Definiujące chwile w historii sztuki abstrakcyjnej

Słowa mogą być tak kontrowersyjne. Chcemy tylko omówić historię sztuki abstrakcyjnej. Ale to zdanie jest pełne konceptualnych pułapek. (Czyja historia? Czym jest sztuka? Co to znaczy być abstrakcyjnym?) Aby być precyzyjnym, może powinniśmy zatytułować ten artykuł coś w stylu: „Definiujące Chwile w Łańcuchu Wydarzeń Tworzących Ogólnie Akceptowany Harmonogram Cywilizacji Zachodniej Związany z Obiektami i Zjawiskami Stworzonymi przez Samozwańczych Artystów, Którzy Nie Mieli Na Myśli Bycia Reprezentacyjnymi dla Obiektywnej Rzeczywistości Wizualnej.” Ale to nie jest dokładnie chwytliwy nagłówek. (Czyż nie?) Dla dobra zdrowego rozsądku, w tym artykule odłóżmy semantykę na bok i po prostu zacznijmy od początku.

Prehistoria sztuki abstrakcyjnej

Wśród najwcześniejszych śladów prehistorycznych mieszkańców jaskiń były linie, zarysowania i odciski dłoni. Nasza najlepsza interpretacja to, że miały one charakter symboliczny. Czy to czyni je pierwszymi przykładami sztuki abstrakcyjnej ? Może. Ale nawet reprezentacyjne obrazy pozostawione przez naszych starożytnych przodków nie są dokładnie fotorealistyczne. Czego brakuje w naszych analizach, to zrozumienie intencji naszych najwcześniejszych artystów. Kiedy mówimy o sztuce abstrakcyjnej, mamy na myśli sztukę, która była specjalnie zamierzona jako abstrakcyjna. Ponieważ nie możemy wiedzieć, co prehistoryczni artyści zamierzali przekazać poprzez swoje obrazy, nie możemy ocenić, czy była to sztuka abstrakcyjna, ani nawet czy to jest sztuka. Może miała użyteczne cele, o ile wiemy. Więc przeskoczymy do przodu, daleko do przodu, do czasów lepiej udokumentowanych, kiedy intencje artystów były jaśniejsze.

Henri Matisse - Kobieta w kapeluszu, 1905, Olej na płótnie, 31 3/4 × 23 1/2 cala, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Przed wczesnymi latami 1800, można śmiało powiedzieć, że zdecydowana większość artystów przez zdecydowaną większość czasu nie miała luksusu decydowania, co stworzą. Większość artystów przed epoką romantyzmu polegała na wsparciu instytucji religijnych lub innych autorytarnych władz, aby przetrwać. Królowie i święci mężczyźni określali zatem tematykę większości dzieł tych artystów. W miarę jak ten system patronatu malał, pojawiały się inne sposoby przetrwania dla artystów. Powstał system galerii; niezależni dealerzy sztuki zaczęli reprezentować prace artystów; zamożni ludzie i prywatne instytucje zaczęli wspierać artystów i zbierać ich dzieła. Po raz pierwszy artyści otrzymali szansę, aby odpowiedzieć na pytanie: „Co chcę stworzyć?” Natychmiast pojawiło się następne nieuniknione pytanie: „Dlaczego chcę to stworzyć?” Odpowiedź na to pytanie jest jednym z głównych powodów ostatecznego wzrostu sztuki abstrakcyjnej i być może najbardziej trwałym konceptem, który wyłonił się z epoki romantyzmu; jednym wyrażonym przez wielu myślicieli tamtych czasów, a podsumowanym przez Francuzów jako: „L'art pour l'art.” Sztuka dla sztuki. Lub jak to ujął pisarz Edgar Allen Poe w 1850 roku: „…gdybyśmy tylko pozwolili sobie zajrzeć w nasze własne dusze, natychmiast odkrylibyśmy, że pod słońcem nie istnieje ani nie może istnieć żadne dzieło bardziej godne, bardziej szlachetne niż ten właśnie wiersz… napisany wyłącznie dla samego wiersza.”

Andre Derain - Suszące się żagle, 1905, olej na płótnie, 82 x 101 cm, © Muzeum Puszkina, Moskwa

Pierwsze wrażenia

Gdy artyści zostali uwolnieni od ograniczeń z góry ustalonego tematu, zaczęli uwalniać się także od innych ograniczeń. Od około lat 50. do 70. XIX wieku, Ruch Estetyczny umożliwił artystom tworzenie sztuki wyłącznie dla celów estetycznych, zamiast koncentrować się na tematach związanych z kulturą, społeczeństwem i polityką. Następnie pojawił się impresjonizm, artyści z Paryża, którzy tworzyli prace silnie koncentrujące się na przedstawieniu jakości światła, rozpoczynając destylację indywidualnych elementów estetycznych dzieła sztuki. W latach 80. XIX wieku malarz Georges Seurat opracował technikę konstruowania obrazu całkowicie z małych kropek. Ta technika, znana jako Punktualizm, tworzyła zniekształcone, ale reprezentacyjne obrazy. Punktualizm przyczynił się do wzrostu eksperymentalnych pociągnięć pędzla i technik kompozycyjnych, które sugerowały tendencję w kierunku abstrakcji. Tendencja ta była rozwijana przez cały okres postimpresjonizmu, gdy artyści zaczęli eksperymentować z symbolizmem oraz dowolnym użyciem koloru, formy i linii.

Wszystko jest subiektywne

W latach 1900-1909, ekspresjoniści przyczynili się do trendu w kierunku czystej abstrakcji, koncentrując się na subiektywności. Poprzez dramatyczne zniekształcanie swoich obrazów, dążyli do przedstawienia głęboko osobistego punktu widzenia, reprezentującego bardziej emocje niż fizyczną rzeczywistość. W tym okresie pojawił się również wzrost fowistów, malarzy skupionych niemal wyłącznie na żywych kolorach i malarskim śladzie. Dla fowistów temat był drugorzędny w stosunku do estetycznych komponentów dzieła. W tym czasie pojawienie się czystej abstrakcji było nieuniknione. Wszędzie artyści pracowali z symbolicznymi reprezentacjami rzeczywistości, starając się komunikować idee i uczucia w sposób niezwiązany z tematem. Z definicji abstrahowali. Ale kto był pierwszym, który odniósł sukces w stworzeniu obrazu, który był całkowicie abstrakcyjny?

Hans Hofmann - Wschodzący Księżyc, 1965, Olej na płótnie, Kolekcja prywatna, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Czy prawdziwy pierwszy abstraktor mógłby wstać?

Prawie wszyscy historycy zgadzają się, że pierwszym obrazem abstrakcyjnym była Bez tytułu (Pierwsza abstrakcyjna akwarela) Wassily'ego Kandinsky'ego, namalowana w 1910 roku. Składająca się z żywo kolorowych plam, okręgów, linii, kręciołków i pól kolorowych złożonych w pozornie przypadkowy sposób, praca ta w żaden sposób nie odnosi się do istniejących elementów wizualnych fizycznego świata. Spiskowo, moglibyśmy, dla zabawy, postawić hipotezę, że Bez tytułu (Pierwsza abstrakcyjna akwarela) Kandinsky'ego nie była pierwszym czysto abstrakcyjnym obrazem. Rok wcześniej, w 1909 roku, francuski malarz awangardowy Francis Picabia namalował Caoutchouc, proto-kubistyczne dzieło z niepoznawalnymi kształtami geometrycznymi otoczonymi pozornie niepowiązanymi polami kolorowymi. To dzieło w żaden sposób nie wydaje się reprezentować obiektywnej rzeczywistości wizualnej. Jednak słowo Caoutchouc luźno oznacza naturalny sok gumowy, co odnosi się do surowego materiału do produkcji gumy wulkanizowanej. Nie analizując nigdy elementów wizualnych gumy niewulkanizowanej, nie możemy tego stwierdzić, ale może ten obraz jest reprezentacyjny. Kto wie? To, co wiemy, to to, że Kandinsky był zapalonym teoretykiem sztuki i płodnym pisarzem o sztuce. Entuzjastycznie pisał o swoim dążeniu do stworzenia pierwszego na świecie czysto abstrakcyjnego dzieła sztuki. Otwarcie mówił zarówno o swoim zamiarze zostania założycielem sztuki abstrakcyjnej, jak i o swoim sukcesie w osiągnięciu tego celu. Nikt nie może zaprzeczyć, że jego intencją było być pierwszym, niezależnie od tego, czy ktokolwiek przed nim przypadkowo go wyprzedził.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Olej na płótnie, 85 1/4 x 73 1/2 cala (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Co Kandinsky na pewno zrobił

Poprzez otwarte ogłoszenie swojego zamiaru tworzenia czystej sztuki abstrakcyjnej, Kandinsky uwolnił artystów od ich zależności od odniesień do obserwowalnego świata. Rozwiódł sztukę z jej dawną logiką. Otworzył pole dla głębokich i szybkich eksperymentów. Doprowadził do dojrzałości obietnicę Romantyków, że, jak powiedział Caspar David Friedrich, niemiecki artysta romantyczny, „Uczucie artysty jest jego prawem.”

Wassilly Kandinsky - Kompozycja IV, 1911, olej na płótnie, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Niemcy

Świat w stanie wojny

W ciągu następnych dziesięcioleci artyści szaleli z eksperymentami w dziedzinie abstrakcji. Powstało wiele nowych stylów, które były inspirowane wezwaniem abstrakcji do wolności, a także okropnościami I wojny światowej i wzrostem epoki mechanicznej. Kubizm wpłynął na artystów, aby zredukowali swój język wizualny do jego najprostszych elementów. Futuryzm pokazał witalność i moc linii. Dadaizm zakwestionował znaczenie sztuki, ponownie afirmując wolność sztuki od i odrzucenie burżuazji. W latach 20. XX wieku surrealizm otworzył umysły artystów na moc podświadomości. Skupiając się na obrazach przypominających sny i odrzucając świadomą logikę, głęboko wpłynął na artystów abstrakcyjnych, aby eksperymentowali bardziej z technikami, mediami i metodami, które mogłyby bardziej bezpośrednio połączyć ich z ich nieświadomymi ja.

Wassiliy Kandinsky - Kompozycja 6, 1913, Olej na płótnie, 76 2/5 × 115 7/10 in, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż / Erich Lessing / Art Resource, NY

Stwórz coś nowego!

W latach 30. XX wieku niemiecko-amerykański malarz Hans Hofmann jest uznawany za osobę, która wprowadziła do Ameryki podstawowe filozofie tego, co zaczęto nazywać modernizmem, najnowszą iteracją odrzucenia form i metod przeszłości. Sam będąc malarzem abstrakcyjnym, Hofmann zachęcał swoich uczniów z Kalifornii do Nowego Jorku do przyjmowania nowych metod tworzenia obrazów, w poszukiwaniu sposobów na konfrontację i wyrażenie niepokojów oraz cudów szybko industrializującego się społeczeństwa. W 1934 roku poeta Ezra Pound podsumował postawę modernistów, swoim teraz słynnym wezwaniem do artystów: „Uczyń to nowym!” Pound był kontrowersyjną postacią, ostatecznie przenosząc się do Włoch, gdzie wspierał wiodące faszystowskie postacie II wojny światowej. Niemniej jednak, jego entuzjastyczne odrzucenie starego zakorzeniło się w umysłach artystów abstrakcyjnych, prowadząc do potężnych zmian na bliskim horyzoncie.

Wasilly Kandinsky - Czarna plama I (szczegół), 1912, olej na płótnie. 39,4 × 51,2 cala (100,0 × 130,0 cm), Muzeum Rosyjskie, Sankt Petersburg, Rosja

Nowa czystość

Po dwóch wojnach światowych, globalnej depresji, głodach, okrucieństwie i dwóch atakach nuklearnych na zaludnione miasta, stopień, w jakim przeciętny człowiek doświadczał lęku w połowie lat 40. XX wieku, nie może być przeceniony. Ten lęk dał początek nowemu i szerokiemu zainteresowaniu stosunkowo młodą dziedziną psychoanalizy. Wśród wielu milionów ludzi, którzy zwrócili się do psychoanalizy w tym czasie, był Jackson Pollock , jeden z czołowych członków grupy artystów znanej jako Ekspresjoniści Abstrakcyjni. Pollock miał styczność z psychoanalizą podczas rehabilitacji. Otworzyło to jego umysł na świat pierwotnej wiedzy zamkniętej w jego podświadomości. Wielu jego współczesnych poszukiwało nowych sposobów na połączenie się z ukrytą istotą swojej człowieczeństwa, starając się wyrazić surowe, pierwotne emocje poprzez swoje obrazy. Pollock poszukiwał ukrytych obrazów, mając nadzieję, że będzie mógł połączyć się z czymś głęboko w sobie, czymś czystszym niż to, co dotychczas zostało wyrażone przez sztukę abstrakcyjną. Około 1947 roku Pollock wprowadził swoją teraz ikoniczną technikę kapania. Technika ta polegała na aplikacji farby na powierzchnię przy użyciu sił takich jak grawitacja i pęd, zamiast poprzez bezpośredni kontakt narzędzi z płótnem. Przyjmując ten nowy poziom fizyczności i całkowicie odrzucając wszelkie poczucie rozpoznawalnej formy, Pollock wszedł w nową sferę czystej abstrakcji, opartej całkowicie na podświadomych intencjach, kolorze, ruchu, mocy i sile.

Wassily Kandinsky - Pierwsza abstrakcyjna akwarela Kandinsky'ego, 1910, Akwarela i tusz indyjski oraz ołówek na papierze, 19,5 × 25,5 cali, (49,6 × 64,8 cm), Paryż, Centre Georges Pompidou

Koniec początku

Prace Pollocka w wielu aspektach spełniły obietnicę abstrakcji: całkowite uwolnienie artysty od ograniczeń estetycznych oczekiwań. Być może również jego wysiłki doprowadziły do logicznego końca abstrakcji. Pollock wyostrzył znaczenie tekstury, materialności, procesu oraz idei postrzegania dzieła sztuki nie jako powierzchni, na której można przekazać sztukę, ale jako jednorodnej formy. Choć w prymitywnym sensie odzwierciedlone w pracach Pollocka, te koncepcje są integralne dla prac Minimalistów , którzy zastąpili ekspresjonistów abstrakcyjnych jako najbardziej wpływowych artystów lat 60. Jak Kandinsky, wiodący członek ruchu minimalistycznego, Donald Clarence Judd był zapalonym teoretykiem sztuki i pisarzem. Choć odrzucił etykietę Minimalisty, Judd stał się reprezentantem jego idei redukcji języka wizualnego oraz oczyszczania koncepcji formy i przestrzeni. Zamiast odrzucać rozpoznawalne odniesienia wizualne i obiektywną rzeczywistość, artyści minimalistyczni, tacy jak Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt i Frank Stella skupili się na formie, użyciu żywych i czystych kolorów, ostrych linii, minimalnej tekstury i nowoczesnej materialności. Zamiast abstrahować rzeczywistość, Minimalistyczni artyści manifestowali kształty, kolory, formy i linie często badane w sztuce abstrakcyjnej, zamieszkując je w fizycznej przestrzeni w sposób reprezentacyjny.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

Nowy Nowy

Historia sztuki abstrakcyjnej to historia poszukiwań wolności przez artystów. Co to oznacza dzisiaj, to fakt, że artyści są wolni, aby wyrażać siebie w dowolny sposób, eksplorując dowolną metodę, która ich pociąga. Piękno dzisiejszego otwartego stylu polega na tym, że artysta może używać dowolnego stylu, medium lub metody, które najlepiej pasują do realizacji pomysłu. Choć minimalizm mógł na chwilę zepchnąć sztukę abstrakcyjną na boczny tor w latach 70., abstrakcja powróciła na czoło praktyk wielu artystów. Współcześni malarze abstrakcyjni korzystają z otwartego umysłu swoich poprzedników. Abstrakcja nadal łączy nas z czymś, czego obiektywna rzeczywistość nie potrafi wyjaśnić; z czymś głęboko w nas, co sięga poza widzialną rzeczywistość.

Obraz wyróżniający: Wassily Kandinsky - Pierwsza abstrakcyjna akwarela Kandinsky'ego, 1910, zdjęcie za pośrednictwem Wikipedii

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio