Carmen Herrera: Linie widzenia

Kosmolodzy twierdzą, że gdy patrzymy w przestrzeń kosmiczną, cofamy się w czasie. Galaktyki, które widzimy przez teleskopy, mogą już nie istnieć. Ale czy to ma znaczenie dla światła? Ono jest tutaj teraz, by pomóc nam widzieć. Po co komplikować sprawy? Carmen Herrera to osoba, która wierzy w prostotę. Jako artystka ma wiele wspólnego z kosmicznym światłem. Zaczęła malować w latach 30. XX wieku, ale nie sprzedała swojego pierwszego dzieła sztuki aż do 89. roku życia, mimo że była związana z niektórymi z najsłynniejszych i najbardziej wpływowych artystów XX wieku. Teraz, mając 101 lat, cieszy się swoją pierwszą retrospektywą muzealną w Whitney Museum w Nowym Jorku. Wystawa zatytułowana Lines of Sight obejmuje prace z wczesnego okresu jej kariery, od 1948 do 1978 roku. Obok dzieł narracja bada możliwe powody, dla których Herrera spędziła większość swojej kariery pracując niemal całkowicie anonimowo. Była Kubanką w ideologicznym, uprzedzonym, zdominowanym przez białych mężczyzn świecie sztuki przeszłości. Jednak choć niektóre elementy tej opowieści są niepodważalne, historia odbiera siłę pewnej siebie, utalentowanej artystce. Prostszym wyjaśnieniem jest to, że Carmen Herrera po prostu wybrała swój własny czas, który jest teraz. My wybieramy, by po prostu pozwolić jej światłu nas oświetlić, bez względu na to, jak długo podróżowało, by tu dotrzeć, lub co mu stanęło na drodze.

Interpretacje powierzchni

Najbardziej uderzającą obserwacją podczas zwiedzania Lines of Sight jest przemiana widoczna w pracach na przestrzeni wystawy. Dzieła są ułożone mniej więcej w porządku chronologicznym, co pozwala widzom rozważyć formalną i koncepcyjną ewolucję, jaką Herrera przeszła przez lata. Z materialnego punktu widzenia widzimy, że Herrera zaczynała malować na szorstkim płótnie jutowym. Pokrycie szerokich oczek płótna jutowego wymaga dużej ilości farby. Oprócz abstrakcyjnych cech, obrazy takie jak A City, namalowany w 1948 roku, oraz Siete, z 1949 roku, posiadają surową, emocjonalną, malarską jakość dzięki fizyczności i materialności ich powierzchni.

W tych wczesnych obrazach widoczne jest także to, jak Herrera wykorzystywała płótno w porównaniu z tym, jak pracowała później w swojej karierze. Obrazy takie jak Field of Combat zawierają stosunkowo wiele form i kolorów w porównaniu z jej późniejszymi pracami. Kilka jej dzieł z końca lat 40. i początku 50. bawi się pojęciami iluzji optycznej i symbolizmu, opierając się na złożonych wzorach wizualnych i systemach. We wszystkich tych wczesnych obrazach czuć, że Herrera postrzega płótno jako podłoże dla obrazu, a kwestie, którymi się zajmuje, zawarte są właśnie na powierzchni dzieła.

Carmen Herrera - Paryż, 1948 - 1954. Widok wystawy

Poszerzona przestrzeń

Podczas pobytu w Paryżu Herrera rozwinęła perspektywę, że w jej obrazach dzieje się zbyt wiele. Zainteresowała się upraszczaniem swojej pracy. Zaczęła ograniczać paletę do jednego lub dwóch kolorów i drastycznie zmniejszyła swój słownik form. Ta przemiana jest pięknie zaprezentowana jako centralny punkt Lines of Sight, poprzez wybór prac z serii, którą Herrera stworzyła w latach 50., zwanej Blanco y Verde. Wszystkie te prace wykorzystują kolory zielony i biały oraz opierają się na formach tak oszczędnych, że często wydają się bardziej liniami.

Obok celu, jaki Herrera postawiła sobie, by uprościć paletę i język form, zmieniła także sposób postrzegania istoty obrazów jako przedmiotów. Zaczęła postrzegać swoje płótna mniej jako powierzchnie do malowania, a bardziej jako przedmioty zajmujące przestrzeń. Kontynuowała malowane formy poza front płótna na boki i tworzyła kompozycje, które wykraczały poza granice płótna, w przestrzeń.

Carmen Herrera - Pole walki, 1952; Zielony ogród, 1950; Bez tytułu, 1947-48 (od lewej do prawej)

Mity stworzenia

Poszerzając swoje spojrzenie na obrazy jako przedmioty, Herrera zaczęła także pracować w przestrzeni trójwymiarowej, tworząc obiekty stojące bezpośrednio na podłodze lub rzeźbiarskie w swojej obecności, ale wiszące na ścianie. Poprzez takie prace Herrera pozwala widzom w pełni zamieszkać w swoich estetycznych propozycjach. Możliwość uważnego i pełnego rozważenia tych form oraz sposobu, w jaki zajmują otoczenie, oferuje poszerzone, kontemplacyjne zrozumienie pozostałych dzieł na wystawie.

Z jednej szczególnej perspektywy na wystawie ta kontemplacyjna warstwa otwiera się pięknie, gdy widzimy, jak Herrera bada tę samą przestrzenną rozmowę w różnych dziełach na ekspozycji: obraz z serii Blanco y Verde, monochromatyczny czerwony obiekt rzeźbiarski podparty na podłodze oraz monochromatyczny żółty obiekt rzeźbiarski wiszący na ścianie. Przekazywana jest tu coś zarówno proste, jak i głębokie. Te obiekty można zdefiniować według ich różnic, które są oczywiste. Ale przy zmianie percepcji możemy docenić je znacznie bardziej za ich podobieństwa i w ten sposób zanurzyć się w celebracji ich wspólnej istoty.

Carmen Herrera - 1962-1978 - Widok wystawy

Opanuj jedną rzecz

Herrera udowodniła, że najważniejsze pojęcia można wyrazić w najprostszych słowach. Poprzez swoją sztukę wyraża proste, bezpośrednie propozycje. Jej dorobek przekazuje coś na kształt zenowskiej zagadki: jeśli spróbujesz skupić się na wszystkim, niczego nie zrozumiesz, ale jeśli opanujesz jedną rzecz, możesz zrozumieć wszystko.

Co być może najbardziej mówi o Herrerze jako artystce i człowieku, to fakt, że przez całą wystawę Lines of Sight istnieje poczucie ciągłości. Każde dzieło na ekspozycji posiada własne poczucie siebie, ale większa całość przeważa nad indywidualnymi rozważaniami. To wystawa o relacjach i o tym, jak widzimy części w porównaniu z całością. Ukazuje, jak łatwo jest skupić się na nieistotnym i drobnym, co nic nie robi, tylko komplikuje nasze życie. Zachęca nas do porzucenia ideologii i uprzedzeń, wyciszenia umysłu i po prostu patrzenia.

Carmen Herrera - Czarny i biały, 1952 - Zielony i biały, 1956 (od lewej do prawej)

Zdjęcie wyróżniające: Carmen Herrera - Lines of Sight, Widok wystawy (Źródło: IdeelArt)
Autor: Phillip Barcio