Najważniejsze cechy sztuki kinetycznej

Czym jest kinetyczna sztuka? Najprostsza definicja brzmi: „sztuka, która opiera się na ruchu, by wywołać efekt.” Jednak to naprawdę niewystarczające. Mówiąc naukowo, wszystko opiera się na ruchu, ponieważ wszystko nieustannie się porusza, od największego obiektu po najmniejszą cząstkę we wszechświecie. Może więc lepsza definicja sztuki kinetycznej brzmiałaby mniej więcej tak: „każde celowe estetyczne dzieło, które, aby zostać uznane za kompletne, zależy od zaprojektowanego, zewnętrznego ruchu fizycznego jednej lub więcej jego części w stopniu dostrzegalnym dla ludzkich zmysłów.” Ale być może nawet ta definicja jest niepełna. Może, jak w przypadku wielu innych kwestii związanych ze sztuką, definicje po prostu nas zawodzą. Może zamiast definiować sztukę kinetyczną słowami, powinniśmy ją definiować przykładami. Mając to na uwadze, oto krótka, choć niepełna analiza historii i najsłynniejszych przykładów sztuki kinetycznej.

Dmuchane przez wiatr

Podobnie jak w przypadku wielu tendencji estetycznych, kinetyka objawiła się w prozaicznej kulturze twórczej na długo przed pojawieniem się w sztuce pięknej. Prawdopodobnie najwcześniejszym przykładem artystycznej kinetyki są dzwonki wietrzne, używane co najmniej 5000 lat temu w całej Azji Południowo-Wschodniej. Tak, łatwo byłoby argumentować, że dzwonki wietrzne nie są sztuką piękną, ale z drugiej strony równie łatwo można by twierdzić, że mogą nią być. Podobnie jak wiele dzieł sztuki pięknej, nawiązują do sacrum, badają powiązania między człowiekiem a naturą i inspirują do transcendentnych stanów bytu. I z pewnością pasują do definicji zjawisk estetycznych.

Jeśli nie akceptujesz dzwonków wietrznych jako pierwszej sztuki kinetycznej, możemy również zwrócić się ku kulturze nordyckiej, która ma bogatą, starożytną tradycję artystycznej ekspresji kinetycznej. Wisząca ruchoma rzeźba przedstawiająca wyprawę wielorybniczą w Muzeum Zaans w Holandii pochodzi z czasów znacznie wcześniejszych niż epoka przemysłowa. A nordyckie Himmeli wydają się być bezpośrednimi przodkami współczesnych mobilów. Te starożytne, wiszące, ręcznie wykonane rzeźby pochodzą z terenów germańskich (himmel to germańskie słowo oznaczające niebo). Choć nie jest jasne, jaki był pierwotny cel Himmeli ani jak długo są używane, są kinetyczne, estetyczne i przynajmniej wyprzedzają modernizm.

Wiekowa kinetyczna rzeźba wieloryba z kolekcji Muzeum Zaans

Pierwszy modernistyczny artysta kinetyczny

Prawie wszyscy historycy sztuki modernistycznej zgodziliby się, że pierwszym nowoczesnym artystą kinetycznym był Marcel Duchamp, a pierwszym kinetycznym dziełem Duchampa było jego Koło rowerowe. Składające się z odwróconego koła rowerowego włożonego na szczyt stołka, to dzieło jest również uważane za pierwszy „ready-made”. Jednak czasem im więcej dowiadujemy się o danym temacie, tym mniej jest on jasny. Sam Duchamp nie uważał tej ruchomej rzeźby za sztukę piękną. Zapytany o jej powstanie, powiedział, że zbudował ją tylko dlatego, że „lubiłem na nią patrzeć. Tak jak lubię patrzeć na tańczące płomienie w kominku.”

Jeśli intencje twórcy obiektu są kluczowe dla uznania go za sztukę piękną, to według samego twórcy Koło rowerowe nie spełnia tego kryterium. Kto może powiedzieć, że starożytne dzwonki wietrzne, nordyckie Himmeli czy ruchoma rzeźba holenderskiej wyprawy wielorybniczej nie powinny być uznane za sztukę kinetyczną? Dlaczego miałyby być lekceważone jako rzemiosło, zabawki, artefakty ludowe czy zwykła dekoracja? Może jest w tym, co powiedział Duchamp o patrzeniu na płomienie w kominku, jakaś wskazówka łącząca naturę wszystkich zjawisk twórczych, niezależnie od ich intencji, jako przejawy pierwotnego ludzkiego impulsu.

Marcel Duchamp - Obrotowa półkula, 1924. Yale University Art Gallery (Uniwersytet Yale), New Haven, CT, USA. © Marcel Duchamp

Ruch ruchu

To, co uważamy za nowoczesny ruch sztuki kinetycznej, naprawdę zaczęło się w latach 20. XX wieku. Aby ruch artystyczny wzbudził zainteresowanie i zdobył intelektualne uznanie, pomaga, gdy ktoś go nazwie i obroni jego pozycję na piśmie. Rosyjscy konstruktywiści Naum Gabo i Antoine Pevsner zrobili to dla sztuki kinetycznej w 1920 roku. Gabo i Pevsner, którzy byli także braćmi, napisali w swoim Manifeście Realistycznym: „Odrzucamy: tysiącletni błąd odziedziczony po sztuce egipskiej: statyczne rytmy jako jedyne elementy plastycznego tworzenia. Ogłaszamy nowy element w sztukach plastycznych: rytmy kinetyczne, które są istotnymi formami naszego postrzegania rzeczywistego czasu.”

Rok przed napisaniem tego manifestu Gabo, który był także wykształconym inżynierem, stworzył to, co prawdopodobnie powinno być uznane za pierwszą celową rzeźbę kinetyczną. Nazwał ją Konstrukcją kinetyczną. Składała się z pojedynczego metalowego pręta wystającego z drewnianej skrzynki. Po włączeniu przełącznika mechaniczny silnik wprawiał pręt w drgania. Dzieło zyskało przydomek „fala stojąca” ze względu na sposób, w jaki naśladuje formację fali po uruchomieniu. Oprócz ruchomych rzeźb Gabo tworzył także statyczne rzeźby oddające estetykę ruchu, czym zajmował się przez całą swoją karierę.

Naum Gabo - Konstrukcja kinetyczna (fala stojąca), 1919. Metal, drewno i silnik elektryczny. 616 x 241 x 190 mm. Kolekcja Tate. © Nina & Graham Williams/Tate, Londyn 2018

Wzrost ruchomości

W tym samym czasie, gdy Gabo i Pevsner wprowadzali słowo kinetyczny do dyskusji o sztuce nowoczesnej, amerykański artysta Dada Man Ray tworzył własną odmianę estetyki kinetycznej. Jako przyjaciel i współpracownik Marcela Duchampa, Man Ray z pewnością znał Koło rowerowe, a także prawdopodobnie znał Konstrukcję kinetyczną. To, co wyróżniało jego dzieła, to fakt, że zamiast wykorzystywać silniki czy mechanizmy takie jak koła, Man Ray starał się uchwycić organiczny ruch w swojej sztuce.

Man Ray znalazł rozwiązanie dla organicznej ruchomej rzeźby w 1920 roku, tworząc dzieło zatytułowane Przeszkoda. Składało się ono z 36 wieszaków, z których każdy był włożony przez otwór wywiercony na końcu ramienia innego wieszaka, a wszystkie wisiały na jednym wieszaku przymocowanym do haczyka na suficie. Element kinetyczny dzieła pojawia się, gdy wieszaki poruszają się pod wpływem wiatru, drgań lub bezpośredniego kontaktu z obserwatorem lub przedmiotem. Oprócz stworzenia Przeszkody, Man Ray sporządził diagram z instrukcjami, jak można ją powtórzyć, zachęcając każdego, kto podejmie się replikacji, do pójścia dalej niż on i kontynuowania rzeźby „w nieskończoność.” Ten diagram przypomina późniejsze dzieła konceptualne artystów takich jak Sol LeWitt, który tworzył podobne szczegółowe instrukcje do powielania swoich rysunków ściennych.

Man Ray - Przeszkoda, 1920. 36 połączonych wieszaków wiszących pod sufitem. © Man Ray

Wzrost maszyn

Chociaż były przełomowe w swoim czasie, ruchome rzeźby takie jak Przeszkoda i Konstrukcja kinetyczna wydają się niemal staroświeckie w porównaniu z tym, co wkrótce po nich nastąpiło. W ciągu lat 20. XX wieku węgierski artysta László Moholy-Nagy pracował nad mechaniczną rzeźbą, którą po ukończeniu nazwał Rekwizytem świetlnym dla sceny elektrycznej, czyli Modulatorem przestrzeni świetlnej.

Ta fantastyczna konstrukcja składała się z silników elektrycznych, ruchomych paneli i żarówek w różnych kolorach. Po uruchomieniu demonstrowała kinetyczną grę kolorów, światła, ruchu i dźwięku. Modulator przestrzeni świetlnej był nie tylko przełomowym dziełem ruchu sztuki kinetycznej; był także początkiem ruchu sztuki lumino-kinetycznej i wprowadził koncepcję użycia światła elektrycznego jako elementu rzeźby.

Laszlo Moholy-Nagy - Rekwizyt świetlny dla sceny elektrycznej, 1930. © Laszlo Moholy-Nagy

Ruch mas

Gdy dziś wiele osób myśli o sztuce kinetycznej, wyobraża sobie kapryśne mobile amerykańskiego artysty Alexandra Caldera. Wielu uważa Caldera za ojca sztuki kinetycznej. Jednak Calder zaczął tworzyć swoje mobile dopiero w 1931 roku. Jak widzimy, było wielu innych przed nim, którzy również szukali ucieczki od statycznych ograniczeń sztuk plastycznych. W rzeczywistości nie możemy nawet mówić o Calderze i jego mobilach, nie wspominając ponownie o Marcelu Duchampie, który podczas wizyty w pracowni Caldera nadał tym wiszącym kinetycznym dziełom nazwę „mobile”, słowo, które po francusku może oznaczać zarówno ruch, jak i motyw.

Mimo to Calder szeroko spopularyzował sztukę kinetyczną. Po Calderze tendencja ta była dalej eksplorowana przez pokolenia artystów zainspirowanych siłami ruchu. Bruno Munari otworzył nowe drogi w estetyce kinetycznej swoimi Maszynami bezużytecznymi. Amerykański rzeźbiarz George Rickey tworzył publiczne rzeźby kinetyczne reagujące na najmniejsze podmuchy powietrza lub drgania. A współczesna artystka Emily Kennerk bada kinetykę w projektach takich jak jej wibrujący stół obiadowy aktywowany głosem, który, podobnie jak Hołd dla Nowego Jorku konceptualnego artysty Jeana Tinguely’ego, wykorzystuje siły kinetyczne do samozniszczenia. Choć nie potrafimy dokładnie zdefiniować, czym jest sztuka kinetyczna, możemy przynajmniej wskazać tych artystów kinetycznych i przyjrzeć się ich dziełom. Gdzieś w ich wysiłkach zaczynamy dostrzegać, co w sztuce kinetycznej porusza naszą wyobraźnię. Nawet jeśli nie potrafimy tego opisać, możemy cieszyć się patrzeniem na nią, jak powiedział Duchamp, tak jak „cieszymy się patrząc na tańczące płomienie w kominku.”

Zdjęcie wyróżniające: Naum Gabo - Konstrukcja liniowa nr 1, 1942 - 1943. 349 x 349 x 89 mm. © Nina & Graham Williams/Tate, Londyn 2018
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio