Trzej Mistrzowie Koloru Niebieskiego w Sztuce Współczesnej
Kiedy widzisz kolor niebieski, co czujesz? Czy opisałbyś to inaczej niż to, co czujesz, gdy słyszysz słowo niebieski lub czytasz je na stronie? Czy informacja przekazywana przez odcień różni się od informacji przekazywanej przez jego nazwę? Cokolwiek czujesz, czy jest możliwe, że to uczucie jest uniwersalne? A może kolor niebieski znaczy coś innego dla różnych ludzi? A co ze zwierzętami? Czy one kojarzą kolor z emocją, czy używają swoich receptorów koloru tylko do przetrwania? Te pytania od wieków intrygują badaczy koloru i pod pewnymi względami nie jesteśmy dziś bliżej odpowiedzi niż sto lat temu. Jednak książka niedawno wydana przez Phaidon Press przybliża nas nieco do zrozumienia koloru, przynajmniej w odniesieniu do sztuki. Napisana przez Stellę Paul, byłą kuratorkę w Los Angeles County Museum of Art oraz byłą dyrektorkę programową w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, Chromaphilia: The Story of Color in Art prezentuje 240 indywidualnych dzieł sztuki. Jej dogłębne badanie koloru rzuca nowe światło na niezliczone sposoby, w jakie dziesięć odrębnych kategorii kolorów było używanych przez artystów na przestrzeni dziejów, a także bada zakres powiązań koloru z nauką, emocjami, estetyką i innymi obszarami ludzkiej kultury. Dziś chcielibyśmy przyjrzeć się bliżej twórczości kilku artystów wspomnianych przez Paul, aby zilustrować zakres i siłę koloru niebieskiego: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso i Yves Klein.
Widzenie koloru
Jedną z dziwnych cech koloru jest to, jak często dwie osoby mogą patrzeć na ten sam przedmiot w tym samym czasie w tym samym miejscu i nadal twierdzić, że widzą inny kolor. Zastanawiamy się: „Jak to możliwe? Czy kolor nie jest obiektywny?” Krótka odpowiedź brzmi: nie. Kolor jest często subiektywny. Powód ma związek z nauką o tym, jak ludzie widzą kolor. Ludzie (i większość innych zwierząt widzących kolory) są trichromatami. Oznacza to, że receptory w ludzkich oczach odbierają trzy podstawowe długości fal odpowiadające kolorom. Być może słyszałeś o modelu kolorów RGB używanym przez niektóre drukarki. Skrót RGB oznacza czerwony, zielony i niebieski. To model kolorów najbliższy ludzkiej percepcji wzrokowej. Oczywiście czerwony, zielony i niebieski to nie jedyne kolory, które ludzkie oko może dostrzec. W rzeczywistości większość ludzi potrafi rozróżnić nawet do siedmiu milionów odcieni. Jednak każdy z tych odcieni jest interpretowany w mózgu po tym, jak oko najpierw odbierze go jako kombinację czerwonego, zielonego i niebieskiego.
Ponadto kolor, który postrzegamy jako kolor danego przedmiotu, nie zależy tylko od samego przedmiotu. Tak, możemy przeanalizować materiał, z którego przedmiot jest wykonany, i dojść do wniosku, jaki kolor ten materiał prawdopodobnie ma na podstawie jego składu chemicznego. Jednak skład chemiczny substancji nie jest jedynym czynnikiem wpływającym na to, jaki kolor postrzegamy. Powodem, dla którego ludzie w ogóle mogą widzieć kolory, jest światło. A światło również może mieć barwę, która może zmieniać kolor, jaki widzą nasze oczy, gdy patrzą na powierzchnię. Co więcej, jedno oko może być bardziej wrażliwe lub po prostu inaczej wrażliwe na światło niż drugie, co powoduje, że mózgi dwóch osób interpretują kolor inaczej. W zasadzie to samo, co pozwala nam widzieć kolory, może też zmieniać naszą percepcję koloru. Dlatego rozmowa o kolorze może czasem wydawać się subiektywna, a spory o to, jaki coś ma kolor, mogą wydawać się wręcz śmieszne.
Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, akryl na płótnie, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Kolor niebieski
Niemniej jednak różnice w postrzeganiu koloru przez różne osoby zwykle nie są tak drastyczne, jak na przykład jedna osoba widzi czerwony, a druga niebieski. Zazwyczaj różnice są subtelniejsze, na przykład jedna osoba widzi błękit nieba, a druga akwamaryn. Jednak bardzo różne mogą być inne rzeczy, które mózg odbiera, patrząc na dany kolor, poza jego właściwościami fizycznymi. Jak zauważa pierwsze zdanie rozdziału o kolorze niebieskim w Chromaphilia: The Story of Color in Art, „Istnieje wiele rodzajów niebieskiego — wszystkie tego samego odcienia, lecz z niewyczerpanymi wariantami wyglądu, efektu, pochodzenia i znaczenia.”
Wygląd już omówiliśmy. Ale prawdziwa zabawa zaczyna się, gdy rozważymy „efekt, pochodzenie i znaczenie.” Jeśli chodzi o efekt, jedna osoba może zobaczyć kolor niebieski i poczuć spokój. Inna może poczuć smutek na widok czegoś niebieskiego. Wiele z tego, jak reagujemy na kolor, ma związek z naszymi wcześniejszymi doświadczeniami z tym kolorem. Pochodzenie to kolejny fascynujący aspekt, ponieważ każda odmiana koloru niebieskiego pochodzi z innego, zasadniczo odmiennego zestawu składników. Różnice w pigmentach niebieskich farb mogą wynikać z różnych kombinacji spoiw i minerałów. Różnice w niebieskim świetle mogą mieć związek z różnymi cząstkami w powietrzu. A jeśli chodzi o znaczenie, to właśnie tutaj sprawy naprawdę się komplikują. Każdy człowiek, każda grupa i każda kultura rozwija własną, osobliwą relację z kolorem niebieskim. Dlatego używając koloru niebieskiego w dziele sztuki, nie sposób przewidzieć, jakie znaczenie zostanie odebrane, gdy dzieło zostanie w końcu obejrzane. Aby zbadać, jak bardzo różne może być postrzeganie niebieskiego w sztuce, rozważmy twórczość trzech artystów wymienionych w Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler i Picasso.
Pablo Picasso - Matka z dzieckiem, 1902, olej na płótnie
Niebieski w dziełach Yves Klein
Jeśli chodzi o sztukę XX wieku i kolor niebieski, żaden artysta nie przychodzi szybciej na myśl niż Yves Klein. Legenda głosi, że jako młody człowiek Klein spędzał czas na plaży ze swoimi przyjaciółmi, artystą Armanem i francuskim kompozytorem Claude’em Pascalem. Trójka podzieliła świat między siebie. Arman wybrał ziemię. Pascal wybrał symbole pisane. A Klein wybrał niebo, natychmiast podnosząc rękę i podpisując się w powietrzu. Od tego momentu kolor stał się dla Kleina ważny. Jedna z jego pierwszych wystaw prezentowała monochromatyczne płótna malowane różnymi czystymi kolorami. Gdy publiczność nie zrozumiała, co chce wyrazić, Klein zdał sobie sprawę, że musi uprościć przekaz i użyć tylko jednego koloru, by wyrazić swój zamysł. W ten sposób rozpoczął proces tworzenia własnego, charakterystycznego odcienia.
Jak wyjaśnia Stella Paul w Chromaphilia: The Story of Color in Art: „[Klein] współpracował z Edouardem Adamem, paryskim sprzedawcą kolorów, który konsultował się z chemikami z Rhone-Poulenc, aby stworzyć syntetyczne spoiwo... Efektem był Rhodopas M60A, który można było rozcieńczać do różnych poziomów lepkości za pomocą etanolu i octanu etylu. To spoiwo zachowuje magiczną luminiscencję pigmentu...Klein zlecił wykonanie własnej, spersonalizowanej syntetycznej farby z użyciem tego nowego spoiwa, którą opatentował jako IKB (International Klein Blue); od 1957 roku używał tego pigmentu niemal wyłącznie.” Klein używał International Klein Blue do tworzenia swoich ikonicznych monochromatycznych niebieskich płócien oraz kilku monumentalnych instalacji publicznych. Używał go także do stworzenia jednych ze swoich najbardziej wpływowych dzieł: performansów, w których nagie modelki pokrywały się IKB, a następnie odciskały swoje ciała w różnych konfiguracjach na płótnach.
Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives
Niebieski w dziełach Helen Frankenthaler
Abstrakcyjna malarka Helen Frankenthaler była kolejną mistrzynią koloru niebieskiego w XX wieku. Frankenthaler wynalazła technikę malarską zwaną soak-stain. Technika polega na wylewaniu farby bezpośrednio na powierzchnię niegruntowanego, nie naciągniętego płótna rozłożonego na podłodze, a następnie pozwalaniu farbie wsiąknąć w włókna i rozprzestrzenić się po powierzchni samoczynnie. Frankenthaler początkowo stosowała tę technikę z farbami olejnymi, ale szybko zauważyła, że farby olejne szybko niszczą surowe płótno. W związku z tym stała się wczesną zwolenniczką farb akrylowych, które nie mają takiego niszczącego wpływu na płótno. Farby akrylowe mają jednak żywe, świetliste właściwości barwne. Poprzez wylewanie różnych czystych odcieni bezpośrednio na swoje płótna, Frankenthaler mogła kierować przepływem farby w sposób, który pozwalał badać relacje kolorystyczne na nowe sposoby, bez koncepcyjnych zakłóceń ze strony takich elementów jak linia, kształt, faktura czy forma.
W Chromaphilia: The Story of Color in Art Stella Paul zwraca szczególną uwagę na obraz Góry i morze, który Helen Frankenthaler namalowała w 1952 roku. Uznawany jest on za pierwsze płótno stworzone przez Frankenthaler z użyciem techniki soak-stain. Paul mówi o tym dziele: „Po powrocie do swojego nowojorskiego atelier po pobycie w Nowej Szkocji, Frankenthaler wspominała, że wchłonęła kanadyjski krajobraz, który zapisał się nie tylko w jej umyśle, ale także w ramieniu i nadgarstku. Z takim tłem umysłowym i cielesnym stworzyła liryczną, pastoralną abstrakcję, by przywołać wspomnienie miejsca poprzez kolor.” Frankenthaler konceptualizowała proces wylewania farby jako sposób przetłumaczenia czegoś wewnętrznego, co nosiła w ciele, na coś zewnętrznego na płótnie. Obraz niemal całkowicie wykorzystuje odcienie czerwieni, zieleni i niebieskiego, z różnymi odcieniami niebieskiego wyróżniającymi się jako abstrakcyjna, a nie figuratywna manifestacja morza.
Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Niebieski w dziełach Picassa
Kolor miał ogromne znaczenie dla Pabla Picassa, zwłaszcza we wczesnych etapach jego kariery artystycznej. Jego prace z tego okresu często klasyfikuje się według koloru, jak w przypadku okresu różowego i niebieskiego. Te klasyfikacje oczywiście wiążą się z dominującymi pigmentami używanymi w jego obrazach w tamtym czasie, ale także odnoszą się do okoliczności jego życia osobistego, które rzekomo wpływały na tematykę, jaką wybierał do przedstawienia za pomocą tych różnych barw. Jego okres różowy trwał mniej więcej od 1904 do 1906 roku. Zbiegł się z początkiem jego związku z kochanką Fernande Olivier oraz przeprowadzką do dzielnicy Montmartre w Paryżu. Prace z okresu różowego przedstawiały radosne obrazy, takie jak harlekiny i cyrki. To pod koniec okresu różowego Picasso namalował swoje przełomowe dzieło, różowawy Les Demoiselles d’Avignon, które często uważa się za prekursor kubizmu.
Okres niebieski Picassa poprzedzał okres różowy i trwał mniej więcej od 1901 do 1904 roku. Był to czas w jego życiu naznaczony świadomością depresji i smutku. Picasso powiedział kiedyś: „Zacząłem malować na niebiesko, gdy dowiedziałem się o śmierci Casagemasa.” To odniesienie do jego drogiego przyjaciela Carlosa Casagemasa, który strzelił sobie w głowę w kawiarni w Paryżu, gdy Picasso był poza miastem. Po powrocie do Paryża Picasso mieszkał i pracował w atelier Casagemasa, gdzie zaczął malować niemal monochromatyczne kompozycje w odcieniach niebieskiego. Jak zauważa Stella Paul w Chromaphilia: The Story of Color in Art, „Wszechobecny niebieski w Starym gitarzyście jest materialnym wyrazem czegoś smutnego, wykluczonego i marginalnego. Zmierzchowy nastrój przygnębienia rzuca cień na nienaturalnie niebieskawą skórę postaci, jego ubrania i otaczającą przestrzeń. Kanciaste gesty oraz wydłużone kończyny i rysy tego przygnębionego, ślepego muzyka wzmacniają wrażenia wywołane przez uporczywy niebieski kolor.” Jednak jak widzimy na przykładzie trzech artystów: Yves Klein, Helen Frankenthaler i Pablo Picasso, niebieski nie zawsze wyraża smutek, tak samo jak nie zawsze odnosi się do nieba czy morza. Potencjalny zakres odcieni, które nazywamy niebieskimi, jest pozornie nieograniczony. Podobnie ogromny jest zakres emocji, uczuć, kontekstów i znaczeń, które możemy wywołać za pomocą tego koloru.
Pablo Picasso - Śniadanie ślepego, 1903, olej na płótnie
Zdjęcie główne: Yves Klein - Bez tytułu, niebieski monochrom, 1960, foto © Yves Klein Archive
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
