Definiujące chwile w historii sztuki abstrakcyjnej

Słowa mogą być tak kontrowersyjne. Chcemy po prostu omówić historię sztuki abstrakcyjnej. Ale to zdanie jest pełne koncepcyjnych pułapek. (Czyja historia? Czym jest sztuka? Co oznacza bycie abstrakcyjnym?) Dokładniej mówiąc, może powinniśmy zatytułować ten artykuł czymś w rodzaju „Kluczowe momenty w łańcuchu wydarzeń tworzących powszechnie przyjęty harmonogram cywilizacji zachodniej odnoszący się do obiektów i zjawisk stworzonych przez artystów określających się jako tacy, którzy nie zamierzają przedstawiać obiektywnej rzeczywistości wizualnej.” Ale to nie jest zbyt chwytliwy nagłówek. (A może jednak?) Dla zachowania zdrowego rozsądku, w tym artykule odłóżmy na bok semantykę i zacznijmy od początku.

Prehistoria sztuki abstrakcyjnej

Wśród najwcześniejszych znaków prehistorycznych mieszkańców jaskiń były linie, zadrapania i odciski dłoni. Nasza najlepsza interpretacja jest taka, że miały one znaczenie symboliczne. Czy to czyni je pierwszymi przykładami sztuki abstrakcyjnej ? Być może. Ale nawet przedstawiające obrazy pozostawione przez naszych pradawnych przodków nie są dokładnie fotorealistyczne. Brakuje nam w analizach zrozumienia intencji naszych najwcześniejszych artystów. Kiedy mówimy o sztuce abstrakcyjnej, mamy na myśli sztukę, która była specjalnie zamierzona jako abstrakcyjna. Ponieważ nie możemy wiedzieć, co prehistoryczni artyści chcieli przekazać przez swoje obrazy, nie możemy ocenić, czy były one abstrakcyjne, a nawet czy są sztuką. Mogły mieć cele użytkowe, o czym nic nie wiemy. Dlatego przejdziemy dalej, bardzo daleko, do lepiej udokumentowanego czasu, gdy intencje artystów były jaśniejsze.

Henri Matisse - Kobieta w kapeluszu, 1905, olej na płótnie, 31 3/4 × 23 1/2 cala, © Sukcesja H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Przed początkiem XIX wieku można bezpiecznie powiedzieć, że zdecydowana większość artystów przez większość czasu nie miała luksusu decydowania, co stworzą. Większość artystów przed epoką romantyzmu polegała na wsparciu instytucji religijnych lub innej władzy autorytarnej, by przetrwać. Królowie i duchowni zatem decydowali o tematyce większości dzieł tych artystów. W miarę upadku tego systemu mecenatu pojawiły się inne sposoby przetrwania dla artystów. Pojawił się system galerii; niezależni handlarze sztuką zaczęli reprezentować prace artystów; zamożne osoby i prywatne instytucje zaczęły wspierać artystów i kolekcjonować ich dzieła. Po raz pierwszy artyści mieli szansę sami odpowiedzieć na pytanie: „Co chcę stworzyć?” Natychmiast pojawiło się kolejne nieuniknione pytanie: „Dlaczego chcę to stworzyć?” Odpowiedź na to pytanie jest główną przyczyną ostatecznego powstania sztuki abstrakcyjnej i być może najtrwalszą ideą wyłonioną z epoki romantyzmu; wyrażoną przez wielu myślicieli tamtego czasu i podsumowaną przez Francuzów jako „L'art pour l'art.” Sztuka dla sztuki. Albo jak ujął to pisarz Edgar Allan Poe w 1850 roku: „...gdybyśmy tylko pozwolili sobie zajrzeć w nasze własne dusze, natychmiast odkrylibyśmy, że pod słońcem nie istnieje ani nie może istnieć żadne dzieło bardziej godne, bardziej wyniosłe niż właśnie ten poemat... napisany wyłącznie dla samego poematu.”

Andre Derain - Suszące się żagle, 1905, olej na płótnie, 82 x 101 cm, © Muzeum Puszkina, Moskwa

Pierwsze wrażenia

Gdy artyści zostali uwolnieni od ograniczeń narzuconej tematyki, zaczęli uwalniać się także od innych ograniczeń. Od około lat 50. do 70. XIX wieku Ruch Estetyczny dał artystom możliwość tworzenia sztuki wyłącznie dla celów estetycznych, zamiast skupiania się na tematach związanych z kulturą, społeczeństwem i polityką. Następnie pojawili się impresjoniści, artyści z Paryża, którzy tworzyli dzieła silnie skupione na przedstawianiu cech światła, rozpoczynając destylację indywidualnych elementów estetycznych dzieła sztuki. W latach 80. XIX wieku malarz Georges Seurat opracował technikę tworzenia obrazu wyłącznie z małych kropek. Ta technika, znana jako Pointylizm, tworzyła zniekształcone, ale przedstawiające obrazy. Pointylizm przyczynił się do rozwoju eksperymentalnych pociągnięć pędzla i technik kompozycyjnych, które sugerowały tendencję ku abstrakcji. Ta tendencja była rozwijana w okresie postimpresjonizmu, gdy artyści zaczęli eksperymentować z symbolizmem oraz dowolnym użyciem koloru, formy i linii.

Wszystko jest subiektywne

W latach 1900. ekspresjoniści przyczynili się do trendu czystej abstrakcji, skupiając się na subiektywności. Poprzez dramatyczne zniekształcanie swoich obrazów starali się przedstawić głęboko osobisty punkt widzenia, bardziej reprezentujący emocje niż rzeczywistość fizyczną. W tym okresie pojawił się także ruch fowistów, malarzy skupiających się niemal wyłącznie na żywych kolorach i malarskich znakach. Dla fowistów tematyka była drugorzędna wobec estetycznych składników dzieła. Do tego czasu pojawienie się czystej abstrakcji było nieuniknione. Wszędzie artyści pracowali z symbolicznymi przedstawieniami rzeczywistości, dążąc do przekazywania idei i uczuć w sposób niezwiązany z tematyką. Definicja tego to abstrakcja. Ale kto był pierwszy, który stworzył obraz całkowicie abstrakcyjny?

Hans Hofmann - Wschodzący Księżyc, 1965, olej na płótnie, kolekcja prywatna, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Niech prawdziwy pierwszy abstrakcjonista się ujawni

Prawie wszyscy historycy zgadzają się, że pierwszym obrazem abstrakcyjnym był Bez tytułu (Pierwsza abstrakcyjna akwarela) Wassily’ego Kandinsky’ego, namalowany w 1910 roku. Składający się z żywo kolorowych plam, kół, linii, zygzaków i pól barwnych ułożonych w pozornie przypadkowy sposób, obraz w żaden sposób nie odnosi się do istniejących elementów wizualnych świata fizycznego. Możemy jednak, dla zabawy, postawić hipotezę, że Bez tytułu (Pierwsza abstrakcyjna akwarela) Kandinsky’ego nie był pierwszym całkowicie abstrakcyjnym obrazem. Rok wcześniej, w 1909 roku, francuski awangardowy malarz Francis Picabia namalował Caoutchouc, dzieło proto-kubistyczne z niepoznawalnymi kształtami geometrycznymi otoczonymi pozornie niezwiązanymi polami kolorów. To dzieło zdaje się w żaden sposób nie przedstawiać obiektywnej rzeczywistości wizualnej. Jednak słowo Caoutchouc oznacza luźno naturalną gumę, odniesienie do surowca do produkcji gumy wulkanizowanej. Nie analizując wizualnych elementów niewulkanizowanej gumy, nie możemy powiedzieć, ale może ten obraz jest przedstawiający. Kto wie? Wiemy natomiast, że Kandinsky był zapalonym teoretykiem sztuki i płodnym pisarzem artystycznym. Pisał entuzjastycznie o swoim dążeniu do stworzenia pierwszego na świecie dzieła sztuki całkowicie abstrakcyjnej. Otwarcie mówił o swoim zamiarze zostania założycielem sztuki abstrakcyjnej i o sukcesie w jego osiągnięciu. Nikt nie może zaprzeczyć, że miał zamiar być pierwszy, niezależnie od tego, czy ktoś przed nim przypadkowo go wyprzedził.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, olej na płótnie, 85 1/4 x 73 1/2 cala (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Co Kandinsky na pewno zrobił

Otwarcie ogłaszając swój zamiar tworzenia czystej sztuki abstrakcyjnej, Kandinsky uwolnił artystów od zależności od odniesień do obserwowalnego świata. Rozdzielił sztukę od jej dawnej logiki. Otworzył pole do głębokich i szybkich eksperymentów. Doprowadził do dojrzałości obietnicę romantyków, że, jak powiedział niemiecki artysta romantyczny Caspar David Friedrich, „Uczucie artysty jest jego prawem.”

Wassilly Kandinsky - Kompozycja IV, 1911, olej na płótnie, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Niemcy

Świat w wojnie

W kolejnych dziesięcioleciach artyści dziko eksperymentowali z abstrakcją. Powstało wiele nowych stylów, pod wpływem wezwania abstrakcji do wolności, a także okropności I wojny światowej i rozwoju epoki maszyn. Kubizm wpłynął na artystów, by ograniczyli swój język wizualny do najprostszych elementów. Futuryzm pokazał żywotność i siłę linii. Dadaizm podważył znaczenie sztuki, potwierdzając jej wolność i odrzucenie mieszczaństwa. W latach 20. surrealizm otworzył umysły artystów na siłę podświadomości. Skupiając się na obrazach przypominających sny i odrzucając świadomą logikę, głęboko wpłynął na artystów abstrakcyjnych, zachęcając ich do eksperymentowania z technikami, mediami i metodami, które mogłyby ich bardziej bezpośrednio połączyć z ich nieświadomym ja.

Wassiliy Kandinsky - Kompozycja 6, 1913, olej na płótnie, 76 2/5 × 115 7/10 cala, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż / Erich Lessing / Art Resource, NY

Stwórz coś nowego!

W latach 30. niemiecko-amerykański malarz Hans Hofmann zasłynął z rozpowszechnienia w Ameryce podstawowych filozofii tego, co stało się znane jako modernizm, najnowsza odmiana odrzucenia dawnych sposobów i metod. Sam będąc malarzem abstrakcyjnym, Hofmann zachęcał swoich uczniów od Kalifornii po Nowy Jork do przyjmowania nowych metod tworzenia obrazów, w poszukiwaniu sposobów na wyrażenie lęków i cudów szybko uprzemysławiającego się społeczeństwa. W 1934 roku poeta Ezra Pound podsumował postawę modernistów swoim słynnym wezwaniem do artystów: „Stwórz coś nowego!” Pound był postacią kontrowersyjną, ostatecznie przeniósł się do Włoch, gdzie wspierał czołowe postacie faszystowskie II wojny światowej. Niemniej jednak jego entuzjastyczne odrzucenie starego zakorzeniło się w umysłach artystów abstrakcyjnych, prowadząc do potężnych zmian na horyzoncie.

Wasilly Kandinsky - Czarna plama I (szczegół), 1912, olej na płótnie. 39,4 × 51,2 cala (100,0 × 130,0 cm), Muzeum Rosyjskie, Petersburg, Rosja

Nowa czystość

Po dwóch wojnach światowych, globalnym kryzysie, głodach, okrucieństwach i dwóch atakach nuklearnych na zaludnione miasta, nie da się przecenić, jak bardzo przeciętny człowiek odczuwał lęk w połowie lat 40. XX wieku. Ten lęk wywołał nowe i szerokie zainteresowanie stosunkowo młodą dziedziną psychoanalizy. Wśród wielu milionów ludzi, którzy zwrócili się wtedy ku psychoanalizie, był Jackson Pollock , jeden z czołowych członków grupy artystów znanych jako abstrakcyjni ekspresjoniści. Pollock zetknął się z psychoanalizą podczas rehabilitacji. Otworzyło to jego umysł na świat pierwotnej wiedzy ukrytej w jego podświadomości. Wielu jego współczesnych szukało nowych sposobów łączenia się z ukrytą istotą swojej ludzkiej natury, starając się wyrazić surowe, pierwotne emocje przez swoje obrazy. Pollock poszukiwał ukrytych obrazów, mając nadzieję, że połączy się z czymś głębokim w sobie, czymś czystszym niż to, co dotąd wyrażała sztuka abstrakcyjna. Około 1947 roku Pollock zapoczątkował swoją teraz ikoniczną technikę kapania. Technika ta polegała na nakładaniu farby na powierzchnię za pomocą sił takich jak grawitacja i pęd, zamiast bezpośredniego kontaktu narzędzi z płótnem. Przyjmując ten nowy poziom fizyczności i całkowicie odrzucając wszelkie rozpoznawalne formy, Pollock wszedł w nową sferę czystej abstrakcji opartej całkowicie na podświadomych intencjach, kolorze, ruchu, sile i mocy.

Wassily Kandinsky - Pierwsza abstrakcyjna akwarela Kandinsky’ego, 1910, akwarela, tusz indyjski i ołówek na papierze, 19,5 × 25,5 cala (49,6 × 64,8 cm), Paryż, Centrum Georges Pompidou

Koniec początku

Prace Pollocka w wielu aspektach spełniły obietnicę abstrakcji: całkowite uwolnienie artysty od ograniczeń estetycznych oczekiwań. Być może także jego wysiłki doprowadziły do logicznego końca abstrakcji. Pollock wyostrzył znaczenie faktury, materialności, procesu i idei postrzegania dzieła sztuki nie jako powierzchni do przekazywania sztuki, lecz jako samej zjednoczonej formy. Choć w pracy Pollocka jest to odzwierciedlone w pierwotnym sensie, te koncepcje są integralne dla dzieł minimalistów , którzy zastąpili abstrakcyjnych ekspresjonistów jako najbardziej wpływowych artystów lat 60. Podobnie jak Kandinsky, czołowy członek ruchu minimalistycznego, Donald Clarence Judd, był zapalonym teoretykiem sztuki i pisarzem. Choć odrzucał etykietę minimalisty, Judd stał się reprezentantem idei ograniczania języka wizualnego i oczyszczania pojęć formy i przestrzeni. Zamiast odrzucać rozpoznawalne odniesienia wizualne i obiektywną rzeczywistość, artyści minimalistyczni, tacy jak Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt i Frank Stella skupiali się na formie, użyciu żywych i czystych kolorów, ostrych liniach, minimalnej fakturze i nowoczesnej materialności. Zamiast abstrahować rzeczywistość, minimalisci ucieleśniali kształty, kolory, formy i linie często badane w sztuce abstrakcyjnej, umieszczając je w przestrzeni fizycznej w sposób przedstawiający.

Jackson Pollock - Zbieżność, 1952, Galeria Sztuki Albright-Knox, Buffalo, NY, USA

Nowe nowe

Historia sztuki abstrakcyjnej to historia dążenia artystów do wolności. Co to dziś oznacza? Artyści są wolni, by wyrażać się w dowolny sposób, badając metody, które ich pociągają. Piękno dzisiejszego otwartego stylu polega na tym, że artysta może używać dowolnego stylu, medium lub metody, które najlepiej służą realizacji pomysłu. Choć minimalizm mógł odsunąć sztukę abstrakcyjną na bok w latach 70., abstrakcja powróciła na czoło praktyk wielu artystów. Współcześni malarze abstrakcyjni korzystają z otwartości umysłowej swoich poprzedników. Abstrakcja nadal łączy nas z czymś, czego obiektywna rzeczywistość nie potrafi wyjaśnić; czymś głębokim w nas, co wykracza poza widzialną rzeczywistość.

Zdjęcie wyróżniające: Wassily Kandinsky - Pierwsza abstrakcyjna akwarela Kandinsky’ego, 1910, zdjęcie za pośrednictwem Wikipedii

Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio