Bridget Riley i filozofia pasków

Nasze doświadczenia sensoryczne łączą nas ze światem emocji. Kiedy coś widzimy, to zmysł sam w sobie jest rodzajem uczucia. Ale potem również czujemy rzeczy na podstawie tego, co widzimy. Te uczucia to to, co brytyjska artystka Bridget Riley badała przez ostatnie sześć dekad. W latach 60. Riley stała się sławna dzięki swoim wkładom w ruch artystyczny znany jako Op Art, nazwany tak ze względu na optyczne iluzje, które widzowie często postrzegają w jej pracach. Op Art zyskał globalną popularność po sukcesie wystawy zatytułowanej The Responsive Eye w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku w 1965 roku. W tej wystawie znalazło się kilka obrazów Bridget Riley. Charakteryzowały się one oszczędną czarno-białą paletą i powtarzającymi się wzorami, które tworzyły poczucie dynamizmu, sprawiając, że widzowie czuli się niestabilni lub niezrównoważeni. Wzory w jej obrazach zdawały się poruszać. Ale prace Bridget Riley dotyczą znacznie więcej niż tylko oszukiwania oka za pomocą optycznej iluzji. Chodzi o percepcję. Chodzi o to, jak uważnie patrzymy, jak cenny uważamy nasz dar wzroku i jak nasze emocje mogą być wpływane przez sposób, w jaki postrzegamy nasz świat.

Młoda Bridget Riley

Jako młoda artystka, Bridget Riley często czuła frustrację. Ceniła sobie możliwość swobodnego odkrywania otoczenia wokół swoich różnych domów dzieciństwa w Londynie, Lincolnshire i Kornwalii. Miała wrodzoną ciekawość i pragnienie eksperymentowania. Jednak w swoich dwudziestych latach, podczas studiów w Royal Academy of Art, odkryła, że jej ciekawość i duch eksperymentowania były zniechęcane przez profesorów. Ukończyła studia niepewna siebie. A jej brak kierunku szybko się pogłębił, gdy jej ojciec wkrótce po tym został hospitalizowany po wypadku samochodowym, a ona stała się odpowiedzialna za jego opiekę. Połączone stresy doprowadziły ją do całkowitego załamania.

Punktem zwrotnym w kierunku zdrowienia dla Riley była wizyta na wystawie Ekspresjonistów Abstrakcyjnych w Tate w Londynie w 1956 roku. Ich prace potwierdziły jej pragnienie eksperymentowania i odkrywania swojej prawdziwej wizji, a wkrótce znów zaczęła malować. Znalazła pracę jako nauczycielka sztuki dla młodych dziewcząt i podjęła pracę jako ilustratorka komercyjna. Następnie zapisała się na letni kurs u Harry'ego Thubrona, który był znany z promowania siły takich elementów jak relacje przestrzenne, formy i wzory.

Bridget Riley - Ruch w kwadratach, 1961. Tempera na twardej płycie. 123,2 x 121,2 cm. Kolekcja Rady Sztuki, Southbank Centre, Londyn. © 2019 Bridget Riley (Lewo) / Bridget Riley - Wlot, 1964. Akryl na płótnie. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Prawo)

Rzeczywistości optyczne

W swoim badaniu z Harrym Thubronem formalnych elementów estetyki, szczególnie w kontekście tego, jak oko postrzega formy w przestrzeni, Riley stała się na nowo zdeterminowana, aby znaleźć swój autentyczny głos. W 1960 roku przeniosła się do Włoch i studiowała prace Futurystów. Zainspirowana ich badaniami nad ruchem, przeszła do studiowania idei Dzielników, szczególnie Georgesa Seurata. Suma tych badań doprowadziła ją do opracowania unikalnego podejścia do malarstwa: takiego, w którym badała sposoby przekształcania dwuwymiarowej powierzchni, aby wpłynąć na percepcję wizualną.

Wiedziała, że aby zakwestionować sposób, w jaki widzowie patrzyli na obraz, musiała wyeliminować wszelką treść reprezentacyjną. Obrazy reprezentacyjne tylko odciągałyby uwagę od jej głównych idei. Dlatego uprościła swój język wizualny, wykorzystując tylko czerń i biel oraz elementy linii, kształtu i formy. W katalogu do The Responsive Eye kurator William C. Seitz nazwał prace, które tworzyła Riley, „nową sztuką percepcyjną.” Seitz podniósł poprzeczkę oczekiwań co do tego, co ta sztuka mogłaby osiągnąć, daleko poza sferę czegoś czysto estetycznego. Zapytał: „Czy takie prace, które nie odnoszą się do niczego poza sobą, mogą z psychologiczną skutecznością zastąpić treść, która została porzucona? Czy zaawansowane zrozumienie i zastosowanie funkcjonalnych obrazów mogą otworzyć nową drogę od pobudzenia siatkówki do emocji i idei?” To były dokładnie te rodzaje pytań, które Riley zadawała sobie.

Bridget Riley - Areszt 1, 1965. Emulsja na płótnie, 70 x 68 1/4 cala. © 2019 Bridget Riley (Lew) / Bridget Riley - Areszt 2, 1965. Akryl na lnie. Bez ramy: 6 stóp 4 3/4 cala x 6 stóp 3 cale (194,95 x 190,5 cm). W ramie: 6 stóp 7 3/8 cala x 6 stóp 5 3/4 cala x 2 3/4 cala (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Kolekcja Muzeum Sztuki Nelsona Atkinsa. Nabyte dzięki hojności Fundacji Williama T. Kempera - Commerce Bank, Powiernik. © Bridget Riley. Wszelkie prawa zastrzeżone, dzięki uprzejmości Karsten Schubert, Londyn (Prawo)

Reaktywna Publiczność

Reakcja publiczności na Oko reagujące była entuzjastyczna. Hipnotyzujące, iluzoryczne efekty obrazów w wystawie wprawiały widzów w osłupienie. Projektanci szybko przywłaszczyli sobie czarno-białe wzory i użyli ich na każdym wyobrażalnym produkcie, od sukienek po okulary, pudełka na lunch i samochody. Ale ten efekt wow miał niewielkie znaczenie dla Riley, która bardziej interesowała się głębszymi znaczeniami swojej pracy. Tak, wyglądało to fajnie. Ale chciała odkryć procesy myślowe działające pod powierzchownymi pozorami.

W 1966 roku, w momencie gdy jej czarno-biała stylistyka zyskała międzynarodową popularność, Riley podjęła wysiłek, aby głębiej zgłębić swoją wizję, dodając kolor do swojej pracy. Spędziła dwa lata na studiowaniu i wielokrotnym kopiowaniu obrazu Pointillist Most w Courbevoie autorstwa Georges'a Seurata. W nim dostrzegła mistrzostwo w strukturach liniowych i wzorach. Zauważyła również mistrzostwo w kombinacjach kolorów, demonstrację tego, jak różne kolory umieszczone obok siebie w przemyślany sposób tworzą poczucie ruchu, gdy są postrzegane przez ludzkie oko.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Akryl na płótnie. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Paski na zawsze

Podczas gdy komplikowała paletę kolorów, Riley jednocześnie uprościła swój język form. Prawie całkowicie wyeliminowała kwadraty, trójkąty i okręgi, a w latach 70. i 80. skupiła się głównie na paskach. Paski łatwo nadają się do badania powtórzeń, co Riley postrzegała jako niezbędne, aby skłonić ludzi do naprawdę intencjonalnego patrzenia na obraz. Forma paska jest również zasadniczo stabilna. Odkryła, że ta stabilność jest kluczowa dla badania koloru, ponieważ kolor jest zasadniczo niestabilny, ponieważ jego postrzeganie zależy od innych czynników, takich jak światło i otaczające kolory.

Riley użyła kombinacji prostych i falistych poziomych oraz pionowych pasków. Każdy element zaczynała na małych kawałkach papieru, testując kombinacje kolorów i wzory. Gdy dotarła do kombinacji kolorów i wzoru pasków, które wydawały się poruszać, przeniosła je na dużą płótno, które następnie ręcznie malowała. Każdy pasek w jej kolorowych obrazach z paskami zawiera w sobie ewolucję różnych kolorów, które w precyzyjny sposób łączą się ze sobą, tak że oko, patrząc na każdy pasek, dostrzega nutę następnego koloru. Ta ewolucja tworzy poczucie ruchu, gdy oko przemieszcza się po powierzchni.

Widok Muzyki

Chociaż stabilność pasków była kluczowa dla jej odkrycia koloru, ostatecznie to kolor pomógł jej osiągnąć jej wizję estetyczną. Powiedziała: „Muzyka koloru, to jest to, czego pragnę.” Jak wielu innych artystów, od Seurata po Giacomo Ballę do Soni Delaunay do Josefa Albersa, zrozumieli, że każdy kolor jest w stanie wywołać emocjonalną reakcję. A gdy są używane razem, różne kolory wydają się wibrować, tworząc nieprzewidywalne reakcje emocjonalne u widzów. Ta nieprzewidywalność pomogła Riley osiągnąć jej idealny cel dla obrazu, który, jak powiedziała, musi „oferować doświadczenie; oferować możliwość."

"Estetyczne odkrycia, które Riley poczyniła dzięki swoim kolorowym, paskowanym obrazom, wynikają z jej precyzyjnego podejścia do eksperymentowania. Prowadzi rygorystyczne notatki dotyczące każdej kombinacji kolorów i wzorów, które próbuje, aby można je było powtórzyć w razie potrzeby. Chociaż jej eksperymenty z kolorami i paskami wydają się naukowe, nie są takie, przynajmniej nie w sensie próby udowodnienia hipotezy. Raczej są artystyczne, w tym sensie, że dążą do odkrycia nieznanego i jego zmaterializowania."

Bridget Riley - Karnawał, 2000. Sitodruk w kolorach, na papierze wytłaczanym, z pełnymi marginesami. 28 3/5 × 35 9/10 cali. 72,7 × 91,1 cm. Edycja 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Główne cele

Dziś, w wieku około 80 lat, Riley nadal maluje. Teraz bada mieszankę form geometrycznych, falistych i diagonalnych. Wzory jej nowszych obrazów są znacznie szersze, tworząc zupełnie inne wrażenie i wywołując zupełnie inne uczucia. Jej pasiaste obrazy sprzed dziesięcioleci są potężnymi manifestacjami jej całe życie trwającej inkwizycji w percepcję. Wykraczają daleko poza jedynie oszukiwanie oka w krainę głębokiej, subiektywnej percepcji.

To, co jest ważne w tych dziełach, to fakt, że kwestionują one nie tylko nasz sposób ich postrzegania, ale także nasz sposób postrzegania wszystkiego. Paski, które używa Riley, są tak proste, jak tylko mogą być formy. Jednak metamorfozy, które stają się widoczne podczas ich badania, wydają się nieograniczone. Riley kiedyś powiedziała: „Powtórzenie działa jak rodzaj wzmacniacza wizualnych wydarzeń, które widziane pojedynczo, ledwie byłyby widoczne.” Jej paski demonstrują tę filozofię: że złożoność czai się pod pozorną prostotą naszego wizualnego świata, jeśli tylko poświęcimy czas, aby naprawdę to zauważyć. Nakłaniają nas do uważnego i bliskiego spojrzenia oraz do pełnego docenienia cennego daru widzenia.

Obraz wyróżniający: Bridget Riley - Rozmowa (szczegół), 1992. Olej na lnie. 92 x 126 cm. Kolekcja Sztuki Abbot Hall. Zakupiony w 1996 roku. © Bridget Riley
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio