Sztuka mobilna Alexandra Caldera i jej wiele form

Niezależnie od tego, czy jesteśmy tego świadomi, wszystko przez cały czas pozostaje w ruchu. Ziemia obraca się wokół własnej osi i krąży wokół Słońca. Każda cząsteczka w naszym ciele drga, wiruje i przeobraża się. Ruch nadaje kierunek delikatnemu, pięknemu chaosowi życia. Alexander Calder znał ten fundamentalny fakt życia. Większość swojej kariery poświęcił wyrażaniu piękna ruchu. Mobilne rzeźby Caldera - abstrakcyjne, kinetyczne dzieła zaprojektowane tak, by swobodnie poruszać się w przestrzeni - lepiej niż jakakolwiek wcześniejsza sztuka ukazywały, że obok formy, masy, czasu i przestrzeni ruch jest zasadniczym czynnikiem definiującym fizyczny wszechświat. Ogromny dorobek, który Calder stworzył w ciągu swojego życia, obejmował rysunki, obrazy, odbitki litograficzne, biżuterię, scenografie, kostiumy i rzeźby, pozostawiając po sobie dziedzictwo fantazji, piękna i zachwytu. Jego pozornie niewyczerpana zdolność do innowacji, w połączeniu z zamiłowaniem do ciężkiej pracy, uczyniła go jednym z najbardziej wpływowych artystów modernizmu, a także jednym z powszechnie najbardziej uwielbianych.

Nazywali go Sandy

Alexander Calder urodził się w 1898 roku w małym miasteczku w Pensylwanii, w rodzinie obojga artystów. To właśnie w pracowni ojca Calder stworzył swoje pierwsze dzieło sztuki - glinianego słonia, wyrzeźbionego ręcznie, gdy miał cztery lata. Rodzice Caldera okazali aprobatę dla naturalnych uzdolnień artystycznych syna, urządzając ośmioletniemu „Sandy’emu” własną pracownię w piwnicy ich domu przy Euclid Avenue w Pasadenie w Kalifornii. Wspominając ten okres swojego życia, Calder powiedział kiedyś: „Moja pracownia stała się swego rodzaju centrum zainteresowania; wszyscy do niej przychodzili”. Większość przedmiotów, które Calder tworzył jako dziecko w swojej piwnicznej pracowni, miała formę zwierząt i była wykonana ze znalezionych materiałów, szczególnie z wyrzuconego drutu miedzianego, który on i jego siostra podnosili z ulicy po tym, jak zostawili go tam pracownicy elektryczni.

Calder miał później dokonać wspaniałych rzeczy z drutem. Nie był to jednak jedyny wpływ z dzieciństwa, który oddziałał na jego późniejszą twórczość. Ruch odgrywał ogromną rolę w jego dorastaniu. Dom w Pasadenie był trzecim miejscem, w którym Calder mieszkał, zanim skończył osiem lat. Zanim rozpoczął studia, jego rodzina przeprowadzała się jeszcze osiem razy. Mimo życia bez stałych korzeni Calder pozostawał skupiony, pogodny i utrzymywał niewielką pracownię wszędzie tam, gdzie osiadała jego rodzina. Louisa James, która poślubiła Caldera w 1931 roku, napisała do matki po zaręczynach:

„Dla mnie Sandy jest prawdziwym człowiekiem, co wydaje się rzadkością. Docenia i cieszy się rzeczami w życiu, których większość ludzi nie potrafi dostrzec. Ma ogromną oryginalność, wyobraźnię i poczucie humoru, które bardzo mi odpowiadają i sprawiają, że życie staje się barwne i warte przeżycia. Lubi pracować i ciężko pracuje - tym kończę podsumowanie jego charakteru.”

Alexander Calder - Untitled, kinetic wire sculpture, 1931, the mobile that impressed Duchamp. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Cyrk Caldera

W wieku 21 lat Calder ukończył studia z dyplomem inżyniera mechanika. Był znakomitym kreślarzem i od razu zaczął przemieszczać się po Stanach Zjednoczonych, przyjmując zlecenia od wielu różnych firm. W czasie pracy zawsze uczęszczał również na zajęcia artystyczne. W wieku 26 lat otrzymał pierwszą oficjalną posadę artysty kreatywnego, ilustrując artykuły dla gazety o nazwie National Police Gazette. Zlecenie dotyczące relacji z występu cyrku Ringling Brothers and Barnum and Bailey odmieniło życie Caldera. Zakochał się w cyrku i powiedział:

„Bardzo podobały mi się relacje przestrzenne. Uwielbiam przestrzeń cyrku. Wykonałem kilka rysunków przedstawiających wyłącznie namiot. Całość - ta ogromna przestrzeń - zawsze bardzo mi się podobała.”

Calder zaczął malować zwierzęta i przerabiać kupowane w sklepach zabawki, aby naśladowały ruchy cyrkowych występów, a także powrócił do tworzenia drucianych rzeźb przedstawiających ludzi i zwierzęta. Następnie, w wieku 28 lat, mieszkając w Paryżu, połączył wszystkie te wpływy i stworzył dzieło, które miało stać się jednym z jego najbardziej ikonicznych dzieł sztuki: Cyrk Caldera. Używając drutu, tkaniny, drewna i plastiku, stworzył miniaturową replikę działającego cyrku, którą można było obsługiwać w niewielkiej przestrzeni, a następnie spakować do walizki. Sam Calder wprawiał w ruch kinetyczne formy w cyrku, tworząc wyjątkowe dzieło sztuki, które łączyło rzeźbę z drutu, kinetykę i sztukę performansu w jedno wydarzenie estetyczne.

Alexander Calder - Lobster Trap and Fish Tail, 1939. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Rysowanie w przestrzeni

Przez lata Calder prezentował swój cyrk na całym świecie - w domach ludzi, galeriach sztuki i muzeach. Wielu najważniejszych artystów i kolekcjonerów XX wieku było świadkami występów Cirque Calder. Jednak podczas tych pełnych fantazji przedstawień myślał również głęboko o znaczeniu wykonywanej pracy, zwłaszcza o rzeźbach, które tworzył z drutu. Po dekadzie nauki rysunku zrozumiał, że używając cienkich pasm drutu jako medium rzeźbiarskiego, wprowadza do rzeźby pojęcie linii - rewolucyjny gest, który nazwał „rysowaniem w przestrzeni”.

Dostrzegł również znaczenie faktu, że jego druciane rzeźby były w większości przezroczyste, dzięki czemu inne przedmioty i otoczenie znajdujące się wokół nich i za nimi również pozostawały widoczne. O tym zjawisku Calder powiedział:

„Jest jedna rzecz, która w szczególności łączy [moje druciane rzeźby] z historią. Jeden z kanonów malarzy futurystycznych, sformułowany przez Modiglianiego, głosił, że przedmioty znajdujące się za innymi przedmiotami nie powinny znikać z pola widzenia, lecz powinny być widoczne przez te drugie, dzięki uczynieniu ich przezroczystymi. Rzeźba z drutu osiąga to w sposób niezwykle zdecydowany.”

Alexander Calder at work in his studio, 1941. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Mobilne rzeźby Alexandra Caldera

W 1929 roku Calder odwiedził pracownię abstrakcyjnego malarza Pieta Mondriana. Jego jaskrawo kolorowe geometryczne formy abstrakcyjne zrobiły na nim wrażenie i, według Caldera, zasugerował on Mondrianowi

„że może zabawnie byłoby wprawić te prostokąty w ruch wahadłowy”.

Lecz Mondrian, który w żadnym razie nie podchodził do swojej pracy żartobliwie, odpowiedział całkiem poważnie:

„Nie, to niepotrzebne, mój obraz już jest bardzo szybki.”

Calder był jednak zainspirowany. Nabierał przekonania, że właśnie na abstrakcji chce skupić swoją uwagę, a ruch jest kolejnym ważnym krokiem, który powinna podjąć rzeźba. Zaczął tworzyć abstrakcyjne rzeźby z drutu, wykorzystując połączenie form naturalnych i geometrycznych, a także montować w tych abstrakcyjnych rzeźbach silniki, aby wprawiać je w ruch. Pewnego dnia artysta Marcel Duchamp odwiedził pracownię Caldera, a Calder zapytał go, jak powinien nazwać swoje nowe rzeźby kinetyczne. Duchamp zasugerował nazwę „mobiles”, która po francusku miała podwójne znaczenie, odnoszące się zarówno do ruchu, jak i motywu. Później artysta Jean Arp, niepod wrażeniem nazwy Duchampa, zauważył sarkastycznie:

„Cóż, jak nazwałeś te rzeczy, które robiłeś w zeszłym roku - stabiles?”

W swoim typowym, pogodnym stylu Calder zgodził się i rzeczywiście zaczął określać swoje statyczne rzeźby mianem „stabili”.

Alexander Calder - monumental sculpture Man (a.k.a. Three Discs), stainless steel, 1967, commissioned for the Montreal Expo. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Nic nie jest nieruchome

Calder wkrótce porzucił silniki i, oddając hołd naturalnym siłom wszechświata, zaczął tworzyć chwieje wyważone mobilne rzeźby, które mogły być poruszane przez wiatr, grawitację lub dotyk. Napisał:

„Nic w tym wszystkim nie jest nieruchome. Każdy element może się poruszać, drgać, kołysać, zbliżać i oddalać w relacji z innymi elementami swojego wszechświata. Nie może to być jedynie ulotna chwila, lecz fizyczna więź między zmiennymi wydarzeniami w życiu. Nie wyabstrahowane fragmenty, lecz abstrakcje. Abstrakcje, które nie przypominają niczego w życiu poza sposobem, w jaki reagują.”

Po tym, jak zaczynał od tworzenia zabawek i naśladowania figuratywnych elementów życia, Calder uświadomił sobie istnienie głębszej harmonii we wszechświecie. Wierzył, że najskuteczniej może przekazać swoją wizję za pomocą prostych form abstrakcyjnych oraz dopełniających się sił stabilności i ruchu. Zasięg jego estetyki był uniwersalny. Jego mobile mogły zachwycać najmłodsze dzieci, a jednocześnie olśniewać zwiedzających muzea i krytyków. Kiedy w późniejszym okresie życia otrzymywał możliwość przełożenia swojej wizji na monumentalne rzeźby publiczne, które dziś znajdują się na całym świecie, inspirował miliony ludzi.

Być może nie da się, a przynajmniej nie warto, ująć w słowa dokładnego znaczenia twórczości Caldera. Przyjemniej pozwolić, by oddziaływała na nas na poziomie zmysłowym i pierwotnym. I właśnie z takiego ducha Calder podchodził do swojego dorobku. Aby pozostać otwartym i wolnym, najlepiej nie próbować wszystkiego wyjaśniać. Jak powiedział kiedyś reporterom, demonstrując kinetyczny ruch jednego ze swoich mobili:

„To nie ma żadnego zastosowania ani znaczenia. Jest po prostu piękne. Jeśli je rozumiesz, wywołuje silny efekt emocjonalny. Oczywiście, gdyby coś znaczyło, łatwiej byłoby je zrozumieć, ale nie byłoby tego warte.”

Autor: redakcja IdeelArt