Elementy Abstrakcji - Elizabeth Gourlay w Wywiadzie

Elizabeth Gourlay uważa swoją twórczość za medytację nad kształtami i kolorami, czasami porównując praktykę pracy w pracowni do procesu komponowania muzyki. Wykorzystując różnorodne media, od farb olejnych przez grafit po kolaż, Gourlay tworzy abstrakcyjne kompozycje odwołujące się do słownika estetycznego, doskonale wyważonego między naturą a geometrią. Mieszkająca w Chester w stanie Connecticut Gourlay prezentuje w tym miesiącu swoje prace na czterech wystawach zbiorowych w Nowym Jorku, Connecticut i Massachusetts. IdeelArt miało okazję porozmawiać z nią o jej praktyce, kalendarzu wystaw i nowym cyklu prac.

Wywiad z Elizabeth Gourlay - ostatnie wystawy i aktywności

IdeelArt: Ma pani bardzo intensywny miesiąc! W tym miesiącu bierze pani udział w czterech wystawach zbiorowych w czterech różnych miastach. Kiedy znajduje się pani w takiej sytuacji, gdy wielu różnych widzów ma okazję zetknąć się z pani pracami, czy nadal znajduje pani czas na aktywną pracę w pracowni, czy woli przebywać w galeriach, rozmawiać z widzami i obserwować ich reakcje na pani twórczość?

Elizabeth Gourlay: To pierwszy raz, kiedy mam tak wiele wydarzeń jednocześnie. To ekscytujące, ale jestem przyzwyczajona do poświęcania wystawom indywidualnym całej swojej uwagi, a teraz musiałam opuścić jeden wernisaż, aby uczestniczyć w innym. Kiedy jednak prace zostaną dostarczone, czas znów należy do mnie. Choć bardzo nie mogę się doczekać powrotu do pracowni nawet po krótkim okresie aktywności, który mnie od niej odciąga, lubię też kontakty w galerii, rozmowy z innymi artystami i przyjaciółmi podczas wernisaży oraz innych wydarzeń galeryjnych. Sztuka abstrakcyjna jest językiem, a rozmowy z widzami, szczególnie z artystami i przyjaciółmi podczas wydarzeń, budują poczucie odporności w nowych formach ekspresji, które odkrywamy.

IA: W tym miesiącu pokazuje pani prace w idyllicznych, wiejskich miejscach, takich jak The Tremaine Gallery w Lakeville w stanie Connecticut, a także w gęsto zaludnionych ośrodkach miejskich, takich jak 1285 Avenue of the Americas Gallery na Midtown Manhattan. W jaki sposób widzowie w tak bardzo różnych środowiskach odmiennie reagowali na pani twórczość?

E.G. W obu przypadkach publiczność była wizualnie wyrobiona i wydawała się zaangażowana oraz pozytywnie nastawiona. W Nowym Jorku ludzie na ogół byli bardziej rozmowni, chętniej zadawali pytania i wyrażali opinie. Wydaje mi się, że nowojorscy widzowie mieli tendencję do podchodzenia bliżej prac!

IA: W jaki sposób rozmowy lub inne rodzaje kontaktu z widzami wpłynęły na kierunek pani praktyki artystycznej?

E.G. Staram się nie ulegać wpływom reakcji widzów, choć nieuchronnie, jeśli odbiór nowego kierunku, który mnie ekscytuje, jest pozytywny, skłania mnie to do dalszego podążania tą drogą. Zawsze interesujące jest doświadczanie różnic zdań oraz obserwowanie, jak i dlaczego ludzi przyciągają różne prace.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypia na papierze. 40.6 x 38.1 cm.

Przeszłość i teraźniejszość

IA: Czym prace, które tworzy pani dzisiaj, różnią się od prac powstałych wcześniej? 

E.G. Moje prace, mniej więcej od 1994 roku, bardzo często opierały się na siatce i miały kwadratowy format. Powstawały warstwami laserunków i rysowanych linii. Około 2005 roku zaczęłam eksperymentować ze znacznie odważniejszymi geometrycznymi kształtami i nasyconym kolorem. Od tamtej pory przechodzę tam i z powrotem między odważnymi, wyrazistymi kształtami i kolorami a pracami bardziej delikatnymi i stonowanymi, czasami łącząc oba podejścia. Prace często zaczynają się w podobny sposób, ale mogą zakończyć się zupełnie inaczej. Prawdopodobnie największą zmianą jest swoboda, na jaką pozwalam sobie w procesie tworzenia.

IA: Czasami wspomina pani o medytacji, omawiając swoją twórczość. Czy mogłaby pani wyjaśnić, co to słowo oznacza w odniesieniu do pani sztuki? Na przykład, czy uważa pani proces tworzenia za medytacyjny? Czy uważa pani, że ukończona praca może być dla widzów potencjalnym pośrednikiem medytacji? 

E.G. Uważam, że sam proces ma charakter medytacyjny. Staram się nie przynosić do pracowni zbyt wielu pomysłów, może jedynie pomysł na kolor albo kształt. Kiedy zaczynam pracę, pozwalam wewnętrznemu oku, nieświadomemu umysłowi, reagować na dzieło i prowadzić mnie ku uchwyceniu nieuchwytnego elementu mentalnego, który może być odległy, a jednocześnie tak obecny. Zwykle najlepsze prace powstają wtedy, gdy moje myśli nie są niczym obciążone, gdy jestem zestrojona z dziełem. Czy rysuję bezpośrednio, czy nakładam warstwy laserunków, czerpię przyjemność z pozwalania, by praca się wyłoniła. Nie potrafię ująć tego lepiej niż Paul Klee, który powiedział: „moja ręka jest całkowicie instrumentem bardziej odległej sfery”. Nie pracuję z zamiarem stworzenia czegoś z myślą o doświadczeniu innej osoby, ale pozostaję otwarta na jej reakcję i interpretację. Ludzie, którzy żyją z moimi pracami, często mówią, że patrzenie na nie daje im spokój, spokojną radość albo że dzieło działa na nich uziemiająco. Jestem więc pewna, że postrzeganie ukończonych prac jako medytacyjnego pośrednika jest w pełni uzasadnione, ale ocenę pozostawię tym, którzy żyją z tymi dziełami, oraz ekspertom w dziedzinie umysłu i medytacji. Jeśli ikona, czyli medytacyjny pośrednik, jest obiektem dającym spokojną radość lub ugruntowujący spokój, to tak - często słyszę, że moje prace wywołują takie efekty.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypia na papierze. 38.1 x 40.6 cm.

O procesie

IA: Wassily Kandinsky pisał o muzyce i jej zdolności do przekazywania emocji na poziomie abstrakcyjnym. Pani również dostrzega związki między muzyką a swoją twórczością. Jeden z nich polega na tym, że pani wizualny słownik linii i kolorów można interpretować jako nawiązanie do skal muzycznych. W jaki jeszcze sposób pani proces twórczy lub dzieła sztuki mają cechy wspólne z komponowaniem muzyki?      

EG: Nie myślę świadomie o muzyce ani komponowaniu muzyki. Jednak liczba osób, które dostrzegają ten związek, jest tak duża, że musi być coś w tej analogii. Często słucham muzyki podczas pracy, a jako dziecko uczyłam się grać na pianinie, więc może to wpływać na moją twórczość. W pewnym sensie „komponuję” w sposób, który może przypominać komponowanie muzyki, szczególnie w procesie operowania pasami, liniami i blokami koloru. Przesuwanie ich po płaszczyźnie obrazu jest bardzo podobne do rozmieszczania nut i akordów w różnych miejscach partytury. 

IA: Proszę opowiedzieć nieco o swoim procesie, a konkretnie o relacji z kolażem. Na przykład, w jaki sposób proces nakładania warstw papieru w pani twórczości wpływa na panią inaczej niż proces malowania? 

EG: Najczęściej mój proces malarski, czy pracuję na papierze, czy na płótnie lnianym, jest bardzo bezpośredni. Zazwyczaj zaczynam od rysowania linii, następnie nakładam laserunki koloru, a potem elementy kształtów. Staram się zaskakiwać samą siebie mocnym, nieoczekiwanym kształtem albo kolorem spoza mojej zwykłej palety. Przesuwam je, próbując osiągnąć równowagę między kolorem a formą. Ten etap przypomina trwający taniec, w którym formalizm na chwilę się zakrada, a ja próbuję mu się przeciwstawić. Decyzje o tym, czy uwzględnić powstałe odważne ingerencje, czy nie, tworzą rodzaj dynamiki, która może utrzymywać moje zaangażowanie w pracę przez całe tygodnie. Prace kolażowe zaczynają się od zabawy kolorem, barwienia krawędzi tuszem i rysowania linii na japońskim papierze, a następnie cięcia go na paski. Starannie przyklejam je do płótna lub lnu, ale bez z góry założonej kompozycji czy struktury. W miarę rozwoju pracy zaczynam ją analizować, pozwalając redaktorowi wrócić do pokoju, aby korygować kolor lub kształt, aż dzieło wyda się właściwe.   

Zdjęcie główne: Elizabeth Gourlay w pracowni 

Autor: redakcja IdeelArt

Źródła

• Elizabeth Gourlay: kolorystka z Connecticut, Two Coats of Paint: Niezależny profil potwierdzający jej związek z Connecticut, praktykę skoncentrowaną na kolorze oraz wykorzystanie kolażu, gwaszu i monotypii.
• Malarz muzyczny: Paul Klee, The Sublime Blog: Informacje o muzycznym wychowaniu Klee i cytowanym przez niego zdaniu o dłoni będącej narzędziem odległej sfery.
• Kandinsky, O duchowości w sztuce (tekst Wabash College): Udostępniony tekst książki Kandinsky’ego, w której kolor zostaje porównany do klawiatury, a dusza do instrumentu, na którym gra artysta.