Abstrakcyjny charakter sztuki typograficznej

Niektóre iluzje muszą być utrzymywane, aby cywilizacja mogła trwać. Na przykład nowoczesna waluta nie ma wartości wewnętrznej. Utrzymujemy iluzję wartości pieniądza, aby w sposób niezawodny zorganizować społeczeństwo. Język jest również abstrakcyjny. Dźwięki i symbole oznaczają to, co się umówimy, że oznaczają. Sztuka typograficzna to jeden ze sposobów, w jaki artyści badają te abstrakcje, które są inherentne w naszej kulturze. Kwestionuje nasze akceptowane pojęcia tego, co jest znaczące, a co nie, przedstawiając pisany język w nietypowym kontekście, w niepokojący sposób lub zestawiając go z nietypowymi lub niespodziewanymi estetycznymi odpowiednikami. Od kubizmu po dadaizm, sztukę konceptualną, sztukę pop i dalej, sztuka typograficzna badała nasze użycie pisanych symboli przez ponad 100 lat. Rozszerzyła granice i możliwości tego, co postrzegamy jako język i w co wierzymy, że może osiągnąć.

Typografia Kubistyczna

Jednym z pierwszych przykładów nowoczesnej typografii artystycznej jest Pablo Picasso’s Martwa natura z plecionką krzesła, stworzona w 1912 roku. To ikoniczne dzieło jest również uważane za pierwszy kolaż Picassa, co oznacza początek syntetycznego kubizmu. Utwór przypomina powierzchnię stołu w kawiarni i zawiera elementy szklanki, fajki, gazety i krzesła kawowego, wśród innych przedmiotów. Oprócz tego, że jest ważne dla ewolucji kubizmu, jest również kluczem do naszego zrozumienia typograficznej abstrakcji. Dzieło zawiera trzy malowane litery, które zdają się tworzyć słowo „JOU”, które po francusku można przetłumaczyć jako „gra”. Lub, JOU może być częścią frazy „Le Journal”, nazwy najczęściej czytanej gazety w Paryżu w czasie, gdy to dzieło zostało stworzone.

Ponieważ obraz w Martwej naturze z plecionką na krześle nawiązuje do gazety, Picasso mógł łatwo mieć na myśli Le Journal. Ale z drugiej strony tekst mógł być żartobliwym nawiązaniem do gier wizualnych lub koncepcyjnych. Inną możliwością jest to, że zamieszanie między tymi interpretacjami było zamierzonym stwierdzeniem, które Picasso chciał przekazać na temat mediów informacyjnych i ich tendencji do mylenia znaczenia i intencji w swoich relacjach. W każdym razie, celem nie jest zidentyfikowanie intencji Picassa. Celem jest uznanie braku klarowności. Całe pytanie o znaczenie typograficznych elementów dzieła identyfikuje je jako reprezentatywne dla narodzin modernistycznej abstrakcji typograficznej.

Francis Picabia -  Dame! Ilustracja na okładkę periodyku Dadaphone nr 7, Paryż, marzec 1920

Sztuka Dada i Typografia

Natychmiast po pojawieniu się kubizmu przyszli dadaiści, grupa artystów poświęconych konfrontacji z absurdem swojej cywilizacji. Dadaiści w dużej mierze polegali na kolażu jako medium wizualnym i włączyli wiele abstrakcyjnych odniesień typograficznych w swoje prace. Francis Picabia był jednym z najsłynniejszych dadaistów, którzy używali typografii. Wykształcony jako ekspert w malarstwie realistycznym, poeta i typograf, Picabia doskonale wiedział, że celem języka pisanego jest komunikacja. Mimo to w swoich dadaistycznych pracach dążył do tworzenia niezwykłych, absurdalnych kompozycji pisemnych, które mogły być interpretowane na dziesiątki różnych sposobów, a nawet mogły być uznawane za bełkot.

Rozważ okładkę, którą Picabia stworzył dla dadaistycznego periodyku Dadaphone w 1920 roku. Obraz nosi tytuł „Dame!” Zawiera abstrakcyjny obraz spirali oraz kilka obszarów tekstu. Pełne tłumaczenie tekstu brzmi: „Ciało, które za dużo piło, to neapolitańska wołowina,” „ręce w kanonicznym gównie,” „łatanie jej łóżka,” oraz „most zwodzony damy.” Znaczenie słów jest tak samo niejasne, jak znaczenie spirali. Czy obraz ma wskazywać na śrubę? Czy to coś zabawnego, jak konfetti? Czy to obraz postępu mechanicznego? Czy to wiadomość rozpaczy czy postępu? Tekst nie robi nic, aby wyjaśnić znaczenie, dodając poziomy abstrakcji, które osiągają przeciwny skutek do tego, co Picabia rozumiał jako medium językowe, które ma na celu osiągnięcie klarowności.

Jasper Johns i typografia

W latach 50. XX wieku malarz Jasper Johns zyskał uznanie dzięki swojemu abstrakcyjnemu wykorzystaniu ikonicznych symboli kulturowych, często włączając symbole typograficzne. Johns przywłaszczył sobie formy symboliczne, takie jak flaga amerykańska i tarcza, badając je w sposób, który re-kontekstualizował je jako formy abstrakcyjne, a nie znaczące symbole, oddzielając je od ich kulturowego znaczenia. Johns unikał wyjaśniania znaczenia lub celu swoich dzieł, wskazując, że zamierzał, aby były one "ukończone", tzn. interpretowane przez widza.

Joseph Kosuth - Jedno i trzy krzesła, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Johns słynnie włączył alfabet angielski oraz cyfry arabskie w dużej liczbie swoich prac. Używał tych elementów typograficznych jako pozornie bezsensownego tematu do obrazów, które wydawały się bardziej dotyczyć cech formalnych, takich jak powierzchnia, tekstura, wymiarowość i malarskość, niż czegokolwiek reprezentacyjnego. Włączył również słowa, takie jak nazwy kolorów, malując je i zestawiając z różnymi kolorami, co wprowadzało zamieszanie w znaczeniu tych słów. Te prace typograficzne kwestionowały, czy typografia była narzędziem komunikacji, czy po prostu zbiorem form, które mogły być używane abstrakcyjnie, tak jak malarze abstrakcyjni malowali okręgi, kwadraty, krzyże i trójkąty.

Andy Warhol - Puszki z zupą Campbell’a, 1962, Farba syntetyczna, cm x 41 cm, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork, © 2017 Fundacja Andy’ego Warhola / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Sztuka konceptualna, Pop Art i typografia

Praca Johnsa miała wpływ na Andy'ego Warhola, który słynnie łączył elementy symboliczne i typograficzne w swoich dziełach. puszki z zupą Campbell's, stworzone w 1962 roku, składały się z 32 oddzielnych odbitek, z których każda reprezentowała jedną z 32 odmian zupy, które firma Campbell oferowała w tamtym czasie. Te prace były płaskie, mechanicznie produkowane i wykorzystywały tematykę, która wydawała się nieistotna. Tekst nie komunikował niczego poza marką komercyjną. Poprzez to abstrakcyjne wykorzystanie typograficznych obrazów, Warhol stawiał pytania o sens, lub bezsens, zarówno kultury konsumpcyjnej, jak i sztuki.

Jasper Johns wpłynął również na artystów konceptualnych, takich jak Joseph Kosuth. Kosuth użył typografii jako jednej trzeciej swojego słynnego dzieła One and Three Chairs, stworzonego w 1965 roku. W tym utworze Kosuth zaprezentował razem fotografię krzesła, rzeczywiste drewniane krzesło oraz pisemny opis krzesła. Praca sugerowała, że wszystkie trzy elementy nie reprezentowały krzesła, lecz ideę krzesła. Tylko jeden z przedmiotów był funkcjonalny jako krzesło. Fotografię i opis typograficzny można było uznać za abstractions.

Guerrilla Girls - Czy kobiety muszą być nagie, aby dostać się do Muzeum Met? 1989, Sitodruk na papierze, 280x710mm, © Guerrilla Girls

Forma i malowane słowo

Artyści dzisiaj często używają tekstu, wiele razy mając na myśli, aby był on traktowany dosłownie, do przeczytania i zrozumienia. Na przykład Guerilla Girls, kolektyw artystek, które używają nieabstrakcyjnych komunikatów typograficznych jako integralnej części swojej sztuki na rzecz sprawiedliwości społecznej.

Abstrakcyjne wykorzystanie typografii w sztuce angażuje się w inną misję sprawiedliwości społecznej, taką, która nie ma wyraźnego celu. Poprzez typograficzną abstrakcję artyści nie kwestionują jednego konkretnego ideału kulturowego. Kwestionują całą koncepcję komunikacji. W miarę jak nasze społeczeństwa stają się coraz bardziej złożone, nasze wykorzystanie typografii często tylko dodatkowo komplikuje sprawy dla mas, podczas gdy widzowie, którzy nauczyli się tłumaczyć ukryte wiadomości, dzielą się sekretami na widoku. Abstrakcyjna sztuka typograficzna kwestionuje wartość i obiektywność języka pisanego oraz pyta, czy coś bardziej istotnego, co moglibyśmy komunikować w bardziej intuicyjny sposób, nie jest tracone.

Obraz wyróżniony: Pablo Picasso - Martwa natura z plecionką krzesła, 1912, olej i mieszane media na płótnie olejnym, 11 2/5 × 14 3/5 cali, Musée National Picasso, Paryż, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Zdjęcie: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio