Franz Kline i jego sposób malowania akcji

Co jeśli od początku nie byliśmy przeznaczeni do interpretacji hieroglifów? Co jeśli nie były one symbolami, lecz po prostu formami estetycznymi, które miały być doceniane jako sztuka? Z pewnością mogą być doceniane w ten sposób przez tych z nas, którzy i tak nie potrafią ich czytać. Prace Franza Kline'a reprezentują moment w ewolucji ekspresjonizmu abstrakcyjnego, kiedy zadano podobne pytanie, czy interpretacja jest konieczna lub nawet możliwa w przypadku niektórej sztuki abstrakcyjnej. Ikoniczna technika gestualna Kline'a, w połączeniu z jego użyciem zwykłych pędzli do malowania, zaowocowała śladami pędzla, które na pierwszy rzut oka pasują do tych wykonanych przez innych malarzy akcji, takich jak Willem de Kooning i Jackson Pollock. Ale podczas gdy ci malarze tworzyli prace głęboko zakorzenione w ukrytym znaczeniu, Kline tworzył prace, które odnosiły się tylko do samej siebie. Pociągnięcia pędzla, które stworzył, były, jak wyjaśnił, „niezwiązane z żadnym bytem poza ich własnym istnieniem.”

Poszukiwanie Franza Kline'a

Gdyby kiedykolwiek istniał malarz, który mógłby poświęcić całe życie na zgłębianie głębi podświadomości, byłby to Franz Kline. Wczesne życie Kline'a było pełne bólu. Jego ojciec zmarł, gdy Franz miał zaledwie siedem lat, a jego matka wkrótce potem porzuciła go w sierocińcu i ponownie wyszła za mąż. Później żona Franza również cierpiała na częste epizody choroby psychicznej i spędzała czas w szpitalach psychiatrycznych. W połączeniu z egzystencjalnym zamętem, który dotykał cały świat w latach 40. XX wieku, osobiste zmagania Kline'a uczyniły go idealnym przedstawicielem idei dotyczących podświadomości i mistycznego objawienia, które pojawiały się w społeczności Abstrakcyjnego Ekspresjonizmu.

Franz Kline - Bez tytułu II, 1952, tusz i olej na wyciętych i sklejonych stronach książki telefonicznej na papierze na desce, 11 x 9 cali. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Podobnie jak wielu jego współczesnych, Kline był pierwotnie szkolony jako malarz figuratywny. Jego wczesne prace pokazują doskonałe opanowanie techniki formalnej oraz zaawansowany talent do rysunku. Przeszedł do abstrakcji po nawiązaniu przyjaźni z członkami Nowojorskiej Szkoły, takimi jak Willem de Kooning, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Hans Hoffman i Philip Guston. Dzięki ich wpływowi, Kline zawęził swoje zainteresowania, badając naturę pociągnięć pędzla w dużych akcjach malarskich, które składały się z uproszczonej, czarno-białej palety. Jednak spojrzenie na jego wcześniejsze prace, chociaż figuratywne z natury, takie jak Puppet in the Paint Box, ujawnia niektóre z tych samych pociągnięć pędzla oraz surowe opanowanie kompozycji i koloru, które zdefiniowały abstrakcyjny styl, który ostatecznie uczynił go sławnym.

Franz Kline w swoim studiu, 1954, na okładce magazynu LIFE z dwoma jego ikonicznymi czarno-białymi obrazami. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Minimalistyczny link

Mimo że był przyjacielem i do dziś jest związany z założycielami nowojorskiej szkoły ekspresjonizmu abstrakcyjnego, twórczość Kline'a różni się od ich w specyficzny i ważny sposób. Podczas gdy inni ekspresjoniści abstrakcyjni czerpali z własnych uczuć, intuicji i podświadomych emocji, tworząc dzieła głęboko osobiste i pełne ukrytych znaczeń, Kline tworzył prace, które dotyczyły formalnych cech malarstwa, takich jak farba, pociągnięcie pędzla, kompozycja i kolor.

Franz Kline - Bez tytułu – Lokomotywa. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Pożyczył technikę malarstwa gestualnego, która została opracowana przez jego kolegów z grupy ekspresjonistów abstrakcyjnych, a z jej pomocą rozwinął swój własny, wyraźny, aktywny, fizyczny styl. Jednak w ikonicznych obrazach akcji Kline’a nie było mistycyzmu ani ukrytego znaczenia. Co więcej, kompozycje malarskie Kline’a nie były spontaniczne i instynktowne jak prace Pollocka, lecz były raczej zaplanowane z wyprzedzeniem, często szczegółowo szkicowane na stronach starych książek telefonicznych.

Zamiast wyjaśniać lub analizować treść swoich dzieł, Kline zachęcał widzów do prostego interakcji z samymi znakami i kompozycjami, nie szukając symboliki ani znaczenia, lecz po prostu wchodząc w interakcję z formalnymi cechami sztuki. Te prace dotyczyły wyłącznie jednostkowej estetycznej apreciacji jego charakterystycznych pociągnięć pędzla i otaczającej negatywnej przestrzeni. Kline uważał, że emocjonalny wpływ dzieła można w pełni doświadczyć poprzez docenienie tych formalnych cech i nalegał, że to jest najważniejsza rzecz, na której należy się skupić. Dzięki temu osobistemu stylowi stał się swego rodzaju ogniwem między mistycyzmem ekspresjonistów abstrakcyjnych a formalizmem przyjętym przez minimalistów.

Franz Kline - Bez tytułu – Fotel bujany. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Połączenie de Kooninga

Najczęściej powtarzaną historią o ewolucji Kline'a w mistrza abstrakcji jest ta: Już tworzył gestualne obrazy akcyjne, choć w małej skali. Te prace, takie jak Untitled – Locomotive i Untitled – Rocking Chair, obie z 1946 roku, zawierają wszystkie surowe materiały pociągnięcia, linii, koloru i kompozycji, które ostatecznie zdefiniują jego późniejszy styl. Zgodnie z legendą, przyjaciel Kline'a, Willem de Kooning, zachęcał Kline'a do projektowania tych małych obrazów głównie na ścianę, tak powiększonych, że mógł po prostu docenić poszczególne pociągnięcia pędzla same w sobie.

Franz Kline - Chief, 1950, olej na płótnie, 58 3/8 x 73 ½ cali. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Jak w każdej historii ze świata sztuki, ta również ma swoich przeciwników. Niezależnie od tego, czy jest to mit oparty na faktach, czy nie, nie ma to znaczenia. Z jego prac z końca lat 40. XX wieku widać, że Kline już zmierzał w kierunku izolowania formalnej natury i cech swoich pociągnięć pędzla. Niezależnie od tego, czy to de Kooning zalecił mu pracę w dużym formacie, koncentrując pociągnięcia pędzla w monumentalnym ujęciu, czy sam wpadł na ten pomysł, nie ma to większego znaczenia. Tak czy inaczej, do 1950 roku w pełni zaakceptował ideę pracy w dużym formacie. W tym roku otrzymał swoją pierwszą wystawę solową w Charles Egan Gallery w Nowym Jorku, która zaprezentowała jego prace z dużymi pociągnięciami pędzla, takie jak Chief, w Ameryce.

Cy Twombly - Bez tytułu, 1951, farba przemysłowa na płótnie, 85 x 101 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Franz Kline Nauczyciel

W ciągu lat 50. Kline stał się coraz bardziej znany i wpływowy. W tym czasie uczył w kilku różnych instytucjach, w tym w Black Mountain College i Pratt Institute w Brooklynie. Najbardziej widoczne w pracach jego studentów jest ich gotowość do eksploracji własnego związku z gestem, tworzeniem znaków i fizycznością. Jednym z najsłynniejszych studentów Kline'a był abstrakcyjny malarz Cy Twombly, który studiował u Kline'a w 1951 roku w Black Mountain. Własny ikoniczny styl Twombly'ego to wysoce indywidualna forma malarstwa akcji, głęboko wpływająca na technikę Kline'a.

Franz Kline - King Oliver, 1958, Olej na płótnie, 251,4 x 196,8 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Pod koniec lat 50. Kline rozszerzył swój styl, aby obejmował szerszą paletę kolorów. W takich dziełach jak King Oliver, namalowanym w 1958 roku, jego ikoniczny osobisty styl wciąż jest widoczny, podobnie jak jego gesturalne pociągnięcia pędzla. Jednak zwiększona paleta kolorów dodaje nowe wymiary do pracy, które odciągają uwagę od cech znaków i kierują ją w stronę głębszej analizy innych formalnych cech obrazu. Kline zdobył międzynarodową sławę w tym okresie swojego życia dzięki temu, że jego prace zostały uwzględnione w podróżującej wystawie zorganizowanej przez nowojorskie MoMA pod tytułem The New American Painting, która odbyła się w Europie w 1958 roku.

Franz Kline zmarł nagle w 1962 roku na niewydolność serca. Choć nigdy nie doczekał się pełnego rozkwitu ruchów takich jak Minimalizm i Post-Painterly Abstraction, jego skupienie na formalnych cechach tworzenia znaków w Abstrakcyjnym Ekspresjonizmie zdecydowanie przyczyniło się do ich intelektualnego rozwoju i krytycznego sukcesu. Dzięki ikonicznym dziełom Kline'a widzimy, jak powstaje konceptualny most. Jego praca jako artysty i nauczyciela zachęcała wielu w jego pokoleniu oraz przyszłych pokoleniach do postrzegania obrazów jako obiektów, a nie mediów czy pośredników do transcendentnych doświadczeń, i wspierała późny Modernizm XX wieku w jego dążeniu do pozostania wynalazczym i wolnym.

Obraz wyróżniony: Franz Kline - Marionetka w pudełku z farbami, 1940, Olej na desce płóciennej, 14 x 18 cali.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio