Pełne i Puste w rzeźbach Henry'ego Moore'a

Ciało ludzkie to coś więcej niż pojedyncza masa; to zbiór mniejszych mas. A każde ciało jest także częścią większej masy: ludzkości. A ludzkość jest częścią jeszcze większej masy: świata. Rzeźbiarz Henry Moore najlepiej to ujął, mówiąc: „Cała natura jest niekończącą się demonstracją kształtu i formy.” Moore poświęcił swoją karierę badaniu kształtu i formy. Mimo że brzmi to bardzo naukowo, rzeźby Henry’ego Moore’a nie są jedynie intelektualnymi przedmiotami. Nie są też wyłącznie obiektami piękna. Przekraczają zarówno intelektualizm, jak i estetykę, łącząc widzów z czymś głębszym. Jako artysta figuratywny, a potem abstrakcjonista, Moore tworzył dzieła oparte na relacji, jaką ciało ludzkie dzieli z większym światem przyrody. Jego rzeźby wyrażają idee, że ludzkość jest częścią natury i że poprzez nasze zmysły możemy połączyć się z czymś ponadczasowym i uniwersalnym.

Rzeźby Henry’ego Moore’a – Prawdy materiału

Gdy rzeźbiarz mówi o prawdzie materiału, odnosi się do tego, jak dobrze obiekt oddaje cechy surowca, z którego jest wykonany. Orzech włoski ma inną prawdę materiału niż marmur, a marmur inną niż alabaster i tak dalej. Henry Moore wierzył w siłę prawdy materiału. Odrzucał pomysł, że rzeźbiarze powinni tworzyć swoje dzieła z form lub odlewów. Opowiadał się za bezpośrednim rzeźbieniem, ponieważ pozostawiało ono ślady ukazujące fizyczną naturę obiektu. Bezpośrednie rzeźbienie nie było powszechnie akceptowane za czasów Moore’a, choć niektórzy inni wpływowi rzeźbiarze również je stosowali. Dla Moore’a nie była to tylko teoria; to była jego natura.

Henry Moore - Płaskorzeźba Leżącej postaci na budynku metra w St James’s, 1928. © Fundacja Henry’ego Moore’a.

Moore był jednym z dziewięciorga dzieci urodzonych w rodzinie robotniczej w Castleford, mieście górniczym w Yorkshire w Anglii. Jego rodzice ciężko pracowali i poświęcali się, by posłać dzieci do szkoły, aby nie musiały pracować fizycznie. W wieku 11 lat, po zetknięciu się z dziełami Michała Anioła, Henry rozczarował ich, decydując, że zostanie rzeźbiarzem. Nie mogąc sobie pozwolić na bezpośrednie pójście na studia, Henry walczył w pułku strzelców służby cywilnej podczas I wojny światowej i został ranny w ataku gazowym. Gdy po wojnie mógł sobie pozwolić na szkołę artystyczną, był już całkowicie ukształtowany przez własne prawdy materiału: urodził się do ciężkiej pracy i pracy rękami. Bezpośrednie rzeźbienie nie tylko wydobywało charakter jego materiałów, ale także jego własny charakter.

Henry Moore - Leżąca postać UNESCO, 1958. © Fundacja Henry’ego Moore’a.

Związek Chac-mool i Cézanne’a

Pod koniec dwudziestych lat życia, w Paryżu, Moore zetknął się z obiektem estetycznym, który zmienił go w głęboki i znaczący sposób. Był to Chac-mool, prekolumbijska aztecka rzeźba przedstawiająca leżącą postać ludzką. Postawa rzeźby przywodzi na myśl postacie ludzkie rzeźbione przez klasycznych rzeźbiarzy, takich jak Michał Anioł, ale powstała niezależnie od takich wpływów i na innym kontynencie. Postawa i ludzkość tej figury zainspirowały Moore’a, który przyjął tę formę jako coś uniwersalnego, z czym mógł pracować.

Henry Moore - Kompozycja czteroczęściowa: Leżąca postać. © Fundacja Henry’ego Moore’a.

Moore połączył istotę Chac-moola z figuracją inspirowaną jednym z jego ulubionych obrazów, Kąpiącymi się Cézanne’a. Efektem była ikoniczna, modernistyczna forma rzeźbiarska, którą nazwał „leżącą postacią”. Przez całą karierę eksplorował leżące postacie, wracając do nich wielokrotnie jako do podstawy odkryć dotyczących objętości i przestrzeni. Dziś leżące postacie Moore’a można znaleźć na całym świecie, w parkach rzeźby, przestrzeniach przyrodniczych i muzeach na sześciu kontynentach. Jego pierwsze publiczne zamówienie to leżąca postać wyrzeźbiona w płaskorzeźbie na budynku metra w St James’s w Londynie. Najsłynniejsza zdobi siedzibę UNESCO w Paryżu.

Cézanne - Kąpiący się, 1898-1905, olej na płótnie, 210,5 cm × 250,8 cm, Muzeum Sztuki w Filadelfii, Filadelfia, Stany Zjednoczone

Redukcja formy

Większość leżących postaci Moore’a była abstrakcyjna. Nieustannie redukował kształt ludzkiej postaci do jej istotnych elementów, a następnie upraszczał je, by przypominały formy spotykane w przyrodzie. Jego biomorficzne, uproszczone leżące postacie wydawały się analogiczne do naturalnego krajobrazu, inspirując wielu do odnajdywania w nich humanistycznych przesłań. Choć wolał mówić jak najmniej o znaczeniu swoich dzieł, ta interpretacja dobrze wpisuje się w filozofię Moore’a o wzajemnym powiązaniu sztuki, ludzkości i natury.

Henry Moore - Leżąca postać. © Fundacja Henry’ego Moore’a.

Oprócz upraszczania leżącej postaci, Moore także ją rozkładał na części. Przebijał w figurach otwory, mówiąc: „Pierwszy otwór wykonany w kawałku kamienia to objawienie.” Kwestionował także postrzeganie objętości i przestrzeni, rozdzielając postacie na zbiory luźno powiązanych form, które osobno były abstrakcyjne, ale razem sugerowały postać ludzką.

Henry Moore - Matka i dziecko, 1959. © Fundacja Henry’ego Moore’a.

Chronić wewnętrzną formę

W szczytowym okresie twórczości Moore’a wybuchła II wojna światowa i został powołany na artystę wojennego. Stworzył serię rysunków dokumentujących obywateli skulonych w tłumach w podziemiach podczas nalotów bombowych. Rysunki oddają strach, gdy ludzkie postacie otulają się w schronieniu, a potem otulają nawzajem w stosach skulonych ciał. Po wojnie ten pomysł, jednej formy chronionej przez inną, pojawił się wszędzie w jego rzeźbach. Wykonał wiele dzieł zatytułowanych Matka i dziecko, niektóre ukazujące dziecko w formie matki, inne pokazujące dwie oddzielne formy skulone razem.

Henry Moore - Hełmowa głowa nr 5, 1966. © Fundacja Henry’ego Moore’a.

Eksplorował także ten pomysł w serii zwanej Hełmowa głowa, tworząc formy hełmów, które czasem zawierały tylko pustą przestrzeń, a innym razem mieściły w sobie chronione formy wtórne. Te ochronne rzeźby wykorzystują masę i przestrzeń wokół niej jako swój temat. W sensie formalnym badają pełnię i pustkę przestrzeni. W sensie humanistycznym ukazują naszą najbardziej podstawową rzeczywistość: potrzebę bezpieczeństwa.

Henry Moore - Trzy formy kręgów, 1978-79, przed ratuszem w Dallas, Teksas. © Fundacja Henry’ego Moore’a.

Ćwiczenia w formie

W 1947 roku współczesny Moore’a, francuski pisarz Raymond Queneau, napisał książkę zatytułowaną „Ćwiczenia w stylu”, w której opowiedział tę samą krótką anegdotę w 99 różnych stylach literackich. Można powiedzieć, że Henry Moore podszedł do swojej kariery podobnie. Zajmował się kilkoma tematami na wiele różnych sposobów, skupiając się na wąskim zakresie zagadnień, takich jak kształt, forma i ich wzajemne oddziaływanie z przestrzenią. Ale gdyby to było wszystko, co robił, nie pozostawiłby tak legendarnego śladu w abstrakcyjnej sztuce XX wieku.

Głównym pomysłem Moore’a zawsze była ludzkość; punkt najbardziej widoczny, gdy rozważa się jego rzeźby publiczne, które dziś znajdują się w 38 krajach. Moore chciał, aby można było ich dotykać, wspinać się po nich, badać je i zamieszkiwać. Istnieją dla wszystkich naszych zmysłów. Moore powiedział kiedyś: „Nasza wiedza o kształcie i formie pozostaje, ogólnie rzecz biorąc, mieszanką doświadczeń wzrokowych i dotykowych... Dziecko uczy się o okrągłości bardziej przez dotykanie piłki niż przez jej oglądanie.” Z dzieł Moore’a uczymy się o okrągłości, o materialności, formie, przestrzeni i wielu innych formalnych, dotykowych sprawach. Ale uczymy się także czegoś ważniejszego: czegoś o naszej wzajemnej łączności z krajobrazem, z innymi ludźmi, z naturą i z samym sobą.

Zdjęcie główne: Chac-mool, rzeźbiarska postać spotykana w prehistorycznym Meksyku
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio