
Jego młodzieńcza wiara we własne umiejętności opłaciła się za granicą, gdy szybko zapoznał się ze światem europejskiego modernizmu. W przeciwieństwie do amerykańskiej sztuki lat 20., sztuka europejska tamtego czasu była niezwykle pomysłowa. Miał styczność z fowizmem, kubizmem, suprematyzmem, futuryzmem i abstrakcją geometryczną. Często odwiedzał muzea i uczęszczał na wszelkie darmowe zajęcia artystyczne, jakie mógł znaleźć. Gdy skończyła mu się wiza, spędził prawie kolejny rok podróżując po Europie. Po drodze przekonał się, że europejscy artyści są związani z czymś ważnym. Szczególnie zafascynował go rosnący wpływ sztuki plemiennej, trend, który zainspirował go do odrzucenia potoczności figuratywnej sztuki amerykańskiej na rzecz poszukiwania uniwersalności w starożytnych symbolach i wielowiekowych tradycjach wizualnych.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, kolorowy sitodruk, 31 1/8 × 23 1/8 cali, 79,1 × 58,7 cm (po lewej) oraz Flying Lines, 1967, kolorowy sitodruk, 30 × 22 cali, 76,2 × 55,9 cm, zdjęcia dzięki uprzejmości Marlborough Gallery
Artysta-filozof
Gdy Gottlieb wrócił do Nowego Jorku w 1922 roku, przyniósł ze sobą poczucie własnej odpowiedzialności jako artysty. Postrzegał siebie jako siłę modernizującą swoją kulturę i przyjął przekonanie, że artyści powinni być filozofami i agentami zmian społecznych. Ukończył naukę w szkole artystycznej, a w ciągu następnych kilku lat zaprzyjaźnił się z grupą innych artystów-filozofów, takich jak Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith i Milton Avery, z których niektórzy ostatecznie stali się najsłynniejszymi amerykańskimi artystami swojego pokolenia. Gottlieb i jego towarzysze byli wyjątkowi. Byli artystami abstrakcyjnymi, a przynajmniej tworzyli sztukę interpretowaną jako abstrakcyjna, ale jednocześnie chętnie publicznie rozmawiali o znaczeniu swojej twórczości.
W tamtym czasie awangardowi artyści, a zwłaszcza abstrakcyjni, nie byli rozumiani w Stanach Zjednoczonych i zdecydowanie nie cieszyli się szerokim szacunkiem – nawet w Nowym Jorku. Wielu miało trudności z obroną siebie i swojej wartości, a zwłaszcza wartości modernistycznych ideałów estetycznych. Gottlieb był jednak naturalnym rzecznikiem i urodzonym komunikatorem. Był zaangażowany politycznie i społecznie, szybko zabierał głos na rzecz tego, co uważał za ważne. W 1935 roku Gottlieb i jego przyjaciel Mark Rothko (wówczas znany jako Marcus Rothkowitz) wcielili swoje przekonania w czyn, tworząc grupę o nazwie The Ten. W jej skład wchodzili Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg i Yankel Kufeld. W otwartym proteście przeciwko dominującym trendom w nowojorskiej scenie kuratorskiej The Ten wspólnie wystawiali swoje abstrakcyjne prace, odrzucając to, co nazywali „domniemanym równoważeniem malarstwa amerykańskiego z malarstwem dosłownym.”
Adolph Gottlieb - Red Ground, olej na papierze naklejonym na płótno
Piktogramy
Jednym z pierwszych kroków w kierunku dojrzałego abstrakcyjnego stylu, który Gottlieb ostatecznie rozwinął, były jego obrazy Piktogramy z początku lat 40. XX wieku. Te dzieła były zasadniczo próbami stworzenia nowego symbolicznego języka obrazów, który mógłby przekazywać uniwersalne emocje i uczucia. Gottlieb koncepcyjnie traktował swoje obrazy Piktogramy tak, że ich powierzchnia była spłaszczona, eliminując głębię i wszelkie poczucie iluzji, które mogłyby być związane z ich figuratywnymi elementami. Zdemokratyzował też wszystkie obszary płótna, co było proroczym odniesieniem do tego, co wkrótce nazwano „malarstwem all-over”. Jego Piktogramy cechowała surowość przypominająca dziecięce znaki i przywoływały estetyczne tendencje społeczeństw plemiennych.
W pewnym sensie Gottlieb próbował stworzyć nowy alfabet obrazów w tradycji hieroglifów lub chińskich znaków kanji. Ale zamiast próbować przekazywać konkretne narracje, starał się sprowadzić swoje wypowiedzi do samej istoty. Zamiast literować mity, do których się odnosił, próbował przekazać zbiorowe ludzkie uczucia, które są ich sednem. Aby osiągnąć ten cel, starannie tworzył obrazy całkowicie oryginalne i wolne od zewnętrznych skojarzeń, mając nadzieję, że ich uniwersalny charakter przekroczy drobne różnice kulturowe, które dzielą ludzi.
Adolph Gottlieb - Piktogram, 1942, olej na desce artysty, 29 1/4 × 23 1/4 cala, 74,3 × 59,1 cm, zdjęcia dzięki uprzejmości Hollis Taggart Galleries, Nowy Jork (po lewej) oraz Bez tytułu, 1949, pastel na papierze, 24 × 18 cali, 61 × 45,7 cm, zdjęcia dzięki uprzejmości Berggruen Gallery, San Francisco (po prawej)
Wyimaginowane pejzaże
W miarę rozwoju swoich Piktogramów Gottlieb podjął proces upraszczania. W wyniku tego procesu powstała seria dzieł, które nazwał Wyimaginowanymi pejzażami. W przeciwieństwie do Piktogramów, które nie kładły wyraźnego nacisku na żadną część obrazu, Gottlieb podzielił płaszczyznę obrazu w tych malowidłach na dwie wyraźne części, wprowadzając linię horyzontu. Poniżej linii dodał piktograficzne bazgroły. Powyżej linii umieścił kolorowe geometryczne kształty. Wyimaginowane pejzaże sugerowały hierarchiczny związek między dwoma typami obrazów. Przedstawione jako podporządkowane były bazgroły – emocjonalny, skomplikowany wyraz ludzkiego niepokoju. Unosił się nad nimi prosty, bezpośredni wyraz uniwersalnej czystości.
Wyimaginowany pejzaż został następnie jeszcze bardziej uproszczony do tego, co Gottlieb nazwał obrazami Wybuch. W tych dziełach usunął linię horyzontu, ale zachował bazgroły na dole i jednolity kształt na górze. Wybuchy wykorzystywały duże pola koloru i łączyły element koloru z kształtem. Zapraszały do kontemplacji na niemal sakralnym poziomie i zdawały się przekazywać koncepcję symbiotycznej relacji między wyższą a niższą świadomością.
Adolph Gottlieb - Wyimaginowany pejzaż, 1971, akwaforta w kolorze, na papierze Fabriano, z pełnymi marginesami, 26 3/10 × 32 1/2 cala, 66,7 × 82,6 cm
Dziedzictwo Adolpha Gottlieba
W 1970 roku Gottlieb doznał udaru i stracił sprawność lewej strony ciała. Mimo to kontynuował tworzenie, tworząc jedne z najgłębszych i najbardziej ekstremalnych wyrażeń swojej serii Wybuch zaledwie rok przed śmiercią. Do czasu zakończenia życia był znany nie tylko z unikalnego dorobku, który stworzył, ale także z wpływu, jaki wywarł na twórczość innych. Jego filozofie były integralną częścią idei ekspresjonistów abstrakcyjnych. Jego wizja estetyczna uważana jest za wpływową w rozwoju malarstwa pola koloru i minimalizmu.
Jednak równie ważny dla estetycznego dziedzictwa obrazów, rzeźb i grafik, które Adolph Gottlieb stworzył w ciągu swojego 70-letniego życia, jest wkład, jaki wniósł do szerszej społeczności artystycznej, do której należał – społeczności przekraczającej formalne postępy, pokolenia i nurty. Gottlieb miał wizję artysty jako osoby nieoddzielonej od reszty społeczeństwa, lecz ściśle z nim powiązanej. Wierzył w potencjał sztuki do przemiany cywilizacji i uważał, że ważne jest otwarte i jasne omawianie idei estetycznych, aby mogły być zrozumiane przez wszystkich. Dostrzegał, że artyści są niezbędni do zdolności kultury do rozumienia samej siebie, a poprzez swoją twórczość pokazywał odpowiedzialność, jaką wszyscy artyści mają, by wyrażać szaleństwo, chaos, geniusz, piękno, mrok i światło swojej epoki.
Zdjęcie główne: Adolph Gottlieb -
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
