Malowanie impasto w sztuce abstrakcyjnej

Być może najbardziej symboliczny budynek w Ameryce to One World Trade Center na Dolnym Manhattanie. Jako centralny punkt zabudowy, która zastąpiła bliźniacze wieże zniszczone w 2001 roku, jego samo istnienie jest mocnym przesłaniem. Do jego symboliki w znaczący sposób przyczyniają się dwa ogromne, abstrakcyjne impasto obrazy trwale umieszczone w holu południowego wejścia. Budynek nazywany jest Wieżą Wolności i jest najwyższym budynkiem na półkuli zachodniej. Wznosi się na wysokość 1776 stóp: celowe odniesienie do roku, w którym Ameryka ogłosiła niepodległość. Wspomniane obrazy impasto zdobiące ściany południowego holu są autorstwa amerykańskiego artysty Donalda Martiny. Jeden z obrazów nosi tytuł Lenape, a drugi Unami. Tytuły nawiązują do prekolumbijskiej historii Nowego Jorku. Lenape to rdzenne plemię, które pierwotnie zamieszkiwało teren, na którym zbudowano Wieżę Wolności. Unami to dialekt Lenape. Na szczycie Wieży Wolności znajduje się taras widokowy zwany One World Observatory. Jak daleko sięga wzrok z obserwatorium, całe otoczenie niegdyś wspierało kulturę Lenape. Co więc przekazuje ten budynek? Został zaprojektowany, by upamiętnić jeden z najgorszych zamachów terrorystycznych w historii ludzkości. Przedstawia idee jednego świata, wolności, niepodległości i handlu. Zachęca odwiedzających do spojrzenia z dystansu. A jego najbardziej wyróżniające się dzieła noszą imiona tych, którzy zostali podporządkowani, by zbudować naród odpowiedzialny za jego powstanie. Jaka rozmowa tu się toczy? Jaki jest sens całej tej symboliki? Być może można czegoś nauczyć się z samych dzieł sztuki i z abstrakcyjnych cech, które impasto malarstwo reprezentuje.

Cień i światło

Termin impasto pochodzi od włoskiego słowa oznaczającego ciasto. W malarstwie odnosi się do techniki nakładania grubych warstw medium na powierzchnię, aby nadać dziełu teksturalny wymiar. Włoski malarz XVI wieku Tycjan był jednym z pierwszych artystów, którzy świadomie wprowadzili techniki impasto do swoich obrazów. Zaczął stosować tę technikę w czasach, gdy obrazy ceniono za gładkie powierzchnie i brak widocznych pociągnięć pędzla. Mistrzowsko realistyczny malarz, Tycjan zrozumiał, że gromadząc farbę w określonych miejscach na powierzchni, może tworzyć różnice w odbiciu światła, nadając elementom obrazu realistyczny charakter.

Każde pociągnięcie pędzla w obrazie impasto powoduje pojawienie się gradacji koloru wynikających z cieni rzucanych przez światło padające na wypukłą farbę. W zależności od położenia źródeł światła i punktu widzenia widza, obraz impasto może subtelnie się zmieniać, dodając głębi i zwiększając realizm. W swoim stuleciu Tycjan łamał tradycję, pozwalając, by pociągnięcia pędzla były widoczne, a właściwości materiału medium ujawnione. Był jednak tak mistrzowski w tej technice, że jego wpływ szybko się upowszechnił. W XVII wieku Rembrandt słynnie wprowadzał impasto do swoich dzieł. A w XIX wieku technika ta była tak ceniona, że Van Gogh uczynił ją swoim znakiem rozpoznawczym.

Van Gogh - Gwiaździsta noc, 1889, 1889. Olej na płótnie. 74 x 92 cm. Kolekcja MoMA. © Van Gogh (po lewej) i detal (po prawej)

Abstrakcyjne ekspresje

Na przełomie XX wieku grupa malarzy zwana ekspresjonistami szukała sposobów wyrażenia wewnętrznych stanów emocjonalnych w swoich obrazach, zamiast jedynie oddawać zewnętrzną rzeczywistość. Przyjęli malarstwo impasto jako jedną z preferowanych technik. Grubo nałożona farba posiada wiele wrodzonych cech, takich jak ciężar, głębia i grawitacja. Im grubsza warstwa, tym więcej cienia tworzy. Abstrahuje obraz, zniekształcając sposób, w jaki widzowie odbierają temat. Ekspresjoniści uznali ją za idealną do przekazywania powagi, intensywności i dramatu.

W tym samym czasie, gdy ekspresjonizm zyskiwał na znaczeniu, abstrakcja również stawała się coraz ważniejsza dla wielu artystów. Malarstwo impasto okazało się idealną techniką dla malarzy abstrakcyjnych, ponieważ pomagało przesunąć uwagę z tematu na formalne cechy dzieła. Obraz abstrakcyjny impasto nie musi więc przedstawiać niczego poza samą farbą. Hans Hofmann był szczególnie wpływowym artystą abstrakcyjnym, który w pełni przyjął malarstwo impasto. Hofmann uważał, że skupiając się na formalnych elementach estetyki, zamiast na naśladowaniu rzeczywistości, artyści mogą wyrażać głębsze prawdy. Używał impasto, by wyrazić abstrakcyjne cechy struktury, przestrzeni, koloru, formy i iluzji.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Olej na lnie. 101,6 x 127 cm. Kolekcja prywatna. Za zgodą Tom Powel Imaging (po lewej) i detal obrazu (po prawej)

Wymiary rzeźbiarskie

Oprócz bycia malarzem, Hofmann był także nauczycielem. Wielu jego uczniów, takich jak Helen Frankenthaler i Lee Krasner, żona Jacksona Pollocka, stało się czołowymi postaciami ruchu ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Hofmann miał głęboki wpływ na sposób, w jaki ci malarze odnosili się do swoich mediów. Ponieważ celem wielu ekspresjonistów abstrakcyjnych było przekazanie podświadomych uczuć i uchwycenie na płótnie emocji oraz intensywności aktu malowania, Hofmann zaszczepił w nich przekonanie, że właściwości materiałowe medium powinny być kluczowym elementem ich dzieł.

Nauczał ich, że „każde medium wyrazu ma swój własny porządek istnienia.” W rękach malarzy takich jak Jackson Pollock i Jane Frank, malarstwo impasto zyskało zupełnie nowy wymiar, dosłownie. Jane Frank budowała rzeźbiarskie warstwy mediów na swoich powierzchniach impasto. Jackson Pollock rozpryskiwał, kapał i wylewał farbę w tak ogromnych ilościach, że sama waga jego warstw impasto groziła zniszczeniem podłoża jego dzieł. Ekspresjoniści abstrakcyjni rozszerzyli ponadto pojęcie malarstwa impasto, włączając do niego materiały inne niż farba, takie jak nietypowe media i odpadki, np. potłuczone szkło, kamienie, niedopałki papierosów. Dodając nietypowe materiały i media do swoich warstw impasto, ci malarze wyrażali zarówno głębię pojęciową, jak i fizyczną.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Olej i szpachla na płótnie. 178 x 127 cm. © Jane Frank

Wszystko o farbie

W odpowiedzi na emocjonalną intensywność ekspresjonizmu abstrakcyjnego, malarstwo impasto straciło na popularności wśród wielu artystów w latach 60. i 70., zwłaszcza tych związanych z minimalizmem. Ci artyści dążyli do tworzenia gładkich powierzchni, które eliminowały ślady indywidualnego twórcy. Aby uzyskać ultragładkie powierzchnie, sięgali po techniki takie jak barwienie i natryskiwanie oraz korzystali z procesów mechanicznych i przemysłowych. Jednak w latach 80. miłość do impasto powróciła.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Olej na lnie. 71,8 x 71,8 cm. Za zgodą George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Jednym z powodów powrotu popularności tej techniki była reakcja na postrzeganą bezduszność minimalizmu. Innym powodem było rosnące zainteresowanie formalnymi cechami materiałów artystycznych. Jednym z szczególnie udanych wyrazów estetyki minimalistycznej było malarstwo monochromatyczne. Monochromy wyrażają czysty kolor i płaskość. W latach 80. malarze tacy jak James Hayward i Alan Ebnother zaczęli na nowo wyobrażać sobie monochrom poprzez malarstwo impasto. Ich impasto monochromy łączyły wyraz koloru z wymiarem fizyczności i specyfiki medium. Eliminując przemysłową anonimowość minimalistycznych monochromów i przywracając ślad artysty, priorytetowo traktowali emocje i osobowość oraz zwracali odnowioną uwagę na podstawowe cechy farby.

James Hayward - Abstract 31, 2001. Olej na płótnie na desce. 76 x 71 cm. © James Hayward (po lewej) oraz Asymmetrical Chromachord 38, 2009. Olej na płótnie na drewnianej płycie. © James Hayward (po prawej)

Poza impasto

Patrząc wstecz na historię malarstwa impasto, widać wyraźnie, że technika ta niesie ze sobą szereg abstrakcyjnych skojarzeń. Na samym początku zrobiła coś bezprecedensowego – nie ukrywała faktu, że dzieło sztuki jest wykonane z farby. W tym sensie zburzyła iluzję. Później służyła do podkreślenia subtelnych i często zmieniających się różnic między ciemnością a światłem. W erze modernizmu malarstwo impasto stało się sposobem wyrażania głębokich emocji i pierwotnych odczuć podświadomości. A we współczesnym użyciu stało się wyrazem siły i prostoty samego gestu artystycznego. Co więc możemy wywnioskować z rozmowy toczącej się między One World Trade Center a abstrakcyjnymi obrazami impasto Donalda Martiny, które zajmują jego hol?

Chociaż te obrazy wydają się być ogromnymi pociągnięciami pędzla impasto, zostały faktycznie wykonane z wielką starannością w żmudnym procesie, podczas którego Martini wylewa, kapie i rozsmarowuje warstwę po warstwie medium, czasem używając gołych rąk. Wyrażają ciężką pracę, adaptację, cierpliwość, wizję i siłę tkwiącą w starannym budowaniu warstw przez czas. Poza tym, jak wszystkie obrazy impasto, Lenape i Unami symbolizują także rozbijanie iluzji, ewoluującą naturę ciemności i światła, zakres głębi emocjonalnej i fizycznej oraz pierwotne realia podświadomego umysłu ludzkiego. Z tej perspektywy stają się czymś więcej niż estetycznymi obiektami i symbolicznymi gestami. Stają się doskonałymi abstrakcyjnymi przedstawicielami swojego medium, swojego otoczenia, swoich patronów, swojej historii i swojego czasu.

Zdjęcie główne: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio