10 południowoamerykańskich artystów abstrakcyjnych, na których warto zwrócić uwagę w 2025 roku

Południowoamerykańska sztuka abstrakcyjna przeżywa niezwykły renesans, napędzany bezprecedensową walidacją rynkową i globalnym uznaniem instytucjonalnym.

Ten renesans to nie tylko kuratorski trend; potwierdzają go rosnące ceny na aukcjach dzieł mistrzów połowy XX wieku, takich jak Lygia Pape i Hélio Oiticica, oraz reprezentacja historycznych majątków i współczesnych twórców przez elitarne galerie światowe, takie jak Hauser & Wirth, Pace i David Zwirner.

Równocześnie muzea od Getty po Museum of Modern Art podjęły poważne naukowe rewizje ruchów takich jak neo-konkretyzm i sztuka kinetyczna, przesuwając je z peryferii do centrum światowej historii sztuki.

Dziesięciu artystów wyróżnionych tutaj to spadkobiercy i innowatorzy tej ożywionej tradycji, wykorzystujący jej potężny język wizualny do eksploracji współczesnych kwestii tożsamości, materialności i miejsca.

Ad Minoliti (Argentyna)

Ad Minoliti (ur. 1980) wyłonił się jako jeden z najbardziej innowacyjnych głosów współczesnej południowoamerykańskiej abstrakcji, tworząc to, co nazywa „postgeometrycznymi” dziełami, które wykorzystują „geometrię i kolor do budowania niebinarnych spekulatywnych fikcji”. Ich główna wystawa „Manifestación pluriversal” w Contemporary Art Museum St. Louis (wrzesień 2024-luty 2025) zaprezentowała amerykańskiej publiczności ich charakterystyczne podejście do abstrakcji jako praktyki społecznej.

Twórczość Minoliti czerpie z bogatej argentyńskiej tradycji abstrakcji geometrycznej, jednocześnie całkowicie przekształcając jej możliwości. Ich „cukierkowe palety” i zabawne badania formalne tworzą to, co The Guardian określił jako „geometrię niebinarną”: abstrakcyjne dzieła, które poprzez czysto wizualne środki kwestionują tradycyjne myślenie binarne. Ostatnie projekty eksplorują tematy takie jak queerowość, feminizm i spekulatywne przyszłości, pokazując, jak sztuka abstrakcyjna może angażować się w współczesne kwestie społeczne.

Ich wystawa „Nature is Queer” (2024) oraz udział w „The Feminist School of Painting” w Galerie Crèvecoeur świadczą o rosnącym międzynarodowym uznaniu. Prace Minoliti reprezentują nowe pokolenie południowoamerykańskich artystów wykorzystujących abstrakcję do wyobrażania alternatywnych przyszłości i kwestionowania ustalonych struktur społecznych.

Bruno Dunley (Brazylia)

Bruno Dunley (ur. 1984, Petrópolis) zyskał miano tego, co krytycy nazywają „malarzem malarzy”: artysty, którego prace wykazują głębokie zrozumienie fundamentalnych właściwości malarstwa, jednocześnie przesuwając medium w nowe obszary. Jego niedawna solowa wystawa „Pequenas Alegrias” (Małe Radości) w Nara Roesler Rio de Janeiro (kwiecień-czerwiec 2024) ukazała dojrzałe podejście do abstrakcji jako procesu ciągłej rewizji i udoskonalania.

Obrazy Dunleya odsłaniają się powoli, budowane warstwami nakładania, edycji i wymazywania. Jego powściągliwe gesty tworzą dzieła, które zdają się unosić między reprezentacją a czystą abstrakcją, z formami sugerującymi krajobraz, architekturę lub czystą emocję, w zależności od perspektywy widza. Krytycy zauważyli związek jego twórczości zarówno z geometrycznymi badaniami Alfredo Volpiego, jak i bardziej malarskimi podejściami współczesnych europejskich artystów, takich jak Luc Tuymans.

Jego wystawa z 2023 roku „Clouds” w Nara Roesler New York badała abstrakcję jako „abstrakcyjne zjawisko”, analizując, jak zjawiska naturalne mogą być przetłumaczone na czysto formalne badania.

Obecnie reprezentowany przez Nara Roesler, Dunley kontynuuje rozwijanie unikalnego brazylijskiego podejścia do współczesnego malarstwa, które honoruje modernistyczne dziedzictwo kraju, pozostając jednocześnie całkowicie współczesne.

Cristina Ghetti (Argentyna/Hiszpania)

Argentyńska artystka Cristina Ghetti (ur. 1969) pracuje w Walencji w Hiszpanii, gdzie rozwinęła charakterystyczne podejście do abstrakcji geometrycznej łączące Op Art, Abstrakcję Geometryczną i Sztukę Kinetyczną. Posiada tytuł magistra sztuk wizualnych i multimediów oraz obroniła pracę doktorską zatytułowaną „Post Medial Geometry” na Politechnice Walencjańskiej, łącząc artystyczną intuicję z akademicką rygorystycznością.

Jej obrazy wykorzystują rygorystyczne systemy geometryczne, które tworzą subtelne przesunięcia percepcyjne, sprawiając, że statyczne kompozycje wydają się pulsować i oddychać. Pracując w tradycji Op Art, serialne struktury kolorystyczne Ghetti tworzą to, co opisuje jako „wizualną muzykę”: wzory, które zdają się generować własne właściwości akustyczne za pomocą wyłącznie wizualnych środków. Jej technika polega na tworzeniu cyfrowych kompozycji, które oszukują umysł, by dostrzegał ruch i głębię, a następnie przekłada je na akrylowe obrazy na płótnie.

Prace Ghetti były szeroko wystawiane, między innymi w MACBA Buenos Aires, Ambasadzie Argentyny w Waszyngtonie oraz w Frost Art Museum w Miami. Jej dzieła znajdują się w stałych kolekcjach, takich jak Narodowe Muzeum Sztuki Współczesnej i Designu w San José w Kostaryce oraz Miejskie Muzeum Sztuk Plastycznych Eduardo Sívori w Buenos Aires, co świadczy o jej trwałym związku z południowoamerykańską sceną artystyczną mimo bazowania w Hiszpanii.

Daniela Marin (Wenezuela/Peru)

Urodzona w Wenezueli Daniela Marin (ur. 1977) ugruntowała swoją pozycję jako jeden z najbardziej przekonujących głosów we współczesnej abstrakcji południowoamerykańskiej, działając z bazy w Limie w Peru. Absolwentka prestiżowej szkoły Altos de Chavón School of Design, Marin tworzy dzieła pulsujące architektoniczną precyzją, zachowując jednocześnie niemal muzyczny rytm w relacjach kolorystycznych.

Jej obrazy ukazują to, co można nazwać "konstruktywnym liryzmem": każde płótno budowane jest poprzez metodyczne nakładanie warstw geometrycznych form, które w jakiś sposób przekraczają swoje matematyczne pochodzenie, osiągając coś głęboko emocjonalnego. Luminescencja, którą osiąga dzięki starannej orkiestracji kolorów, przywodzi na myśl wielkich wenezuelskich artystów kinetycznych, jednak jej prace pozostają wyraźnie współczesne w swoim konceptualnym rygorze.

Obecnie reprezentowana przez IdeelArt, twórczość Marin odzwierciedla międzykulturowy dialog między jej wenezuelskim dziedzictwem a przyjętym peruwiańskim domem, tworząc abstrakcje, które odnoszą się do szerszego latynoamerykańskiego doświadczenia migracji i syntezy kulturowej.

Francisca Aninat (Chile)

Chilijska artystka Francisca Aninat opracowała jedno z najbardziej charakterystycznych podejść do abstrakcyjnego malarstwa we współczesnej sztuce południowoamerykańskiej. Jej proces, polegający na dosłownym rozdzieraniu malowanych płócien i ponownym ich zszywaniu, tworzy dzieła funkcjonujące zarówno jako obrazy, jak i obiekty tekstylne, kwestionując tradycyjne granice między mediami.

Jej niedawna solowa wystawa "Hills in the Distance" w Bendana-Pinel w Paryżu (do lipca 2024) pokazała, jak jej podarte i zszywane płótna tworzą to, co nazywa "abstrakcją dotykową". Każde dzieło staje się medytacją nad pamięcią, traumą i uzdrowieniem, a fizyczny akt naprawy staje się centralnym elementem znaczenia pracy.

Proces Aninat zwraca uwagę na fundamentalną materialność malarstwa, tworząc jednocześnie dzieła, które odnoszą się do szerszych tematów fragmentacji i rekonstrukcji — tematów, które silnie rezonują w kontekście skomplikowanej historii politycznej Chile. Jej prace znajdują się w kolekcjach, w tym w Women's Art Collection Uniwersytetu Cambridge, a ona nadal rozwija swoje unikalne podejście do abstrakcji jako doświadczenia zarówno wizualnego, jak i fizycznego.

Jaime Gili (Wenezuela/Wielka Brytania)

Wenezuelski artysta mieszkający w Londynie Jaime Gili od dekad rozwija charakterystyczne podejście do abstrakcji geometrycznej, które celebruje „kinetyzm i optymizm sztuki, architektury i designu modernistycznego z połowy XX wieku”, pozostając jednocześnie całkowicie współczesne w swoich problemach. Jego obrazy o wysokim nasyceniu kolorów i ostrych krawędziach tworzą to, co jeden z krytyków opisał jako „elektryczną geometrię w ruchu”.

Prace Gili wyraźnie czerpią z bogatej tradycji sztuki kinetycznej i geometrycznej Wenezueli, ale na nowo ożywiają te historyczne odniesienia dla współczesnej publiczności. Jego obrazy, grafiki i dzieła publiczne pokazują, jak latynoamerykańskie tradycje modernistyczne mogą zostać odnowione bez popadania w nostalgię. Ostatnie prace coraz częściej angażują się w sytuację polityczną w jego ojczyźnie, używając abstrakcyjnych środków do poruszania konkretnych realiów społecznych.

Mieszkający i pracujący w Wielkiej Brytanii od 1996 roku Gili reprezentuje globalny zasięg południowoamerykańskiej sztuki abstrakcyjnej. Jego prace znajdują się w ważnych kolekcjach i nadal wpływają na młodszych artystów eksplorujących przecięcie abstrakcji geometrycznej i zaangażowania politycznego.

Johanna Unzueta (Chile)

Johanna Unzueta (ur. 1974, Santiago) tworzy to, co można nazwać „ciepłym minimalizmem” — geometryczne abstrakcje wykorzystujące naturalne materiały i ręczne procesy, tworzące dzieła, które są jednocześnie systematyczne i głęboko ludzkie. Pracując między Nowym Jorkiem a Berlinem, Unzueta rozwinęła charakterystyczną praktykę łączącą filc, drewno i rysunek w zintegrowane systemy.

Jej niedawna wystawa „Naturalist” w Casey Kaplan (2024) ukazała dojrzałe podejście do abstrakcji jako środka eksploracji relacji między środowiskami naturalnymi a zbudowanymi. Jej prace z filcu szczególnie pokazują, jak tradycyjne techniki rzemieślnicze mogą być wykorzystane do tworzenia wyrafinowanych abstrakcyjnych kompozycji, które odnoszą się zarówno do rdzennych tradycji tekstylnych, jak i współczesnej sztuki minimalistycznej.

Prace Unzuety poruszają „pojęcia pracy, produktywności i postępu” poprzez ręczne procesy, które celowo spowalniają produkcję artystyczną. Jej geometryczne kompozycje, tworzone przez intuicyjną ekspresję, a nie systemy matematyczne, skutkują dziełami, które wydają się jednocześnie współczesne i ponadczasowe. Jest również aktywna w projektowaniu redakcyjnym i publikacjach artystycznych, co odzwierciedla jej szerokie zaangażowanie w kulturę wizualną.

Marina Perez Simão (Brazylia)

Marina Perez Simão (ur. 1980, Vitória) jest jedną z najbardziej cenionych współczesnych brazylijskich malarek abstrakcyjnych, a rok 2025 będzie przełomowy dla jej międzynarodowego uznania. Jej główna wystawa instytucjonalna „Tuning Fork” w Instituto Tomie Ohtake (sierpień-październik 2025) to jej pierwsza duża wystawa muzealna w Brazylii, a udział w „Horizontes - Peintures brésiliennes” w Fondation Cartier w Paryżu (kwiecień-październik 2023), wprowadził jej twórczość do europejskiej publiczności.

Reprezentowana zarówno przez Pace Gallery, jak i Mendes Wood DM, Simão tworzy obrazy balansujące na granicy pejzażu, nigdy nie stając się w pełni przedstawieniowymi. Jej nasycone strefy kolorystyczne zdają się rozpuszczać w czystą atmosferę, tworząc dzieła, które są równie doświadczeniami emocjonalnymi, co wizualnymi. Jej proces, oparty na akumulacji i zestawianiu wspomnień oraz obrazów, skutkuje obrazami, które są zarówno głęboko osobiste, jak i uniwersalnie rezonujące.

Najnowsze wystawy to „Diffusion” w Mendes Wood DM Paris (2024) oraz „ZWIELICHT” w G2 Kunsthalle w Lipsku, co świadczy o jej rosnącej międzynarodowej obecności. Jej twórczość reprezentuje wyraźnie brazylijskie podejście do abstrakcji, które łączy bogate dziedzictwo modernizmu kraju z jego współczesną pozycją na świecie.

Marina Weffort (Brazylia)

Marina Weffort (ur. 1980, São Paulo) reprezentuje czołówkę brazylijskiej abstrakcji tekstylnej, tworząc dzieła na styku malarstwa, rzeźby i rzemiosła. Reprezentowana przez Galeria Luisa Strina, jedną z najbardziej prestiżowych galerii sztuki współczesnej w Brazylii, Weffort pracuje z malarstwem, rysunkiem, obiektami i instalacjami, badając relacje między materiałem, procesem a znaczeniem.

Jej minimalistyczne abstrakcje tekstylne wykorzystują cięte i tkane tkaniny do tworzenia struktur przypominających kratownice, które zdają się oddychać światłem. Te prace kwestionują tradycyjne hierarchie między sztuką wysoką a rzemiosłem, pokazując, jak techniki tekstylne mogą być użyte do tworzenia wyrafinowanych abstrakcyjnych kompozycji, które odnoszą się zarówno do brazylijskich tradycji kulturowych, jak i współczesnego międzynarodowego dyskursu artystycznego.

Praktyka Weffort odzwierciedla szerszy trend we współczesnej sztuce brazylijskiej, skierowany na eksperymenty z materiałem i prace oparte na procesie. Jej badania nad relacjami między różnymi mediami skutkują dziełami, które są zarówno konceptualnie rygorystyczne, jak i zmysłowo atrakcyjne, reprezentując nową generację brazylijskich artystów poszerzających możliwości sztuki abstrakcyjnej.

Martin Reyna (Argentina)

Martin Reyna wyłonił się jako mistrz tego, co można nazwać „płynną geometrią”. Pracując głównie w akwareli, medium często lekceważonym w poważnym dyskursie abstrakcyjnym, Reyna tworzy wielkoformatowe prace, w których grawitacja staje się jego głównym narzędziem kompozycyjnym. Jego pionowe spływy farby spływają po papierze z kontrolowaną spontanicznością, tworząc efekty atmosferyczne sugerujące zarówno zjawiska naturalne, jak i czyste doświadczenie chromatyczne.

Mieszkający między Buenos Aires a Paryżem, Reyna łączy swobodę gestu ekspresjonizmu abstrakcyjnego z badaniami pola koloru artystów takich jak Helen Frankenthaler, ale z wyraźnie południowoamerykańską wrażliwością. Jego obrazy często przywołują rozległe krajobrazy argentyńskich pamp, pozostając jednak zdecydowanie nieprzedstawiające.

Najnowsze prace artysty zyskały uwagę dzięki wyrafinowanemu zrozumieniu, jak nieprzewidywalność akwareli może być wykorzystana do tworzenia dzieł o zaskakującej integralności strukturalnej. Każdy obraz czyta się jak wizualna partytura, z relacjami kolorów, które zdają się generować własną wewnętrzną muzykę.

Jego prace były niedawno tematem wystawy muzealnej „The Sound of Color” w MACA-Zulia w Wenezueli, potwierdzając jego miejsce w szerszym kontekście latynoamerykańskiej abstrakcji.

Obecnie reprezentowany przez IdeelArt, Reyna kontynuuje rozwijanie swojego unikalnego podejścia do abstrakcji za pomocą mediów płynnych. 

+   +   +

Ci dziesięciu artystów reprezentuje różnorodność i żywotność współczesnej południowoamerykańskiej sztuki abstrakcyjnej, każdy z nich wnosi unikalną perspektywę do trwającego dialogu między abstrakcją a tożsamością, tradycją a innowacją.

To, co ich łączy, to nie wspólny styl czy podejście, lecz zaangażowanie w przesuwanie granic sztuki abstrakcyjnej na nowe terytoria, pozostając jednocześnie związanym z bogatymi tradycjami kulturowymi ich regionu. W miarę jak sztuka południowoamerykańska zdobywa międzynarodowe uznanie, ci artyści odgrywają kluczową rolę w definiowaniu, czym jest abstrakcja w XXI wieku.

Ich prace pokazują, że południowoamerykańska sztuka abstrakcyjna nie tylko podąża za międzynarodowymi trendami, ale aktywnie je kształtuje, tworząc nowe możliwości dla abstrakcji, która może angażować się w współczesne realia społeczne, polityczne i kulturowe, zachowując jednocześnie swoje podstawowe zobowiązanie do formalnej innowacji i estetycznego doświadczenia.

Autor: Francis Berthomier

Zdjęcie wyróżnione: Double Wave autorstwa Cristiny Ghetti (2017, detal). Wszystkie zdjęcia dzięki uprzejmości artystów.

Kup dzieła sztuki od południowoamerykańskich artystów na IdeelArt