Mniej znaczy więcej: Minimalizm

Minimalizm to abstrakcyjny ruch artystyczny, który pojawił się w Ameryce w latach 60-tych i odnosi się głównie do malarstwa i rzeźby. Minimalistyczne dzieła w żaden sposób nie próbują przedstawiać zewnętrznej rzeczywistości wizualnej, wykorzystując proste geometryczne wzory i materiały przemysłowe, aby pozbawić je jakichkolwiek "emocjonalnych" lub zbyt "ludzkich" odcieni. Prace z tego ruchu często zawierają uproszczone formaty siatki i seryjne, co wiąże się z ideą, że powinny one kwestionować jakiekolwiek konwencjonalne walory estetyczne w radykalnym odejściu od dominujących trendów tego okresu.

Ruch radykalny

Ruch swoje korzenie miał w Ameryce w latach 40. i 50. XX wieku, okresie, w którym Ekspresjonizm Abstrakcyjny ugruntował się jako popularny ruch artystyczny, który przekazywał silną ekspresyjną i emocjonalną treść, reprezentowany słynnie przez Jacksona Pollocka i jego Malowanie Akcji, w którym spontanicznie kapał farbą na płótno. Minimalizm ustawił się jako reakcja na ten rodzaj sztuki, inspirowany abstrakcjami artystów Bauhausu, takich jak Kazimir Malevich i Piet Mondrian, oraz użyciem materiałów przemysłowych zamiast tradycyjnych technik artystycznych przez ruch konstruktywistyczny na początku XX wieku.

Daniel Göttin - 2003 Untitled 3, 2003. Akryl na tkaninie bawełnianej na MDF. 40 x 36 cm.

Podejście "Mniej znaczy więcej"

Prace minimalistyczne nie są bezpośrednio związane z artystą, który je stworzył, a wielu ich praktyków wierzy, że dzieło powinno mieć swoją własną rzeczywistość, oderwaną od emocji i życia artysty. Podkreśla się fizyczną obecność dzieła jako takiego, starając się sprawić, aby widz reagował wyłącznie na obiekt przed sobą, eliminując inne rozpraszające czynniki. Minimalizm chciał zanurzyć swoich widzów w doświadczeniu, które byłoby czystsze, bardziej bezpośrednie i potężniejsze niż kiedykolwiek wcześniej.

Margaret Neill- Spectator, 2018. Olej na panelu. 30,48 x 30,48 cm.

Minimalistyczne figurki

Przełomowe dzieło w ruchu minimalistycznym to Tony Smith, którego "Die" to duży stalowy sześcian. Chociaż Smith początkowo był związany z ekspresjonistami abstrakcyjnymi, stworzenie tej monumentalnej rzeźby było rewolucyjne, ponieważ Smith zlecił jej wykonanie w fabryce, a w przeciwieństwie do swoich rówieśników z ekspresjonizmu abstrakcyjnego, upewnił się, że ślad ręki artysty został całkowicie usunięty.
Prace Smitha utorowały drogę grupie artystów, którzy kontynuowali rozwój tego stylu w pełnoprawny ruch artystyczny, z którego jednym z pierwszych pionierów był Frank Stella, którego "Czarne Obrazy", po raz pierwszy pokazane w MoMA w 1959 roku, składały się z płaskich pasów czarnej farby, w pełni świadomych swojej własnej dwuwymiarowości.

Inną ważną postacią w ruchu był Carl Andre, który dzielił przestrzeń studia ze Stellą i którego rzeźba była wystawiana po raz pierwszy w 1964 roku, znany z użycia materiałów takich jak cegły i metalowe płyty ułożone w proste kompozycje geometryczne umieszczone na podłodze. W przeciwieństwie do Andre, Sol LeWitt, inna ważna postać w ruchu, odrzucił użycie materiałów przemysłowych, stosując tradycyjne media w swoich 'strukturach', geometrycznych siatkach form sześciennych, które celowo podkreślały podstawowe kształty i bezosobowość dzieła.

Dan Flavin zaczął wczesnych latach 60-tych tworzyć prace wykorzystujące paski neonu, wypełniając całe pomieszczenie światłem neonowym na Documenta 4 w 1968 roku, co było przełomowym krokiem, który w wielu aspektach nawiązywał do ready-made Duchampa. Innym ważnym artystą w tym kręgu był Richard Serra, który tworzył rzeźby w dużej skali z blachy, które, wykorzystując przemysłową blachę, funkcjonowały jako subwersywna krytyka jej dominacji.

Tracey Adams - (r ) ewolucja 39, 2015. Pigmentowany wosk pszczeli, olej i kolaż na panelu drewnianym. 101,6 x 101,6 cm.

Rozwój minimalizmu w krytyce sztuki i esejach

Donald Judd opublikował w 1964 roku esej "Obiekty specyficzne", w którym napisał, że „Nie jest konieczne, aby dzieło miało wiele rzeczy do oglądania, porównywania, analizowania jedna po drugiej, kontemplowania. Rzecz jako całość, jej jakość jako całość, jest tym, co jest interesujące. Główne rzeczy są same i są bardziej intensywne, jasne i potężne.” Sam Judd był znany ze swoich rzeźb w kształcie pudełek, czyli „obiektów specyficznych”, wykonanych z blachy i pleksi, które odrzucały pojęcia iluzji i reprezentowały przestrzeń.

Kluczową wystawą sztuki minimalistycznej była wystawa „Primary Structures” w Żydowskim Muzeum w Nowym Jorku w 1966 roku, na której prezentowany był artysta Robert Morris. Esej Morrisa „Notes on Sculpture”, opublikowany w tym samym roku, w którym napisał, że „prostota kształtu niekoniecznie równa się prostocie doświadczenia”. To potwierdza podejście „mniej znaczy więcej” artystów minimalistycznych, dla których prostota kształtu pozwalała na większą interakcję dzieła z otaczającą je przestrzenią oraz z samym widzem.

Obraz wyróżniony: Claude Tétot - Untitled 10, 2018. Olej i akryl na papierze. 70 x 100 cm.