Jak Arman zdefiniował assemblage

Nic nie jest bardziej ekscytujące dla miłośnika sztuki niż usłyszeć opowieść artysty opowiedzianą jego własnymi słowami. Historia, jak młody Armand Fernandez przemienił się w Armana, jednego z najbardziej innowacyjnych artystów konceptualnych XX wieku, została opowiedziana z pierwszej ręki w wywiadzie z Armanem nagranym w 1968 roku dla Archiwów Sztuki Amerykańskiej. W tym czarującym wywiadzie Arman szczegółowo opowiada o swoim życiu do tego momentu. Wspomina swoją młodość sprzed wojny, dorastanie w Nicei w kochającej rodzinie. Jego ojciec pochodził z zamożnej rodziny, był niezwykle łagodny, był „niedzielnym (amatorskim) malarzem” i prowadził sklep z antykami. Matka Armana pochodziła z biednej rodziny i nie była akceptowana przez bogatych krewnych męża. Była silna, błyskotliwa, skupiona i utalentowana muzycznie. Arman wspomina niemal głód podczas okupacji nazistowskiej i z dumą mówi o swojej powojennej historii sztuki i edukacji w judo. Na koniec opowiada o przygodach, które doprowadziły go do zostania współzałożycielem Nowego Realizmu, ruchu, który według niego w wywiadzie „trwał dwadzieścia minut.”

Arman, Klein i Pascal Dzielą Świat

Historia, jak Arman związał się z założycielami Nowych Realistów, to opowieść o trzech młodych przyjaciołach podróżujących po Europie po II wojnie światowej. Pewnego popołudnia ci trzej przyjaciele (Arman, artysta Yves Klein i poeta Claude Pascal) znaleźli się na plaży. Jak opowiada Arman, „...postanowiliśmy zostać królami, ale nie królami dla korony, lecz odpowiedzialnymi, świadomymi, odpowiedzialnymi królami... I podzieliliśmy świat. Yves Klein miał wziąć wszystko, co było życiem organicznym... żywym. Claude Pascal wszystko, co było naturalne, ale nieżywe, jak kamienie. A ja wszystko, co było wytworzone.”

Arman - Déchéts Bourgeois (Śmieci Burżuazyjne), 1959. © 2018 Arman Studio

Przez następne sześć dekad Arman rozszerzał swoje panowanie nad „wszystkim, co zostało wytworzone”, estetycznie wyrażając procesy produkcji, konsumpcji i zniszczenia. Gromadził ogromne zbiory produktów, skupiając się na kolekcjach podobnych przedmiotów, znalezionych obiektów i śmieci. Tworzył zbiory, wykonywał odbitki i obrazy, budował rzeźby i płaskorzeźby, często zamykając swoje dzieła w pleksiglasie lub betonie. Skupiał się na eksploracji powtarzalnego języka wizualnego opartego na masowo produkowanych, wytworzonych przedmiotach. Efektem jego płodnej pracy było to, że do czasu śmierci w 2005 roku Arman stał się najsłynniejszym na świecie artystą konceptualnym pracującym w technice zbiorku.

Arman - Poubelle des Enfants (Dziecięce Śmieci), 1960. © 2018 Arman Studio

Sztuka Gromadzenia

Przez całą karierę Arman gromadził rzeczy. Był urodzonym kolekcjonerem. Jednym z jego najwcześniejszych wyrazów aktu gromadzenia było zbieranie i wystawianie nagromadzeń śmieci. Prezentował swoje nagromadzenia śmieci w formie dzieł, które nazywał Poubelles (francuskie słowo na kosz na śmieci). Niektóre z Poubelles Armana były wystawiane w skrzyniach wykonanych z drewna lub pleksiglasu. W być może najsłynniejszym, największym i najbardziej ambitnym Poubelle Arman wypełnił całe pomieszczenie wystawowe Galerie Iris Clert w Paryżu śmieciami. Wystawa nosiła tytuł „Full Up” i była odpowiedzią na wystawę zorganizowaną dwa lata wcześniej w tej samej galerii przez jego przyjaciela Yvesa Kleina pod tytułem „Pustka”, podczas której galeria była pomalowana na jednolitą biel i wystawiała pustą przestrzeń z wyjątkiem pustej szafki przy jednej ze ścian.

Arman’s Colères - Moulin Cubiste, 1961. © 2018 Arman Studio

Oprócz śmieci Arman zbierał zestawy podobnych przedmiotów, które nadal były użyteczne jako produkty. Zaczynał od prostych nagromadzeń przedmiotów takich jak żelazka, gumowe pieczątki i tubki farby. Podobnie jak w przypadku nagromadzeń śmieci, prezentował te zbiory zamknięte w pleksiglasie lub drewnianych skrzyniach. W latach 60. zaczął gromadzić przedmioty o bardziej dramatycznym wpływie estetycznym, takie jak siekiery, wiertarki, instrumenty muzyczne, części maszyn, części samochodowe i ubrania. Kiedy zaczął łączyć te przedmioty w trójwymiarowe rzeźby, stworzył to, co ostatecznie stało się jego charakterystycznym stylem zbiorku.

Arman’s Colères - La Hache de Barney, 1962. © 2018 Arman Studio

Estetyka Rozbicia w Sztuce Armanda Fernandeza

Oprócz tworzenia swoich ikonicznych nagromadzeń i charakterystycznych zbiorków, które badały wytworzone przedmioty z perspektywy konsumpcji i odpadów, Arman poświęcał także dużo czasu rozmyślaniom o zniszczeniu. W cyklu prac, które nazwał Colères, Arman celowo rozbijał lub palił przedmioty, a następnie układał ich połamane kawałki w abstrakcyjne kompozycje na płótnie. Słowo colères oznacza po francusku gniew, a Arman nazywał te prace swoimi „wściekłościami”. Jego Colères obejmowały rozbijanie instrumentów muzycznych, takich jak pianina, saksofony i skrzypce, a także codziennych przedmiotów, jak młynki do kawy, maszyny do pisania i aparaty fotograficzne.

Arman - Cello Chairs, 1993, odlane z brązu krzesła w kształcie wiolonczeli, 85 x 41 x 48 cm. © 2018 Arman Studio

Arman badał także zniszczenie z perspektywy cięcia, dzieląc przedmioty na części. Podobnie jak w przypadku rozbitych przedmiotów, często przecinał instrumenty muzyczne i eksponował je na płótnach. W innych przypadkach wycinał fragmenty rzeźb, na przykład statuetkę Joanny d’Arc z 1962 roku, z której wyciął duże części ciała. Czasem te pocięte przedmioty wydawały się filozoficzną zagadką, próbując zbadać, jak coś działa, rozbierając to na części, by przestało działać. Innym razem, jak w przypadku jego pociętego zbiorku z 1997 roku The Spirit of Yamaha, graniczyły z kaprysem lub wręcz absurdem.

Arman - Section Bulls, 1956, odbitki gumowych pieczątek na papierze przytwierdzone do panelu, 50 x 31 cm. © 2018 Arman Studio

Arman Producent kontra Arman Artysta

Arman nie interesował się tylko znalezionymi przedmiotami i odpadkami. Oprócz badania gromadzenia, konsumpcji i zniszczenia produktów, spędził dużą część swojej kariery na badaniu aktu produkcji. Robił to poprzez rzeźbę. Pewnego razu wykonał gipsowy odlew nagiego ciała swojego przyjaciela Yvesa Kleina, odlał go w brązie, a następnie pomalował na Yves Klein Blue. Podobnie jak w innych technikach, często wracał w swoich rzeźbach do motywu instrumentów muzycznych. Czasem jego rzeźby instrumentów muzycznych powstawały w wielu egzemplarzach, czasem były rozcinane i wystawiane w częściach, a czasem przerabiał je na meble, takie jak podstawa stołu czy krzesło.

Arman - Allure au Bretelle, 1958, tusz na papierze zamontowany na płótnie, 150 x 204 cm. © 2018 Arman Studio

Dzieła Dwuwymiarowe

Arman był także płodnym twórcą dzieł dwuwymiarowych. Zanim wynalazł swój charakterystyczny styl zbiorku, rozpoczął badanie powtórzeń w dziełach dwuwymiarowych. Jego najwcześniejsze badania powtórzeń przybrały formę tego, co nazwał Cachets i Allures. Cachets to dwuwymiarowe prace tworzone z powtarzających się znaków nanoszonych na powierzchnię za pomocą tradycyjnych gumowych pieczątek. Allures były podobne, ale polegały na tworzeniu abstrakcyjnych kompozycji za pomocą odbić przypominających pieczątki zwykłych przedmiotów zanurzonych w tuszu.

Arman - Bez tytułu, 1994, farba akrylowa i pędzle zamontowane na płótnie. © 2018 Arman Studio

W cyklu prac, które nazwał Obrazami Pędzla, Arman zapełnił lukę koncepcyjną między swoimi dziełami dwuwymiarowymi a praktyką gromadzenia i zbiorku. W tych pracach używał pędzla do nanoszenia farby na dwuwymiarową powierzchnię, a następnie przytwierdzał pędzel do powierzchni. Efektem był obraz zawierający rzeźbiarskie elementy samych pędzli, które go malowały. Choć Arman przez całą karierę składał hołdy i odniesienia do kubistów, te prace stanowią koncepcyjny triumf w zdolności uchwycenia czasu i procesu, stając się czterowymiarowymi w swojej obecności, osiągając coś, co było bliskie samym kubistom.

Arman - Long Term Parking, 1982. © 2018 Arman Studio

Publiczne Dziedzictwo Armana

Jednym z najważniejszych darów Armana jest jego autentyczność. Od młodości był kolekcjonerem i kimś, kto doceniał wytworzone przedmioty, cechy zachęcane przez pracę jego ojca jako handlarza antykami. Był autentycznym miłośnikiem muzyki, cechą wspieraną przez jego matkę, wiolonczelistkę. Podczas wojny przez wiele lat był na skraju głodu wraz z większością swoich sąsiadów. Te wczesne wpływy przejawiały się jako uznanie estetyki instrumentów muzycznych, fascynacja zgromadzonymi, zmarnowanymi i porzuconymi zasobami oraz miłość do kolekcjonowania, ochrony i zachowania.

Arman - Nuits de Chine, 1976. © 2018 Arman Studio

Kiedy przybył do Ameryki w latach 60., Arman zobaczył kulturę inną niż ta, którą zostawił w powojennej Europie. Był świadkiem masowej konsumpcji na skalę większą niż kiedykolwiek wcześniej na świecie. Jego trwały komentarz na temat kultury, której stał się częścią, najlepiej oddaje jedna z jego monumentalnych rzeźb publicznych, dzieło o wysokości 18 metrów zatytułowane Long Term Parking. Praca składa się z 60 samochodów zatopionych w betonie.

Arman - The Spirit of Yamaha, 1997, pocięte pianino z motocyklami Yamaha. © 2018 Arman Studio

Choć być może niejednoznaczna w znaczeniu, ta rzeźba, jak wiele dzieł Armana, przemawia do czegoś intuicyjnego i nowoczesnego, co nie pozostawia obojętnym żadnego współczesnego człowieka. Mówi o samej idei zbiorku: składaniu rozmaitych części, przekształcaniu naszych porzuconych kawałków, naszych połamanych fragmentów, gruzu i naszej zbiorowej tożsamości w coś znaczącego, a jeśli mamy szczęście, pięknego.

Zdjęcie główne: Arman - Accumulation Renault nr 106, 1967
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio