Bridget Riley i filozofia pasków

Nasze doznania zmysłowe łączą nas ze światem emocji. Kiedy coś widzimy, ten zmysł sam w sobie jest pewnego rodzaju uczuciem. Ale potem także odczuwamy rzeczy na podstawie tego, co widzimy. To właśnie te uczucia badała brytyjska artystka Bridget Riley przez ostatnie sześć dekad. W latach 60. Riley zyskała sławę dzięki swoim wkładom w ruch artystyczny znany jako Op Art, nazwany tak ze względu na iluzje optyczne, które widzowie często dostrzegają w tych dziełach. Op Art zdobył światową sławę po sukcesie wystawy The Responsive Eye w Museum of Modern Art w Nowym Jorku w 1965 roku. Kilka obrazów Bridget Riley zostało pokazanych na tej wystawie. Charakteryzowały się one oszczędną czarno-białą paletą i powtarzającymi się wzorami, które tworzyły poczucie dynamizmu, sprawiając, że widzowie czuli się niestabilni lub wytrąceni z równowagi. Wzory na jej obrazach zdawały się poruszać. Jednak prace Bridget Riley dotyczą znacznie więcej niż tylko oszukiwania oka za pomocą iluzji optycznej. Chodzi o percepcję. O to, jak uważnie patrzymy, jak cenne uważamy nasz dar widzenia i jak nasze emocje mogą być wpływane przez sposób, w jaki postrzegamy nasz świat.

Młoda Bridget Riley

Jako młoda artystka Bridget Riley często odczuwała frustrację. Ceniła sobie możliwość swobodnego poznawania otoczenia wokół swoich różnych domów dziecięcych w Londynie, Lincolnshire i Kornwalii. Miała wrodzoną ciekawość i chęć eksperymentowania. Jednak w swoich dwudziestych latach, podczas studiów w Royal Academy of Art, jej ciekawość i duch eksperymentowania były zniechęcane przez profesorów. Ukończyła studia niepewna siebie. Jej brak kierunku szybko się pogłębił, gdy jej ojciec został wkrótce po tym hospitalizowany po wypadku samochodowym, a ona stała się odpowiedzialna za jego opiekę. Połączone stresy doprowadziły ją do całkowitego załamania nerwowego.

Przełomem w powrocie do zdrowia dla Riley była wizyta na wystawie Abstrakcyjnych ekspresjonistów w Tate w Londynie w 1956 roku. Ich prace potwierdziły jej pragnienie eksperymentowania i odkrywania własnej wizji, i wkrótce zaczęła znowu malować. Znalazła pracę jako nauczycielka sztuki dla młodych dziewcząt oraz podjęła zatrudnienie jako ilustratorka komercyjna. Następnie zapisała się na letni kurs u Harry’ego Thubrona, znanego z propagowania siły takich elementów jak relacje przestrzenne, formy i wzory.

Bridget Riley - Ruch w kwadratach, 1961. Tempera na twardej płycie. 123,2 x 121,2 cm. Kolekcja Arts Council, Southbank Centre, Londyn. © 2019 Bridget Riley (po lewej) / Bridget Riley - Intake, 1964. Akryl na płótnie. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (po prawej)

Rzeczywistości optyczne

Podczas nauki u Harry’ego Thubrona nad formalnymi elementami estetyki, zwłaszcza nad tym, jak oko postrzega formy w przestrzeni, Riley ponownie poświęciła się odnalezieniu swojego autentycznego głosu. W 1960 roku przeprowadziła się do Włoch i studiowała dzieła Futuryzmu. Zainspirowana ich badaniem ruchu, zaczęła zgłębiać idee dywizjonistów, zwłaszcza Georgesa Seurata. Suma tych studiów doprowadziła ją do opracowania wyjątkowego podejścia do malarstwa: takiego, w którym badała sposoby przekształcania dwuwymiarowej powierzchni, aby wpłynąć na percepcję wzrokową.

Wiedziała, że aby wyzwać sposób, w jaki widzowie patrzą na obraz, musi wyeliminować wszelkie treści przedstawiające rzeczywistość. Obrazy przedstawiające coś rozpraszałyby jej główne idee. Dlatego uprościła swój język wizualny, używając tylko czerni i bieli oraz elementów linii, kształtu i formy. W katalogu do The Responsive Eye kurator William C. Seitz nazwał prace podobne do tych Riley „nową sztuką percepcyjną.” Seitz podniósł poprzeczkę oczekiwań wobec tego, co ta sztuka mogła osiągnąć, znacznie wyżej niż tylko w sferze estetycznej. Zapytał: „Czy takie dzieła, które nie odnoszą się do niczego poza sobą, mogą zastąpić z psychiczną skutecznością treść, którą porzucono? Czy zaawansowane zrozumienie i zastosowanie funkcjonalnych obrazów może otworzyć nową drogę od pobudzenia siatkówki do emocji i idei?” To właśnie takie pytania zadawała sobie Riley.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Emulsja na płótnie, 70 x 68 1/4 cala. © 2019 Bridget Riley (po lewej) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Akryl na lnie. Bez ramy: 6 stóp 4 3/4 cala x 6 stóp 3 cale (194,95 x 190,5 cm). W ramie: 6 stóp 7 3/8 cala x 6 stóp 5 3/4 cala x 2 3/4 cala (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Kolekcja Nelson Atkins Museum of Art. Nabyta dzięki hojności William T. Kemper Foundation - Commerce Bank, Trustee. © Bridget Riley. Wszelkie prawa zastrzeżone, dzięki uprzejmości Karstena Schuberta, Londyn (po prawej)

Reakcja publiczności

Reakcja publiczności na The Responsive Eye była entuzjastyczna. Hipnotyzujące, iluzoryczne efekty obrazów na wystawie wzbudziły zachwyt widzów. Projektanci szybko przejęli czarno-białe wzory i stosowali je na wszelkiego rodzaju produktach, od sukienek po okulary, pudełka na lunch, a nawet samochody. Jednak ten efekt „wow” nie pociągał Riley, która bardziej interesowała się głębszymi znaczeniami swoich prac. Tak, wyglądało to efektownie. Ale chciała odkryć procesy umysłowe działające pod powierzchnią pozorów.

W 1966 roku, gdy jej czarno-biały styl zdobywał międzynarodową popularność, Riley podjęła wysiłek, by zgłębić swoją wizję, dodając kolor do swoich prac. Spędziła dwa lata na studiowaniu i wielokrotnym kopiowaniu punktowego obrazu Georges’a Seurata Pointylizmu zatytułowanego Most w Courbevoie. W nim dostrzegła mistrzostwo struktur liniowych i wzorów. Zauważyła także mistrzostwo kombinacji kolorów, pokazujące, jak różne barwy umieszczone obok siebie w przemyślany sposób tworzą wrażenie ruchu, gdy są postrzegane przez ludzkie oko.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Akryl na płótnie. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Paski na zawsze

Podczas gdy komplikowała paletę kolorów, której używała, Riley jednocześnie upraszczała swój język form. Prawie całkowicie wyeliminowała kwadraty, trójkąty i koła, skupiając się głównie na paskach w latach 70. i 80. Paski łatwo nadają się do badania powtarzalności, którą Riley uważała za niezbędną, by ludzie naprawdę patrzyli na obraz z zamiarem. Forma paska jest również zasadniczo stabilna. Ta stabilność, jak odkryła, jest kluczowa w badaniu koloru, ponieważ kolor jest zasadniczo niestabilny, gdyż jego postrzeganie zależy od innych czynników, takich jak światło i otaczające kolory.

Riley używała kombinacji prostych i falistych pasków poziomych i pionowych. Każdą pracę zaczynała na małych paskach papieru, testując kombinacje kolorów i wzory. Gdy znalazła kombinację kolorów i wzór pasków, które zdawały się poruszać, przenosiła je na duże płótno, które następnie malowała ręcznie. Każdy pasek w jej kolorowych obrazach z paskami zawiera ewolucję różnych kolorów łączących się ze sobą w precyzyjny sposób, tak że oko, patrząc na każdy pasek, dostrzega zapowiedź następnego koloru. Ta ewolucja tworzy wrażenie ruchu, gdy oko przesuwa się po powierzchni.

Widok muzyki

Podczas gdy stabilność pasków była niezbędna do odkrycia koloru, ostatecznie to kolor pomógł jej osiągnąć estetyczną wizję. Powiedziała: „Muzyka koloru, tego chcę.” Jak wielu innych artystów, od Seurata po Giacomo Ballę, Sonię Delaunay czy Josefa Albersa, zrozumiała, że każdy kolor potrafi wywołać reakcję emocjonalną. A gdy różne kolory są używane razem, zdają się wibrować, tworząc nieprzewidywalne reakcje emocjonalne u widzów. Ta nieprzewidywalność pomogła Riley osiągnąć jej idealny cel dla obrazu, który, jak mówiła, musi „oferować doświadczenie; oferować możliwość.”

Estetyczne odkrycia Riley dokonane dzięki jej kolorowym obrazom z paskami wynikają z tego, że jest precyzyjną eksperymentatorką. Prowadzi skrupulatne notatki każdej kombinacji kolorów i wzoru, które wypróbowuje, aby móc je powtórzyć w razie potrzeby. Choć jej eksperymenty z kolorami i paskami wydają się naukowe, nie są nimi, przynajmniej nie w sensie próby udowodnienia hipotezy. Są raczej artystyczne, ponieważ dążą do odkrycia nieznanego i jego ukazania.

Bridget Riley - Karnawał, 2000. Serigrafia w kolorze na papierze czerpanym, z pełnymi marginesami. 28 3/5 × 35 9/10 cala. 72,7 × 91,1 cm. Edycja 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Główne cele

Dziś, w wieku ponad 80 lat, Riley nadal maluje. Obecnie bada mieszankę form geometrycznych, falistych i ukośnych. Wzory jej nowszych obrazów są znacznie szersze, tworząc zupełnie inne wrażenie i wywołując odmienne uczucia. Jej paski z minionych dekad stanowią potężne świadectwo jej wieloletnich poszukiwań percepcji. Wykraczają daleko poza zwykłe oszukiwanie oka, wkraczając w sferę głębokiego, subiektywnego postrzegania.

Ważne w tych dziełach jest to, że kwestionują nie tylko nasz sposób ich oglądania, ale także nasz sposób widzenia wszystkiego. Paski, których używa Riley, są tak proste, jak to tylko możliwe. A jednak przemiany, które stają się widoczne podczas ich badania, wydają się nie mieć granic. Riley powiedziała kiedyś: „Powtarzanie działa jak wzmacniacz zdarzeń wizualnych, które pojedynczo byłyby ledwo widoczne.” Jej paski pokazują tę filozofię: że złożoność kryje się pod pozorną prostotą naszego świata wizualnego, jeśli tylko poświęcimy czas, by naprawdę zauważyć. Zachęcają nas do uważnego i dokładnego patrzenia oraz pełnego docenienia cennego daru widzenia.

Zdjęcie główne: Bridget Riley - Rozmowa (szczegół), 1992. Olej na lnie. 92 x 126 cm. Kolekcja Abbot Hall Art. Zakupione w 1996 roku. © Bridget Riley
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio