Kubizm Sonii Delaunay i eksploracja koloru

O wielu osiągnięciach zawodowych Soni Delaunay można by napisać wiele, i rzeczywiście wiele już napisano. Była jedną z najbardziej wpływowych artystek XX wieku. W swoich dwudziestych latach jej wizjonerskie podejście do abstrakcji sprawiło, że stała się jedną z pierwszych artystek modernistycznych. W swoich trzydziestych latach przekształciła swoją praktykę artystyczną w manifestację Gesamtkunstwerk, czyli totalnego dzieła sztuki, demonstrując ideal Bauhausu dwa lata przed jego powstaniem. Stworzyła unikalne i wpływowe dzieło malarskie przez całe swoje życie, pracując nieprzerwanie aż do krótko przed swoją śmiercią w wieku 94 lat. Oprócz malarstwa zajmowała się również modą, teatrem, filmem, wydawnictwem i angażowała się w różnorodne działania projektowe. W wieku 79 lat stała się tylko drugą żyjącą artystką, która miała retrospektywną wystawę w Luwrze, oraz pierwszą kobietą-artystką, która osiągnęła ten kamień milowy. Można by nawet łatwo argumentować, że Sonia Delaunay była pierwszą artystką, która skutecznie przekształciła swoją osobowość w markę, w współczesnym kontekście tego słowa. Jednak skupienie się wyłącznie na tych zewnętrznych osiągnięciach sugerowałoby, że jej celem od zawsze było osiągnięcie takich rzeczy. W rzeczywistości Delaunay nie miała takich zamiarów. Jej jedynymi celami były szczere poszukiwania koloru, formy i kompozycji oraz ujawnienie reszcie świata poprzez swoją sztukę nieznanej istoty tego, czego szukała w sobie.

Stając się Sonią Delaunay

Historia wczesnego życia Soni Delaunay może być bliska każdemu rodzicowi. Jak łatwo jest stworzyć coś lub nie wykorzystać okazji, a jak najmniejsza zmiana okoliczności może głęboko wpłynąć na szanse dziecka na sukces. Sonia Delaunay urodziła się jako Sarah Ilinitchna Stern w rodzinie robotniczej w tym, co obecnie nazywa się Ukrainą. Jej możliwości w rodzinnym mieście były bardzo ograniczone, ale miała bogatego wujka i ciotkę w Petersburgu, Henri i Annę Terk. Terki nie mogli mieć własnych dzieci i poprosili o adopcję Sarah od jej zmagających się rodziców. Jej matka początkowo się sprzeciwiała. Ale gdy Sarah miała pięć lat, jej matka w końcu ustąpiła i pozwoliła jej na stałe przeprowadzić się do Petersburga, aby mieszkać z wujkiem i ciotką.

Gdy tylko przybyła do Petersburga, Sarah zmieniła swoje imię na Sonia Terk. Razem z nowym imieniem przyszły nowe doświadczenia i znacznie bardziej zróżnicowane możliwości. Życie z ciotką i wujkiem obejmowało podróże po świecie, najlepsze wykształcenie oraz regularne wizyty w muzeach i bibliotekach. Mogła przeglądać książki o sztuce w domu i brać udział w intelektualnych dyskusjach na różne tematy. W wieku 16 lat rozwinęła zainteresowanie zostaniem artystką. Terks wspierali jej zainteresowania, a w wieku 18 lat wysłali ją do Niemiec, aby studiowała sztukę. Dwa lata później, w 1905 roku, znów się przeprowadziła, tym razem do Paryża, epicentrum sztuki awangardowej w Europie.

Książka modernistycznego poety Blaise'a Cendrarsa, oprawiona i ilustrowana przez Sonię Delaunay w 1913 roku.

Odkrywanie koloru

W Paryżu Sonia Delaunay kontynuowała naukę sztuki w szkole, ale doświadczenie, jakie miała z nauczycielami, było zbyt akademickie i formalne dla jej usposobienia. Odkryła, że znacznie więcej inspiracji czerpała z galerii, które prezentowały prace eksperymentalnych europejskich artystów, takich jak postimpresjoniści. Przyjechała do Paryża w idealnym momencie. Znalazła się w sercu awangardowej społeczności u zarania kubizmu, kiedy geometryczne płaszczyzny były po raz pierwszy przyjmowane w wysiłku, aby oddać czterowymiarową rzeczywistość. I była tam, gdy Manifest Futurystyczny został po raz pierwszy wydrukowany w francuskich gazetach, przynosząc ideę ruchu na czoło artystycznej rozmowy. A fowiści, którzy byli u szczytu swojego wpływu, gdy przybyła do miasta, głęboko ją zainspirowali. Była visceralnie poruszona tym, jak jej oczy postrzegały, a jej emocje doświadczały, relacji między ich wspaniałymi i świetlistymi kolorami.

Wczesne obrazy, które Sonia Delaunay tworzyła po przyjeździe do Paryża, badały wiele idei innych ruchów w sposób figuratywny. Ale szukała czegoś innego. Konkretnie, chciała znaleźć sposób na eksplorację elementu koloru dla samej jego wartości. Chciała też być intuicyjna i wolna. Miała małe zainteresowanie akademickimi teoriami wymienianymi przez jej współczesnych, które uważała za: „Zbyt wyrafinowane. Jestem bliżej natury i życia,” wyjaśniła kiedyś, pod koniec swojego życia. „Szukam czegoś w sobie, a stopniowo stało się to malarstwem abstrakcyjnym.”

Sonia Delaunay - Żółta akt, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Znalezienie abstrakcji

Przełom, który ostatecznie skłonił Sonię Delaunay do pełnego przyjęcia malarstwa nieprzedmiotowego, nadszedł w najbardziej nieoczekiwany sposób. Podobnie jak jej wyjazd z rodzinnego miasta do Petersburga, wynikał z odważnego wyboru, który podjęła, aby stworzyć własny los. Kiedy po raz pierwszy przybyła do Paryża, zaprzyjaźniła się z właścicielem galerii i pisarzem o imieniu Wilhelm Uhde, który prezentował czołowych artystów awangardowych. Ona i on byli pokrewnymi duszami, jak powiedziała: „oboje szukaliśmy czegoś abstrakcyjnego.” Wzięli ślub, nie z powodu romantycznego przyciągania, ale ponieważ układ ten przynosił praktyczne korzyści dla obojga. Dla Soni uwolniło ją to od presji, jaką wywierała na nią jej biologiczna matka, aby zrezygnowała z kariery artystki.

Potem, jednej nocy w galerii, mniej niż rok później, Sonia spotkała pewnego wyrazistego, pełnego pasji młodego artystę o imieniu Robert Delaunay. Oboje natychmiast poczuli ze sobą więź i zakochali się. Sonia poprosiła Uhde o rozwód, który on zgodnie z życzeniem przyznał, a w następnym roku poślubiła Roberta. Kiedy para doczekała się pierwszego dziecka, Sonia własnoręcznie uszyła dla niego kołdrę, wykorzystując techniki oparte na rosyjskich tradycjach sztuki ludowej z jej rodzinnego kraju. Gdy kołdra była gotowa, dostrzegła w niej inspirację, której szukała. Kształty przypominały jej kubistyczne płaszczyzny, ale relacje kolorystyczne między formami ożywiły całą kompozycję. Ta kołdra, którą Sonia Delaunay stworzyła instynktownie dla swojego dziecka, stała się podstawą wszystkich jej przyszłych abstrakcyjnych prac.

Kołdra, którą Sonia Delaunay zrobiła dla swojego dziecka w 1911 roku, obecnie część kolekcji w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu, Francja.

Kubizm orficki

Wieczorami w Paryżu Sonia Delaunay i jej mąż Robert Delaunay spacerowali razem po mieście i rozmawiali o sztuce. Podczas swoich spacerów zachwycali się elektrycznymi światłami, które właśnie zaczynały być instalowane. Dyskutowali o tym, jak kolory miasta były wpływane przez sztuczne światło, i cieszyli się formami oraz wzorami, które to światło tworzyło. Kiedy wracali do domu po spacerach, każdy z nich starał się uchwycić na płótnie swoje doświadczenia, używając języka abstrakcyjnego koloru i formy inspirowanego quiltą, którą zrobiła Sonia.

Nazywali swoje unikalne podejście wizualne simultanéisme. Słowo to odnosiło się do relacji między kolorami a formami oraz jednoczesnej obecności wielu rzeczywistości w ich kompozycjach. Kiedy Sonia i Robert wystawili te obrazy, ich przyjaciel, krytyk sztuki Guillaume Apollinaire, nazwał ich nowy styl Orficzny Kubizm, lub Orfizm. Choć odniesienie nigdy nie zostało w pełni wyjaśnione, termin ten odnosi się do mitycznego greckiego muzyka i poety Orfeusza, którego legendarna muzyka miała rzekomo zdolność oczarowywania wszystkich stworzeń i rzeczy.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olej na płótnie. 182 x 149 cm. Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Paryż, Francja

Poetyka Kolorów

Chociaż odniesienie do Orfeusza wydaje się odpowiednie dla twórczości Soni Delaunay, porównanie do kubizmu jest nietrafione. Kubizm był tak akademicki, jak i estetyczny. Podczas gdy Robert Delaunay był zapalonym teoretykiem i analitykiem, Sonia wolała pracować intuicyjnie i kłaść nacisk na eksplorację i eksperymentowanie. O tej dychotomii powiedziała kiedyś: „On mówił, ale ja zrozumiałam.” Mimo że Sonia używała języka form podobnego do kubistów, nie miała z nimi wspólnych celów intelektualnych. Jej formy były jedynie naczyniami dla koloru. „Jeśli są formy geometryczne,” wyjaśniła kiedyś, mówiąc na Sorbonie, „to dlatego, że te proste i łatwe do opanowania elementy okazały się odpowiednie do rozkładu kolorów, których relacje stanowią prawdziwy cel naszych poszukiwań.”

Sonia często porównywała malarstwo do poezji. Sonia Delaunay postrzegała siebie jako osobę poszukującą kombinacji kolorów, które mogłyby wywołać wiele możliwych interpretacji i stworzyć jednoczesne znaczenia. Naturalnym było dla niej rozszerzenie swoich działań artystycznych na świat designu, ponieważ, jak to postrzegała, nie było rozdziału między sztuką a życiem. Niezależnie od tego, czy jej kompozycje znajdowały się na boku samochodu, na futrzanej kurtce, na kostiumie do sztuki czy na powierzchni płótna, nie dostrzegała różnicy. Wierzyła, że „kolory są słowami, ich relacje to rytmy”, a w jakiejkolwiek formie postanowiła je połączyć, stawały się, dzięki jej wysiłkowi, „ukończonym wierszem.”

Sonia Delaunay - Grande Helice Rouge, ok. 1970. Litografia. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 cal.)

Obraz wyróżniający: Sonia Delaunay - Rytm synkopowany, tzw. Czarna wąż (szczegół), 1967
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio