Lee Krasner i Jej Imponujące Dzieło

Niektórzy artyści skupiają się tak mocno na jednym konkretnym stylu, że niemal każdy miłośnik sztuki potrafi łatwo opisać typowe przykłady ich dzieł. Inni jednak celowo i nieustannie rozwijają swój styl, odmawiając ograniczenia się do jednego podejścia estetycznego. Lee Krasner uosabiała to drugie podejście. Opisanie typowych obrazów Lee Krasner byłoby niemożliwe, ponieważ jej twórczość nigdy nie była typowa. Wielokrotnie w trakcie swojej kariery Krasner całkowicie zmieniała swoje podejście do malarstwa. Choć zwykle kojarzona jest z abstrakcyjnym ekspresjonizmem, zaczynała karierę jako klasyczna realistka. Pracowała także jako malarka murali dla Works Progress Administration i przez lata eksperymentowała z kolażem, biomorficzną abstrakcją, twardą abstrakcją krawędzi, małymi pracami inspirowanymi jej żydowskim dziedzictwem oraz dużymi dziełami związanymi z jej życiem osobistym. Nawet po przebyciu tętniaka mózgu przez ponad dwie dekady nieustannie na nowo tworzyła swoje dzieła. Jej twórczość jest tak różnorodna i pomysłowa, że dziś Lee Krasner uważana jest za ucieleśnienie ducha amerykańskiej awangardy XX wieku.

Urodzona w Brooklynie

Lee Krasner przyszła na świat w Brooklynie w 1908 roku, jako pierwsza osoba w rodzinie urodzona na amerykańskiej ziemi. Już w młodym wieku wiedziała, że chce zostać malarką. Jednak w pierwszych dekadach XX wieku nie było wielu możliwości dla młodych kobiet, które pragnęły zostać zawodowymi artystkami. Kobiety, które chciały studiować sztukę, były zachęcane do podjęcia nauki w kierunku nauczania. W Nowym Jorku istniała tylko jedna szkoła średnia, Washington Irving High School for Girls, która pozwalała dziewczętom na specjalizację w zajęciach artystycznych. Lee Krasner złożyła podanie i została przyjęta do tej szkoły.

Po ukończeniu szkoły średniej Krasner rzeczywiście zdobyła świadectwo nauczycielskie. Jednak zamiast podjąć pracę w nauczaniu, znalazła zatrudnienie jako kelnerka i kontynuowała naukę malarstwa. Opanowała klasyczną technikę w National Academy of Design oraz studiowała malowanie postaci ludzkiej w Art Students League of New York. Była tak utalentowana, że w 1935 roku zdobyła upragnione stanowisko malarki murali w Works Progress Administration, co było rzadkością dla każdego artysty, a tym bardziej dla kobiety. Jej zadaniem było kopiowanie figuratywnych projektów murali wykonanych przez innych artystów. Krasner nie uważała tego za idealne, ponieważ wolałaby malować własne projekty, ale praca ta pozwoliła jej zarobić na życie podczas kryzysu i poszerzyła jej wykształcenie.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Olej na płótnie. 175,3 x 318,8 cm. Kolekcja Muzeum Sztuki Nowoczesnej. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Malowanie na całej powierzchni

W 1937 roku, dwa lata po rozpoczęciu pracy w WPA, Lee Krasner zapoczątkowała pierwszą poważną ewolucję swojej twórczości. Zapisała się na zajęcia u Hansa Hofmanna, cenionego niemieckiego malarza i pedagoga znanego z propagowania modernizmu i abstrakcji. Pod kierunkiem Hofmanna Krasner poznała koncepcje kubizmu, neokubizmu, fowizmu, kolażu i wielu innych wczesnych tendencji modernistycznych. Wprowadziła te idee w życie, rozwijając to, co dziś nazywa się stylem All Over, czyli podejściem do malarstwa pokrywającym całą powierzchnię dzieł abstrakcyjnymi motywami przywodzącymi na myśl naturę.

Krasner zakończyła zajęcia u Hansa Hofmanna w 1940 roku. W 1941 roku rozpoczęła romantyczny związek z malarzem Jacksonem Pollockiem. Gdy po raz pierwszy zobaczyła prace Pollocka, które były tworzone instynktownie, natychmiast zweryfikowała własny proces twórczy. Choć jej prace stały się abstrakcyjne, nadal opierała się na rzeczywistości. Zainspirowana Pollockiem z zapałem podjęła poszukiwania autentycznego, nieświadomego ja i wyrażania emocji na płótnie.

Lee Krasner - Mozaikowy kolaż, 1939. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Seria Małych Obrazów

W poszukiwaniu swojego podświadomego ja Krasner zwróciła się ku swoim korzeniom. Jej rodzina wyemigrowała z terenów dzisiejszej Ukrainy. Ich rosyjsko-żydowskie dziedzictwo było kształtowane przez kabałę, starożytną, symboliczną metodę interpretacji Biblii. Czerpiąc z symboliki kabały, Krasner opracowała własny, intuicyjny, symboliczny język wizualny, który włączyła do serii obrazów nazwanej Serią Małych Obrazów.

Nazwa tej serii prawdopodobnie pochodzi od idei, że każdy obraz składa się z niezliczonych małych obrazków reprezentujących abstrakcyjny słownik bez określonego znaczenia. Nazwa mogła też wynikać ze zmiany, jaką przeżyła w swoim otoczeniu w czasie powstawania tej serii. Zmiana ta nastąpiła, gdy Krasner i Pollock przeprowadzili się z miasta na posiadłość na Long Island. Pollock zajął stodołę na swoje wielkoformatowe prace, a Krasner przyjęła pracownię na piętrze domu, która była bardziej kameralna i dostosowała swoją twórczość do tego miejsca.

Lee Krasner - Południe, 1947, z Serii Małych Obrazów. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Kolaże z pociętych obrazów

Kolejna ważna zmiana estetyczna w twórczości Lee Krasner nastąpiła na początku lat 50., kiedy to, według legendy, zirytowana jakością kilku swoich prac zaczęła je drzeć na strzępy. W czasach nauki u Hansa Hofmanna Krasner stała się wielką fanką Matisse’a i eksperymentowała z kolażem. Zainspirowana Matisse’em i jego wycinankami, zaczęła wykorzystywać porwane obrazy jako surowiec do tworzenia potężnych, pełnych emocji kolaży, przekształcając strzępy swoich niepowodzeń w radykalny nowy kierunek swojej twórczości.

W tym okresie życia Krasner doświadczała także wielu innych frustracji poza tymi związanymi z pracą. Jej mąż, Jackson Pollock, był alkoholikiem i kobieciarzem, szybko zdobył sławę dzięki swojemu unikalnemu stylowi malarstwa akcji. W 1956 roku, gdy Krasner przebywała latem w Europie, Pollock zginął w wypadku samochodowym spowodowanym przez alkohol, prowadząc samochód pod wpływem alkoholu z kochanką i przyjacielem.

Lee Krasner - City Verticals, 1953 (po lewej) / Lee Krasner - Burning Candles, 1955 (po prawej), dwa kolaże na płótnie. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Cykl życia

Jeszcze przed śmiercią Pollocka Krasner zaczęła ponownie zmieniać kierunek swojej twórczości. Zaczęła malować bujne, biomorficzne kompozycje abstrakcyjnych, naturalnych form. Po powrocie z Europy dalej zgłębiała ten motyw, pozwalając swoim pracom rosnąć także pod względem rozmiarów, być może dzięki większej dostępnej przestrzeni do pracy. W jej kompozycjach pojawiły się wielkie, szerokie gesty i uproszczone palety barw, a chaos i frustracja wcześniejszych dzieł ustąpiły miejsca szerszemu spojrzeniu na procesy świata przyrody.

Przez sześć lat po śmierci męża Krasner kontynuowała ten pełen emocji, nowy styl. Nazwy nadawane tym seriom wydawały się związane z cyklami życia i być może symbolizowały lub były kierowane przez jej żal i powrót do zdrowia. Pierwsza z tych serii, Earth Green, charakteryzowała się naturalną paletą zieleni, czerwieni, bieli i beżów. Następna seria, Night Journeys, zawierała ciemniejsze, bardziej ponure obrazy. Ten etap jej kariery zakończył się nagle w 1962 roku, gdy Krasner doznała tętniaka mózgu, który zatrzymał jej twórczość na kilka lat.

Lee Krasner - Kobieta Słońce II, 1958, część serii Earth Green. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Twarde linie

Po powrocie do zdrowia po tętniaku Krasner kontynuowała eksplorację form organicznych i kompozycji. Następnie na początku lat 70. nagle skierowała swoją twórczość w zupełnie nową stronę. Zaczęła malować spłaszczone, twardo zarysowane abstrakcje, które wydawały się niemal geometryczne w swoim języku wizualnym. Jej paleta barw stała się bardziej czysta, co zaowocowało obrazami jasnymi, bezpośrednimi i optymistycznymi.

Inne tendencje estetyczne, które w tym czasie rozwijali jej współcześni, mogły zainspirować ten nowy kierunek Krasner. Malarstwo pola koloru zyskało poparcie wśród wielu abstrakcyjnych ekspresjonistów, a minimalizm aktywnie dominował na scenie artystycznej jako reakcja przeciw emocjom i dramatowi poprzedniego pokolenia. Jednak choć w twardych krawędziach malowanych przez Krasner w latach 70. można dostrzec elementy obu tych stylów, jej wyraz tych nastrojów jest całkowicie unikalny.

Lee Krasner - Zegar słoneczny, 1972. Olej na lnie. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Dziedzictwo Lee Krasner

W 1983 roku Lee Krasner otrzymała zaszczyt pierwszej retrospektywy swojej kariery. Wystawa otworzyła się w Houston w Teksasie, w Museum of Fine Arts. Krasner była zbyt chora, by wziąć udział w pokazie, ale jako rodowita mieszkanka Brooklynu czekała na dzień, gdy wystawa zawita do jej rodzinnego miasta. Zmarła jednak w czerwcu 1984 roku, zaledwie sześć miesięcy przed otwarciem retrospektywy w nowojorskim MoMA. Komunikat prasowy wystawy w MoMA głosił: „Krasner malowała niemal do samej śmierci w czerwcu ubiegłego roku, a jej twórczość do końca świadczy o nieustannych poszukiwaniach.”

Co jest naprawdę niezwykłe w eksperymentalnym charakterze jej kariery, to fakt, że pomimo wszystkich zmian Lee Krasner zachowała wyraźny, indywidualny głos estetyczny. Elementy języka wizualnego, którego używała w swoich najwcześniejszych pracach, rozbrzmiewają w całej jej twórczości pomimo licznych ewolucji na przestrzeni lat. Jej ostatnie dzieła prowadzą płynną rozmowę z jej najwcześniejszymi pracami. To potężne świadectwo miejsca, jakie Krasner zajmuje w amerykańskiej tradycji modernistycznej. Jej twórczość świadczy o radykalnie twórczym umyśle i ukazuje przejaw awangardy w niej samej.

Zdjęcie główne: Lee Krasner - Autoportret, 1930. Olej na lnie. 76,5 × 63,8 cm. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio