Pełne i Puste w rzeźbach Henry'ego Moore'a

Ludzkie ciało to więcej niż jedna masa; to akumulacja mniejszych mas. A każde ciało jest również częścią większej masy: tej ludzkości. A ludzkość jest częścią jeszcze większej masy: tej świata. Rzeźbiarz Henry Moore ujął to najlepiej, gdy powiedział: „Cała natura jest nieskończoną demonstracją kształtu i formy.” Moore poświęcił swoją karierę eksploracji kształtu i formy. Mimo że brzmi to akademicko, rzeźby Henry'ego Moore'a nie są jedynie intelektualnymi obiektami. Nie są też wyłącznie obiektami piękna. Przekraczają zarówno intelektualizm, jak i estetykę, aby połączyć widzów z czymś głębszym. Jako artysta figuratywny, a następnie jako abstrakcjonista, Moore tworzył prace oparte na relacji, jaką ludzkie ciało dzieli z większym światem naturalnym. Jego rzeźby wyrażają idee, że ludzkość jest częścią natury i że poprzez nasze zmysły możemy stać się połączeni z czymś ponadczasowym i uniwersalnym.

Rzeźby Henry'ego Moore'a - Prawdy Materiałowe

Kiedy rzeźbiarz mówi o prawdzie materiałowej, odnosi się to do tego, jak dobrze obiekt reprezentuje cechy surowca, z którego jest wykonany. Orzech włoski ma inną prawdę materiałową niż marmur, który ma inną prawdę materiałową niż alabaster, i tak dalej. Henry Moore był zwolennikiem mocy prawdy materiałowej. Odrzucił pomysł, że rzeźbiarze powinni tworzyć swoje dzieła z form lub odlewów. Opowiadał się za bezpośrednim rzeźbieniem, ponieważ pozostawiało to ślady, które ujawniały fizyczną naturę obiektu. Bezpośrednie rzeźbienie nie było szeroko akceptowane w czasach Moore'a, chociaż niektórzy inni wpływowi rzeźbiarze również przyjęli ten pomysł. Ale dla Moore'a to nie była tylko teoria; to była jego natura.

Henry Moore - Relief "Leżąca Postać" w Budynku Metra przy St James’s, 1928. © Fundacja Henry'ego Moore'a.

Moore był jednym z dziewięciorga dzieci urodzonych w rodzinie robotniczej w Castleford, miasteczku górniczym w Yorkshire, w Anglii. Jego rodzice zmagali się i poświęcali, aby wysłać swoje dzieci do szkoły, aby nie musiały pracować fizycznie. W wieku 11 lat, po zetknięciu się z pracami Michała Anioła, Henry rozczarował ich, decydując, że zostanie rzeźbiarzem. Nie mogąc sobie pozwolić na bezpośrednie pójście na uniwersytet, Henry walczył w pułku Civil Service Rifles podczas I wojny światowej i został ranny w ataku gazowym. Kiedy po wojnie mógł sobie pozwolić na szkołę artystyczną, był już całkowicie ukształtowany przez swoje własne materialne prawdy: był stworzony do ciężkiej pracy i robienia rzeczy ręcznie. Bezpośrednie rzeźbienie nie tylko wydobywało charakter jego materiałów, ale także wydobywało jego charakter.

Henry Moore - Figura leżąca UNESCO, 1958. © Fundacja Henry'ego Moore'a.

"Małżeństwo Chac-moola i Cézanne'a"

W swoich późnych latach 20-tych, w Paryżu, Moore natknął się na obiekt estetyczny, który zmienił go w głęboki i znaczący sposób. Był to Chac-mool, prekolumbijska aztecka rzeźba leżącej postaci ludzkiej. Postawa rzeźby przywołuje na myśl ludzkie figury rzeźbione przez klasycznych rzeźbiarzy, takich jak Michał Anioł, ale powstała niezależnie od takich wpływów i w zupełnie innym świecie. Zachowanie i ludzkość figury zainspirowały Moore'a, a on przyjął tę formę jako coś uniwersalnego, z czym mógł pracować.

Henry Moore - Kompozycja czteroczęściowa: Figura leżąca. © Fundacja Henry'ego Moore'a.

Moore połączył esencję Chac-moola z figuracją inspirowaną jednym z jego ulubionych obrazów, Kąpiącymi się Cézanne’a. Efektem była ikoniczna, modernistyczna forma rzeźbiarska, którą nazwał „leżącą postacią”. Przez całą swoją karierę badał leżące postacie, wracając do nich wielokrotnie jako podstawy do odkryć dotyczących objętości i przestrzeni. Dziś leżące postacie Moore’a można znaleźć na całym świecie, w parkach rzeźb, przestrzeniach przyrody i muzeach na sześciu kontynentach. Jego pierwszym publicznym zleceniem była leżąca postać wyrzeźbiona w reliefie na Budynku Metra w St James’s w Londynie. Jego najsłynniejsza zdobi siedzibę UNESCO w Paryżu.

Cézanne - Kąpiący się, 1898-1905, Olej na płótnie, 210,5 cm × 250,8 cm, Muzeum Sztuki w Filadelfii, Filadelfia, Stany Zjednoczone

Redukcja formy

Większość leżących figur Moore'a była abstrakcyjna. Nieustannie redukował kształt figury ludzkiej do jej podstawowych elementów, a następnie abstrahował je, aby przypominały kształty występujące w naturze. Jego biomorficzne, abstrahowane leżące figury wydawały się analogiczne do naturalnego krajobrazu, inspirując wielu do odnajdywania w nich humanistycznych przesłań. Choć wolał mówić jak najmniej o znaczeniu swojej pracy, ta interpretacja dobrze wpisuje się w filozofię Moore'a o wzajemnych powiązaniach sztuki, ludzkości i natury.

Henry Moore - Figura leżąca. © Fundacja Henry'ego Moore'a.

Oprócz abstrakcji leżącej figury, Moore również ją rozebrał. Przebił otwory w figurach, zauważając: „Pierwszy otwór wykonany w kawałku kamienia to objawienie.” Podważył również postrzeganie objętości i przestrzeni, rozdzielając figury na zbiory luźno powiązanych form, które osobno były abstrakcyjne, ale po połączeniu sugerowały ludzką postać.

Henry Moore - Matka i Dziecko, 1959. © Fundacja Henry'ego Moore'a.

Chroń Wewnętrzną Formę

W szczytowym okresie twórczości Moore'a wybuchła II wojna światowa i został on powołany jako artysta wojenny. Stworzył serię rysunków dokumentujących obywateli zgromadzonych w masach w schronach podczas nalotów bombowych. Rysunki uchwyciły strach, gdy ludzkie formy otulają się w schronie, a następnie otulają się nawzajem w stosach stłoczonych ciał. Po wojnie ta idea, że jedna forma jest chroniona w drugiej, manifestowała się wszędzie w jego rzeźbach. Wyprodukował wiele dzieł zatytułowanych Matka i Dziecko, z których niektóre przywołują obraz dziecka w formie matki, a inne pokazują dwie formy oddzielne, ale zgromadzone razem.

Henry Moore - Helmet Head No.5, 1966. © Fundacja Henry'ego Moore'a.

On również zbadał ten pomysł w serii zatytułowanej Helmet Head, tworząc formy hełmów, które czasami zawierały jedynie pustą przestrzeń, a innym razem mieściły wtórne formy chronione w ich wnętrzu. Te ochronne rzeźby wykorzystują masę i otaczającą ją przestrzeń jako swój temat. W sensie formalnym badają pełnię i pustkę przestrzeni. W sensie humanistycznym ukazują naszą najbardziej podstawową rzeczywistość: potrzebę bezpieczeństwa.

Henry Moore - Trzy Formy Kręgosłupa, 1978-79, przed Ratuszem, Dallas, TX. © Fundacja Henry'ego Moore'a.

Ćwiczenia w formie

W 1947 roku współczesny Moore'owi, francuski autor Raymond Queneau, napisał książkę zatytułowaną „Ćwiczenia ze stylu,” w której opisał tę samą krótką anegdotę w 99 różnych stylach literackich. Można powiedzieć, że Henry Moore podszedł do swojej kariery w podobny sposób. Zajmował się kilkoma tematami na wiele różnych sposobów, koncentrując się na wąskim zakresie zagadnień, takich jak kształt, forma i sposób, w jaki oddziałują z przestrzenią. Ale gdyby to było wszystko, co robił, nie zostawiłby tak legendarnego śladu w sztuce abstrakcyjnej XX wieku.

Wielką ideą Moore'a zawsze była ludzkość; punkt ten jest najbardziej widoczny, gdy rozważa się jego rzeźby publiczne, które dziś istnieją w 38 krajach. Moore zamierzał, aby były dotykane, wspinane, badane i zamieszkiwane. Istnieją dla wszystkich naszych zmysłów. Moore powiedział kiedyś: „Nasza wiedza o kształcie i formie pozostaje, ogólnie rzecz biorąc, mieszanką doświadczeń wizualnych i dotykowych... Dziecko uczy się o okrągłości, bawiąc się piłką, znacznie bardziej niż patrząc na nią.” Z pracy Moore'a uczymy się o okrągłości, o materialności, formie, przestrzeni i wielu innych formalnych, dotykowych rzeczach. Ale uczymy się także czegoś ważniejszego: czegoś o naszej wzajemnej powiązaniu z krajobrazem, z innymi, z naturą i z samymi sobą.

Obraz wyróżniający: Chac-mool, figura rzeźbiarska występująca w prehistorycznym Meksyku
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio