Sztuka mobilna Alexandra Caldera i jej wiele form

Czy zdajemy sobie z tego sprawę, czy nie, wszystko cały czas się porusza. Ziemia obraca się wokół własnej osi i krąży wokół słońca. Każda cząsteczka w nas drga, wiruje i zmienia kształt. Ruch kieruje delikatnym, pięknym chaosem życia. Alexander Calder znał tę podstawową prawdę życia. Poświęcił większość swojej kariery wyrażaniu piękna ruchu. Mobilne Calder’a, abstrakcyjne, kinetyczne rzeźby zaprojektowane tak, by swobodnie poruszać się w przestrzeni, lepiej niż jakakolwiek sztuka przed nimi przekazywały, że oprócz formy, masy, czasu i przestrzeni, ruch jest istotnym czynnikiem definiującym fizyczny wszechświat. Ogromny dorobek Calder’a, stworzony w ciągu jego życia, obejmował rysunki, obrazy, litografie, biżuterię, dekoracje sceniczne, kostiumy i rzeźbę, pozostawiając spuściznę pełną fantazji, piękna i zdumienia. Jego pozornie nieograniczona zdolność do innowacji, wraz z zamiłowaniem do ciężkiej pracy, uczyniły go jednym z najbardziej wpływowych artystów modernizmu, a także jednym z najbardziej powszechnie ukochanych.

Nazywali go Sandy

Alexander Calder urodził się w małym miasteczku w Pensylwanii w 1898 roku, w rodzinie artystów. To w pracowni ojca Calder stworzył swoje pierwsze dzieło sztuki – glinianego słonia, wyrzeźbionego ręcznie, gdy miał cztery lata. Rodzice Calder’a okazali swoje poparcie dla naturalnych zdolności artystycznych syna, urządzając mu własną pracownię, gdy miał osiem lat, w piwnicy ich domu przy Euclid Avenue w Pasadenie w Kalifornii. Wspominając ten czas, Calder powiedział kiedyś: „Moja pracownia stała się pewnego rodzaju centrum uwagi; wszyscy tam przychodzili.” Większość przedmiotów, które Calder tworzył jako dziecko w swojej piwnicznej pracowni, to były formy zwierząt wykonane z znalezionych materiałów, zwłaszcza porzuconych miedzianych drutów, które on i jego siostra zbierali z ulicy po robotnikach elektrycznych.

Calder później dokonał wspaniałych rzeczy z drutem. To jednak nie był jedyny wpływ z dzieciństwa, który wpłynął na jego późniejszą twórczość. Ruch był ogromnym czynnikiem w jego wychowaniu. Ten dom w Pasadenie był trzecim miejscem, w którym Calder mieszkał do ósmego roku życia. A jego rodzina przeprowadziła się jeszcze osiem razy, zanim zaczął studia. Pomimo braku stałego miejsca, Calder pozostawał skupiony i pogodny, utrzymując małą pracownię tam, gdziekolwiek osiedlała się jego rodzina. Louisa James, która poślubiła Calder’a w 1931 roku, napisała do matki po zaręczynach:

„Dla mnie Sandy jest prawdziwą osobą, co wydaje się rzadkością. Docenia i cieszy się rzeczami w życiu, których większość ludzi nie ma zmysłu zauważyć. Ma ogromną oryginalność, wyobraźnię i humor, które bardzo mi się podobają i które czynią życie barwnym i wartościowym. Lubi pracować i ciężko pracuje, i to kończy podsumowanie jego charakteru.”

Alexander Calder - Bez tytułu, kinetyczna rzeźba z drutu, 1931, mobil, który zachwycił Duchampa. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Cyrk Calder’a

W wieku 21 lat Calder ukończył studia z tytułem inżyniera mechanika. Był znakomitym rysownikiem technicznym i od razu zaczął podróżować po Stanach Zjednoczonych, podejmując zlecenia w różnych firmach. Pracując, zawsze uczęszczał też na zajęcia artystyczne. W wieku 26 lat zdobył pierwszą oficjalną pracę jako artysta kreatywny, ilustrując dla gazety National Police Gazette. Zadanie związane z tą pracą, polegające na relacjonowaniu cyrku Ringling Brothers i Barnum and Bailey, zmieniło życie Calder’a. Zakochał się w cyrku, mówiąc,

„Bardzo podobały mi się relacje przestrzenne. Kocham przestrzeń cyrku. Zrobiłem kilka rysunków samego namiotu. Cała ta ogromna przestrzeń – zawsze ją kochałem.”

Calder zaczął malować zwierzęta i przerabiać kupione w sklepie zabawki, by naśladowały ruchy cyrkowych występów, a także wrócił do tworzenia rzeźb z drutu przedstawiających ludzi i zwierzęta. W wieku 28 lat, mieszkając w Paryżu, wszystkie te wpływy połączyły się i Calder stworzył jedno ze swoich najbardziej ikonicznych dzieł: Cyrk Calder’a. Używając drutu, tkaniny, drewna i plastiku, stworzył miniaturową replikę działającego cyrku, którym mógł sterować w małej skali, a potem schować do walizki. Sam Calder poruszał kinetyczne formy w cyrku, tworząc unikalne dzieło łączące rzeźbę z drutu, kinetykę i sztukę performansu w jedno estetyczne wydarzenie.

Alexander Calder - Pułapka na homara i ogon ryby, 1939. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Rysowanie w przestrzeni

Na przestrzeni lat Calder prezentował swój cyrk na całym świecie, w domach ludzi, galeriach sztuki i muzeach. Wielu najważniejszych artystów i kolekcjonerów XX wieku było świadkami występów Cirque Calder. Jednak podczas tych pełnych fantazji pokazów Calder głęboko rozmyślał o znaczeniu swojej pracy, zwłaszcza o rzeźbach z drutu, które tworzył. Po dziesięciu latach nauki rysunku doszedł do wniosku, że używając cienkich nitek drutu jako medium rzeźbiarskiego, dodaje do rzeźby pojęcie linii, co nazwał „rysowaniem w przestrzeni” – akt rewolucyjny.

Dostrzegł też znaczenie faktu, że jego rzeźby z drutu są w większości przezroczyste, co pozwala innym obiektom i otoczeniu za nimi pozostać widocznymi. O tym zjawisku Calder powiedział,

„Jest jedna rzecz, która łączy [moje rzeźby z drutu] z historią. Jednym z kanonów malarzy futuryzmu, jak głosił Modigliani, było to, że obiekty za innymi obiektami nie powinny znikać z widoku, lecz powinny być widoczne przez nie, czyniąc te ostatnie przezroczystymi. Rzeźba z drutu dokonuje tego w sposób zdecydowany.”

Alexander Calder przy pracy w swojej pracowni, 1941. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Mobilne Calder’a

W 1929 roku Calder odwiedził pracownię abstrakcyjnego malarza Pieta Mondriana. Jego jaskrawo kolorowe geometryczne abstrakcyjne formy zrobiły na nim wrażenie, a według Calder’a zasugerował Mondrianowi,

„że może byłoby zabawnie wprawić te prostokąty w drgania.”

Ale Mondrian, który wcale nie był żartownisiem w swojej pracy, odpowiedział całkiem poważnie,

„Nie, to nie jest konieczne, mój obraz jest już bardzo szybki.”

Calder jednak się zainspirował. Przekonał się, że abstrakcja to kierunek, na którym chce się skupić, a ruch to następny ważny krok, jaki powinna zrobić rzeźba. Zaczął tworzyć abstrakcyjne rzeźby z drutu, łącząc formy naturalne i geometryczne, i wprowadził do nich silniki, by je wprawiać w ruch. Pewnego dnia artysta Marcel Duchamp odwiedził pracownię Calder’a, a Calder zapytał go, jak nazwać swoje nowe kinetyczne rzeźby. Duchamp zasugerował nazwę „mobilne”, która po francusku miała podwójne znaczenie – oznaczała zarówno ruch, jak i motyw. Później artysta Jean Arp, niezbyt zachwycony tą nazwą, powiedział Calderowi z sarkazmem,

„No to co to były te rzeczy, które robiłeś w zeszłym roku – stabiles?”

W swoim zwykle pogodnym stylu Calder zgodził się i rzeczywiście zaczął nazywać swoje statyczne rzeźby „stabiles”.

Alexander Calder - monumentalna rzeźba Człowiek (znana też jako Trzy Dyski), stal nierdzewna, 1967, zamówiona na Expo w Montrealu. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Nic nie jest stałe

Calder wkrótce porzucił silniki i, z szacunku dla naturalnych sił wszechświata, zaczął tworzyć niepewnie wyważone mobilne, które mogły poruszać się pod wpływem wiatru, grawitacji lub dotyku. Pisał,

„Nic z tego nie jest stałe. Każdy element może się poruszać, poruszać się, drgać, przychodzić i odchodzić w swoich relacjach z innymi elementami w swoim wszechświecie. To nie może być tylko ulotna chwila, lecz fizyczna więź między zmiennymi zdarzeniami w życiu. Nie wyciągnięcia, lecz abstrakcje. Abstrakcje, które nie przypominają niczego w życiu poza swoim sposobem reagowania.”

Zaczynając od tworzenia zabawek i naśladowania figuratywnych elementów życia, Calder uświadomił sobie głębszą harmonię istniejącą we wszechświecie. Wierzył, że najskuteczniej przekaże swoją wizję przez proste abstrakcyjne formy i uzupełniające się siły stabilności i ruchu. Zasięg jego estetyki był uniwersalny. Jego mobilne mogły zachwycić najmłodsze dziecko, a jednocześnie zadziwić zwiedzających muzea i krytyków. A gdy w późniejszym życiu miał okazję przetłumaczyć swoją wizję na monumentalne rzeźby publiczne, które dziś stoją na całym świecie, inspirował miliony ludzi.

Co dokładnie oznacza twórczość Calder’a, jest być może niemożliwe, a przynajmniej niepożądane, by wyrazić słowami. Lepiej pozwolić, by oddziaływała na nas na poziomie pierwotnym, instynktownym. I właśnie z takiego ducha Calder podchodził do swojego dorobku. Aby pozostać otwartym i wolnym, najlepiej nie próbować wszystkiego wyjaśniać. Jak powiedział kiedyś dziennikarzom, demonstrując kinetyczny ruch jednego ze swoich mobilnych,

„To nie ma żadnej użyteczności ani znaczenia. Jest po prostu piękne. Ma wielki efekt emocjonalny, jeśli to rozumiesz. Oczywiście, gdyby miało jakieś znaczenie, byłoby łatwiej zrozumieć, ale nie byłoby tego warte.”