Ewolucja stylu w dziełach sztuki Pieta Mondriana

Wielu artystów dąży do wyrażenia tego, co jest uniwersalne. Ale co to znaczy, uniwersalne? Dla Piet Mondriana oznaczało to duchowość: ale nie dogmatycznie ani religijnie. Raczej Mondrian używał słowa duchowość, aby odnieść się do podstawowej równowagi, która łączy wszystkie istoty. Prolificzne dzieło Piet Mondriana, na które możemy dzisiaj spojrzeć, opowiada historię artysty, który przeszedł estetyczną ewolucję, od obiektywnej, figuralnej reprezentacji do czystej abstrakcji. Śledząc tę ewolucję przez różne etapy, możemy podążać za Mondrianem w jego osobistej filozoficznej i artystycznej podróży, w której dążył do zrozumienia uniwersalnej istoty ludzkości i do doskonałego wyrażenia jej poprzez sztukę abstrakcyjną.

Młody Piet Mondrian

Jak wielu artystów abstrakcyjnych, Piet Mondrian rozpoczął swoje artystyczne kształcenie od nauki dokładnego kopiowania naturalnego świata. Od najmłodszych lat uczył się rysunku od swojego ojca, a od swojego wujka, profesjonalnego artysty, nauczył się malować. W wieku 20 lat Mondrian zapisał się do Królewskiej Akademii Sztuk Wizualnych w Amsterdamie, gdzie kontynuował naukę klasycznej techniki. Stał się biegły w kopiowaniu dzieł mistrzów. W momencie ukończenia studiów był ekspertem w rysunku technicznym i rozwinął analityczne umiejętności niezbędne do perfekcyjnego kopiowania obrazów z rzeczywistości.

Ale po ukończeniu szkoły Mondrian został wystawiony na wpływy postimpresjonistów, a jego wizja tego, co mógł osiągnąć poprzez malarstwo, zaczęła się rozwijać. Zainspirował się różnymi sposobami, w jakie ci artyści próbowali wyrazić coś bardziej rzeczywistego, na przykład poprzez intensyfikację jakości światła lub doświadczenia koloru, niż mogłoby to być wyrażone poprzez bezpośrednie naśladownictwo. Mondrian badał techniki artystów takich jak Georges Seurat i Paul Cézanne i rozpoczął proces odrywania się od malarstwa przedstawiającego. Poprzez abstrakcję poszukiwał sposobów wyrażania podstawowej prawdy o świecie naturalnym.

Piet Mondrian - Wieczór: Czerwone drzewo, 1908-1910. 99 x 70 cm. Gemeentemuseum den Haag, Haga, Holandia  

Refleksje na temat istoty

Na początek Mondrian wyeliminował potrzebę malowania w realistycznych kolorach i porzucił konieczność doskonałego naśladowania formy. Zwykle pracował w seriach, malując ten sam obraz na wiele subtelnie różnych sposobów. Na przykład, w serii obrazów, którą rozpoczął około 1905 roku, namalował ten sam dom wiejski w kilku różnych stylach, zmieniając kolory, zmieniając swoje przedstawienie formy i zmieniając swoje użycie linii. W każdym obrazie są podobieństwa, takie jak to, że dom wiejski odbija się w pobliskim zbiorniku wodnym, a jednak w każdym obrazie nastrój jest inny. Mimo różnych nastrojów, każdy z nich posiada poczucie naturalnej, harmonijnej równowagi.

Przez proces pracy w seriach, Mondrian był w stanie zastosować swoje umiejętności analityczne do różnych wyników, do których doszedł. Stał się biegły w rozumieniu różnych sposobów, w jakie abstrakcja może wpływać na emocjonalne i estetyczne cechy jego obrazów. Stał się również bardziej świadomy podstawowych, uniwersalnych wzorców, które istnieją w świecie naturalnym oraz sposobów, w jakie ludzie interpretują je jako estetycznie przyjemne. Jak powiedział; „Jeśli uniwersalne jest istotne, to jest podstawą całego życia i sztuki. Uznanie i zjednoczenie się z uniwersalnym daje nam zatem największą estetyczną satysfakcję, największe emocje piękna.”

Piet Mondrian - Kwitnąca Jabłoń, 1912

Duch i miejsce

W 1908 roku Mondrian został członkiem Towarzystwa Teozoficznego, organizacji, która wśród swoich członków miała również artystów takich jak Wassily Kandinsky i Theo van Doesburg. Teozofowie poszukiwali sposobów na połączenie się z i zrozumienie starożytnej duchowej mądrości wszechświata. Mondrian był przekonany, że sztuka jest bezpośrednio związana z wyższymi pytaniami życia i że poprzez sztukę można komunikować harmonijną istotę istnienia. Pod wpływem duchowego poszukiwania teozofów uniwersalnej mądrości, Mondrian dążył do uproszczenia swojego podejścia, aby stać się prostszym, aby wrócić do podstawowej natury rzeczy. To przejawiało się w jego sztuce na różne sposoby, takie jak bardziej zredukowane formy i czystsze użycie koloru, jak w Wieczór: Czerwone drzewo, z 1908 roku.

Jego proces redukcji języka wizualnego osiągnął najważniejszy punkt zwrotny w 1912 roku, kiedy Mondrian przeniósł się do Paryża. Tam awangarda była zdominowana przez idee Kubizmu Analitycznego. Sposób, w jaki Kubizm konfrontował powierzchnie i płaszczyzny oraz sposób, w jaki ograniczał swoją paletę kolorów, zachęcił Mondriana do pełnego zaangażowania się w abstrakcję. Choć nie interesowało go uchwycenie poczucia ruchu czy czterowymiarowości, eksperymentował z kubistycznym użyciem płaszczyzn i przyjął ich stonowane oraz uproszczone użycie koloru.

Piet Mondrian - Szare drzewo, 1911. Olej na płótnie. 78,50 cm × 107,5 cm (30,9 in × 42,3 in). Gemeentemuseum Den Haag, Haga

Znów w domu

W 1914 roku Mondrian opuścił Paryż, aby odbyć krótką wizytę w domu, by zobaczyć swojego ojca. Wybuch I wojny światowej jednak zatrzymał go w Holandii na następne pięć lat. Chociaż w tym czasie był oddalony od awangardy Paryża, Mondrian kontynuował swoją misję destylacji swojego abstrakcyjnego języka wizualnego, aby wyrazić harmonijną istotę uniwersalnego. Przypadkowo, w tym samym czasie w Holandii znajdowało się dwóch artystów, których podobne estetyczne poszukiwania ugruntowały ikoniczny styl, który Mondrian ostatecznie rozwinął. Jednym z tych artystów, Bart van der Leck, przekonał Mondriana, że jego użycie koloru wciąż jest reprezentacyjne i że powinien skupić się na czystych, podstawowych kolorach.

Innym artystą był Theo van Doesburg, który wpłynął na Mondriana, aby spłaszczył swoje obrazy w celu wyeliminowania objętości i pozostawienia tylko linii i koloru. Mondrian powiedział o tym objawieniu: „Doszedłem do zniszczenia objętości poprzez użycie płaszczyzny. Osiągnąłem to za pomocą linii przecinających płaszczyzny. Ale wciąż płaszczyzna pozostawała zbyt nienaruszona. Więc doszedłem do tworzenia tylko linii i wprowadziłem kolor w obrębie linii. Teraz jedynym problemem było zniszczenie tych linii również poprzez wzajemne przeciwieństwa.”

Piet Mondrian - Kompozycja, 1916, Olej na płótnie, z drewnem, 47 1/4 x 29 3/4 cala (120 x 75,6 cm), Muzeum Solomona R. Guggenheima, Nowy Jork Kolekcja Założycielska Solomona R. Guggenheima, © 2007 Mondrian/Holtzman Trust

Ewolucja w kierunku harmonii

To właśnie razem z Theo van Doesburgiem i Bartem van der Leckiem podczas I wojny światowej Mondrian skutecznie rozwinął to, co dziś uważamy za jego zindywidualizowany styl. Nazwali swoje podejście De Stijl, co po holendersku oznacza Styl. Udało im się osiągnąć czystą abstrakcję, wolną od wszelkich odniesień figuratywnych. Mondrian nawet wyeliminował użycie tytułów referencyjnych, nazywając swoje obrazy De Stijl kompozycjami, którym towarzyszyły jedynie konkretne opisy ich kolorów.

W swoich wczesnych pracach De Stijl Mondrian używał pól koloru w wielu odcieniach oraz linii poziomych, pionowych i ukośnych. Szybko jednak wyeliminował linie ukośne, preferując używanie tylko linii poziomych i pionowych, które uważał za reprezentujące siły równoważące w naturze, takie jak działanie i bezczynność, czy ruch i spokój. Van Doesburg jednak utrzymywał użycie linii ukośnych, uważając podejście Mondriana za zbyt ograniczające i dogmatyczne. Ta niewielka różnica spowodowała zakończenie współpracy obu artystów i doprowadziła do końca De Stijl.

Piet Mondrian - Kompozycja II w czerwieni, niebieskim i żółtym, 1929. Olej i papier na płótnie. 59,5 cm × 59,5 cm (23,4 in × 23,4 in). Muzeum Narodowe, Belgrad, Serbia

Wyrażanie Uniwersalnego

Po rozstaniu Van Doesburga i Mondriana, każdy z nich nadał nową nazwę swoim indywidualnym interpretacjom De Stijl. Van Doesburg nazwał swój nowy styl Elementaryzmem, a Mondrian nazwał swój nowy styl Neo-Plastycyzmem. Oprócz używania tylko linii poziomych i pionowych, Neo-Plastycyzm obejmował jedynie kolory podstawowe: czerwony, niebieski i żółty, oraz podstawowe wartości: czarny, biały i szary. Plastyk w Neo-Plastycyzmie pochodził z historii odnoszenia się do wszystkich sztuk, które próbowały reprezentować rzeczywistość trójwymiarową jako sztuki plastyczne. Neo-Plastycyzm komunikował, że Mondrian wierzył, iż jego w pełni zabstractowany styl przedstawia w najprostszy i najbardziej bezpośredni sposób to, co jest istotne, realne i uniwersalne.

Istnieje wiele poglądów na temat abstrakcji przez redukcję. Niektórzy uważają, że ukrywa to, co jest prawdziwe. Inni wierzą, że ujawnia to, co jest istotne. Niektórzy traktują to jako tożsame z generalizacją, a zatem interpretują to jako z natury niekompletne. Poprzez Neo-Plastyzm, Mondrian przedstawił pewny punkt widzenia na ten temat. Mondrian wierzył, że redukcja jest niezbędna, aby ludzie mogli osiągnąć nasz najwyższy stan istnienia. Wierzył, że komplikacje są przejawami najniższych elementów ludzkiej natury, a drobne szczegóły prowadzą nas do skupienia się na naszych ogromnych indywidualnych różnicach, uniemożliwiając nam osiągnięcie poczucia uniwersalności. Dążąc do tego, co najprostsze, najistotniejsze i najbardziej zrozumiałe dla wszystkich, próbował stworzyć nowy i całkowicie abstrakcyjny język wizualny, który mógłby być zrozumiały dla każdego, kto się z nim zetknie i mógłby połączyć nas wszystkich w głęboki i uniwersalny sposób.

Obraz wyróżniony: Piet Mondrian - Widok skrócony na młyn Broekzijder na Gein, skrzydła zwrócone na zachód, 1902. Olej na płótnie na tekturze. 30,2 x 38,1 cm. Kolekcja MOMA
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio