Ponowne spojrzenie na rzeźbę Tony'ego Smitha poprzez te 5 dzieł

Tony Smith cieszy się radykalnie zindywidualizowanym statusie w historii sztuki XX wieku. Jego rzeźby wymykają się łatwej kategoryzacji, zajmując miejsce gdzieś pomiędzy architekturą, eksperymentem naukowym a sztuką. Kierunek jego kariery również był daleki od tradycyjnego. Swoje życie zawodowe rozpoczął jako architekt, studiując u László Moholy-Nagy'ego w Nowym Bauhausie w Chicago, a następnie odbywając praktykę u Franka Lloyda Wrighta. I miał ponad 50 lat, zanim jego kariera artystyczna zaczęła się rozwijać. Smith celowo konstruował dzieła, które tworzył, bardziej jako strukturalne zjawiska estetyczne niż sztukę piękną. Jednym z jego najwcześniejszych dzieł, które położyło koncepcyjne fundamenty dla jego wielkiego pomysłu, była stalowa kostka zwana „Die”. Smith stworzył model „Die” w 1962 roku, a w 1968 roku zlecił jej wykonanie firmie Industrial Welding Company w Newark, New Jersey, po tym jak zauważył znak na zewnątrz firmy, który brzmiał: „Ty określasz, my wykonujemy”. Zadzwonił do firmy i określił sześciostopową kostkę ze stali o grubości ćwierć cala. Wybrał ten rozmiar, ponieważ był ludzki w skali, zajmując, jak powiedział, środkową pozycję pomiędzy pomnikiem a zwykłym obiektem. Tytuł „Die” może odnosić się do elementu gry, metody produkcji odlewu lub śmierci. Dodatkowym smaczkiem tego dzieła jest fakt, że sześć stóp to standardowa głębokość ludzkiego grobu. Reszta jego prac dzieli tę mieszankę intelektu, sztuki i dowcipu, łącząc odniesienia do struktur naturalnych i stworzonych przez człowieka oraz mieszając wcześniej ustalone plany z intuicyjnymi wyborami. W kontekście historii sztuki najczęściej określa się go jako minimalistę. Może to być spowodowane tym, że jedno z jego dzieł zostało uwzględnione w wystawie Primary Structures w Muzeum Żydowskim w Nowym Jorku w 1966 roku, co pomogło wprowadzić minimalizm. Jednak metody, które stosował Smith, a także jego filozofia, nie do końca pasowały do minimalistycznych intencji i celów. Dodatkowo, Smith sam zasugerował, że to, co stworzył, może w ogóle nie być sztuką, mówiąc: „objętość mojej pracy ma wiele wspólnego z odpowiedzią na współczesne życie ogólnie. Nie sądzę, aby miało to wiele wspólnego ze sceną artystyczną.” Cokolwiek byś chciał je nazwać, oto pięć naszych ulubionych dzieł Tony'ego Smitha:

Struktura Benningtonu (1961, Zniszczona) 

Zbudowana, gdy Smith był instruktorem malarstwa i projektowania architektonicznego w Bennington College w Vermont, „Struktura Bennington” zajmuje fascynującą pozycję między architekturą a rzeźbą. Składająca się z identycznych modułów geometrycznych wykonanych z sklejki, metalu, tokarki i cementu portlandzkiego, struktura jednocześnie przypomina ul i stos różnych gniazd karabinów maszynowych z czasów II wojny światowej. Moduły mają rozmiar człowieka, a po połączeniu tworzą strukturę, która wydaje się być stworzona do zamieszkania, nadając jej architektoniczną obecność, jednak jako schronienie nie jest ani ochronna, ani szczególnie użyteczna. 

Tony Smith - Struktura Bennington, 1961. Sklejka, metal, tokarka i cement portlandzki. Długość całkowita 40', średnica każdej jednostki około 9'. Bennington College, VT, 1961. © Tony Smith Estate/Prawa Artystów (ARS, Nowy Jork)

Moondog (1964) 

Sześciometrowa, czarna aluminiowa rzeźba „Moondog” ma bezpośrednie powiązania estetyczne z „Strukturą Bennington”. Wygląda, jakby muszle dwóch z geometrycznych modułów z tej pierwszej przekształciły się w trójwymiarowe, kryształowe wersje samej siebie, a następnie zostały ułożone jedna na drugiej. Tytuł odnosi się w żartobliwy sposób do obecności dzieła, które z niektórych punktów widzenia wydaje się przypominać stworzenie chodzące na trzech nogach, a z innych perspektyw wygląda jak statek kosmiczny. Przenikliwie, ogólna struktura dzieła sugeruje pierwszy lądownik księżycowy, który nie istniałby przez kilka lat później. 

Tony Smith - Moondog, 1964. Aluminium, pomalowane na czarno. 17'1-1/4" x 13'7-1/4" x 15'8-1/2". Edycja 1/3. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, Nowy Jork)

Dym (1967) 

Na wysokości 47 stóp, „Dym” jest z pewnością nie w skali ludzkiej. Czarna aluminiowa struktura ucieleśnia zainteresowanie Smitha naśladowaniem zarówno naturalnego, jak i stworzonego przez człowieka świata. Dzieło ponownie składa się z identycznych, wytworzonych modułów złożonych w quasi-architektoniczną strukturę. Z daleka, dzieło wygląda jak geometryczna abstrakcja. Z bliska przybiera przerażającą, zwierzęcą obecność, podobną do gigantycznej, pajęczej rzeźby „Maman”, którą Louise Bourgeois stworzyła trzy dekady później w 1999 roku. Smith wyjaśnił, że powód, dla którego nazwał to dzieło „Dym”, polega na tym, że iluzja dymu polega na tym, że jest to ciało stałe, ale tak naprawdę po prostu znika. Ta struktura również ma cechy ciała stałego, ale tak naprawdę zawiera tylko pustkę. 

Tony Smith - Dym, 1967. Aluminium, pomalowane na czarno. 24'2" x 47' x 33'. Edycja 1/3. Muzeum Sztuki w Los Angeles, CA. Zdjęcie © Museum Associates/LACMA

Zapal się (1971) 

Zlecone przez Westinghouse Electric Corporation, „Light Up” łączy dwie formy geometryczne – tetrahedron i oktahedron. Wykonane ze stali i pomalowane na jaskrawo żółto, dzieło nawiązuje do eksperymentalnej pracy Smitha sprzed dziesięciu lat, zatytułowanej „Cigarette”. W tej wcześniejszej pracy Smith zaczął od modelu, ale potem zdał sobie sprawę, że stał się on zbyt skomplikowany, przez co przypominał rodzaj pomnika. Zaczął redukować model do jego podstawowych elementów, aż dotarł do prostej kręgosłupa, który dla niego przypominał „papierosa, z którego zaciągnięto się jednym zaciągnięciem, zanim został zmielony w popielniczce.” Zabawnie nazwana „Light Up” dzieli estetyczne cechy „Cigarette”, sugerując zabawne podwójne odniesienie do firmy, która zleciła jej stworzenie, oraz wcześniejszej rzeźby, z której wydaje się, że wyłoniła się jej forma. 

Tony Smith - Light Up, 1971. Stal, pomalowany na żółto. 20'9" x 28'7" x 16'6". Edycja 1/1. Uniwersytet w Pittsburghu, PA. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, Nowy Jork)

Smog (1969-70) i Smug (1973) 

Jak wcześniej zauważono w „Dymie”, jednym z kluczowych konceptów, które interesowały Smitha, była idea relacji form do pustki, czyli połączenie pomiędzy ciałami stałymi a nicością. Każda z jego struktur zawiera odniesienie do tej rozmowy, ponieważ każda działa jak rodzaj pojemnika dla pustej przestrzeni. Wywodząc się z pracy, którą wykonał nad „Dymem”, powiązane dzieła „Smog” i „Zadowolony” oferują skompresowane wersje tej samej podstawowej struktury. „Smog” spłaszcza strukturę w przeplatający się wzór tetraedrów. „Zadowolony” dodaje drugą warstwę do struktury, sugerując, że wzór mógłby się stąd rozwijać w nieskończoność. Spłaszczona natura pustej przestrzeni w tych strukturach zmienia ich relację z widzami, ponieważ nie możemy już stać pod ich strukturą. Pustka staje się klaustrofobiczna i w pewnym sensie tajemnicza, echo najbardziej ikonicznego cytatu, który Smith wypowiedział na temat swoich metod: „Nie tworzę rzeźby, spekuluję na temat formy.”

Tony Smith - Smug, 1973. Odlew z brązu, czarna patyna. 3' x 16' x 11'8". Edycja 1/6. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, Nowy Jork)

Obraz wyróżniający: Tony Smith - Smog, 1969–70. Odlew z brązu, czarna patyna. 12" x 9'5" x 6'7". Edycja 5/6. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, Nowy Jork)
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio