Elementy Abstrakcji - Elizabeth Gourlay w Wywiadzie

Elizabeth Gourlay uważa swoją twórczość za medytację nad kształtami i kolorami, czasem porównując swoją pracownię do procesu komponowania muzyki. Korzystając z mieszanki technik, od olejów po grafit i kolaż, Gourlay tworzy abstrakcyjne kompozycje, które odwołują się do estetycznego słownictwa doskonale wyważonego między naturą a geometrią. Mieszkanka Chester w stanie Connecticut, Gourlay ma prace na czterech wystawach zbiorowych w tym miesiącu, w Nowym Jorku, Connecticut i Massachusetts. IdeelArt miało okazję porozmawiać z nią o jej praktyce, kalendarzu wystaw i nowym cyklu prac.

Wywiad z Elizabeth Gourlay – Ostatnie wystawy i działalność

IdeelArt: Masz bardzo pracowity miesiąc! W tym miesiącu bierzesz udział w czterech wystawach zbiorowych w czterech różnych miastach. Kiedy masz taki czas, gdy wielu różnych widzów ma okazję zetknąć się z twoją twórczością, czy nadal znajdujesz czas, by być aktywna w pracowni, czy wolisz być w galeriach, rozmawiać z widzami i chłonąć ich reakcje na twoje prace?

Elizabeth Gourlay: To pierwszy raz, gdy mam tyle aktywności naraz. To ekscytujące, ale jestem tak przyzwyczajona do poświęcania indywidualnym wystawom całkowitej uwagi, że teraz musiałam opuścić jedno otwarcie, by być na innym. Jednak gdy prace zostaną dostarczone, czas staje się mój. Choć bardzo chętnie wracam do pracowni nawet po krótkim okresie zajęć poza nią, to także cenię sobie interakcje w galerii, rozmowy z innymi artystami i przyjaciółmi podczas wernisaży i innych wydarzeń. Sztuka abstrakcyjna to język, a rozmowy z widzami, zwłaszcza artystami i przyjaciółmi podczas wydarzeń, budują poczucie odporności w nowych wyrażeniach, które odkrywamy.

IA: Masz wystawy w tym miesiącu w idyllicznych, wiejskich miejscach, takich jak The Tremaine Gallery w Lakeville, CT, a także w gęsto zaludnionych centrach miejskich, jak galeria 1285 Avenue of the Americas w Midtown Manhattan. W jaki sposób widzowie w tak różnych środowiskach reagowali inaczej na twoje prace?

E.G. W obu przypadkach publiczność była wizualnie wyrafinowana i wydawała się zaangażowana oraz pozytywna. W Nowym Jorku byli zazwyczaj bardziej rozmowni, chętniej zadawali pytania i wyrażali opinie. Myślę, że widzowie w Nowym Jorku mieli tendencję do przyglądania się pracom z bliska!

IA: W jaki sposób rozmowy lub inne formy interakcji z widzami wpłynęły na kierunek twojej twórczości?

E.G. Staram się nie dawać się zbytnio wpływać reakcjom widzów, choć nieuchronnie, jeśli odpowiedź jest pozytywna wobec nowego kierunku, który mnie ekscytuje, to skłania mnie to do dalszego eksplorowania tej drogi. Zawsze interesujące jest doświadczyć różnicy zdań i zrozumieć, dlaczego ludzie są przyciągani do różnych prac.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypia na papierze. 40,6 x 38,1 cm.

Przeszłość i teraźniejszość

IA: Czym różni się praca, którą tworzysz dzisiaj, od tej, którą tworzyłaś w przeszłości? 

E.G. Moje prace od około 1994 roku często opierały się na siatce i miały kwadratowy format. Budowałam je warstwami rozmyć i rysowanych linii. Około 2005 roku zaczęłam bawić się znacznie odważniejszymi geometrycznymi kształtami i nasyconymi kolorami. Od tego czasu przechodziłam od odważnych, mocnych kształtów i kolorów do prac bardziej delikatnych i stonowanych, czasem łącząc oba style. Prace często zaczynają się podobnie, ale mogą skończyć bardzo różnie. Największą zmianą jest chyba wolność, jaką sobie daję w procesie tworzenia.

IA: Czasem wspominasz o medytacji, mówiąc o swojej twórczości. Czy mogłabyś rozwinąć, co to słowo oznacza w odniesieniu do twojej sztuki? Na przykład, czy uważasz proces tworzenia za medytacyjny? Czy uważasz gotowy produkt za potencjalny medytacyjny pośrednik dla widzów? 

E.G. Uważam proces za medytacyjny. Staram się nie przynosić do pracowni zbyt wielu pomysłów, może tylko pomysł na kolor lub kształt. Gdy zaczynam pracę, pozwalam wewnętrznemu oku, nieświadomemu umysłowi, reagować na dzieło i prowadzić mnie do uchwycenia ulotnego elementu mentalnego, który może być odległy, a jednocześnie tak obecny. Zazwyczaj moje najlepsze prace powstają, gdy myśli są nieskrępowane, gdy jestem w harmonii z dziełem. Niezależnie czy rysuję bezpośrednio, czy nakładam warstwy rozmyć, cieszę się z doświadczenia pozwalania, by praca się wyłoniła. Nie potrafię tego lepiej ująć niż Paul Klee, który powiedział: „moja ręka jest całkowicie narzędziem bardziej odległej sfery.” Nie tworzę z zamiarem stworzenia czegoś dla doświadczenia innego, ale jestem otwarta na ich reakcje i interpretacje. Miałam osoby, które żyją z moimi pracami, które często mówią, że patrzenie na nie daje im spokój, cichą radość lub że praca jest ugruntowująca. Więc jestem pewna, że rozważanie gotowych prac jako medytacyjnych pośredników jest bardzo zasadne, ale pozwolę tym, którzy żyją z tymi pracami i ekspertom od umysłu i medytacji, dokonać najlepszej oceny. Jeśli ikoną lub medytacyjnym pośrednikiem jest przedmiot, który daje spokojną radość lub pokój, który ugruntowuje, to tak, często słyszę, że moje prace mają takie działanie.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypia na papierze. 38,1 x 40,6 cm.

O procesie

IA: Wassily Kandinsky pisał o muzyce i jej zdolności do przekazywania emocji na poziomie abstrakcyjnym. Ty również dostrzegasz związki między muzyką a swoją twórczością. Jednym z nich jest to, że twoje wizualne słownictwo linii i kolorów może być interpretowane jako odniesienie do skal muzycznych. Jakie inne podobieństwa dostrzegasz między swoim procesem lub dziełami a kompozycją muzyczną?      

EG: Nie myślę świadomie o muzyce czy kompozycji muzycznej. Jednak liczba osób, które dostrzegają ten związek z muzyką, jest tak duża, że musi być coś na rzeczy. Często słucham muzyki podczas pracy i uczyłam się gry na fortepianie jako dziecko, więc to może mieć wpływ na moją twórczość. „Komponuję” w sposób, który może wydawać się podobny do kompozycji muzycznej, szczególnie w procesie zabawy z paskami, liniami i blokami koloru. Przesuwanie ich po płaszczyźnie obrazu jest bardzo podobne do rozmieszczania nut i akordów w partyturze. 

IA: Opowiedz trochę o swoim procesie, zwłaszcza o relacji z kolażem. Na przykład, w jaki sposób proces nakładania warstw papieru w twoich pracach wpływa na ciebie inaczej niż proces malowania? 

EG: Najczęściej mój proces malarski, czy to na papierze, czy na płótnie, jest bardzo bezpośredni. Zazwyczaj zaczynam od rysowania linii, potem nakładam rozmycia koloru, a następnie elementy kształtu. Staram się zaskoczyć siebie mocnym, nieoczekiwanym kształtem lub kolorem odbiegającym od mojej zwykłej palety. Przesuwam je, próbując znaleźć równowagę między kolorem a formą. Ten etap przypomina trwający taniec, gdzie formalizm wkrada się na chwilę, a ja się mu przeciwstawiam. Decyzje o tym, czy włączyć powstałe odważne wtrącenia, tworzą dynamikę, która potrafi mnie angażować przy pracy przez tygodnie. Prace kolażowe zaczynam od zabawy kolorem, barwienia krawędzi tuszem i rysowania linii na papierze japońskim, który potem tnę na paski. Naklejam je na płótno lub len ostrożnie, ale bez z góry ustalonej kompozycji czy struktury. W miarę rozwoju pracy zaczynam analizować, pozwalając redaktorowi wrócić do pokoju, by dostosować kolor lub kształt, aż praca wyda się odpowiednia.   

Zdjęcie wyróżniające: Elizabeth Gourlay w pracowni