Jean Tinguely i jego metamechanika

Każdy z nas ma swoją unikalną relację z maszynami. Niektórzy odnoszą się do nich z wdzięcznością, radośnie polegając na ich wydajnych, praktycznych usługach. Inni korzystają z nich tylko niechętnie, gdy nie mają innego wyboru. Szwajcarski artysta Jean Tinguely poświęcił całą swoją karierę badaniu pojęcia maszyn jako rzeźby. Tworzył abstrakcyjne mechaniczne urządzenia, z którymi zapraszał widzów do interakcji na poziomie estetycznym i doświadczalnym. Nazwał swoje dzieła Metamechaniką, gdzie „Meta” pochodzi z greki i odnosi się do czegoś samoodniesionego. Tworząc maszyny, które nie miały na celu wykonywania pracy, produkcji wyrobów ani żadnej praktycznej funkcji, poszerzył definicję rzeźby i dał widzom szansę na nową interpretację epoki maszyn z czysto estetycznego punktu widzenia.

Oderwane Elementy

rzeźby Tinguely’ego powstały w latach 50. XX wieku i były prostymi kinetycznymi reliefami przeznaczonymi do zawieszenia na ścianie. Wykonane były z cienkich drutów i obracających się kół zębatych. Ich prostota odzwierciedlała wysiłki Tinguely’ego, by rozłożyć maszyny na elementy składowe. Szkice, które tworzył w tym czasie, niektóre znajdujące się w zbiorach Muzeum Tinguely w Bazylei w Szwajcarii, ukazują przebłysk jego procesu myślowego. Izolował elementy mechaniczne i upraszczał je, podobnie jak malarze abstrakcyjni izolują formalne elementy takie jak kolor, linia, powierzchnia, płaszczyzna i forma.

Jean Tinguely - Model do animowanej ściany - Szkic funkcji i ruchów - ok. 1954

Następnie dodał do swoich reliefów elementy, które komplikowały ich znaczenie i funkcjonalność. W serii prac nazwanej Élément Détaché wycinał abstrakcyjne kształty z Pavatex, przemysłowego produktu z włókien drzewnych, następnie malował je i przytwierdzał jeden do środka każdego koła zębatego dzieła. Gdy dzieło było poruszane, dotykane lub w inny sposób angażowane, stawało się kinetyczne, ponieważ abstrakcyjne, malowane kształty poruszały się na kołach zębatych.

Jean Tinguely - Élément Détaché I, Relief méta-mécanique, 1954, 81 x 131 x 35,5 cm. © Jean Tinguely

Narodziny Méta-Mécanique

Tinguely szybko podniósł swoje proste dzieła na wyższy poziom, dodając wiele funkcji i mechanicznych elementów oraz przenosząc je ze ściany do przestrzeni trójwymiarowej. Pozostawiał maszyny w stanie niedoskonałości, co pozwalało na ich łatwą przemianę pod wpływem różnych bodźców. Często umieszczał w maszynach obrazy nawiązujące do innych artystów i używał ich nazwisk w tytułach dzieł. Na przykład jego relief ścienny Meta-Kandinsky, zawierający obrazy odnoszące się do abstrakcyjnych obrazów Wassily’ego Kandinsky’ego, oraz rzeźba Méta-Mécanique Méta-Herbin, nawiązująca do abstrakcyjnych geometrycznych obrazów Auguste Herbina.

Wczesne metamechaniczne dzieła Jeana Tinguely’ego miały wiele wspólnego z pracami innych artystów kinetycznych, takich jak Alexander Calder. Jednak szybko i gwałtownie rozszerzył zakres swoich dzieł, wprowadzając je w sferę konceptualną. Doskonałym przykładem jest Frigo Duchamp, stworzony w 1960 roku. Do tego dzieła Tinguely zainstalował silnik elektryczny, syrenę powietrzną i silnik elektryczny 110V w brzuchu lodówki Frigidaire. Tytuł może na pierwszy rzut oka wydawać się odniesieniem do dadaizmu, ale prostsze wyjaśnienie wynika z faktu, że lodówka była faktycznie prezentem od Duchampa dla Tinguely’ego.

Jean Tinguely - Metamechanika, 1954-59 © Jean Tinguely

Jean Tinguely i Nowy Realizm

Tinguely był jednym z artystów, którzy podpisali manifest Nowego Realizmu w 1960 roku. Ten ruch, współzałożony przez artystę konceptualnego Yvesa Kleina, poświęcony był badaniu „nowych sposobów postrzegania rzeczywistości.” Dla większości ludzi w tamtym czasie rzeczywistość była zdominowana przez gwałtowne zmiany, takie jak globalny postęp technologiczny, rosnące nierówności społeczne, szybko rozrastające się miasta, masowy transport oraz ciągłe widmo wojny i nuklearnej zagłady. Maszyny były sercem każdej z tych przemian.

Konceptualny wkład Tinguely’ego w nowy realizm polegał na tworzeniu sztuki, która starała się poruszyć cel i funkcję maszyn. Jak mówił Tinguely, „Sztuka to zniekształcenie nie do zniesienia rzeczywistości... Sztuka to korekta, modyfikacja sytuacji.” Budował mechaniczne dzieła wykonane głównie z odpadów społecznych, które nie pełniły żadnej praktycznej funkcji. Te bezużyteczne, abstrakcyjne dzieła były samoodniesione, często straszliwie zdeformowane i podatne na awarie. W rozumieniu świata mechaniki były przeciwieństwem maszyn.

Jean Tinguely - zachowany fragment zniszczonej rzeźby. © Jean Tinguely

Sztuka Samozniszczenia

Również w 1960 roku, w tym samym roku, w którym Jean Tinguely podpisał manifest Nowego Realizmu, stworzył swoje najsłynniejsze dzieło, happening z monumentalną rzeźbą samozniszczającą się zatytułowaną Hołd dla Nowego Jorku. Na tę okazję Tinguely zbudował ogromną metamechaniczną rzeźbę na miejscu w ogrodzie rzeźb Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Rzeźba była składanką z opon rowerowych, kół zębatych, elektroniki, silników i złomowanych części maszyn. Współpracujący artyści Billy Klüver i Robert Rauschenberg również wnieśli elementy do happeningu, takie jak pomocnicza maszyna wyrzucająca pieniądze w tłum.

Przez 27 minut Hołd dla Nowego Jorku turkotał i brzęczał, aż w końcu zaczął dymić i zapalił się. Gdy ogień i zniszczenie pochłaniały dzieło, widzowie byli zaproszeni do zbierania tlących się fragmentów na pamiątkę. Straż pożarna została wezwana, by ugasić pożar, a większość pozostałych części została wyrzucona. Zachowało się tylko kilka fragmentów maszyny.

Przez kolejne trzy dekady Tinguely zdobywał sławę dzięki serii monumentalnych abstrakcyjnych, publicznych dzieł metamechanicznych. Pierwsze, stworzone w Zurychu w 1964 roku, było ogromną, bezcelową maszyną nazwaną Heureka, od greckiego „eureka”, oznaczającego „Znalazłem to.” W 1970 roku Tinguely stworzył jeszcze większą rzeźbę wewnętrzną w Columbus w Indianie, nazwaną Chaos I, wykonaną całkowicie z lokalnego metalu, części nowego, części złomu. Chaos I zaprojektowano tak, by przez większość czasu działał cicho, a od czasu do czasu wybuchał głośnymi, kakofonicznymi dźwiękami.

Jean Tinguely - Chaos 1 (1974)

Poza Bezcelowością

W połowie lat 60. Tinguely rozpoczął twórczą współpracę z kobietą, która ostatecznie została jego żoną, rzeźbiarką Niki de Saint Phalle. Podobnie jak Tinguely, Saint Phalle tworzyła prace wysoce konceptualne, choć mniej abstrakcyjne i bardziej społecznie zaangażowane. Zainspirowany Saint Phalle, Tinguely zaczął tworzyć dzieła o subtelnie odmiennych cechach. Stworzył serię fontann, które były zdecydowanie funkcjonalne, co stanowiło konceptualne odejście od bezcelowości jego wcześniejszych prac. Jego najsłynniejsza fontanna, powstała we współpracy z Saint Phalle, to Fontanna Strawińskiego przed Centrum Pompidou w Paryżu.

W latach 80. Tinguely stworzył kilka głęboko osobistych, emocjonalnych dzieł. Powstały prace nazwane na cześć filozofów, którzy na niego wpłynęli. Po tragicznym pożarze na sąsiedniej farmie, ponuro zebrał pozostałości po zdarzeniu, tworząc instalację upamiętniającą zatytułowaną Mengele - Totentanz, od nazwy wyrytej na jednej z maszyn do przetwarzania kukurydzy zniszczonych w pożarze. Jednym z najbardziej poruszających pomników Tinguely’ego jest Ostatnia współpraca z Yves Kleinem, o której pisał IdeelArt podczas wystawy w Fundacji Venet we wrześniu 2015 roku.

Chociaż te instalacje upamiętniające i fontanny zawierały tę samą mechaniczną naturę i abstrakcyjny język wizualny co jego wcześniejsze prace, ich tytuły, tematyka i funkcja znacznie wpływały na odbiór znaczenia przez widza, czyniąc je znacznie mniej abstrakcyjnymi. Gdy abstrakcja ustępowała miejsca znaczeniu, a bezcelowość użyteczności, Tinguely nie porzucił swojego wielkiego pomysłu; go zrealizował. Zdefiniował na nowo rolę maszyn w kulturze. Określił je jako narzędzia estetyczne, które pomagają ludziom wykonywać być może ich najważniejsze zadanie — komunikować się nawzajem treści swoich serc.

Echa Maszyny: Duch Tinguely'ego w IdeelArt

Choć zmotoryzowane, samozniszczające się rzeźby Jeana Tinguely’ego są wyjątkowe w historii sztuki, filozoficzne nurty, które zapoczątkował, nadal rezonują we współczesnej praktyce. W IdeelArt żaden pojedynczy artysta nie powiela dosłownych mechanizmów Tinguely’ego, jednak kilku można uznać za duchowych spadkobierców konkretnych aspektów jego radykalnego dziedzictwa — od kinetycznej energii mobilu po surowe piękno przemysłowej rozkładu.

Amaury Maillet: Kinetyczne powiązanie. „Métamatics” i zmotoryzowane reliefy Tinguely’ego zrewolucjonizowały ideę, że sztuka może się poruszać. W cichszym, bardziej naturalnym tonie, Amaury Maillet podnosi tę kinetyczną pochodnię. Jego mobilne rzeźby, wyważone z matematyczną precyzją, opierają się na wietrze, a nie na silnikach, lecz dzielą z Tinguelym fundamentalne przekonanie, że dzieło sztuki nie jest statycznym obiektem, lecz żywym przedstawieniem ruchu w przestrzeni. Tam, gdzie Tinguely akceptował stukot maszyny, Maillet poszukuje cichego rytmu bryzy, dowodząc, że język kinetyzmu jest na tyle szeroki, by pomieścić zarówno chaos, jak i wdzięk.

Tommaso Fattovich: Energia „Abstrakcyjnego Punka”. Słynne samozniszczające się maszyny Tinguely’ego, takie jak Hołd dla Nowego Jorku, były aktami gwałtownego, twórczego zniszczenia — postawą „punka” na długo przed powstaniem tego terminu. Ta surowa, buntownicza energia znajduje współczesny odpowiednik w twórczości Tommaso Fattovich. Opisując swój styl jako „Abstrakcyjny Punk”, Fattovich atakuje płótno kielniami i szorstkimi narzędziami, tworząc powierzchnie przypominające wykopaliska z „zniszczonego surrealistycznego środowiska”. Tak jak Tinguely dostrzegał piękno w rozpadzie maszyny, tak Fattovich odnajduje potężną estetykę w gruzach malarskiej powierzchni, kanałując podobnego ducha konstruktywnej anarchii.

Manuela Karin Knaut: Piękno porzuconego. Centralnym elementem Nowego Realizmu Tinguely’ego było wyniesienie „śmieci” — złomu, starych kół i odpadów znalezionych na wysypisku. Manuela Karin Knaut kontynuuje tę rozmowę z „opuszczonym”. Jej obrazy mieszane integrują codzienne odpady — klej, tkaniny, skrawki i zdjęcia — tworząc fakturowane powierzchnie naśladujące zniszczone, niedoskonałe ściany miejskiego krajobrazu. Podobnie jak Tinguely, odrzuca nienaganne wykończenie tradycyjnej sztuki pięknej, preferując „zużytą” autentyczność materiałów, które noszą blizny i historie swoich poprzednich żyć.

Pierre Auville: Ciężarowiec przemysłowy. Medium Tinguely’ego stanowiły ciężkie materiały epoki przemysłowej: żelazo, stal i silniki. To fascynacja „ciężarem” nowoczesnego świata rezonuje w twórczości Pierre Auville, który rezygnuje z płótna na rzecz cementu budowlanego, betonu i stali na panelach z pianki. Jego brutalistyczne, skoncentrowane na materiale podejście oddaje hołd surowym substancjom przemysłu. Tak jak rzeźby Tinguely’ego narzucały swoją fizyczną obecność widzowi poprzez samą mechaniczną obecność, tak dzieła Auville’a manifestują się przez bezkompromisową gęstość i fakturę materiałów, które budują nasze miasta.

Zdjęcie główne: Jean Tinguely - Meta-Kandinsky, 1956, relief ścienny (po lewej) oraz jego metamechaniczne dzieło Méta-Herbin, 1955 (po prawej). © Jean Tinguely
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio (2016) Redakcja: Francis Berthomier (2025).

Powiązane dzieła sztuki