Dlaczego obrazy siatki Stanleya Whitneya mają znaczenie

Ostatnie obrazy amerykańskiego malarza abstrakcyjnego Stanleya Whitney'a mają wyraźną, siatkową jakość. Są architektonicznymi stosami kolorów, przywodzącymi na myśl kolorowe paski telewizyjne neo-plastycyzmu. A jego ostatnie rysunki jeszcze bardziej odsłaniają jego przyciąganie do siatki, składając się z prostych kompozycji grubych czarnych linii przypominających prymitywną szachownicę lub sieć rybacką. Jednak Whitney nie zawsze był malarzem siatkowym. Siatka była czymś, do czego zbliżał się przez dziesięciolecia. W rzeczywistości, przeglądając pięćdziesięcioletnią historię jego obrazów, nie można nie przypisać pracy pewnego rodzaju progresywnej narracji, która wykracza daleko poza jej początki i staje się zarówno prostsza, jak i głębsza w miarę upływu czasu. To ironiczne, ponieważ Whitney kiedyś powiedział w podcaście Modern Art News, że powodem, dla którego przyjął abstrakcyjny język wizualny, było to, że „nie chciałem naprawdę być opowiadaczem historii.” Ale jego estetyczna ewolucja rzeczywiście opowiada historię. To nie jest typowa, heroiczna historia z początku, środka i końca. Raczej przypomina chronologię lub serię relacji z pierwszej linii frontu trwającej bitwy. Ta bitwa, którą Stanley Whitney toczył jeszcze przed zwróceniem się ku abstrakcji pod koniec lat 60., dotyczy mediów malarstwa i rysunku oraz ich roli w wyrażaniu koloru i przestrzeni.

Kolorowa młodość

Nie jest zaskoczeniem, że Stanley Whitney stał się znany z badania koloru. Teraz, w swoich 70. latach, opowiada piękną historię o tym, jak jako dziesięcioletni chłopiec uczęszczał na swoje pierwsze zajęcia malarskie w lokalnej szkole w swoim rodzinnym mieście Bryn Mawr w Pensylwanii. Nauczycielka poleciła dzieciom w klasie namalować autoportrety. Podczas gdy inni uczniowie starali się uchwycić swoje różne realistyczne oblicza, Whitney czuł się bardziej przyciągany do koloru niż do tematyki przedstawiającej.

Zamiast próbować wymieszać paletę kolorów, która odnosiłaby się do jego rzeczywistego wyglądu, stworzył autoportret, który zawierał każdy kolor, jaki mógł wymyślić. Whitney mówi, że nauczycielowi podobał się obraz, ale jego rodzice go nie rozumieli. Nigdy nie odesłali go z powrotem na zajęcia. Ale to nie powstrzymało Whitneya przed fascynacją możliwościami malarstwa i koloru. W rzeczywistości nie jest przesadą powiedzieć, że od tamtego dnia, jako dziesięciolatek na swoich pierwszych zajęciach malarskich, Stanley Whitney pozostał zaangażowany w poszukiwanie idealnego sposobu, aby uczynić kolor swoim tematem.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake

Znalezienie przestrzeni

Oprócz swojego zamiłowania do koloru, Stanley Whitney jako młody człowiek był również przyciągany do procesu rysowania. Jego czarno-białe rysunki na początku wydawały się nie mieć związku z jego miłością do koloru, ale istniał subtelny związek między tymi dwoma, który zajęło mu wiele lat, aby dostrzec. Związek ten ma coś wspólnego z przestrzenią. Tworząc swoje czarno-białe rysunki, odkrył, że rozkład przestrzeni może zachodzić na niezliczone sposoby, gdy linie negocjują swoje relacje z białą przestrzenią w kompozycji. Jednak gdy stawał się coraz bardziej biegły w malarstwie, był zdezorientowany, jak osiągnąć tę samą negocjację przestrzeni z kolorem.

W jego wczesnych pracach figuratywnych kolory wydają się klaustrofobiczne i ciasne. W jego pierwszych próbach z abstrakcją, które były wariacjami na temat malarstwa Color Field z dodatkowymi gesturalnymi znakami, kolory wydają się zbyt luźne. Powiedział: „Chcę dużo powietrza w pracy. Chcę dużo przestrzeni w pracy.” Ale wydawał się przytłoczony tym, jak dokładnie stworzyć lekkość na tle przestrzeni płótna. Jego objawienie przyszło w latach 70. podczas podróży do Morza Śródziemnego. Podczas wizyty w Egipcie i Rzymie dostrzegł odpowiedź w architekturze i świetle. Starożytna architektura wyrażała strukturę, kontrolę i demokratyczny potencjał ułożonych elementów. Śródziemnomorskie cienie i światło pokazały mu, że kolor i światło są tym samym, a chłodne i ciepłe kolory, jak chłodne i ciepłe światło, wyrażają przestrzeń. To odblokowało tajemnicę malarstwa, która, jak mówi, „Powietrze i przestrzeń mogą być w kolorze, a nie że kolor był na przestrzeni."

Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake

Metodyczny proces

„To był początek zbiegania się rzeczy,” mówi Whitney. Od tego momentu powoli ewoluował w kierunku obrazów siatkowych, które tworzy dzisiaj. Eksplorował użycie gestów przypominających graffiti, aby określić, jak kolor może być wyrażany przez linię, podobnie jak w pracach Mondriana. Badano różne sposoby podejścia do siatki, od ułożonych kształtów po rzędy kropek i pasy kolorów. Wiedział, że chce mieć szkieletową strukturę, aby w równy sposób pomieścić swoje kolory, ale także nie chciał, aby zasada siatki zmuszała jego prace w określonym kierunku. Chciał znaleźć idealną mieszankę struktury i wolności, jak Jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake

Dojrzałe prace w formie siatki, które teraz tworzy Stanley Whitney, są czyste i stabilne. Na pierwszy rzut oka wydają się nawet pozbawione części surowości i niepokoju, które sprawiały, że jego wcześniejsze dzieła były tak żywe. Jednak przy bliższym przyjrzeniu się, malarskie ślady ludzkiej ręki są widoczne, a złożoność kompozycji ujawnia głębokość, z jaką Whitney wciąż zmaga się ze swoim dylematem. Znalazł sposób, aby uczynić kolor swoim tematem. Odkrył sekret, że kolor i światło to to samo, a obie są manifestacjami przestrzeni. I dzięki tym odkryciom stworzył zbiór prac, który jest bogaty i niezaprzeczalnie pełen znaczenia. Ale pomimo swoich odkryć, pozostał na krawędzi ostrza, nigdy nie ujawniając, a może nigdy nie wiedząc lub nie dbając o to, co dokładnie to znaczenie jest.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake

Obraz wyróżniony: Stanley Whitney - Bez tytułu, 2016, olej na lnie, zdjęcia dzięki Galerie Nordenhake
Wszystkie obrazy © artysty i Galerie Nordenhake;
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio