Franz Kline i jego sposób malowania akcji
A co jeśli przez cały czas nie mieliśmy interpretować hieroglifów? A co jeśli nie były to symbole, lecz po prostu formy estetyczne, które należy doceniać jako dzieła sztuki? Z pewnością mogą być tak doceniane przez tych z nas, którzy i tak ich nie potrafią czytać. Twórczość Franza Kline’a reprezentuje moment w rozwoju ekspresjonizmu abstrakcyjnego, gdy pojawiło się podobne pytanie, czy interpretacja jest konieczna lub nawet możliwa w przypadku niektórych dzieł abstrakcyjnych. Ikoniczna gestualna technika Kline’a, połączona z użyciem zwykłych pędzli do malowania domowego, zaowocowała śladami pędzla, które na pierwszy rzut oka są zgodne z tymi, jakie tworzyli inni malarze akcji, tacy jak Willem de Kooning i Jackson Pollock. Jednak podczas gdy ci malarze tworzyli dzieła głęboko osadzone w ukrytym znaczeniu, Kline tworzył prace, które odnosiły się tylko do samego siebie. Ślady pędzla, które tworzył, jak wyjaśniał, były „niezwiązane z żadnym bytem poza ich własnym istnieniem.”
Poszukiwania Franza Kline’a
Jeśli kiedykolwiek istniał malarz, który mógł poświęcić całe życie na zgłębianie podświadomości, to był nim Franz Kline. Wczesne życie Kline’a było pełne bólu. Jego ojciec zmarł, gdy Franz miał zaledwie siedem lat, a jego matka wkrótce potem porzuciła go w sierocińcu i ponownie wyszła za mąż. Później żona Franza cierpiała na częste epizody choroby psychicznej i spędzała czas w szpitalach psychiatrycznych. W połączeniu z egzystencjalnym niepokojem, jaki ogarnął cały świat w latach 40., osobiste zmagania Kline’a uczyniły go idealnym przedstawicielem idei dotyczących podświadomości i mistycznego objawienia, które pojawiały się w środowisku ekspresjonistów abstrakcyjnych.
Franz Kline - Bez tytułu II, 1952, tusz i olej na wyciętych i przyklejonych stronach książki telefonicznej na papierze na desce, 28 x 23 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Podobnie jak wielu jego współczesnych, Kline początkowo był szkolony jako malarz figuratywny. Jego wczesne dzieła pokazują doskonałe opanowanie techniki formalnej i zaawansowany talent do rysunku. Przeszedł do abstrakcji po zaprzyjaźnieniu się z członkami Szkoły Nowojorskiej, takimi jak Willem de Kooning, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Hans Hoffman i Philip Guston. Pod ich wpływem Kline zawęził swoje zainteresowania, badając naturę pociągnięć pędzla w wielkoformatowych obrazach akcji, które składały się z uproszczonej, czarno-białej palety. Jednak spojrzenie na jego wcześniejsze prace, choć figuratywne, takie jak Lalka w skrzynce z farbami, ujawnia niektóre z tych samych pociągnięć pędzla oraz surowe wyczucie kompozycji i koloru, które zdefiniowały abstrakcyjny styl, dzięki któremu ostatecznie stał się sławny.
Franz Kline w swoim atelier, 1954, na okładce magazynu LIFE z dwoma swoimi ikonicznymi czarno-białymi obrazami. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Minimalistyczne powiązanie
Chociaż był przyjacielem i do dziś kojarzony jest z założycielami Szkoły Nowojorskiej ekspresjonistów abstrakcyjnych, twórczość Kline’a różni się od ich w istotny i ważny sposób. Podczas gdy inni ekspresjoniści abstrakcyjni eksplorowali własne uczucia, intuicje i podświadome emocje, tworząc dzieła głęboko osobiste i pełne ukrytego znaczenia, Kline tworzył prace dotyczące formalnych cech malarstwa, takich jak farba, pociągnięcie pędzla, kompozycja i kolor.
Franz Kline - Bez tytułu – Lokomotywa. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Zapoczątkował technikę malarstwa gestualnego, opracowaną przez jego kolegów ekspresjonistów abstrakcyjnych, i dzięki niej rozwinął własny, wyrazisty, aktywny, fizyczny styl. Jednak w ikonicznych obrazach akcji Kline’a nie było mistycyzmu ani ukrytego znaczenia. Co więcej, jego malarskie kompozycje nie były spontaniczne i instynktowne jak dzieła Pollocka, lecz raczej zaplanowane z wyprzedzeniem, często szczegółowo szkicowane na stronach starych książek telefonicznych.
Zamiast wyjaśniać lub analizować treść swoich dzieł, Kline zachęcał widzów do bezpośredniego obcowania ze śladami i kompozycjami, nie szukając symboliki ani znaczenia, lecz po prostu doświadczając formalnych cech sztuki. Te prace dotyczyły wyłącznie pojedynczej estetycznej wartości jego charakterystycznych pociągnięć pędzla i otaczającej ich przestrzeni negatywnej. Kline uważał, że emocjonalny wpływ dzieła można w pełni odczuć poprzez docenienie tych formalnych cech i nalegał, by to było najważniejsze, na czym należy się skupić. Dzięki temu osobistemu stylowi stał się swego rodzaju łącznikiem między mistycyzmem ekspresjonistów abstrakcyjnych a formalizmem przyjętym przez minimalistów.
Franz Kline - Bez tytułu – Fotel bujany. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Powiązanie z de Kooningiem
Najczęściej powtarzana historia o ewolucji Kline’a w mistrza abstrakcji jest taka: już tworzył gestualne obrazy akcji, choć na małą skalę. Te prace, takie jak Bez tytułu – Lokomotywa i Bez tytułu – Fotel bujany, oba z 1946 roku, zawierają wszystkie surowe elementy pociągnięć, linii, koloru i kompozycji, które ostatecznie zdefiniowały jego późniejszy styl. Według legendy, przyjaciel Kline’a, Willem de Kooning, zachęcił go, by powiększył te małe obrazy na ścianę, tak bardzo, by mógł po prostu docenić pojedyncze pociągnięcia pędzla jako takie.
Franz Kline - Chief, 1950, olej na płótnie, 148 x 187 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Jak to bywa ze wszystkimi opowieściami ze świata sztuki, ta również ma swoich sceptyków. Czy jest to mit oparty na faktach, czy nie, jest jednak bez znaczenia. Z jego prac z końca lat 40. wynika jasno, że Kline już zmierzał w kierunku izolowania formalnej natury i cech swoich śladów pędzla. Niezależnie od tego, czy to de Kooning zasugerował mu pracę na dużą skalę, skupiającą uwagę na monumentalnych pociągnięciach pędzla, czy sam wpadł na ten pomysł, nie ma to większego znaczenia. Tak czy inaczej, do 1950 roku w pełni przyjął ideę pracy na dużą skalę. W tym roku odbyła się jego pierwsza indywidualna wystawa w nowojorskiej galerii Charles Egan, która zaprezentowała jego wielkoformatowe obrazy z pociągnięciami pędzla, takie jak Chief, Ameryce.
Cy Twombly - Bez tytułu, 1951, farba przemysłowa na płótnie, 85 x 101 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Franz Kline jako nauczyciel
W całych latach 50. Kline zyskiwał coraz większą sławę i wpływy. W tym czasie uczył w kilku różnych instytucjach, w tym na Black Mountain College i w Instytucie Pratta w Brooklynie. Najbardziej widoczne w pracach jego uczniów jest ich gotowość do eksplorowania własnego związku z gestem, tworzeniem znaków i cielesnością. Jednym z najsłynniejszych uczniów Kline’a był malarz abstrakcyjny Cy Twombly, który studiował u Kline’a w 1951 roku na Black Mountain. Ikoniczny styl Twombly’ego to wysoce indywidualna forma malarstwa akcji, głęboko inspirowana techniką Kline’a.
Franz Kline - King Oliver, 1958, olej na płótnie, 251,4 x 196,8 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Pod koniec lat 50. Kline rozszerzył swój styl o szerszą paletę barw. W dziełach takich jak King Oliver, namalowanym w 1958 roku, jego ikoniczny, osobisty styl jest nadal widoczny, podobnie jak gestualne pociągnięcia pędzla. Jednak poszerzona paleta barw dodaje nowy wymiar pracy, który odciąga uwagę od cech śladów i kieruje ją ku głębszemu badaniu innych formalnych cech obrazu. Kline zdobył międzynarodową sławę w tym okresie życia dzięki udziałowi w podróżującej wystawie zorganizowanej przez nowojorskie MoMA pod tytułem Nowe malarstwo amerykańskie, która w 1958 roku objechała Europę.
Franz Kline zmarł nagle w 1962 roku na niewydolność serca. Choć nie doczekał pełnego rozkwitu ruchów takich jak minimalizm i postmalarstwo abstrakcyjne, jego skupienie na formalnych cechach znaków ekspresjonizmu abstrakcyjnego zdecydowanie przyczyniło się do ich intelektualnego rozwoju i sukcesu krytycznego. Dzięki ikonicznym dziełom Kline’a widzimy, jak powstaje pomost koncepcyjny. Jego praca jako artysty i nauczyciela zachęciła wielu z jego pokolenia i przyszłych pokoleń do traktowania obrazów jako przedmiotów, a nie mediów czy pośredników w doświadczeniach transcendentalnych, i wspierała późny modernizm XX wieku w jego dążeniu do pozostania twórczym i wolnym.
Zdjęcie główne: Franz Kline - Lalka w skrzynce z farbami, 1940, olej na desce płóciennej, 36 x 46 cm.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
