Abstrakcja w fotografii László Moholy-Nagy

Dziś fotografia jest wszechobecna. Aparaty są wbudowane w miliardy urządzeń elektronicznych, a trudno sobie wyobrazić jakikolwiek temat, który nie zostałby dokładnie zbadany do znudzenia na fotografiach. Ale jaki jest status fotografii jako sztuki abstrakcyjnej? W 1925 roku węgierski artysta i profesor Bauhausu László Moholy-Nagy narzekał, że chociaż fotografia istniała już od ponad 100 lat, artyści używali jej do niewiele więcej niż reprodukcji rzeczywistości. Powiedział: „całkowity wynik do tej pory nie wynosi nic więcej niż wizualne osiągnięcie encyklopedyczne.” Nazwał większość fotografii niczym innym jak „zatrzymanym momentem z ruchomego pokazu.” Teraz, prawie 100 lat później, wciąż głównie używamy fotografii do reprodukcji, a nie produkcji. W Malarstwo, Fotografia, Film, swojej przełomowej książce na ten temat, Moholy-Nagy długo rozważał wiele innych możliwości, które fotografia może obiecać artystom gotowym do podjęcia jej abstrakcyjnego potencjału. Najważniejszą z tych możliwości, jego zdaniem, był potencjał fotografii do tworzenia „nowych relacji między tym, co znane, a tym, co jeszcze nieznane.” Moholy-Nagy wierzył, że jesteśmy w najlepszej formie, gdy wszystkie nasze systemy biologiczne działają w syntezie ze sobą, a integralną częścią tego stanu całkowitej funkcjonalności jest włączenie regularnego przepływu nowych wrażeń. Dla artystów oznacza to, że największym wkładem, jaki można wnieść w podniesienie rasy ludzkiej, jest oferowanie nowych doświadczeń sensorycznych; nie poprzez proste naśladowanie lub fotografowanie tego, co już istnieje, ale raczej poprzez oferowanie perspektyw na to, jak zobaczyć świat na nowo.

Osobiste i Uniwersalne

Sztuka nie jest tematem, który można łatwo uogólniać, ponieważ niemal każdy artysta dąży do oryginalności. Poza tymi momentami, gdy grupa artystów podpisuje manifest opisujący dokładnie to, co robią, niemal niemożliwe jest zgrupowanie artystów w ruch lub określony punkt widzenia. Niemniej jednak, czasami można z całą pewnością powiedzieć, że wspólna tendencja była lub jest przyjmowana przez określoną grupę artystów i mówić w ogólny sposób o tym, czym ta tendencja się wydaje. (Jeśli to brzmi jak zastrzeżenie, to dlatego, że nim jest.) Dwie z najczęściej uogólnianych tendencji, które wydają się występować w sztuce abstrakcyjnej, to tendencja do osobistych wyrażeń estetycznych oraz tendencja do uniwersalnych wyrażeń estetycznych.

Osobiste wyrażenia są zazwyczaj dość subiektywne lub niejednoznaczne; wyrażenia uniwersalne są zazwyczaj obiektywne lub jednoznaczne. Te dwie tendencje manifestowały się w wyraźny sposób wśród wielu wczesnych modernistycznych artystów abstrakcyjnych. Z jednej strony byli artyści tacy jak Kazimir Malevich i Piet Mondrian, którzy wyznawali geometryczną, obiektywną wrażliwość. Z drugiej strony byli artyści tacy jak Wassily Kandinsky i Paul Klee, którzy dążyli do wyrażenia swojej osobistej drogi do duchowości. To jest uproszczenie, ale można to ująć w ten sposób, że jedna strona była emocjonalna, a druga praktyczna. Ale wszyscy mieli nadzieję osiągnąć coś uniwersalnie wartościowego, chociaż ich perspektywy były dość różne, a ich podejścia często diametralnie przeciwne.

László Moholy-Nagy- Unsere Grossen, 1927. © László Moholy-Nagy Foundation

Czarny i biały

Aż do niemalże śmierci, László Moholy-Nagy zdecydowanie stał po stronie artystów praktycznych. Jedna historia o nim twierdzi, że zbliżając się do śmierci, wyrzekł się swojego pogardy dla sztuki emocjonalnej i ogłosił znaczenie subiektywności. Ale kiedy był najbardziej wpływowy, gdy był w Bauhausie i zajmował się fotografią, był jednoznaczny jak mało kto. Jego sposób myślenia polegał na tym, że artyści powinni używać fotografii zgodnie z jej obiektywną funkcją jako medium. Ta funkcja, jak to ujął, to zdolność do przekazywania chiaroscuro.

Chiaroscuro to przedstawienie cech jasności i ciemności w malarstwie. Obrazy z ekstremalnymi różnicami między cieniem a światłem określane są jako zawierające wysoki stopień chiaroscuro. László Moholy-Nagy postrzegał fotografię jako medium przede wszystkim związane ze światłem, a zatem uważał ją za ostateczne medium do przedstawiania chiaroscuro. Uważał to za najwyższe wykorzystanie medium, a wiele jego najwcześniejszych abstrakcyjnych fotografii miało na celu czyste, formalne kompozycje bieli, czerni i odcieni szarości. Te obrazy stają się abstrakcyjne, gdy koncentrujemy się na chiaroscuro, ponieważ uznajemy, że obiekt fotografowany nie jest tematem, ale że tematem jest idea, w tym przypadku idea jasności i ciemności.

László Moholy-Nagy - Untitled, Photogram, Dessau, 1925-8. © László Moholy-Nagy Foundation

Mistyczny Przyziemny

Oprócz chiaroscuro, László Moholy-Nagy zidentyfikował także kilka innych unikalnych abstrakcyjnych cech, które uważał za inherentne dla fotografii, a które starał się wyrazić w swojej pracy. Jedną z nich jest zdolność do przekształcania czegoś zwykłego w coś magicznego poprzez manipulację elementami formalnymi, takimi jak ekspozycja i kompozycja. Wokół nas istnieją obrazy, które, gdybyśmy mogli je zobaczyć z pewnej perspektywy, docenilibyśmy ich surrealistyczne, marzycielskie, a nawet mistyczne właściwości estetyczne. Jednak nasze prawdziwe doświadczenie świata ogranicza naszą perspektywę i hamuje nas w wyborze tego, co widzimy i jak to widzimy.

Aparat fotograficzny z natury widzi rzeczywistość z edytowanego punktu widzenia. Może zatrzymać moment i wydłużyć go w czasie na zawsze. Fotografia wykorzystuje również fakt, że ludzki umysł instynktownie postrzega wszystko, co oko widzi na fotografii, jako rzeczywistość. Mimo że fotografia pokazuje nam tylko częściowy widok świata, który został zmanipulowany przez artystę, nasz umysł wciąż interpretuje to jako prawdę. Może to sprawić, że coś znajome wydaje się obce, lub odwrotnie, a to dziwne doświadczenie może stworzyć poczucie, że to, co widzimy, w jakiś sposób przekracza naturę.

László Moholy-Nagy - Portrait of a Child, 1928. © László Moholy-Nagy Foundation

Uważna Wielość

Inna potencjalnie abstrakcyjna cecha fotografii to zdolność artysty do wykorzystania medium do tworzenia mnożności. László Moholy-Nagy osiągnął mnożniki na różne sposoby w swoich fotografiach. Czasami naświetlał negatyw wielokrotnie, tworząc kompozycje, które zawierały jednoczesne różne perspektywy na jeden temat; podobnie jak obraz kubistyczny. Innym razem wykonał odbitkę, która przedstawiała mnożniki tego samego obrazu, co skutkowało dziwnymi kompozycjami powtarzających się identycznych obiektów.

Patrząc na te obrazy, nasz umysł zmaga się z identyfikacją tego, co powinien uznać za temat. Czy tematem jest rozpoznawalny obraz osoby lub obiektu? Czy powinniśmy zignorować fakt wielu obrazów lub wielu perspektyw? A może tematem jest idea powtarzalności? W rzeczywistości tematem jest fakt, że nie znamy tematu. To abstrakcyjna reprezentacja jeszcze nieznanego.

László Moholy-Nagy - The Law of Series, 1925. © László Moholy-Nagy Foundation

Prawda przez zniekształcenie

Perspektywa może być najpotężniejszym abstrakcyjnym narzędziem, jakim dysponuje fotograf. Zdjęcie pozwala całemu światu zobaczyć to, co widzi pojedynczy aparat. W pewnym sensie perspektywa zwiększa zdolność fotografii do ukazywania nam rzeczywistości. Na przykład, w swoim słynnym zdjęciu Balkony, Moholy-Nagy daje nam nową perspektywę na harmonijną kompozycję obiektów w rzeczywistym świecie, uchwycając geometryczną kompozycję architektury w świetle słonecznym. To jest wizualna prawda naszego uporządkowanego, geometrycznego środowiska, ponieważ nasz ograniczony wzrok nie pozwala nam tego zobaczyć.

W innym sensie perspektywa zwiększa zdolność fotografii do zniekształcania rzeczywistości. W swojej fotografii zatytułowanej Wieża Radiowa w Berlinie, Moholy-Nagy pokazuje nam punkt widzenia tak subiektywny, że jest niemal kiczowaty. To nasz świat, jakiego prawdopodobnie nigdy nie zobaczymy w rzeczywistości, ani nie musimy go widzieć. To rzeczywistość, ale nie nasza codzienna rzeczywistość. Możemy docenić fotografię wyłącznie według jej obiektywnego tematu, lub możemy docenić jej elementy kompozycyjne, oddzielone od jakiejkolwiek osobistej odpowiedzialności za treść. Lub możemy interpretować temat jako abstrakcyjną koncepcję naszej zwykłej niezdolności do dostrzegania szerszej perspektywy na nasz świat.

László Moholy-Nagy - Balconies (Left), and László Moholy-Nagy - Berlin Radio Tower (Right). © László Moholy-Nagy Foundation

Nowe sposoby widzenia

Wiele fotografii stworzonych przez László Moholy-Nagy wydaje się zniekształconych, zasłoniętych lub celowo zabstractowanych. Ale nie definiował ich według tych właściwości. Postrzegał aparat jako narzędzie, za pomocą którego można wyrazić podwyższoną, uniwersalną rzeczywistość. Aby jednak wyrazić tę podwyższoną rzeczywistość, wierzył, że aparat musi być używany „zgodnie z własnymi prawami i swoim charakterystycznym stylem.”

Zdefiniował charakterystyczny charakter fotografii jako coś jednocześnie obiektywnego i abstrakcyjnego. Fotografia uchwyca rzeczywistość, ale nie zawsze ogranicza swój temat do rzeczywistości, którą uchwyca. Zamiast tego, temat krąży wokół pojęć lekkości i ciemności, tajemnicy perspektywy, zdolności do zatrzymywania ruchu oraz mocy wydłużania czasu. Poprzez swoją pracę, Moholy-Nagy pokazał, jak abstrakcyjne fotografie nie są koniecznie zniekształceniami, ale raczej w rękach wizjonerskiego artysty mogą być, "Zaproszeniem do ponownej oceny naszego sposobu patrzenia."

Obraz wyróżniający: László Moholy-Nagy - Kompozycja Z VIII, 1924. © Fundacja László Moholy-Nagy
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio