Abstrakcyjny charakter sztuki typograficznej

Pewne złudzenia muszą być podtrzymywane, aby cywilizacja mogła trwać. Na przykład współczesna waluta nie ma wartości wewnętrznej. Utrzymujemy złudzenie wartości pieniędzy, aby uporządkować społeczeństwo w sposób wiarygodny. Język jest również abstrakcyjny. Dźwięki i symbole znaczą to, na co się umówimy. Sztuka typografii to jeden ze sposobów, w jaki artyści badają te abstrakcje, które są nieodłączne w naszej kulturze. Kwestionuje ona nasze przyjęte wyobrażenia o tym, co jest znaczące, a co nie, przedstawiając język pisany poza jego zwykłym kontekstem, w niesamowity sposób lub zestawiając go z niezwykłymi lub nieoczekiwanymi estetycznymi odpowiednikami. Od kubizmu przez dadaizm, sztukę konceptualną, pop-art i dalej, sztuka typografii badała nasze użycie pisanych symboli przez ponad 100 lat. Poszerzyła granice i możliwości tego, co postrzegamy jako język i w co wierzymy, że może osiągnąć.

Kubistyczna sztuka typografii

Jednym z pierwszych przykładów nowoczesnej sztuki typografii jest Pablo Picasso’s Martwa natura z siedziskiem z wikliny, stworzona w 1912 roku. To ikoniczne dzieło jest również uważane za pierwszy kolaż Picassa, oznaczający początek kubizmu syntetycznego. Praca przywodzi na myśl powierzchnię stolika w kawiarni i zawiera elementy szklanki do picia, fajki, gazety i krzesła kawiarnianego, między innymi. Oprócz znaczenia dla rozwoju kubizmu, jest również kluczem do naszego zrozumienia typograficznej abstrakcji. Dzieło zawiera trzy namalowane litery, które zdają się tworzyć słowo „JOU”, które po francusku można przetłumaczyć jako „gra”. Lub JOU może być częścią frazy „Le Journal”, nazwy najpowszechniej czytanej gazety w Paryżu w czasie powstania tego dzieła.

Ponieważ obraz w Martwej naturze z siedziskiem z wikliny nawiązuje do gazety, Picasso mógł łatwo mieć na myśli Le Journal. Ale z drugiej strony tekst mógł być żartobliwym ukłonem w stronę wizualnych lub konceptualnych gier. Inną możliwością jest, że zamieszanie między tymi interpretacjami było celowym oświadczeniem Picassa na temat mediów informacyjnych i ich tendencji do mylenia znaczenia i intencji w relacjach. W każdym razie nie chodzi o ustalenie intencji Picassa. Chodzi o uznanie braku jasności. Cała kwestia znaczenia typograficznych elementów dzieła wskazuje na jego reprezentatywność dla narodzin nowoczesnej typograficznej abstrakcji.

Francis Picabia -  Dama! Ilustracja na okładkę periodyku Dadaphone nr 7, Paryż, marzec 1920

Sztuka dada i typografia

Bezpośrednio po pojawieniu się kubizmu pojawili się dadaiści, grupa artystów poświęcona konfrontacji z absurdem ich cywilizacji. Dadaiści mocno polegali na kolażu jako medium wizualnym i w swoich dziełach zawierali wiele abstrakcyjnych odniesień typograficznych. Francis Picabia był jednym z najsłynniejszych dadaistów używających typografii. Wykształcony jako ekspert realistycznego malarstwa, poeta i typograf, Picabia doskonale wiedział, że celem języka pisanego jest komunikacja. Jednak w swoich dadaistycznych dziełach posunął się do tworzenia niesamowitych, absurdalnych kompozycji pisanych, które mogły być interpretowane na bardzo różne sposoby lub nawet uznane za bełkot.

Weźmy pod uwagę okładkę, którą Picabia stworzył dla dadaistycznego periodyku Dadaphone w 1920 roku. Obraz nosi tytuł „Dama!”. Zawiera abstrakcyjny obraz spirali i kilka fragmentów tekstu. Pełne tłumaczenie tekstu brzmi: „Ciało, które wypiło za dużo, to neapolitańska wołowina”, „ręce w kanonicznym gównie”, „łatanie jej łóżka” oraz „most zwodzony damy”. Znaczenie słów jest tak samo niejasne jak znaczenie spirali. Czy obraz ma wskazywać na śrubę? Czy jest czymś zabawnym, jak konfetti? Czy jest obrazem postępu mechanicznego? Czy jest to przekaz rozpaczy czy postępu? Tekst niczego nie wyjaśnia, dodając poziomy abstrakcji, które osiągają efekt odwrotny do tego, co Picabia rozumiał jako cel języka jako medium, czyli jasność.

Jasper Johns i typografia

W latach 50. malarz Jasper Johns zdobył sławę dzięki abstrakcyjnemu użyciu ikonicznych symboli kulturowych, często zawierających symbole typograficzne. Johns przywłaszczył sobie formy symboliczne, takie jak flaga amerykańska i tarcza, badając je w sposób, który rekontextualizował je jako formy abstrakcyjne, a nie znaczące symbole, odrywając je od ich kulturowego znaczenia. Johns unikał wyjaśniania znaczenia lub celu swoich dzieł, wskazując, że zamierzał, aby były one „ukończone”, czyli interpretowane przez widza.

Joseph Kosuth - Jeden i trzy krzesła, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Johns słynnie włączał alfabet angielski oraz cyfry arabskie w dużą liczbę swoich dzieł. Używał tych elementów typograficznych jako pozornie bezsensownego tematu obrazów, które zdawały się bardziej dotyczyć cech formalnych, takich jak powierzchnia, faktura, wymiarowość i malarskość niż czegokolwiek przedstawiającego. Włączał także słowa, takie jak nazwy kolorów, malując je i zestawiając z różnymi kolorami, myląc znaczenie słów. Te typograficzne dzieła kwestionowały, czy typografia jest narzędziem komunikacji, czy po prostu zbiorem form, które można używać abstrakcyjnie, tak jak abstrakcjoniści geometryczni malowali koła, kwadraty, krzyże i trójkąty.

Andy Warhol - Puszki zupy Campbell’s, 1962, farba syntetyczna, cm x 41 cm, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork, © 2017 Fundacja Andy Warhol / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Sztuka konceptualna, pop-art i typografia

Prace Johnsa miały wpływ na Andy’ego Warhola, który słynnie łączył elementy symboliczne i typograficzne w swoich dziełach. Puszki zupy Campbell’s Warhola, stworzone w 1962 roku, składały się z 32 oddzielnych grafik, z których każda przedstawiała jeden z 32 rodzajów zupy oferowanych wówczas przez firmę Campbell. Te dzieła były płaskie, mechanicznie wykonane i wykorzystywały tematykę pozornie nieistotną. Tekst nie przekazywał nic poza komercyjnym znakiem towarowym. Poprzez to abstrakcyjne użycie typograficznych obrazów Warhol stawiał pytania o sens lub bezsens zarówno kultury konsumpcyjnej, jak i sztuki.

Jasper Johns miał również wpływ na artystów konceptualnych, takich jak Joseph Kosuth. Kosuth użył typografii jako jednej trzeciej swojego słynnego dzieła Jeden i trzy krzesła, stworzonego w 1965 roku. W tym dziele Kosuth zestawił razem fotografię krzesła, rzeczywiste drewniane krzesło oraz pisemny opis krzesła. Dzieło sugerowało, że wszystkie trzy elementy reprezentują nie krzesło, lecz ideę krzesła. Tylko jeden z przedmiotów był funkcjonalny jako krzesło. Fotografia i opis typograficzny były abstrakcjami.

Guerrilla Girls - Czy kobiety muszą być nagie, by wejść do Met Museum? 1989, sitodruk na papierze, 280x710mm, © Guerrilla Girls

Forma i malowane słowo

Współcześni artyści często używają tekstu, często z zamiarem, by był on odbierany dosłownie, czytany i rozumiany. Na przykład Guerrilla Girls, kolektyw kobiet artystek, które używają nieabstrakcyjnych przekazów typograficznych jako integralnej części swojej sztuki na rzecz sprawiedliwości społecznej.

Abstrakcyjne użycie typografii w sztuce realizuje inną misję sprawiedliwości społecznej, bez wyraźnego celu. Poprzez typograficzną abstrakcję artyści nie kwestionują jednego konkretnego ideału kulturowego. Kwestionują całą ideę komunikacji. W miarę jak nasze społeczeństwa stają się coraz bardziej złożone, nasze użycie typografii często tylko dodatkowo komplikuje sprawy dla mas, podczas gdy widzowie, którzy nauczyli się tłumaczyć ukryte przekazy, dzielą się sekretami na widoku. Abstrakcyjna sztuka typografii kwestionuje wartość i obiektywność języka pisanego oraz pyta, czy coś bardziej istotnego, co moglibyśmy przekazywać w bardziej intuicyjny sposób, nie jest tracone.

Zdjęcie wyróżnione: Pablo Picasso - Martwa natura z siedziskiem z wikliny, 1912, olej i techniki mieszane na płótnie olejnym, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Paryż, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Foto: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio