Syntetyczny kubizm wyjaśniony - Płaszczyzny, kształty i punkty widzenia
Pablo Picasso, ojciec kubizmu, był znany ze swojej chęci do ewolucji. Po wynalezieniu kubizmu analitycznego w 1907 roku, mógł po prostu malować w tym stylu przez dziesięciolecia i nadal stać się bogatym i sławnym. Zamiast tego jednak wciąż eksperymentował, pomagając wynaleźć to, co stało się znane jako kubizm syntetyczny w 1911 roku, dodając do kubizmu analitycznego rozszerzoną paletę kolorów, nowe tekstury, prostsze kształty, nowe materiały oraz upraszczając użycie punktu widzenia i płaszczyzny. Od czasu jego wynalezienia do około 1920 roku, kubizm syntetyczny uważany był za szczyt awangardy. Rozszerzył zakres sposobów, w jakie malarze mogli badać rzeczywistość i przyczynił się do wzrostu dadaistów, surrealistów, a nawet sztuki pop.
Kuba syntetyczny to jeden z kluczowych kierunków w sztuce nowoczesnej, który rozwinął się na początku XX wieku. Charakteryzuje się on łączeniem różnych elementów w jedną kompozycję, co pozwala na przedstawienie obiektów w sposób bardziej złożony i wielowymiarowy. W przeciwieństwie do kubizmu analitycznego, który dekonstruował obiekty na ich podstawowe formy, kubizm syntetyczny skupia się na tworzeniu nowych form poprzez zestawienie różnych materiałów i technik. Artyści, tacy jak Pablo Picasso i Georges Braque, eksperymentowali z kolażem, wprowadzając do swoich dzieł fragmenty gazet, tkanin i innych materiałów, co nadawało im nową jakość i głębię. Sztuka ta odzwierciedlała zmiany społeczne i technologiczne tamtej epoki, a także poszukiwanie nowych sposobów wyrazu artystycznego. Dzięki swojej innowacyjności, kubizm syntetyczny wpłynął na wiele innych ruchów artystycznych, takich jak futuryzm czy surrealizm, pozostawiając trwały ślad w historii sztuki.
Syntetyczny kubizm powstał w wyniku odejścia od tych technik, w próbie stworzenia czegoś jeszcze bardziej rzeczywistego. Picasso, Braque i malarz Juan Gris wprowadzili do swoich dzieł żywą gamę kolorów, ponownie wprowadzili głębię i zmniejszyli liczbę jednoczesnych perspektyw i płaszczyzn w swoich obrazach. Co najważniejsze, aby nadać swoim obrazom ostateczne poczucie rzeczywistości, zaczęli dodawać papier, tkaniny, papier gazetowy, tekst, a nawet piasek i brud do swoich prac, próbując wprowadzić całkowite poczucie istoty ich tematu.
Pablo Picasso - Martwa natura z plecionką krzesła, 1912, Olej na płótnie pokrytym olejem, wykończonym sznurkiem, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Paryż, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Nowe materiały i techniki
W 1912 roku Picasso stworzył dzieło sztuki, które uznawane jest za pierwszy przykład kolażu oraz za definicyjny przykład syntetycznego kubizmu: Martwa natura z plecionką krzesła. Dzieło to jest kubistyczną reprezentacją stołu kawiarnianego z wyborem potraw, gazetą i napojem. Oprócz tradycyjnych mediów, Picasso dodał do powierzchni obrazu fragment plecionki krzesła, który tradycyjnie znajdował się na krzesłach kawiarnianych. To pozornie trywialne dodatki miało ogromne konsekwencje dla sztuki nowoczesnej. Zamiast malować krzesło, część krzesła została faktycznie umieszczona na obrazie. Zamiast pokazywać coś z wielu perspektyw, aby wydawało się realne, Picasso po prostu umieścił rzeczywistą rzecz, a przynajmniej jej część, bezpośrednio na dziele.
Picasso dodał również tekst do tego dzieła, pisząc litery „JOU” na części powierzchni. To słowo „Jou” dosłownie można przetłumaczyć jako „gra” po francusku, co przyczyniło się do poczucia, że wielu ludzi uważa, iż Picasso zamierzał, aby Synthetic Cubism wprowadził poczucie lekkości z powrotem do sztuki po akademickiej powadze Analytic Cubism. Jednak „JOU” mogło być również łatwo zamierzone jako pierwsza część francuskiego terminu na codzienną gazetę lub dziennik, odniesienie do fragmentu gazety widocznego na obrazie.
Choć osiągnął pierwszy sukces, dodając ten kawałek plecionki do swojego dzieła, Picasso nie był pierwszym kubistą, który dodał tekst do obrazu. W 1911 roku Georges Braque stworzył dzieło zatytułowane Portugalski, które było pierwszym kubistycznym dziełem wprowadzającym litery. Widać w obu dziełach, pierwszym kolażu Picassa i pierwszym tekstowym dziele Braque'a, przesunięcie od poważnej i zbyt skomplikowanej natury niektórych ich późniejszych prac analitycznych kubizmu. Obrazy w tych dziełach mają kapryśną prostotę. Perspektywy są uproszczone, a obrazy stają się niemal zabawne, podobnie jak antropomorficzne obrazy w reklamach.
Georges Braques - Portugalczyk, 1911, Olej na płótnie, 116,7 × 81,5 cm, Musée National Picasso, Paryż, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
W 1912 roku Braque przełamał nowe terytoria przynajmniej jeszcze dwa razy. W tym roku stał się pierwszym malarzem kubistycznym, który dodał piasek do obrazu, aby dodać poziomy tekstury i głębi do dzieła, a także stał się pierwszym, który zastosował technikę znaną jako papier collé, która odnosi się do przyklejania wyciętych kawałków papieru na powierzchnię. Obie te techniki zostały użyte w jego dziele zatytułowanym "Talerz owoców i szklanka". W tym obrazie bezpośrednio na powierzchnię nałożył wycięte kawałki tapety, a następnie cieniował dzieło farbą wypełnioną piaskiem, dodając głębi i tekstury do obrazu.
Braque również umieścił tekst w tym dziele, używając wyraźnie zdefiniowanych i łatwo czytelnych słów „Ale” i „Bar”. Słowa te kwestionują linie oddzielające obraz reklamowy od tzw. sztuki wysokiej. Połączenie wszystkich trzech tych technik okazało się ostatecznie dużym wpływem na Dadaistów, którzy w dużej mierze polegali na kolażu i tekście, aby zdezorientować i zaciemnić oczywiste znaczenia w swoich dziełach oraz kwestionować burżuazyjne pojęcia sztuki.
Georges Braque - Talerz owoców i szklanka, 1912, 62,9 × 45,7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Samoloty, Kształty, Punkty Widokowe i Kolory
Artysta, który w największym stopniu przyczynił się do wprowadzenia żywych kolorów do kubizmu syntetycznego, był hiszpański malarz kubistyczny Juan Gris. Gris wykorzystał również znacznie uproszczony język wizualny, który doskonale ilustruje ograniczoną liczbę punktów widzenia oraz uproszczone użycie form i płaszczyzn, które definiują kubizm syntetyczny. W pracy Grisa "Gazeta i misa owoców" widzimy wszystkie te elementy w akcji. Możemy również dostrzec w tym samym obrazie wiele powodów, dla których kubizm syntetyczny często postrzegany jest jako prekursor sztuki pop.
Nie tylko to, że syntetyczni kubiści bawili się pojęciami rozmytej granicy między sztuką niską a wysoką oraz sztuką a reklamą. Ten obraz niesamowicie przywołuje również kropki Ben-Day Roya Lichtensteina i wydaje się niemal identycznie zapowiadać powtórzenia, umiejscowienie obrazów i paletę kolorów "Buffalo II" Roberta Rauschenberga.
Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, olej i tusz sitodrukowy na płótnie. 96 x 72 cali (243,8 x 183,8 cm). © Robert Rauschenberg Foundation / Licencjonowane przez VAGA w Artists Right Society (ARS), Nowy Jork
Wcześniejsze obrazy kubizmu analitycznego zawierały tak wiele różnych punktów widzenia, że złożoność obrazów stała się niemal niemożliwa do rozwikłania. Ich tematyka wydawała się abstrahowana do tego stopnia, że stała się nie do rozpoznania: każdy punkt widzenia był reprezentowany przez oddzielne geometryczne kształty na oddzielnej płaszczyźnie, a każda płaszczyzna wydawała się ułożona jedna na drugiej, a następnie spłaszczona z powrotem. A geometryczne kształty wykorzystywane w obrazach kubizmu analitycznego wydawały się czasami niemal przezroczyste. Były malowane w sposób, który demonstrował prędkość, wibrację i ruch. Reprezentowały różne pory dnia, różne oświetlenie i różne punkty widzenia.
Juan Gris - Gazeta i Talerz z Owocami, 1916, Olej na płótnie. 93,5 x 61 cm, Muzeum Solomona R. Guggenheima, Nowy Jork
Dodając żywą paletę kolorów do obrazów kubistycznych, Juan Gris nadał temu stylowi poczucie zabawy i ekscytacji, które brakowało we wcześniejszych dziełach kubistycznych. A uproszczony słownik wizualny Grisa przedstawiał pojęcie, że kubizm może osiągnąć swoje cele w sposób prosty, uproszczony i estetycznie przyjemny. W obrazie Grisa Sklepienie, osiąga on absolutne minimum liczby punktów widzenia, kształtów i płaszczyzn, aby nadal można go było uznać za dzieło kubistyczne. Powstały obraz wydaje się bardziej przykładem sugestii kubizmu niż rygorystycznej definicji tego stylu.
Juan Gris - Skrzypce, 1916, Olej na trójwarstwowej płycie, 116,5 x 73 cm, Kunstmuseum, Bazylea
Syntetyczny: Inne słowo na fałszywy?
Dodając pisanie oraz drobne elementy codziennych przedmiotów do swoich obrazów, Picasso, Braque i Gris dążyli do połączenia z powiększonym poczuciem rzeczywistości swoich tematów. Jednak dodając te sztuczne elementy do swoich dzieł, tworzyli również coś, co było wyraźnie nierealne i różniło się od wszystkich wcześniejszych dzieł sztuki kubistycznej. Czasami malowali nawet formy, które wyglądały jak kolaż, mieszając naśladowane elementy kolażu z prawdziwymi elementami kolażu w tym samym dziele. Ten nowy styl nazwano Kolażowym Kubizmem właśnie z tego powodu, z powodu sztucznej natury stosowanych technik w odniesieniu do powagi wcześniejszej pracy kubistycznej.
Kuba syntetyczna była bardziej symboliczna niż kuba analityczna. Nie dążyła do osiągnięcia wyższego widoku czterowymiarowej rzeczywistości. Raczej dążyła do uzyskania wskazówki na temat rzeczywistości, ale w zniekształcony sposób. Była to transformacja, która w ogromnym stopniu przyczyniła się do teorii i badań związanych z surrealizmem.
Kubizm syntetyczny również podważył różnice między malarstwem a rzeźbą. Zamiast rozbijać obraz na części, a następnie składać go z różnych perspektyw, kubizm syntetyczny złożył obraz, budując go z płaskiej powierzchni w obiekt wielowarstwowy, jak trójwymiarowy obiekt spoczywający na dwuwymiarowej powierzchni. We wszystkich tych aspektach, kubizm syntetyczny podszedł do swoich osiągnięć poprzez wyraźny i zamierzony paradoks: tworząc dzieła, które były coraz bardziej fałszywe, osiągnęli coś coraz bardziej rzeczywistego.
Obraz wyróżniony: Pablo Picasso - Trzej muzycy, 1921, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
