Trzej Mistrzowie Koloru Niebieskiego w Sztuce Współczesnej

Kiedy widzisz kolor niebieski, co czujesz? Czy opisałbyś to jako coś innego niż to, co czujesz, gdy słyszysz słowo niebieski lub czytasz słowo niebieski na stronie? Czy informacja przekazywana przez odcień różni się od informacji przekazywanej przez jego nazwę? Cokolwiek czujesz, czy możliwe, że to uczucie jest uniwersalne? A może kolor niebieski oznacza różne rzeczy dla różnych ludzi? A co z zwierzętami? Czy kojarzą kolor z emocjami, czy używają swoich receptorów kolorów tylko do przetrwania? Te pytania od wieków fascynują badaczy koloru, a w pewnym sensie nie jesteśmy dzisiaj bliżej odpowiedzi na nie niż sto lat temu. Ale książka niedawno opublikowana przez Phaidon Press przybliża nas trochę do zrozumienia koloru, przynajmniej w kontekście sztuki. Napisana przez Stellę Paul, byłą kuratorkę w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles i byłą dyrektorkę programową w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, Chromaphilia: Historia koloru w sztuce podkreśla 240 indywidualnych dzieł sztuki. Nie tylko jej wyczerpujące badanie koloru rzuca nowe światło na niezliczone sposoby, w jakie dziesięć odrębnych kategorii kolorów było używanych przez artystów na przestrzeni historii, ale także bada zakres, w jakim kolor krzyżuje się z nauką, emocjami, estetyką i innymi obszarami kultury ludzkiej. Dziś chcielibyśmy przyjrzeć się bliżej pracy kilku artystów, których Paul wspomina w książce, aby zilustrować zakres i moc koloru niebieskiego: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso i Yves Klein.

Widzieć kolor

Jedną z dziwnych rzeczy dotyczących koloru jest to, jak często dwie osoby mogą patrzeć na ten sam obiekt w tym samym czasie i w tym samym miejscu, a mimo to twierdzić, że obiekt, na który patrzą, ma inny kolor. Zastanawiamy się: „Jak to możliwe? Czy kolor nie jest obiektywny?” Ale krótka odpowiedź brzmi: nie. Kolor jest często subiektywny. Powód ma związek z nauką o tym, jak ludzie postrzegają kolor. Ludzie (i większość innych zwierząt, które widzą kolory) są trichromatami. Oznacza to, że receptory w ludzkich oczach postrzegają trzy podstawowe długości fal, które odpowiadają kolorom. Możesz słyszeć o modelu kolorów RGB używanym przez niektóre drukarki. Inicjały RGB oznaczają Czerwony, Zielony i Niebieski. To jest model kolorów, który najbliżej odpowiada ludzkiemu widzeniu. Oczywiście, czerwony, zielony i niebieski to nie jedyne kolory, które ludzkie oczy mogą postrzegać. W rzeczywistości większość ludzi może dostrzegać nawet siedem milionów różnych odcieni. Ale każdy z tych różnych odcieni jest interpretowany w mózgu po tym, jak oczy najpierw postrzegają go jako jakąś kombinację czerwonego, zielonego i niebieskiego.

Dodatkowo, kolor, który postrzegamy w obiekcie, nie dotyczy tylko samego obiektu. Tak, moglibyśmy przeanalizować materiał, z którego wykonany jest obiekt, i dojść do pewnego zrozumienia, jaki kolor ten materiał prawdopodobnie ma na podstawie jego składu chemicznego. Ale skład chemiczny substancji nie jest jedynym czynnikiem, który wpływa na to, jaki kolor postrzegamy. Powodem, dla którego ludzie w ogóle są w stanie postrzegać kolor, jest światło. A światło również może być kolorowe, w takim przypadku może zmieniać kolor, który nasze oczy widzą, gdy patrzą na powierzchnię. Co więcej, jedna para oczu może być również bardziej wrażliwa lub po prostu inaczej wrażliwa na światło niż inna para oczu, co powoduje, że sposób, w jaki dwa mózgi interpretują kolor, również może być różny. W zasadzie to samo, co pozwala nam widzieć kolor, może również zmieniać nasze postrzeganie koloru. Dlatego rozmowa o kolorze może czasami wydawać się subiektywna, a kłótnia o to, jaki kolor ma coś, może wydawać się wręcz śmieszna.

Helen Frankenthaler - Ruchomy Niebieski, 1973, akryl na płótnie, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Kolor niebieski

Niemniej jednak, różnice, które różni ludzie dostrzegają, gdy patrzą na coś, co ma określony kolor, zazwyczaj nie różnią się tak dramatycznie, jak na przykład, gdy jedna osoba widzi czerwony, a inna niebieski. Zwykle różnice są bardziej subtelne, na przykład jedna osoba widzi błękit nieba, a inna akwamaryn. Ale to, co może się znacznie różnić, to zakres innych rzeczy, które nasze mózgi postrzegają, gdy patrzymy na określony kolor, poza jego właściwościami fizycznymi. Jak zauważa zdanie otwierające rozdział o kolorze niebieskim w Chromaphilia: The Story of Color in Art, "Istnieje wiele rodzajów niebieskiego - wszystkie w tym samym odcieniu, a jednak z niewyczerpanymi permutacjami wyglądu, efektu, pochodzenia i znaczenia."

Wygląd już omówiliśmy. Ale prawdziwa zabawa zaczyna się, gdy rozważamy „efekt, pochodzenie i znaczenie.” Jeśli chodzi o efekt, jedna osoba może zobaczyć kolor niebieski i poczuć spokój. Inna może poczuć smutek na widok czegoś niebieskiego. Tak wiele z tego, jak reagujemy na kolor, ma związek z naszymi przeszłymi doświadczeniami z tym kolorem. Pochodzenie to kolejna fascynująca kwestia, ponieważ każda odmiana koloru niebieskiego pochodzi z fundamentalnie innej mieszanki elementów. Odmiany pigmentów farb niebieskich mogą pochodzić z różnych kombinacji spoiw i minerałów. Odmiany niebieskiego światła mogą mieć związek z różnymi cząstkami w powietrzu. A jeśli chodzi o znaczenie, to właśnie tam sprawy stają się naprawdę skomplikowane. Każda jednostka, każda grupa i każda kultura rozwija swoje własne idiosynkratyczne relacje z kolorem niebieskim. Dlatego, używając koloru niebieskiego w dziele sztuki, dosłownie nie można przewidzieć, jakie znaczenie zostanie dostrzegane, gdy dzieło sztuki zostanie w końcu obejrzane. Aby zbadać, jak dzikie mogą być różnice w postrzeganiu niebieskiego w sztuce, rozważ pracę trzech artystów wspomnianych w Chromaphilia: Historia koloru w sztuce: Yves Klein, Helen Frankenthaler i Picasso.

Pablo Picasso - Matka i dziecko, 1902, olej na płótnie

Niebieski w dziełach Yves'a Kleina

Kiedy mowa o sztuce XX wieku i kolorze niebieskim, żaden artysta nie przychodzi na myśl szybciej niż Yves Klein. Legenda głosi, że jako młody mężczyzna, Klein spędzał czas na plaży z przyjaciółmi, artystą Armanem i francuskim kompozytorem Claude'em Pascalem. Trzej podzielili świat między siebie. Arman wybrał ziemię. Pascal wybrał symbole pisane. A Klein wybrał niebo, natychmiast podnosząc rękę w górę i podpisując się w powietrzu. Od tego momentu kolor stał się ważny dla Kleina. Jedna z jego pierwszych wystaw zawierała monochromatyczne płótna malowane w różnych czystych kolorach. Ale kiedy publiczność nie zrozumiała, co próbował wyrazić, zdał sobie sprawę, że będzie musiał uprościć i użyć tylko jednego koloru, aby przekazać swoją myśl. W ten sposób rozpoczął proces rozwijania swojego własnego charakterystycznego odcienia.

Jak wyjaśnia Stella Paul w Chromaphiliaa: Historia koloru w sztuce: “[Klein] współpracował z Edouard Adam, paryskim sprzedawcą kolorów, który konsultował się z chemikami z Rhone-Poulenc, aby stworzyć syntetyczny binder... Rezultatem był Rhodopas M60A, który można było rozcieńczać do różnych poziomów lepkości za pomocą etanolu i octanu etylu. Ten binder zachowuje magiczną luminescencję pigmentu...Klein zlecił stworzenie własnej, spersonalizowanej farby syntetycznej z użyciem tego nowego bindera, który opatentował jako IKB (International Klein Blue); od 1957 roku używał tego pigmentu niemal wyłącznie.” Klein używał International Klein Blue do tworzenia swoich ikonicznych monochromatycznych niebieskich płócien oraz kilku monumentalnych instalacji publicznych. Używał go również do tworzenia tego, co stało się niektórymi z jego najbardziej wpływowych dzieł: performansów, w których nagie modelki pokrywały się IKB, a następnie naciskały swoje ciała w różnych konfiguracjach na płótna.

Yves Klein - Anthropométrie epoki niebieskiej, 1960, © Yves Klein Archives

Niebieski w dziełach Helen Frankenthaler

Abstrakcyjna malarka Helen Frankenthaler była kolejną mistrzynią, zwolenniczką koloru niebieskiego w XX wieku. Frankenthaler była wynalazczynią techniki malarskiej zwanej soak-stain. Technika ta polega na wylewaniu farby bezpośrednio na powierzchnię niegruntowanego, nienałożonego płótna rozłożonego na podłodze, a następnie pozwoleniu farbie wsiąknąć w włókna i rozprzestrzenić się po powierzchni z własnej woli. Frankenthaler początkowo stosowała tę technikę z farbami olejnymi, ale szybko dowiedziała się, że farba olejna szybko degraduje surowe płótno. W ten sposób stała się wczesną zwolenniczką farb akrylowych, które nie mają tego samego degradującego wpływu na płótno. Farby akrylowe mają jednak żywe, świetliste cechy, jeśli chodzi o odcień. Wylewając różne czyste odcienie bezpośrednio na swoje płótna, Frankenthaler mogła kierować przepływami farby w sposób, który badał relacje kolorów w nowy sposób, bez konceptualnej ingerencji ze strony takich elementów jak linia, kształt, tekstura czy forma.

W Chromaphilia: Historia koloru w sztuce Stella Paul zwraca szczególną uwagę na obraz Góry i Morze, który Helen Frankenthaler namalowała w 1952 roku. Uważa się, że jest to pierwszy płótno, które Frankenthaler stworzyła, używając swojej techniki soak-stain. Paul mówi o tym dziele: „Po powrocie do swojego nowojorskiego studia po przerwie w Nowej Szkocji, Frankenthaler później wspominała, że zinternalizowała kanadyjski krajobraz, który stał się zakorzeniony nie tylko w jej umyśle, ale także w jej ramieniu i nadgarstku. Z tym tłem umysłu i ciała stworzyła liryczną, pastoralną abstrakcję, aby przywołać wspomnienie miejsca poprzez kolor.” Frankenthaler zdefiniowała proces wylewania farby jako sposób przekształcania czegoś zinternalizowanego w jej ciele w coś zewnętrznego na płótnie. Obraz niemal w całości wykorzystuje odcienie czerwieni, zieleni i niebieskiego, przy czym różne odcienie niebieskiego wyróżniają się najbardziej jako abstrakcyjna, a nie figuralna, manifestacja morza.

Helen Frankenthaler - Niebieski Prąd (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Niebieski w dziełach Picassa

Kolor miał kluczowe znaczenie dla Pablo Picassa, szczególnie w wczesnych fazach jego kariery artystycznej. Często jego prace z tego okresu klasyfikowane są według koloru, jak w jego Okresie Różowym i Okresie Niebieskim. Te klasyfikacje oczywiście mają coś wspólnego z dominującymi pigmentami, których używał w swoich obrazach w tym czasie, ale odnoszą się również do okoliczności jego życia osobistego, które rzekomo wpływały na tematykę, którą wybierał do przedstawienia w tych różnych odcieniach. Jego Okres Różowy, na przykład, trwał mniej więcej od 1904 do 1906 roku. Zbiegał się z początkiem jego związku z ukochaną Fernande Olivier oraz jego przeprowadzką do dzielnicy Montmartre w Paryżu. Jego prace z Okresu Różowego składały się z radosnych obrazów takich jak arlekiny i cyrki. To pod koniec jego Okresu Różowego Picasso namalował swoje przełomowe dzieło, różowe Les Demoiselles d’Avignon, które często jest cytowane jako prekursor kubizmu.

Okres Niebieski Picassa poprzedzał jego Okres Różowy, trwając od około 1901 do 1904 roku. Był to czas w jego życiu zdominowany przez świadomość depresji i smutku. Picasso kiedyś stwierdził: „Zacząłem malować na niebiesko, gdy dowiedziałem się o śmierci Casagemasa.” Uwagi te odnoszą się do jego drogiego przyjaciela Carlosa Casagemasa, który postrzelił się w głowę w kawiarni w Paryżu, gdy Picasso był poza miastem. Kiedy Picasso wrócił do Paryża, mieszkał i pracował w pracowni Casagemasa, gdzie zaczął malować niemal monochromatyczne kompozycje w niebieskim. Jak zauważa Stella Paul w Chromaphilia: The Story of Color in Art, “Ten wszechobecny niebieski w Starym Gitarzyście jest materialnym wyrazem czegoś smutnego, pozbawionego praw i marginalnego. Nastrój zmierzchu niskich duchów rzuca cień na nienaturalnie niebieskawą skórę podmiotu, jego odzież i otaczającą przestrzeń. Kątowe gesty oraz wydłużone kończyny i cechy tego przygnębionego, ślepego muzyka wzmacniają wrażenia ustanowione przez natarczywy niebieski kolor.” Ale jak możemy zobaczyć na podstawie tych trzech przykładów, Yvesa Kleina, Heleny Frankenthaler i Pablo Picassa, niebieski nie zawsze komunikuje smutek, tak samo jak nie zawsze odnosi się do nieba czy morza. Potencjalny zakres odcieni, do których odnosimy się, mówiąc niebieski, wydaje się być nieskończony. Również potencjalny zakres emocji, uczuć, kontekstów i znaczeń, które możemy wydobyć z koloru, jest równie ogromny.

Pablo Picasso - Śniadanie niewidomego, 1903, olej na płótnie

Obraz wyróżniający: Yves Klein - Bez tytułu Niebieski Monochrom, 1960, zdjęcie © Yves Klein Archive
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio