Dlaczego obrazy siatki Stanleya Whitneya mają znaczenie

Najnowsze obrazy amerykańskiego malarza abstrakcyjnego Stanleya Whitney mają wyraźną, siatkową jakość. To architektoniczne stosy kolorów, przywodzące na myśl neoplastyczne kolorowe paski telewizyjne. Jego ostatnie rysunki jeszcze bardziej uwidaczniają jego fascynację siatką, składając się z prostych kompozycji grubych czarnych linii przypominających prymitywną szachownicę lub sieć rybacką. Jednak Whitney nie zawsze był malarzem siatkowym. Do siatki zaczął się zbliżać dopiero po wielu latach. W rzeczywistości, przeglądając jego obrazy z ostatnich pięćdziesięciu lat, nie sposób nie dostrzec pewnej progresywnej narracji w jego twórczości, która wykracza daleko poza jej początki, stając się po drodze zarówno prostsza, jak i głębsza. To ironiczne, ponieważ Whitney powiedział kiedyś w podcaście Modern Art News, że powodem, dla którego przyjął abstrakcyjny język wizualny, było to, że „nie chciałem być opowiadaczem historii.” Jednak jego estetyczna ewolucja opowiada pewną historię. Nie jest to typowa, heroiczna opowieść z początkiem, środkiem i końcem. To raczej chronologia lub seria relacji z pierwszej linii trwającej walki. Ta walka, którą Stanley Whitney toczy od czasów sprzed zwrócenia się ku abstrakcji pod koniec lat 60., dotyczy środków malarstwa i rysunku oraz ich roli w wyrażaniu koloru i przestrzeni.

Kolorowa młodość

Nie dziwi fakt, że Stanley Whitney stał się znany z badania koloru. Teraz, będąc w siedemdziesiątce, opowiada piękną historię o tym, jak jako dziesięciolatek uczęszczał na pierwsze zajęcia z malarstwa w sąsiedniej szkole w swoim rodzinnym mieście Bryn Mawr w Pensylwanii. Nauczyciel polecił dzieciom namalować autoportrety. Podczas gdy inni uczniowie próbowali uchwycić swoje realistyczne oblicza, Whitney bardziej ciągnęło do koloru niż do przedstawiania rzeczywistych postaci.

Zamiast próbować wymieszać paletę kolorów odpowiadającą jego rzeczywistemu wyglądowi, stworzył autoportret zawierający każdy kolor, jaki tylko potrafił wymyślić. Whitney mówi, że nauczycielowi podobał się obraz, ale jego rodzice go nie rozumieli. Nigdy nie posłali go z powrotem na zajęcia. Jednak to nie powstrzymało Whitney’a przed fascynacją możliwościami malarstwa i koloru. W rzeczywistości można śmiało powiedzieć, że od tamtego dnia, gdy jako dziesięciolatek był na pierwszych zajęciach z malarstwa, Stanley Whitney pozostał wierny poszukiwaniu idealnego sposobu, by uczynić kolor swoim tematem.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, zdjęcia dzięki uprzejmości Galerie Nordenhake

Odnajdywanie przestrzeni

Oprócz fascynacji kolorem, Stanley Whitney jako młodzieniec był również zafascynowany procesem rysowania. Jego czarno-białe rysunki na pierwszy rzut oka wydawały się nie mieć związku z jego miłością do koloru, ale istniało subtelne powiązanie między nimi, które zajęło mu wiele lat, by je dostrzec. To powiązanie ma coś wspólnego z przestrzenią. Tworząc swoje czarno-białe rysunki, odkrył, że rozłożenie przestrzeni może odbywać się na niezliczone sposoby, gdy linie negocjują swój związek z białą przestrzenią w kompozycji. Jednak gdy stawał się coraz bardziej biegły w malarstwie, nie potrafił zrozumieć, jak osiągnąć tę samą negocjację przestrzeni za pomocą koloru.

W swoich wczesnych pracach figuratywnych kolory wydają się klaustrofobiczne i ciasne. W pierwszych próbach abstrakcji, które były wariacjami na temat malarstwa pola koloru z dodatkowymi gesturalnymi znakami, kolory wydają się zbyt luźne. Powiedział: „Chcę dużo powietrza w pracy. Chcę dużo przestrzeni w pracy.” Jednak wydawał się zablokowany, nie wiedząc dokładnie, jak stworzyć lekkość na powierzchni płótna. Jego objawienie nastąpiło w latach 70. podczas podróży po Morzu Śródziemnym. Odwiedzając Egipt i Rzym, zobaczył odpowiedź w architekturze i świetle. Starożytna architektura wyrażała strukturę, kontrolę i demokratyczny potencjał ułożonych elementów. Cienie i światło Morza Śródziemnego pokazały mu, że kolor i światło są tym samym, a chłodne i ciepłe kolory, podobnie jak chłodne i ciepłe światło, wyrażają przestrzeń. To odblokowało tajemnicę malarstwa, którą, jak mówi, „Powietrze i przestrzeń mogą być w kolorze, a nie kolor na przestrzeni.”

Stanley Whitney - Bez tytułu, 2013, grafit na papierze, zdjęcia dzięki uprzejmości Galerie Nordenhake

Metodyczny proces

„To był początek scalania się wszystkiego,” mówi Whitney. Od tego momentu powoli ewoluował w kierunku obrazów siatkowych, które tworzy dziś. Eksplorował użycie gestów przypominających graffiti, by określić, jak kolor może być wyrażony przez linię, podobnie jak w pracach Mondriana. Badał różne sposoby podejścia do siatki, od ułożonych kształtów po rzędy kropek i pasy kolorów. Wiedział, że chce mieć szkieletową ramę, która równomiernie pomieści jego kolory, ale jednocześnie nie chciał, by zasady siatki narzucały jego dziełom konkretny kierunek. Chciał znaleźć idealną mieszankę struktury i wolności, jak w jazzie.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, olej na lnie, zdjęcia dzięki uprzejmości Galerie Nordenhake

Dojrzałe prace siatkowe, które Stanley Whitney tworzy obecnie, są czyste i stabilne. Na pierwszy rzut oka wydają się nawet pozbawione pewnej surowości i niepokoju, które sprawiały, że jego wcześniejsze dzieła były tak żywe. Jednak przy bliższym spojrzeniu widać malarskie ślady ludzkiej ręki, a złożoność kompozycji ukazuje głębię, z jaką Whitney wciąż zmaga się ze swoim dylematem. Znalazł sposób, by uczynić kolor swoim tematem. Odkrył sekret, że kolor i światło są tym samym i są obydwoma przejawami przestrzeni. Dzięki tym odkryciom stworzył zbiór dzieł bogatych i niezaprzeczalnie pełnych znaczenia. Mimo tych odkryć pozostał na ostrzu brzytwy, nigdy nie ujawniając, a może nigdy nie wiedząc lub nie dbając, co dokładnie to znaczenie oznacza.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, olej na płótnie, zdjęcia dzięki uprzejmości Galerie Nordenhake

Zdjęcie główne: Stanley Whitney - Bez tytułu, 2016, olej na lnie, zdjęcia dzięki uprzejmości Galerie Nordenhake
Wszystkie zdjęcia © artysta i Galerie Nordenhake;
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio