Słynne obrazy abstrakcyjne, które zmieniły sposób, w jaki postrzegamy sztukę

„Można powiedzieć, że to, jakie obrazy możemy mieć, zależy od tego, kto dokonuje wyobrażenia.” - John Hospers, z Wprowadzenie do analizy filozoficznej

Polegamy na wizjonerach, którzy otwierają ukryte drzwi, abyśmy mogli dostrzec części świata i nas samych, które w przeciwnym razie mogłyby pozostać ukryte. Widzenie jest domeną artystów abstrakcyjnych, a w ciągu ponad 100 lat wiele słynnych obrazów abstrakcyjnych poszerzyło ludzkie spojrzenie. Wizjonerzy, którzy stworzyli te obrazy, nie tylko obdarowali nas, widzów, darem nowych rzeczy do zobaczenia; zaoferowali nam zupełnie nowe sposoby patrzenia.

Te przełomowe odkrycia nie ograniczają się do historii sztuki. Obok każdego omawianego poniżej artysty historycznego przedstawiamy dzieło dostępne w IdeelArt, które podejmuje pokrewne kwestie linii, geometrii, materii lub koloru. Te zestawienia są zaproszeniem do patrzenia, a nie twierdzeniem o bezpośrednim wpływie: każdy artysta nadaje tym wspólnym pytaniom własny język.

Słynne obrazy abstrakcyjne: lata 1910-1920

Trzeba przyznać, że niektóre z naszych wyborów w tym artykule mogą wzbudzać kontrowersje, ponieważ każdy miłośnik sztuki abstrakcyjnej ma inny gust. Większość prawdopodobnie zgodziłaby się jednak z naszym pierwszym wyborem obrazów abstrakcyjnych, które zmieniły sposób, w jaki postrzegamy sztukę. Bez tytułu (Pierwsza akwarela abstrakcyjna) Wassilego Kandinsky’ego powstał w 1910 roku i przez historyków sztuki uznawany jest za pierwszy obraz w pełni abstrakcyjny. Odważne przedstawienie jaskrawo kolorowych plam, smug i linii rezygnuje z wszelkich odniesień wizualnych do rzeczywistości obiektywnej. Obraz ten uwolnił artystów od więzów tematu i zachęcił widzów do zupełnie nowego podejścia do pojęcia tego, czym może być obraz.

Wassily Kandinsky - Bez tytułu (Pierwsza akwarela abstrakcyjna) - 1910
Centre Georges Pompidou, Paryż

Co się dzieje, gdy linia i kolor nie muszą już opisywać przedmiotu? W Oku Macha Poynder przedstawia współczesną odpowiedź: wijące się ślady, nagłe rozbłyski żółci i różu oraz nawarstwione fragmenty błękitu tworzą niespokojny rytm wizualny. Jej praktyka łączy rysunek automatyczny, gesty performatywne i intuicyjny dobór kolorów. Oglądany obok akwareli Kandinsky’ego obraz pokazuje, jak abstrakcja może zmienić patrzenie w aktywne doświadczenie, w którym oko podąża za relacjami, zamiast rozpoznawać temat.

Jedenaście lat później, w 1921 roku, Piet Mondrian namalował swoje ikoniczne Tableau I. Po okresie eksperymentowania z kształtującym się nowym językiem artystycznym Tableau I ugruntowało styl, który miał stać się znakiem rozpoznawczym Mondriana. Twarde czarne linie i podzielone na segmenty pola barwne pozwalały widzom dostrzec oczyszczoną geometrię i matematyczną precyzję. Czyste linie i precyzja dzieła nie odnosiły się do niczego poza formą, kolorem i linią. Praca zapoczątkowała styl, który wywarł wpływ na pokolenia malarzy, rzeźbiarzy, architektów i projektantów, a dziś nadal inspiruje twórców.

Piet Mondrian - Tableau I - 1921
Muzeum Ludwig, Kolonia, Niemcy

Geometria Mondriana również skłania do pytania, które pozostaje aktualne do dziś: jak niewiele potrzebuje obraz, aby zmienić sposób, w jaki patrzymy? Bez tytułu 1, 2016 Daniela Göttina podąża przez ten obszar inną drogą. Czarne i szare pionowe pola, oddzielone białymi liniami, tworzą regularny wzór, którego kontrasty zmieniają się na całej powierzchni. Zamiast powtarzać charakterystyczną paletę Mondriana, Göttin bada proporcję, powtórzenie, symetrię i asymetrię. Związek tkwi w doświadczeniu relacji przez widza: linia nie jest jedynie granicą, lecz czymś, co zmienia otaczającą ją przestrzeń.

W 1925 roku Joan Miró zatarł granice między abstrakcją a surrealizmem swoim obrazem La mancha roja (Czerwona plama). Miró nie uważał się za abstrakcjonistę. Mówił, że wracał do swojego maleńkiego domu, głodny i wyczerpany, po czym malował obrazy, które widział w głowie. La mancha roja (Czerwona plama) sytuuje się na cienkiej granicy między antropomorficzną figuracją, onirycznymi totemami a czystą abstrakcją. W obrazie czai się coś dziecięcego, a zarazem przerażającego. Tym cyklem prac Miró otworzył szeroko drzwi do ukrytej ikonografii naszych koszmarów i snów.

Joan Miró - La mancha roja (Czerwona plama) - 1925
Kolekcja Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
© Fundacja Joana Miró, Barcelona

Formy Miró oscylują między znakami, wyobrażonymi stworzeniami a niezależnymi kształtami. Podobna dwuznaczność ożywia Medusae I Danieli Marin, gdzie pasiaste, cętkowane i rozgałęziające się formy współdzielą białe pole z otwartymi strukturami geometrycznymi. Sugerują żywe istoty, nie układając się jednak w jedną rozpoznawalną scenę. Słownik form Marin wprowadza organiczne kształty w dialog z miejską geometrią, czerpiąc z jej własnych doświadczeń i podróży. Jej jasna, rozległa kompozycja różni się od niepokojącej atmosfery opisanej w obrazie Miró, jednak obie zachęcają widza do poruszania się między rozpoznaniem a inwencją: kształt może wydawać się żywy, nie stając się ilustracją.

Słynne obrazy abstrakcyjne: lata 30. – 40.

Gdy świat zachodni po raz drugi w XX wieku pogrążał się w kryzysie, głodzie i wojnie, abstrakcja była już ugruntowaną, potężną siłą w świecie sztuki. Artyści tworzący w tym nurcie stosowali niezwykle szeroki wachlarz metod, a każda z nich przyczyniała się do rosnących wysiłków na rzecz nawiązania kontaktu z czymś czystym, prawdziwym i wolnym w ludzkim duchu. W Wielkiej Brytanii malarz Ben Nicholson rozwinął swoją twórczość abstrakcyjną, tworząc cykl prac, które nazywał białymi reliefami. Jedną z tych prac jest White Relief, Quai d’Auteuil (1935), przykład podejścia, które ugruntowało pozycję Nicholsona jako jednego z najważniejszych głosów angielskiej abstrakcji. Nicholson przyjaźnił się z malarzem Pietem Mondrianem i pozostawał pod jego wpływem. Białe reliefy rozwijały stosowanie przez Mondriana wyraźnie zarysowanych linii i geometrycznej przestrzeni, wprowadzając warstwowość przestrzenną oraz monochromatyczną paletę. Pierwsze białe reliefy Nicholsona powstały w 1933 roku, a do 1935 roku wypracował on styl łączący elementy abstrakcji, konstruktywizmu, sztuki konkretnej, a także zapowiadający wczesne zalążki minimalizmu i abstrakcji postmalar­skiej.

Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
Muzeum Hepworth Wakefield

Reliefy Nicholsona sprawiają, że sama przestrzeń staje się aktywną częścią abstrakcji poprzez relacje między płaszczyznami, krawędziami i głębią. Brytyjski malarz Jeremy Annear nawiązuje do tej kwestii w interesujący sposób w Construct (Red Disc and Triangle). Warstwowe białe, szare i ziemiste kształty obracają się wokół zakrzywionych konturów, podczas gdy czerwony dysk i trójkąt akcentują kompozycję. Annear buduje swoje obrazy olejne z warstwowych form i fakturowanych powierzchni; tutaj ich nakładanie się sugeruje przestrzeń, która jest konstruowana, a nie opisywana. W przeciwieństwie do białych reliefów Nicholsona jest to kolorowy obraz, ale wspólne pytanie dotyczy tego, jak ogranicowany zasób kształtów może ustanowić równowagę, napięcie i poczucie głębi.

Na drugim krańcu spektrum w latach 30. i 40. znajdowali się ekspresjoniści abstrakcyjni, znani również jako Szkoła Nowojorska. Całkowicie odrzucając racjonalną geografię i redukcję przestrzeni artystów takich jak Mondrian i Nicholson, twórcy abstrakcyjnego ekspresjonizmu dążyli w swoich pracach do nawiązania kontaktu z pierwotnymi emocjami. Żaden ekspresjonista abstrakcyjny nie był tak wpływowy i skuteczny w ucieleśnianiu tego stylu jak Jackson Pollock.

Osławiony alkoholik i neurotyk Pollock czerpał inspirację z psychoanalizy, aby sięgnąć głęboko do swojej podświadomości. Jego twórczość opierała się na fizyczności i nieświadomych obrazach totemicznych, tworząc przejmujące przedstawienia powojennego niepokoju. Jeden z pierwszych obrazów Pollocka malowanych techniką drippingu, Full Fathom Five, namalowany w 1947 roku, na zawsze zmienił sztukę abstrakcyjną. Dzieło to stanowi połączenie jego wcześniejszego stylu pędzla i wizjonerskiej techniki drippingu. Zawiera monety, niedopałki papierosów i inne przypadkowe drobiazgi z jego pracowni, nadające mu poziom faktury i głębi zupełnie nowy dla abstrakcji. Full Fathom Five zapoczątkował przełomowy etap w karierze Pollocka i na zawsze zmienił nasze podejście do płótna.

Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
 © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society

Przedmioty zatopione w Full Fathom Five przypominają nam, że obraz może być czymś więcej niż przedstawieniem: może stanowić fizyczne nagromadzenie działań i materiałów. Anthony Frost bada tę możliwość poprzez instynktowny proces łączący malarstwo i kolaż. W Surface Pressure szorstkie, fakturowane niebieskie i pomarańczowe obszary przecina wystający czerwony pas, sprawiając, że sama powierzchnia staje się częścią tego spotkania. Wykorzystanie przez Frosta znalezionych materiałów i warstwowej konstrukcji wyraźnie różni się od splątanych zacieków Pollocka, ale oba dzieła zachęcają nas do postrzegania malarstwa jako czegoś powstającego w wyniku fizycznego zaangażowania, a nie po prostu obrazu zaplanowanego z wyprzedzeniem.

Słynne obrazy abstrakcyjne: lata 50.

W latach 50. XX wieku abstrakcyjni ekspresjoniści zdecydowanie zdominowali wyobraźnię świata sztuki. Wszędzie artyści dążyli do nawiązania kontaktu z pierwotnym „ja”, nieświadomym umysłem i ukrytymi obrazami podświadomości. W samym środku tego zapału pojawiła się tendencja ku spokojowi, częściowo zrodzona z rosnącego zainteresowania wielu artystów filozofiami Wschodu, takimi jak taoizm i buddyzm zen. Jednym z najważniejszych nurtów, które wyłoniły się w tym okresie, był styl malarstwa abstrakcyjnego znany jako malarstwo Color Field.

Celem malarstwa Color Field, zgodnie z jego powszechnym rozumieniem, było badanie koloru niezależnie od tematu, formy, linii i innych ograniczeń związanych z tworzeniem obrazu. Malarze dążyli do osiągnięcia medytacyjnej jakości, która w przypadku powodzenia przenosiła się następnie z dzieła na jego odbiorców.

Abstrakcyjna malarka Helen Frankenthaler była jednym z najważniejszych głosów ruchu Color Field. Swoim obrazem Mountains and Sea, namalowanym w 1952 roku, Frankenthaler przedstawiła światu nową technikę malarską, którą sama wynalazła i nazwała procesem „soak-stain”. W tej technice Frankenthaler używała terpentyny do rozcieńczania farb. Delikatnie wylewała rozcieńczoną farbę na niezagruntowane płótno ułożone na podłodze, pozwalając jej całkowicie przesiąknąć przez płótno, co nadawało dziełu zupełnie nową fakturę i wygląd. Proces soak-stain tworzył wysublimowane pola koloru, które przybierały organiczne, zmieniające się formy, nawiązujące do spokoju. Mountains and Sea Frankenthaler uznaje się za jeden z pierwszych sukcesów ruchu Color Field, a obraz ten pozostaje do dziś jednym z jego najbardziej ujmujących dzieł.

Helen Frankenthaler - Góry i morze - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society

Obraz Frankenthaler otwiera przestrzeń między zapamiętanym krajobrazem a niezależnymi polami koloru. Greet Helsen podchodzi do tej przestrzeni poprzez własne doświadczenia obcowania z naturą, pracując na podstawie wrażeń światła, kształtu i koloru, a nie precyzyjnych opisów. W Dynamisch (Dynamic) przejrzyste róże, błękity i fiolety przemieszczają się po lekkiej, przestronnej powierzchni, przerywane delikatnymi ciemnymi liniami i głębszymi plamami koloru. Helsen starannie rozcieńcza farbę akrylową, aby kolejne warstwy pozostały widoczne. Nie jest to ten sam proces co technika soak-stain Frankenthaler, jednak zestawienie tych prac pozwala zobaczyć, jak przejrzystość i płynny kolor mogą sugerować krajobraz bez jego przedstawiania.

Być może najsłynniejszym artystą kojarzonym z malarzami Color Field jest Mark Rothko - artysta, który równie stanowczo odrzucał tę i większość innych etykiet. Rothko pracował wyłącznie z kolorem, dążąc do otwarcia duchowej płaszczyzny, na której on i widzowie mogliby doświadczać głębi ludzkich emocji. Choć w pełni skupiony na kolorze, Rothko uważał go jedynie za środek, za którego pośrednictwem można nawiązać tę duchową więź. Jednym z najważniejszych wczesnych dzieł Rothki był obraz No. 2, Green, Red and Blue, namalowany w 1953 roku. Dzieło to jest ikoniczne dla późniejszego dorobku Rothki, ustanawiając jego głos jako wyjątkowo ujmującego mieszkańca zarówno świata sztuki abstrakcyjnej, jak i transcendentalnej duchowości.

Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953

Czy kolor może wyrażać uczucie, nie opisując jego przyczyny? To pytanie łączy twórczość Rothki z dziełem Kyong Lee Emotional Color Field 6, choć ich języki wizualne pozostają odmienne. Lee układa poziome pasy, które przechodzą od głębokiego błękitu i fioletu przez różowe i jasne tony aż po pomarańcz i czerwień. Jej proces opiera się na starannie odmierzonych polach i stopniowych przejściach kolorystycznych, by badać zmiany stanu emocjonalnego. Podczas gdy miękko zarysowane formy Rothki wydają się unosić, podziały u Lee są wyraźne i uporządkowane. Dialog ten dotyczy mniej podobieństwa, a bardziej tego, jak jeden kolor zmienia nasze doświadczenie kolejnego oraz jak te relacje mogą stać się językiem emocji.

Słynne obrazy abstrakcyjne: lata 60. - 70.

Gdy abstrakcja wkroczyła w lata 60. i 70., wielu malarzy odrzucało już jej fundamentalne założenia, powracając do figuracji i badając sferę sztuki konceptualnej. Mimo to siła klarowności i wolności abstrakcji nadal niosła ze sobą ogromny potencjał. Jednym z najbardziej wysublimowanych głosów tego okresu była amerykańska malarka abstrakcyjna Agnes Martin. Znana z obrazów przedstawiających siatki linii, Martin pozostaje ikoniczną przedstawicielką sztuki abstrakcyjnej.

Obraz Agnes Martin Night Sea, namalowany w 1963 roku, jest jednym z najwcześniejszych przykładów tego, co stało się jej charakterystycznym stylem. Na niemal monochromatycznym niebieskim tle znajduje się precyzyjny wzór siatki namalowany płatkami złota. Dzieło to obejmuje kolor, nadając jednocześnie równą moc linii. Łączy prostotę z przekazywaniem ogromu, złożoności i poczucia wzajemnego przenikania się zależności. Martin mówiła, że linia symbolizowała dla niej niewinność. Miała nadzieję, że za pośrednictwem jej prac odczucie niewinności zostanie przekazane widzom. Prostota jej obrazów i bezpośredniość emocji, które chciała komunikować, odegrały kluczową rolę w zasypywaniu przepaści między ekspresjonizmem abstrakcyjnym a minimalizmem.

Agnes Martin - Night Sea - 1963
© Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society

Powściągliwy język Martina pokazuje, jak linia może przyciągać naszą uwagę, niczego nie opisując. Untitled, 2014 (Id.383) Richarda Caldicotta oferuje inne, oszczędne spotkanie z linią i przestrzenią. Na jasnym tle cienkie i grubsze ciemne linie tworzą otwartą, kanciastą strukturę między obszarami czerwieni i żółci. Zamiast powtarzać siatkę Martina, Caldicott ogranicza kompozycję do kilku relacji, których równowaga staje się wyraźniejsza, gdy patrzymy. Jego cykle prac na papierze badają minimalistyczny, architektoniczny język. To zestawienie zaprasza do wolniejszego rodzaju uwagi: nie do poszukiwania tematu, lecz do uświadomienia sobie, jak odstępy, krawędzie i pusta przestrzeń kształtują nasze doświadczenie.

W latach 70. Robert Motherwell po raz kolejny wstrząsnął światem abstrakcji, przemawiając głosem, który zdawał się antytezą uroku minimalizmu. Jego pierwotne, surowe gesty jednocześnie wyrażały energię, siłę i niepokój. Była w nich stoicka moc, a jednak ujawniały głębokie emocje, ucieleśniające siłę i wolność czystej abstrakcji.

Przełomowe dzieło Motherwella powstało w 1971 roku i nosiło tytuł Elegy to the Spanish Republic No. 110. Furia tego obrazu ogarnia widza i zdaje się eksplodować poza płótnem. Jest w nim wstrząsająca żywotność, agresja, która przenosi emocje i furię w przestrzeń. W czasach, gdy wielu malarzy uważało, że abstrakcja wyczerpała swoje możliwości, Motherwell tchnął w ten styl potężną nową siłę życiową. Jego świeża wizja i pewny głos pomogły abstrakcji przetrwać i do dziś inspirują oraz wzmacniają artystów abstrakcyjnych.

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society

Elegia Motherwella pokazuje, jak powtarzające się, zdecydowane formy mogą nadać abstrakcyjnemu obrazowi emocjonalny ciężar. Punk Tommaso Fattovicha podchodzi do tego ciężaru poprzez bardziej rozbitą, wielobarwną formę wypowiedzi. Pionowe partie czerni, różu, bladej zieleni i pomarańczu wznoszą się na szorstkim szarobrązowym podłożu, a ich krawędzie noszą ślady kolejnych gestów. Fattovich intuicyjnie rozwija swoje kompozycje, reagując na kolor, warstwy, linie i kształty, aż obraz wydaje się kompletny. Porównanie dotyczy fizycznej obecności śladu, a nie równoważności tematu: inspirowana miastem abstrakcja Fattovicha nie ma tego samego konkretnego znaczenia historycznego co Elegia Motherwella, ale oferuje inny sposób doświadczania gestu jako nośnika intensywności.

Zmiana naszego postrzegania przyszłości

Współcześni artyści abstrakcyjni zawdzięczają coś każdemu z tych twórców — zarówno za sposoby, w jakie poszukiwali wolności w swoich formach ekspresji, jak i za to, że pomogli odbiorcom otworzyć umysły na nowe sposoby widzenia. Abstrakcja wciąż otwiera przed nami nowe drzwi, gdy próbujemy pojąć nieskończone złożoności, jakie stawia przed nami zmieniające się społeczeństwo. Czerpiąc z przykładów wielkich artystów abstrakcyjnych przeszłości, artyści abstrakcyjni dziś i jutro mogą, miejmy nadzieję, pomóc nam przełożyć nasze współczesne niepokoje i lęki, a także dostrzec coś poza ograniczeniami własnego wzroku.

Prace zestawione w dialogu z tymi historycznymi obrazami pokazują, że te możliwości pozostają otwarte. Od niespokojnych linii Poyndera i wyobrażonych organicznych form Marina po konstruowane przestrzenie Göttin i Annear, abstrakcja oferuje wiele sposobów angażowania wzroku. Materialne powierzchnie Frosta, półprzezroczysty kolor Helsen, emocjonalne sekwencje Lee, oszczędne struktury Caldicotta i ekspresyjne gesty Fattovicha rozwijają tę rozmowę w różnych kierunkach. Nie zastępują one dzieł historycznych ani nie powtarzają ich osiągnięć. Zamiast tego zachęcają nas, by przenieść zdobytą wiedzę na nowe spotkania i odkrywać, jak abstrakcja nadal zmienia sposób, w jaki patrzymy.

Obraz wyróżniony: Wassily Kandinsky - Kompozycja VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
Wszystkie obrazy wykorzystano wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio (2016) Redakcja: Francis Berthomier (2026)