Mniej znaczy więcej: Minimalizm
Minimalizm to nurt sztuki abstrakcyjnej, który pojawił się w Ameryce w latach 60. XX wieku i odnosi się głównie do malarstwa oraz rzeźby. Dzieła minimalistyczne w żaden sposób nie próbują przedstawiać zewnętrznej rzeczywistości wizualnej, wykorzystując proste geometryczne wzory i przemysłowe materiały, aby pozbawić je wszelkich „emocjonalnych” lub nadmiernie „ludzkich” tonów. Prace z tego nurtu często zawierają uproszczone siatki i formaty seryjne, co wiąże się z ideą, że powinny one radykalnie odrzucać konwencjonalną atrakcyjność estetyczną, odchodząc od dominujących trendów tamtego okresu.
Radykalny ruch
Ruch ten wywodzi się z Ameryki lat 40. i 50. XX wieku, okresu, w którym Ekspresjonizm abstrakcyjny ugruntował się jako popularny kierunek sztuki, przekazujący silną ekspresję i emocjonalną treść, znany przede wszystkim dzięki Jacksonowi Pollockowi i jego malarstwu akcji, w którym spontanicznie kapał farbę na płótno. Minimalizm ustawił się jako reakcja na tego rodzaju sztukę, czerpiąc wpływy z abstrakcji artystów Bauhausu, takich jak Kazimierz Malewicz i Piet Mondrian, oraz z użycia przemysłowych materiałów zamiast tradycyjnych technik artystycznych przez wczesny ruch konstruktywistyczny XX wieku.
Daniel Göttin - 2003 Untitled 3, 2003. Akryl na bawełnianej tkaninie na MDF. 40 x 36 cm.
Podejście „mniej znaczy więcej”
Dzieła minimalistyczne nie są wyraźnie powiązane z artystą, który je stworzył, wielu twórców uważało, że dzieło powinno mieć własną rzeczywistość oderwaną od emocji i życia artysty. Podkreśla się fizyczne istnienie dzieła jako takiego, starając się, aby widz reagował wyłącznie na obiekt przed sobą, eliminując inne rozpraszające czynniki. Minimalistyczni artyści chcieli zanurzyć swoich odbiorców w doświadczeniu, które byłoby czystsze, bardziej bezpośrednie i silniejsze niż kiedykolwiek wcześniej.
Margaret Neill - Spectator, 2018. Olej na panelu. 30,48 x 30,48 cm.
Postacie minimalistyczne
Przełomową pracą w nurcie minimalizmu był Tony Smith i jego „Die”, duża stalowa kostka. Choć Smith początkowo był związany z ekspresjonistami abstrakcyjnymi, stworzenie tej monumentalnej rzeźby było rewolucyjne, ponieważ Smith zlecił jej wykonanie w fabryce i, w przeciwieństwie do swoich kolegów ekspresjonistów abstrakcyjnych, zadbał o całkowite usunięcie śladów ręki artysty.
Prace Smitha utorowały drogę grupie artystów, którzy kontynuowali rozwój tego stylu w pełnoprawny ruch artystyczny, a jednym z pierwszych pionierów był Frank Stella, którego „Czarne obrazy”, pokazane po raz pierwszy w MoMA w 1959 roku, składały się z płaskich pasów czarnej farby, świadomych własnej dwuwymiarowości.
Inną ważną postacią w ruchu był Carl Andre, który dzielił pracownię ze Stellą, a jego rzeźby, po raz pierwszy wystawione w 1964 roku, znane są z użycia materiałów takich jak cegły i metalowe płyty ułożone w proste geometryczne kompozycje na podłodze. W przeciwieństwie do Andre, Sol LeWitt, kolejna ważna postać ruchu, odrzucał użycie materiałów przemysłowych, stosując tradycyjne media w swoich „strukturach”, geometrycznych kratownicach z form sześcianów, które celowo podkreślały podstawowe kształty i bezosobowość dzieła.
Dan Flavin zaczął na początku lat 60. tworzyć prace z użyciem pasków neonów, wypełniając całe pomieszczenie światłem neonowym podczas Documenta 4 w 1968 roku, co było przełomowym posunięciem nawiązującym w wielu aspektach do gotowych przedmiotów Duchampa. Innym ważnym artystą w tym kręgu był Richard Serra, który tworzył wielkoformatowe rzeźby z blachy, które, używając przemysłowej blachy, stanowiły przewrotną krytykę jej dominacji.
Tracey Adams - (r ) evolution 39, 2015. Pigmentowany wosk pszczeli, olej i kolaż na panelu drewnianym. 101,6 x 101,6 cm.
Rozwój minimalizmu w krytyce i esejach artystycznych
Donald Judd opublikował w 1964 roku esej „Specific Objects”, w którym napisał, że „Nie jest konieczne, aby dzieło miało wiele rzeczy do oglądania, porównywania, analizowania pojedynczo, kontemplowania. Rzecz jako całość, jej jakość jako całość, jest tym, co interesuje. Główne rzeczy są samotne i są bardziej intensywne, jasne i potężne.” Sam Judd był znany ze swoich rzeźb przypominających pudełka, czyli „specyficznych obiektów”, wykonanych z blachy i pleksiglasu, które odrzucały iluzję i przedstawiały przestrzeń.
Kluczową wystawą sztuki minimalistycznej była wystawa „Primary Structures” w Żydowskim Muzeum w Nowym Jorku w 1966 roku, na której prezentowano artystę Roberta Morrisa. Esej Morrisa „Notes on Sculpture”, opublikowany w tym samym roku, zawierał stwierdzenie, że „prostota kształtu niekoniecznie oznacza prostotę doświadczenia.” Potwierdza to podejście „mniej znaczy więcej” minimalistycznych artystów, dla których prostota formy pozwalała dziełu na większą interakcję z otaczającą przestrzenią i samym widzem.
Zdjęcie główne: Claude Tétot - Untitled 10, 2018. Olej i akryl na papierze. 70 x 100 cm.
