Słynne obrazy abstrakcyjne, które zmieniły sposób, w jaki postrzegamy sztukę
„Jakie obrazy możemy mieć, można by powiedzieć, zależy od tego, kto dokonuje wyobrażenia.” - John Hospers, z Wprowadzenia do analizy filozoficznej
"Zależymy od wizjonerów, aby otwierali ukryte drzwi, dzięki czemu możemy dostrzec części świata i części siebie, które w przeciwnym razie mogłyby pozostać ukryte. Wizja jest specjalnością artystów abstrakcyjnych, a przez ostatnie 100+ lat wiele słynnych obrazów abstrakcyjnych zdołało poszerzyć ludzką perspektywę. Wizjonerzy, którzy stworzyli te obrazy, nie tylko obdarzyli nas, widzów, darem nowych rzeczy do zobaczenia; zaoferowali nam całkowicie nowe sposoby patrzenia."
Słynne obrazy abstrakcyjne: lata 1910 – 1920
Należy przyznać, że niektóre z naszych wyborów w tym artykule mogą budzić kontrowersje, ponieważkażdy miłośnik sztuki abstrakcyjnej ma różne gusta. Jednak większość prawdopodobnie zgodziłaby się z naszym pierwszym wyborem obrazów abstrakcyjnych, które zmieniły sposób, w jaki postrzegamy sztukę. Bez tytułu (Pierwsza abstrakcyjna akwarela) Wassily'ego Kandinsky'ego została namalowana w 1910 roku i jest uważana przez historyków sztuki za pierwszy czysto abstrakcyjny obraz. Odważne przedstawienie intensywnie kolorowych plam, smug i linii rezygnuje z wszelkich wizualnych odniesień do obiektywnej rzeczywistości. Ten obraz uwolnił artystów od więzów tematu i zaprosił widzów do zaangażowania się w zupełnie nowy sposób w koncepcję tego, czym może być obraz.
Wassily Kandinsky - Bez tytułu (Pierwsza abstrakcyjna akwarela), 1910. Akwarela i tusz indyjski oraz ołówek na papierze. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paryż
Jedenaście lat później, w 1921 roku, Piet Mondrian namalował swoje ikoniczne Tableau I. Po okresie eksperymentowania z jego nowo rozwijającym się głosem, Tableau I ugruntowało to, co stało się definiującym stylem Mondriana. Twarde czarne linie i podzielone pola kolorów oferowały widzom wgląd w oczyszczoną geometrię i matematyczną precyzję. Czyste linie i precyzja dzieła nie odnosiły się do niczego innego poza formą, kolorem i linią. Dzieło to zapoczątkowało styl, który wpłynął na pokolenia malarzy, rzeźbiarzy, architektów i projektantów, i nadal prowadzi dzisiejszych myślicieli kreatywnych.
Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Olej na płótnie. 96,5 cm x 60,5 cm. Muzeum Ludwig, Kolonia, Niemcy
W 1925 roku Joan Miró zatarł granice między Abstrakcjonizmem a Surrealizmem swoją malowidłem La mancha roja (Czerwona plama). Miró nie uważał się za abstrakcjonistę. Powiedział, że wracał do swojego małego domu, głodny i wyczerpany, i malował obrazy, które widział w swojej głowie. La mancha roja (Czerwona plama) balansuje na cienkiej linii między antropomorficzną figuracją, sennością totemów a czystą abstrakcją. Coś dziecięcego, a zarazem strasznego, czai się w tym obrazie. Dzięki temu zbiorowi prac, Miró otworzył drzwi do ukrytej ikonografii naszych koszmarów i snów.
Joan Miro - La mancha roja (Czerwona plama), 1925. Olej i pastel na płótnie. 146 x 114 cm. Kolekcja Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © Fundacja Joana Miro, Barcelona
Słynne obrazy abstrakcyjne: lata 30. – 40. XX wieku
W miarę jak świat zachodni pogrążał się w depresji, głodzie i wojnie po raz drugi w XX wieku, abstrakcja została mocno ugruntowana jako główny nurt w świecie sztuki. Artyści pracujący w tym stylu stosowali fantastyczny wachlarz metod, każdy przyczyniając się do rosnących wysiłków, aby połączyć się z czymś czystym, czymś prawdziwym i czymś wolnym w ludzkim duchu. W Wielkiej Brytanii malarz Ben Nicholson rozszerzył swoją abstrakcyjną twórczość na zbiór tego, co nazywał białymi reliefami. Jedno z jego przełomowych wczesnych dzieł, 1935 (biały relief), wytyczyło nowe wizualne terytoria, ustanawiając Nicholsona jako jeden z najważniejszych głosów angielskiej abstrakcji. Nicholson był przyjacielem i pod wpływem malarza Pieta Mondriana. Prace białego reliefu rozwijały wykorzystanie twardych linii i geometrycznej przestrzeni przez Mondriana, wprowadzając wymiarowe warstwy i monochromatyczną paletę. Pierwsze białe reliefy Nicholsona powstały w 1933 roku, a w momencie stworzenia 1935 (biały relief) ugruntował styl, który łączył elementy abstrakcji, konstruktywizmu, sztuki konkretnej, a także sugerował wczesne ziarna minimalizmu i postmalarskiej abstrakcji.
Na drugim końcu spektrum w latach 30. i 40. XX wieku znajdowali się abstrakcyjni ekspresjoniści, znani również jako Nowojorska Szkoła. Całkowicie odrzucając racjonalną geometrię i redukcję przestrzenną artystów takich jak Mondrian i Nicholson, Ab Ex-owcy dążyli do połączenia z pierwotną emocją w swojej pracy. Żaden abstrakcyjny ekspresjonista nie był tak wpływowy i skuteczny w ucieleśnianiu tego stylu jak Jackson Pollock.
Notoryczny alkoholik i neurotyk, Pollock był inspirowany psychoanalizą, aby sięgnąć głęboko w swoją podświadomość w poszukiwaniu inspiracji. Jego prace czerpały z fizyczności i nieświadomych totemicznych obrazów, tworząc gwałtowne portrety nowoczesnej, powojennej anxietas. Jednym z pierwszych obrazów typu drip Pollocka, Full Fathom Five, namalowanym w 1947 roku, na zawsze zmienił sztukę abstrakcyjną. Dzieło to jest amalgamatem jego wcześniejszego stylu pędzla i wizjonerskiej techniki drip. Zawiera monety, niedopałki papierosów i inne przypadkowe przedmioty z jego pracowni, projektując poziom tekstury i głębi całkowicie nowy dla Abstrakcji. Full Fathom Five zapoczątkował punkt zwrotny w karierze Pollocka i na zawsze zmienił naszą relację z płótnem.
Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Olej na płótnie z gwoździami, pinezkami, guzikami, kluczem, monetami, papierosami, zapałkami itp. 50 7/8 x 30 1/8 cali. © 2019 Fundacja Pollocka-Krasnera / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Słynne obrazy abstrakcyjne: lata 50. XX wieku
W latach 50. XX wieku, abstrakcyjni ekspresjoniści na stałe przejęli wyobraźnię świata sztuki. Wszędzie artyści dążyli do połączenia z pierwotnym ja, nieświadomością oraz ukrytymi obrazami podświadomości. Wśród tego zapału pojawił się trend ku spokojowi, częściowo wynikający z rosnącego zainteresowania wielu artystów wschodnimi filozofiami, takimi jak taoizm i buddyzm zen. Jednym z najgłębszych ruchów, które wyrosły z tego okresu, był styl malarski znany jako Color Field Painting.
Celem malarstwa kolorowego, jak powszechnie się rozumie, było badanie koloru niezależnie od tematu, formy, linii i innych ograniczeń związanych z tworzeniem obrazów. Malujący dążyli do uzyskania medytacyjnej jakości, która, jeśli była udana, była następnie przenoszona z dzieła na jego widzów.
Abstrakcyjna malarka Helen Frankenthaler była jednym z najgłębszych głosów ruchu Color Field. W swoim obrazie Mountains and Sea, namalowanym w 1952 roku, Frankenthaler wprowadziła świat w nową technikę malarską, którą wynalazła, nazwaną „procesem nasiąkania i plamienia”. W tym procesie Frankenthaler używała terpentyny, aby rozcieńczyć konsystencję swoich farb. Delikatnie wlewała rozcieńczoną farbę na niegruntowane płótno leżące na podłodze, pozwalając farbie całkowicie wniknąć w płótno, nadając dziełu zupełnie nową teksturę i wygląd. Proces nasiąkania i plamienia tworzył sublime pola koloru, które przybierały organiczne, zmieniające się konfiguracje dotykające spokoju. Mountains and Sea Frankenthaler uznawany jest za jeden z pierwszych sukcesów ruchu Color Field i pozostaje jednym z jego najbardziej urokliwych obrazów do dziś.
Helen Frankenthaler - Góry i Morze, 1952. Olej i węgiel na płótnie. 86 5/8 x 117 ¼ cali. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Być może najsłynniejszym artystą związanym z artystami Color Field jest Mark Rothko, artysta, który również zdecydowanie odrzucił tę i większość innych etykiet. Rothko pracował wyłącznie z kolorem, dążąc do otwarcia duchowej płaszczyzny, na której on i widzowie mogli doświadczać głębi ludzkich emocji. Choć w pełni skoncentrowany na kolorze, Rothko odrzucił go jako jedynie środek, przez który ta duchowa więź mogłaby być nawiązana. Jednym z definiujących wczesnych dzieł Rothko było No. 2, Green, Red and Blue, namalowane w 1953 roku. To dzieło jest ikoniczne dla przyszłego dorobku Rothko, ustanawiając jego głos jako wyjątkowo ujmującego mieszkańca zarówno świata sztuki abstrakcyjnej, jak i transcendentnej duchowości.
Mark Rothko - Nr 2, Zielony, Czerwony i Niebieski, 1953. Kolekcja prywatna
Słynne obrazy abstrakcyjne: lata 60. – 70.
W miarę jak Abstrakcja wkraczała w lata 60. i 70., wielu malarzy już odrzucało jej fundamentalne idee, wracając do figuracji i eksplorując obszar sztuki konceptualnej. Niemniej jednak, moc klarowności i wolności Abstrakcji wciąż miała wielką obietnicę. Jednym z najbardziej sublime głosów tego okresu była amerykańska malarka abstrakcyjna Agnes Martin. Znana z malowideł w liniowej siatce, Martin pozostaje ikonicznym głosem Sztuki Abstrakcyjnej.
Obraz Agnes Martin Nocne Morze, stworzony w 1963 roku, jest jednym z najwcześniejszych przykładów tego, co stało się jej definitywnym stylem. W dziele, niemal monochromatyczne niebieskie tło jest przecięte starannie namalowanym wzorem siatki w złotym liściu. To dzieło przyjmuje kolor, jednocześnie nadając równą moc linii. Przyjmuje prostotę, jednocześnie komunikując ogrom, złożoność i poczucie splecionej współzależności. Martin mówiła, że linia, dla niej, reprezentowała niewinność. Miała nadzieję, że uczucie niewinności zostanie przekazane widzom przez jej dzieło. Prostota jej obrazów i bezpośredniość emocji, które miała nadzieję przekazać, były kluczowe w zbliżeniu do siebie Abstrakcyjnego Ekspresjonizmu i Minimalizmu.
Agnes Martin - Nocne Morze, 1963. Olej i złota folia na płótnie. 72 x 72 cale. © Spadek po Agnes Martin / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
W latach 70. Robert Motherwell ponownie wstrząsnął światem Abstrakcji głosem, który wydawał się być antytezą uwodzenia Minimalizmu. Jego prymitywne, surowe gesty przekazywały energię, siłę i niepokój jednocześnie. Była w nich stoicka siła, a jednocześnie wydobywały głębokie emocje, które ucieleśniały moc i wolność czystej Abstrakcji.
Definiującą pracą Motherwella było dzieło z 1971 roku, zatytułowane Elegia dla Hiszpańskiej Republiki nr 110. Ta malarska praca emanuje wściekłą energią, która otacza widza i zdaje się wybuchać z płótna. Ma w sobie szokującą witalność, agresję, która przenosi emocje i wściekłość w przestrzeń. W czasach, gdy wielu malarzy uważało, że Abstrakcja wyczerpała swoje możliwości, Motherwell wprowadził potężną nową siłę życiową do tego stylu. Jego świeża wizja i pewny głos pomogły Abstrakcji przetrwać i nadal inspirują oraz wzmacniają artystów Abstrakcyjnych do dziś.
Robert Motherwell - Elegia dla Hiszpańskiej Republiki nr 110, 1971. Akryl z grafitem i węglem na płótnie. 82 x 114 cali. Muzeum Solomona R. Guggenheima. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licencjonowane przez VAGA w Stowarzyszeniu Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Zmiana naszego postrzegania przyszłości
Współcześni artyści abstrakcyjni dzisiejszych czasów są winni dług każdemu z tych artystów, zarówno za sposoby, w jakie dążyli do wolności w swoich formach ekspresji, jak i za to, jak pomogli widzom otworzyć umysły na nowe sposoby postrzegania. Abstrakcja nadal otwiera przed nami nowe drzwi, gdy próbujemy zrozumieć nieskończone złożoności, jakie stawia przed nami nasza ewoluująca społeczeństwo. Czerpiąc z przykładów wielkich artystów abstrakcyjnych przeszłości, współcześni artyści abstrakcyjni dzisiaj i jutro mogą mieć nadzieję, że pomogą nam przetłumaczyć nasze współczesne lęki i obawy oraz pomogą nam dostrzegać poza ograniczeniami naszych własnych oczu.
Obraz wyróżniający: Wassily Kandinsky - Kompozycja VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż / Erich Lessing / Art Resource, NY
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
