Malowanie impasto w sztuce abstrakcyjnej

Być może najbardziej symboliczny budynek w Ameryce to One World Trade Center w Dolnym Manhattanie. Jako centralny punkt rozwoju, który zastąpił bliźniacze wieże zniszczone w 2001 roku, jego istnienie jest potężnym oświadczeniem. Dodatkowo do jego symboliki przyczyniają się dwa ogromne, abstrakcyjne impasto obrazy na stałe zainstalowane w holu południowego wejścia. Budynek nazywany jest Wieżą Wolności i jest najwyższym budynkiem na półkuli zachodniej. Wznosi się na wysokość 1776 stóp: celowe odniesienie do roku, w którym Ameryka ogłosiła swoją niepodległość. Wspomniane wcześniej obrazy impasto, które zdobią ściany południowego holu, są autorstwa amerykańskiego artysty Donalda Martiny. Jeden z obrazów nosi tytuł Lenape, a drugi nosi tytuł Unami. Tytuły te odnoszą się do prekolumbijskiej historii Nowego Jorku. Lenape to rdzenna plemię, które pierwotnie zamieszkiwało teren, na którym zbudowano Wieżę Wolności. Unami to dialekt Lenape. Na szczycie Wieży Wolności znajduje się taras widokowy zwany One World Observatory. Z tarasu widokowego, ilekroć okiem sięgnąć, całe otoczenie niegdyś wspierało kulturę Lenape. Co więc komunikuje ten budynek? Został zaprojektowany, aby upamiętnić jeden z najgorszych ataków terrorystycznych w historii ludzkości. Przedstawia idee jednego świata, wolności, niepodległości i handlu. Zachęca odwiedzających do spojrzenia z szerszej perspektywy. A jego najbardziej prominentne dzieła sztuki noszą imiona tych, którzy zostali podporządkowani, aby zbudować naród odpowiedzialny za jego powstanie. Jaka rozmowa toczy się tutaj? Co oznacza ta cała symbolika? Być może można się czegoś nauczyć z samych dzieł sztuki oraz z abstrakcyjnych cech, które impasto malarstwo reprezentuje.

Cień i światło

Termin impasto pochodzi od włoskiego słowa oznaczającego ciasto. W malarstwie odnosi się do techniki nakładania grubych warstw medium na powierzchnię, aby nadać dziełu sztuki wymiar teksturalny. Włoski malarz XVI wieku, Tycjan, był jednym z pierwszych artystów, którzy świadomie wprowadzili techniki impasto do swoich obrazów. Zaczął używać tej techniki w czasach, gdy obrazy były cenione za swoje gładkie powierzchnie i brak widocznych pociągnięć pędzla. Mistrzowski realistyczny malarz, Tycjan zdał sobie sprawę, że gromadząc farbę w określonych miejscach na powierzchni, mógł stworzyć różnice w tym, jak światło odbija się od niej, nadając elementom obrazu wrażenie życia.

Każdy pociągnięcie pędzla w technice impasto powoduje pojawienie się gradacji w kolorze z cieni spowodowanych, gdy światło pada na wypukłą farbę. W zależności od pozycji źródeł światła i punktu widzenia widza, obraz impasto może subtelnie się zmieniać, dodając wariacje głębi i zwiększając poczucie realizmu. W swoim wieku Tycjan łamał tradycję, pozwalając, aby jego pociągnięcia pędzla były widoczne, a materialne właściwości jego medium były eksponowane. Jednak był tak mistrzowski w tej technice, że jego wpływ szybko spowodował, że stała się ona popularna. W XVII wieku Rembrandt słynnie włączał malarstwo impasto do swoich dzieł. A w XIX wieku technika ta była tak ceniona, że Van Gogh uczynił ją swoim znakiem towarowym.

Van Gogh - The Starry Night, 1889, 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4 in. MoMA Collection. © Van Gogh (Left) and detail (Right)

Ekspresje Abstrakcyjne

Na przełomie XIX i XX wieku grupa malarzy zwana Ekspresjonistami poszukiwała sposobów na wyrażenie wewnętrznych stanów emocjonalnych w swoich obrazach, zamiast po prostu uchwycić zewnętrzną rzeczywistość. Przyjęli malarstwo impasto jako jedną z preferowanych technik. Grubo nałożona farba posiada wiele wrodzonych cech, takich jak waga, głębia i grawitacja. Im grubsza jest nałożona, tym więcej cienia tworzy. Abstrakcyjnie przedstawia obrazy, zniekształcając sposób, w jaki widzowie wchodzą w interakcję z tematem. Ekspresjoniści uznali to za idealne do komunikowania powagi, intensywności i dramatu.

W tym samym czasie, gdy ekspresjonizm zyskiwał na znaczeniu, abstrakcja również stawała się coraz większym zmartwieniem dla wielu artystów. Malowanie impasto okazało się idealną techniką dla malarzy abstrakcyjnych, ponieważ pomogło przesunąć uwagę z tematu obrazu na formalne cechy dzieła. Abstrakcyjny obraz impasto zatem nie musi dotyczyć niczego poza farbą. Hans Hofmann był jednym z szczególnie wpływowych artystów abstrakcyjnych, który w pełni przyjął malowanie impasto. Hofmann wierzył, że koncentrując się na formalnych elementach estetyki, a nie na naśladowaniu rzeczywistości, artyści mogą wyrażać głębsze prawdy. Używał malowania impasto, aby wyrazić abstrakcyjne cechy struktury, przestrzeni, koloru, formy i iluzji.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Oil on linen. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Private collection.  Courtesy Tom Powel Imaging (Left) and painting detail (Right)

Wymiary rzeźbiarskie

Oprócz bycia malarzem, Hofmann był także nauczycielem. Wielu z jego uczniów, takich jak Helen Frankenthaler i Lee Krasner, żona Jacksona Pollocka, stało się czołowymi postaciami w ruchu ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Hofmann miał głęboki wpływ na sposób, w jaki ci malarze odnosili się do swoich mediów. Ponieważ celem wielu malarzy ekspresjonizmu abstrakcyjnego było przekazywanie swoich podświadomych uczuć oraz uchwycenie na płótnie emocji i intensywności aktu malowania, Hofmann zaszczepił w nich przekonanie, że materialne cechy ich medium powinny być kluczowym elementem ich pracy.

Nauczył ich, że „każdy środek wyrazu ma swój własny porządek istnienia.” W rękach malarzy takich jak Jackson Pollock i Jane Frank, malarstwo impasto zyskało zupełnie nowy wymiar, dosłownie. Jane Frank budowała rzeźbiarskie warstwy mediów na swoich powierzchniach impasto. Jackson Pollock chlapnął, kapał i lał farbę w tak ogromnych ilościach, że sama waga jego warstw impasto zagrażała zniszczeniu podpór jego dzieł. Ekspresjoniści Abstrakcyjni poszerzyli ponadto pojęcie malarstwa impasto, aby obejmowało także inne materiały niż farba, takie jak nietypowe media i detrytus, takie jak stłuczone szkło, kamienie, niedopałki papierosów. Dodając nietypowe materiały i media do swoich warstw impasto, ci malarze wyrażali zarówno konceptualną, jak i fizyczną głębię.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Oil and spackle on canvas. 70 x 50 in. © Jane Frank

Wszystko o farbie

W odpowiedzi na emocjonalną intensywność ekspresjonizmu abstrakcyjnego, malarstwo impasto straciło na popularności wśród wielu artystów w latach 60. i 70., szczególnie tych związanych z minimalizmem. Ci artyści dążyli do stworzenia gładkich powierzchni, które eliminowałyby ślady indywidualnego artysty, który stworzył dzieło. Aby uzyskać ultra gładkie powierzchnie, sięgnęli po techniki takie jak barwienie i natryskiwanie oraz używali zmechanizowanych i przemysłowych procesów. Jednak w latach 80. miłość do impasto powróciła.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Oil on linen. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Courtesy George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Jednym z powodów, dla których technika odzyskała swoją popularność, była reakcja na postrzeganą bezduszną naturę minimalizmu. Innym powodem był rosnący interes formalnymi cechami materiałów artystycznych. Jednym z szczególnie udanych wyrazów estetyki minimalizmu było malarstwo monochromatyczne. Monochromy wyrażają czysty kolor i płaskość. W latach 80. XX wieku malarze tacy jak James Hayward i Alan Ebnother zaczęli na nowo wyobrażać sobie monochrom przez malarstwo impasto. Ich monochromy impasto przyjęły wyraz kolorów, ale dodały wymiar fizyczności i specyfiki medium. Eliminując przemysłową anonimowość monochromów minimalizmu i ponownie wprowadzając ślad artysty, priorytetowo potraktowali emocje i osobowość, przywracając uwagę na istotne cechy farby.

James Hayward - Abstrakcyjny 31, 2001. Olej na płótnie na desce. 30 x 28 cali. © James Hayward (Lewo) i Asymetryczny Chromachord 38, 2009. Olej na płótnie na panelu drewnianym. © James Hayward (Prawo)

Poza ciastem

Patrząc wstecz na historię malarstwa impasto, jasne jest, że technika ta niesie ze sobą szereg abstrakcyjnych skojarzeń. W swoich najwcześniejszych dniach podjęła bezprecedensowy krok, nie ukrywając faktu, że dzieło sztuki zostało stworzone z farby. W tym sensie zburzyła iluzję. Później służyła do podkreślenia subtelnych i często zmieniających się różnic między ciemnością a światłem. W erze modernizmu malarstwo impasto stało się sposobem wyrażania głębokich emocji i pierwotnych wrażeń podświadomości. A w swoim współczesnym użyciu stało się wyrazem siły i prostoty samego gestu artystycznego. Co więc możemy stwierdzić o rozmowie, która toczy się między One World Trade Center a abstrakcyjnymi obrazami impasto Donalda Martiny, które zajmują jego lobby? 

Choć te obrazy wydają się być masywnymi impasto pociągnięciami pędzla, w rzeczywistości zostały starannie wykonane w żmudnym procesie, podczas którego Martini wlewa, kapie i rozmazuje warstwę po warstwie medium, czasami używając swoich gołych rąk. Wyrażają ciężką pracę, adaptację, cierpliwość, wizję i siłę inherentną w starannym budowaniu warstw w czasie. Poza tym, jak wszystkie obrazy impasto, Lenape i Unami również symbolizują rozbicie iluzji, ewoluującą naturę ciemności i światła, zakres emocjonalnej i fizycznej głębi oraz pierwotne rzeczywistości podświadomego umysłu ludzkiego. Rozpatrywane z tej perspektywy stają się czymś więcej niż estetycznymi obiektami i więcej niż symbolicznymi gestami. Stają się doskonałymi abstrakcyjnymi przedstawicielami swojego medium, swojego otoczenia, swoich imienników, swojej historii i swojego czasu.

Obraz wyróżniony: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio