Najważniejsze cechy sztuki kinetycznej

Czym jest sztuka kinetyczna? Najprostsza definicja to: „sztuka, która zależy od ruchu dla swojego efektu.” Ale to naprawdę niewystarczające. Mówiąc naukowo, wszystko zależy od ruchu dla swojego efektu, ponieważ wszystko się porusza przez cały czas, od największego obiektu do najmniejszej cząstki we wszechświecie. Może więc lepsza definicja sztuki kinetycznej brzmiałaby: „każde celowe estetyczne dzieło, które, aby zostać uznane za kompletne, zależy od zaprojektowanego, zewnętrznego ruchu fizycznego jednej lub więcej jego części w stopniu, który mieści się w dostrzegalnym zakresie ludzkich zmysłów.” Ale być może nawet ta definicja jest niekompletna. Może, jak w przypadku tak wielu innych rzeczy dotyczących sztuki, definicje po prostu nas zawodzą. Może zamiast definiować sztukę kinetyczną słowami, powinniśmy zdefiniować ją przykładami. Mając to na uwadze, oto krótka, przyznaję, niekompletna analiza historii i najbardziej znanych przykładów sztuki kinetycznej.

Dmuchanie na wietrze

Jak w przypadku wielu tendencji estetycznych, kinetyka manifestowała się w prozaicznej kulturze twórczej znacznie wcześniej, niż pojawiła się w sztuce pięknej. Prawdopodobnie najwcześniejszym przykładem artystycznej kinetyki były dzwonki wietrzne, które były używane co najmniej 5000 lat temu w całej Azji Południowo-Wschodniej. Tak, łatwo byłoby argumentować, że dzwonki wietrzne nie są sztuką piękną, ale z drugiej strony łatwo byłoby również argumentować, że mogą być. Jak wiele sztuki pięknej, sugerują one sacrum, badają powiązania między ludźmi a naturą i inspirują do transcendentnych stanów istnienia. I z pewnością pasują do definicji zjawisk estetycznych.

Jeśli nie akceptujesz dzwonków wietrznych jako pierwszej sztuki kinetycznej, możemy również zwrócić się ku kulturze nordyckiej, która ma bogatą, starożytną tradycję artystycznej ekspresji kinetycznej. Wisząca ruchoma rzeźba przedstawiająca rejs wielorybnika w Muzeum Zaans w Holandii pochodzi z czasów sprzed epoki przemysłowej. A nordyckie Himmeli wydają się być bezpośrednim potomkiem współczesnych mobilów. Te starożytne, wiszące, ręcznie robione rzeźby pochodzą z terenów germańskich (himmel to germańskie słowo oznaczające niebo). Choć nie jest jasne, jaki był pierwotny cel Himmeli ani jak długo są one używane, są one kinetyczne, estetyczne i przynajmniej poprzedzają modernizm.

Wielowiekowa kinetyczna rzeźba wieloryba z kolekcji Muzeum Zaanse.

Pierwszy nowoczesny artysta kinetyczny

Prawie wszyscy historycy sztuki modernistycznej powiedzieliby, że pierwszym nowoczesnym artystą kinetycznym był Marcel Duchamp, a pierwszym dziełem kinetycznym, które Duchamp stworzył, było jego Koło rowerowe. Składające się z odwróconego koła rowerowego wstawionego w górną część stołka, to dzieło sztuki jest również uważane za pierwsze „ready-made”. Ale czasami, im więcej dowiadujemy się o danym temacie, tym mniej staje się on jasny. Sam Duchamp nie uważał tej ruchomej rzeźby za sztukę wysoką. Kiedy zapytano go o jej stworzenie, powiedział, że zbudował ją tylko dlatego, że „podobało mi się na nią patrzeć. Tak jak lubię patrzeć na tańczące płomienie w kominku."

"Jeśli intencje twórcy obiektu są kluczowe dla uznania tego obiektu za sztukę wysoką, to według przyznania się jego twórcy Koło rowerowe nie kwalifikuje się. Kto może powiedzieć, że starożytne dzwonki wiatrowe, nordycki Himmeli czy ruchoma rzeźba przedstawiająca holenderską wyprawę wielorybną nie powinny być uznawane za sztukę kinetyczną? Dlaczego powinny być ignorowane jako rzemiosło, zabawki, artefakty ludowe czy zwykła dekoracja? Może jest jakiś wskazówka w tym, co Duchamp powiedział o patrzeniu na płomienie w kominku, która łączy naturę wszystkich zjawisk twórczych, niezależnie od ich intencji, jako manifestacje jakiegoś pierwotnego ludzkiego pragnienia."

Marcel Duchamp - Rotary demisphere, 1924. Yale University Art Gallery (Yale University), New Haven, CT, US. © Marcel Duchamp

Ruch Ruchu

To, co uważamy za nowoczesny ruch sztuki kinetycznej, zaczęło się naprawdę w latach 20. XX wieku. Aby ruch artystyczny mógł wzbudzać emocje i zdobywać intelektualne uznanie, pomocne jest, jeśli ktoś nada mu nazwę i broni jego pozycji na piśmie. Rosyjscy artyści konstruktywiści Naum Gabo i Antoine Pevsner zrobili to dla sztuki kinetycznej w 1920 roku. Gabo i Pevsner, którzy byli również braćmi, stwierdzili w swoim Manifeście Realistycznym: „Odrzucamy: tysiącletni błąd odziedziczony po sztuce egipskiej: statyczne rytmy wydają się jedynymi elementami twórczości plastycznej. Ogłaszamy nowy element w sztukach plastycznych: rytmy kinetyczne, które są istotnymi formami naszego postrzegania rzeczywistego czasu."

Rok przed napisaniem tego manifestu, Gabo, który był również wykształconym inżynierem, stworzył to, co powinno być uznawane za pierwszą intencjonalną rzeźbę kinetyczną. Nazwał tę pracę Konstrukcja Kinetyczna. Składała się z pojedynczego metalowego pręta wystającego z drewnianej skrzynki. Po włączeniu przełącznika, mechaniczny silnik wibrował pręt. Praca zyskała przydomek „fala stojąca” ze względu na sposób, w jaki naśladuje formację fali po aktywacji. Oprócz ruchomych rzeźb, Gabo tworzył również rzeźby statyczne, które uchwyciły estetykę ruchu, co było jego zainteresowaniem przez całą karierę.

Naum Gabo - Konstrukcja kinetyczna (Fala stojąca), 1919. Metal, drewno i silnik elektryczny. 616 x 241 x 190 mm. Kolekcja Tate. © Nina & Graham Williams/Tate, Londyn 2018

Mobilność społeczna

W tym samym czasie, gdy Gabo i Pevsner wprowadzali słowo "kinetyczny" do dyskusji o sztuce nowoczesnej, amerykański artysta Dada Man Ray zajmował się tworzeniem własnej interpretacji estetyki kinetycznej. Jako przyjaciel i współpracownik Marcela Duchampa, Man Ray z pewnością znał Koło rowerowe, a także prawdopodobnie był świadomy Konstrukcji kinetycznej. To, co odróżniało jego wysiłki od obu tych dzieł, to fakt, że zamiast wykorzystywać silniki lub mechanizmy, takie jak koła, Man Ray dążył do uchwycenia organicznego ruchu w swojej sztuce.

Man Ray dotarł do swojego rozwiązania dla organicznej ruchomej rzeźby w 1920 roku, tworząc dzieło, które nazwał Obstruction. Składało się ono z 36 wieszaków, z których każdy był włożony przez otwór wywiercony w końcu ramienia innego, a wszystkie wisiały z jednego wieszaka przymocowanego do haka na suficie. Element kinetyczny dzieła wprowadza się, gdy wieszaki są poruszane przez wiatr, drżenie lub bezpośredni kontakt z obserwatorem lub obiektem. Oprócz stworzenia Obstruction, Man Ray stworzył diagram zawierający instrukcje, jak można je powielić, zachęcając każdego, kto podejmie próbę jego replikacji, do przekroczenia tego, co on zrobił, i kontynuowania rzeźby „do nieskończoności.” Ten diagram przypomina późniejsze dzieła koncepcyjne artystów takich jak Sol LeWitt, którzy stworzyli podobne szczegółowe instrukcje dotyczące replikacji swoich rysunków na ścianach.

Man Ray - Obstruction, 1920. 36 interconnected hangers hanging from the ceiling. © Man Ray

Wzrost Maszyn

Chociaż były przełomowe jak na swoje czasy, ruchome rzeźby takie jak Obstruction i Kinetic Construction wydają się niemal przestarzałe w porównaniu do tego, co wkrótce po nich nastąpiło. W latach 20. XX wieku węgiersko-urodzony artysta László Moholy-Nagy pracował nad rzeźbą mechaniczną, którą po ukończeniu nazwał Light Prop for an Electric Stage lub Light Space Modulator.

To fantastyczne dzieło składało się z silników elektrycznych, ruchomych paneli i żarówek elektrycznych w różnych kolorach. Po aktywacji demonstrowało kinetyczną grę koloru, światła, ruchu i dźwięku. Light Space Modulator był nie tylko przełomowym dziełem ruchu sztuki kinetycznej; był także początkiem ruchu sztuki lumino-kinetycznej i wprowadził koncepcję używania światła elektrycznego jako elementu rzeźby.

Laszlo Moholy-Nagy - Light Prop for an Electric Stage, 1930. © Laszlo Moholy-Nagy

Ruch Mas

Kiedy wielu ludzi dzisiaj myśli o sztuce kinetycznej, wyobraża sobie kapryśne mobile amerykańskiego artysty Alexandra Caldera. Wiele osób uważa nawet Caldera za ojca sztuki kinetycznej. Ale Calder nie zaczął nawet tworzyć swoich mobilów aż do 1931 roku. Jak widać, przed nim było wielu innych, którzy również szukali sposobu na ucieczkę od statycznych ograniczeń sztuki plastycznej. W rzeczywistości nie możemy nawet mówić o Calderze i jego mobilach, nie wspominając ponownie o Marcellu Duchampie, który, odwiedzając Caldera w jego pracowni, nadał tym wiszącym kinetycznym kreacjom ich nazwę, mobile, słowo, które po francusku może oznaczać zarówno ruch, jak i motyw.

Jednak Calder w każdym razie szeroko spopularyzował sztukę kinetyczną. Po Calderze tendencja ta była kontynuowana przez pokolenia artystów inspirowanych siłami ruchu. Bruno Munari przełamał nowe tereny w estetyce kinetycznej swoimi Bezużytecznymi Maszynami. Urodzony w Ameryce rzeźbiarz George Rickey stworzył publiczne rzeźby kinetyczne, które reagują na najdrobniejsze prądy powietrza lub wibracje. A współczesna artystka Emily Kennerk bada kinetykę w projektach takich jak jej wibrujący stół obiadowy aktywowany głosem, który, w stylu Hołdu dla Nowego Jorku autorstwa artysty koncepcyjnego Jeana Tinguely, wykorzystuje siły kinetyczne do samozniszczenia. Choć może nie jesteśmy w stanie precyzyjnie zdefiniować, czym jest sztuka kinetyczna, przynajmniej możemy wskazać tych artystów kinetycznych i zbadać ich prace. Gdzieś w ich wysiłkach zaczynamy dostrzegać, co w sztuce kinetycznej przyciąga naszą wyobraźnię. Nawet jeśli nie możemy tego opisać, możemy cieszyć się jej oglądaniem, jak powiedział Duchamp, gdy "cieszymy się patrzeniem na tańczące płomienie w kominku."

Obraz wyróżniony: Naum Gabo - Konstrukcja liniowa nr 1, 1942 - 1943. 349 x 349 x 89 mm. © Nina & Graham Williams/Tate, Londyn 2018
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio