Abstrakcja w fotografii László Moholy-Nagy

Dziś fotografia jest wszechobecna. Aparaty są wbudowane w miliardy urządzeń elektronicznych i trudno wyobrazić sobie jakikolwiek temat, który nie zostałby dokładnie zbadany do znudzenia na fotografiach. Ale jaki jest status fotografii jako sztuki abstrakcyjnej? W 1925 roku węgierski artysta i profesor Bauhausu László Moholy-Nagy narzekał, że choć fotografia istniała już ponad 100 lat, artyści używali jej głównie do reprodukcji rzeczywistości. Powiedział: „całkowity dotychczasowy wynik to niewiele więcej niż wizualne encyklopedyczne osiągnięcie.” Nazwał większość fotografii niczym innym jak „zatrzymanym momentem z ruchomego widowiska.” Teraz, prawie 100 lat później, wciąż głównie używamy fotografii do reprodukcji, a nie tworzenia. W swojej przełomowej książce Malarstwo, Fotografia, Film Moholy-Nagy rozważał długo liczne inne możliwości, jakie fotografia mogłaby obiecać artystom gotowym podążać za jej abstrakcyjnym potencjałem. Najważniejszą z tych możliwości, według niego, była zdolność fotografii do tworzenia „nowych związków między znanym a jeszcze nieznanym.” Moholy-Nagy wierzył, że jesteśmy najlepsi, gdy wszystkie nasze systemy biologiczne działają w syntezie ze sobą, a integralną częścią tego stanu pełnej funkcjonalności jest włączanie regularnego przepływu nowych doznań. Dla artystów oznacza to, że największym wkładem, jaki można wnieść dla podniesienia rasy ludzkiej, jest oferowanie nowych doświadczeń zmysłowych; nie przez proste naśladowanie lub fotografowanie tego, co już istnieje, lecz przez przedstawianie perspektyw, jak widzieć świat na nowo.

Osobiste i uniwersalne

Sztuka nie jest tematem łatwym do uogólniania, ponieważ niemal każdy artysta dąży do oryginalności. Poza tymi momentami, gdy grupa artystów podpisuje manifest opisujący dokładnie, co robią, niemal niemożliwe jest wrzucenie artystów do jednego nurtu czy określonego punktu widzenia. Niemniej jednak czasem można powiedzieć, że pewna wspólna tendencja była lub jest przyjmowana przez określoną grupę artystów i mówić ogólnie o tym, czym ta tendencja zdaje się być. (Jeśli brzmi to jak zastrzeżenie, to dlatego, że takie jest.) Dwie z najczęściej uogólnianych tendencji w sztuce abstrakcyjnej to skłonność do wyrażeń estetycznych osobistych oraz skłonność do wyrażeń estetycznych uniwersalnych.

Wyrażenia osobiste są zazwyczaj nieco subiektywne lub niejednoznaczne; wyrażenia uniwersalne są zazwyczaj obiektywne lub jednoznaczne. Te dwie tendencje przejawiały się wyraźnie u wielu wczesnych modernistycznych artystów abstrakcyjnych. Z jednej strony byli artyści tacy jak Kazimir Malewicz i Piet Mondrian, którzy wyznawali geometryczną, obiektywną wrażliwość. Z drugiej strony byli artyści tacy jak Wassily Kandinsky i Paul Klee, którzy starali się wyrazić swoją osobistą duchową poszukiwawczość. To uproszczenie, ale można to ująć tak, że jedna strona była emocjonalna, a druga praktyczna. Jednak wszyscy mieli nadzieję osiągnąć coś uniwersalnie wartościowego, choć ich perspektywy były bardzo różne, a podejścia często diametralnie przeciwne.

László Moholy-Nagy - Unsere Grossen, 1927. © Fundacja László Moholy-Nagy

Czerń i biel

Aż do niemal łożyska śmierci László Moholy-Nagy stał zdecydowanie po stronie praktycznych artystów. Jedna z opowieści o nim mówi, że zbliżając się do śmierci wyrzekł się pogardy dla sztuki emocjonalnej i ogłosił znaczenie subiektywności. Jednak gdy był najbardziej wpływowy, podczas pracy w Bauhausie i zajmowania się fotografią, był jednoznaczny jak mało kto. Jego sposób myślenia był taki, że artyści powinni używać fotografii zgodnie z jej obiektywną funkcją jako medium. Ta funkcja, jak to ujął, to zdolność do przekazywania światłocienia.

Światłocień to przedstawienie cech jasności i ciemności w obrazie. Obrazy z wyraźnymi różnicami między cieniem a światłem mają wysoki stopień światłocienia. László Moholy-Nagy postrzegał fotografię jako medium przede wszystkim zajmujące się światłem, dlatego uważał ją za najwyższe medium do przedstawiania światłocienia. Widząc to jako najwyższe zastosowanie medium, wiele jego najwcześniejszych abstrakcyjnych fotografii miało być czystymi, formalnymi kompozycjami bieli, czerni i odcieni szarości. Te obrazy stają się abstrakcyjne, gdy skupiamy się na światłocieniu, ponieważ uznajemy, że fotografowany obiekt nie jest tematem, lecz tematem jest idea, w tym przypadku idea jasności i ciemności.

László Moholy-Nagy - Bez tytułu, fotogram, Dessau, 1925-8. © Fundacja László Moholy-Nagy

Mistyczna codzienność

Oprócz światłocienia László Moholy-Nagy wskazał także kilka innych unikalnych abstrakcyjnych cech, które uważał za nieodłączne dla fotografii, a które starał się wyrazić w swojej twórczości. Jedną z nich jest zdolność przemiany czegoś zwyczajnego w coś magicznego poprzez manipulację formalnymi elementami, takimi jak naświetlenie i kompozycja. Wokół nas istnieją obrazy, które, gdybyśmy mogli zobaczyć je z pewnej perspektywy, docenilibyśmy ich surrealistyczne, senne, a nawet mistyczne właściwości estetyczne. Jednak nasze prawdziwe doświadczenie świata ogranicza naszą perspektywę i powstrzymuje nas przed wyborem tego, co widzimy i jak to widzimy.

Aparat z natury widzi rzeczywistość z wyselekcjonowanego punktu widzenia. Może zatrzymać moment i rozciągnąć go na zawsze w czasie. Fotografia wykorzystuje także fakt, że ludzki umysł instynktownie postrzega wszystko, co oko widzi na fotografii, jako rzeczywistość. Mimo że fotografia pokazuje nam tylko częściowy widok świata, który został zmanipulowany przez artystę, nasz umysł nadal interpretuje go jako prawdziwy. To może sprawić, że coś znajomego wyda się obce, lub odwrotnie, a to niepokojące doświadczenie może stworzyć poczucie, że to, co widzimy, w jakiś sposób przekracza naturalne.

László Moholy-Nagy - Portret dziecka, 1928. © Fundacja László Moholy-Nagy

Świadoma wielość

Kolejną potencjalnie abstrakcyjną cechą fotografii jest zdolność artysty do użycia medium do tworzenia wielości. László Moholy-Nagy osiągał wielokrotności na różne sposoby w swoich fotografiach. Czasem naświetlał negatyw wielokrotnie, tworząc kompozycje zawierające jednocześnie różne perspektywy na jeden temat; podobnie jak obraz kubistyczny. Innym razem robił odbitkę z wielokrotnym powtórzeniem tego samego obrazu, co skutkowało dziwnymi kompozycjami powtarzających się identycznych obiektów.

Patrząc na te obrazy, nasz umysł zmaga się z określeniem, co powinien uznać za temat. Czy tematem jest rozpoznawalny obraz osoby lub przedmiotu? Czy powinniśmy zignorować fakt wielokrotnych obrazów lub wielokrotnych perspektyw? A może tematem jest idea powtarzalności? W rzeczywistości tematem jest fakt, że nie znamy tematu. To abstrakcyjne przedstawienie jeszcze nieznanego.

László Moholy-Nagy - Prawo serii, 1925. © Fundacja László Moholy-Nagy

Prawda przez zniekształcenie

Perspektywa może być najpotężniejszym abstrakcyjnym narzędziem, jakim dysponuje fotograf. Fotografia pozwala całemu światu zobaczyć to, co widzi pojedynczy aparat. W pewnym sensie perspektywa wzmacnia zdolność fotografii do ukazywania nam rzeczywistości. Na przykład w słynnej fotografii Balkony Moholy-Nagy daje nam nową perspektywę na harmonijną kompozycję obiektów w rzeczywistym świecie, uchwycając geometryczną kompozycję architektury w świetle słonecznym. To wizualna prawda naszego uporządkowanego, geometrycznego otoczenia, której nasze ograniczone widzenie nie pozwala nam dostrzec.

W innym sensie perspektywa wzmacnia zdolność fotografii do zniekształcania rzeczywistości. W swojej fotografii zatytułowanej Berlińska Wieża Radiowa Moholy-Nagy pokazuje punkt widzenia tak subiektywny, że jest niemal kiczowaty. To nasz świat, jakiego prawdopodobnie nigdy nie zobaczymy w rzeczywistości ani nie będziemy musieli zobaczyć. To jest rzeczywistość, ale nie nasza codzienna rzeczywistość. Możemy docenić fotografię wyłącznie według jej obiektywnego tematu, albo docenić jej elementy kompozycyjne, oderwane od jakiejkolwiek osobistej odpowiedzialności za treść. Albo możemy interpretować temat jako abstrakcyjną ideę naszej zwykłej niezdolności do dostrzeżenia szerszej perspektywy naszego świata.

László Moholy-Nagy - Balkony (po lewej), oraz László Moholy-Nagy - Berlińska Wieża Radiowa (po prawej). © Fundacja László Moholy-Nagy

Nowe sposoby widzenia

Wiele fotografii stworzonych przez László Moholy-Nagy wydaje się zniekształconych, zamazanych lub celowo abstrakcyjnych. Ale on nie definiował ich przez pryzmat tych cech. Postrzegał aparat jako narzędzie, przez które można wyrazić podwyższoną, uniwersalną rzeczywistość. Jednak aby wyrazić tę podwyższoną rzeczywistość, uważał, że aparat musi być używany „zgodnie z jego własnymi prawami i charakterystycznym dla niego charakterem.”

Zdefiniował charakterystyczny dla fotografii charakter jako coś jednocześnie obiektywnego i abstrakcyjnego. Fotografia uchwyca rzeczywistość, ale nie zawsze ogranicza swój temat do rzeczywistości, którą rejestruje. Zamiast tego temat obraca się wokół pojęć jasności i ciemności, tajemnicy perspektywy, zdolności zatrzymania ruchu i mocy rozciągnięcia czasu. Poprzez swoją twórczość Moholy-Nagy pokazał, że abstrakcyjne fotografie nie są koniecznie zniekształceniami, lecz w rękach wizjonerskiego artysty mogą być „zaproszeniem do ponownej oceny naszego sposobu widzenia.”

Zdjęcie wyróżnione: László Moholy-Nagy - Kompozycja Z VIII, 1924. © Fundacja László Moholy-Nagy
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio