Elementy Abstrakcji - Elizabeth Gourlay w Wywiadzie

Elizabeth Gourlay uważa swoją pracę za medytację nad kształtami i kolorami, czasami porównując swoją praktykę w studio do procesu komponowania muzyki. Używając mieszanki mediów, od olejów po grafit i kolaż, Gourlay tworzy abstrakcyjne kompozycje, które odnoszą się do estetycznego słownictwa w doskonałej równowadze między naturą a geometrią. Mieszkanka Chester w Connecticut, Gourlay ma prace w czterech wystawach zbiorowych w tym miesiącu, w Nowym Jorku, Connecticut i Massachusetts. IdeelArt miało okazję porozmawiać z nią o jej praktyce, kalendarzu wystaw i nowym cyklu prac.

Wywiad z Elizabeth Gourlay - Ostatnie wystawy i działalność

IdeelArt: Masz pracowity miesiąc! W tym miesiącu bierzesz udział w czterech wystawach zbiorowych w czterech różnych miastach. Kiedy znajdujesz się w takim czasie, gdy wielu różnych widzów ma okazję zapoznać się z twoją pracą, czy nadal znajdujesz czas, aby być aktywnym w studiu, czy wolisz być w galeriach, wchodząc w interakcje z tymi widzami i pochłaniając ich reakcje na twoją pracę?

Elżbieta Gourlay: To pierwszy raz, kiedy miałem tak wiele aktywności jednocześnie. To ekscytujące, ale jestem tak przyzwyczajony do poświęcania indywidualnym pokazom mojej niepodzielnej uwagi, że teraz musiałem opuścić jedno otwarcie, aby uczestniczyć w innym. Ale gdy dzieła sztuki są dostarczane, czas staje się mój. Chociaż jestem niezwykle chętny, aby wrócić do studia po nawet krótkim okresie aktywności, który mnie odciąga, cieszę się również z interakcji, które mają miejsce w galerii, rozmawiając z innymi artystami i przyjaciółmi podczas otwarć i innych wydarzeń w galerii. Sztuka abstrakcyjna to język, a rozmowa z widzami, szczególnie artystami i przyjaciółmi podczas wydarzeń, buduje poczucie odporności w nowych wyrażeniach, które odkrywamy.

IA: Masz wystawy w tym miesiącu w idyllicznych, wiejskich lokalizacjach, takich jak The Tremaine Gallery w Lakeville, CT, a także w gęsto zaludnionych centrach miejskich, takich jak 1285 Avenue of the Americas Gallery w Midtown Manhattan. W jaki sposób widzowie w dramatycznie różnych środowiskach reagowali inaczej na twoją pracę?

NP. W obu przypadkach publiczność była wizualnie wyrafinowana i wydawała się zaangażowana oraz pozytywna. W Nowym Jorku ogólnie wydawali się być bardziej głośni, zadawali pytania i chętniej wyrażali opinie. Myślę, że widzowie w Nowym Jorku mieli tendencję do zbliżania się do dzieł!

IA: W jaki sposób rozmowy lub inne rodzaje interakcji z widzami wpłynęły na kierunek twojej praktyki?

NP. Staram się nie dawać wpływać na siebie reakcjom widzów, chociaż nieuchronnie, jeśli reakcja jest pozytywna w stosunku do nowego kierunku, który mnie ekscytuje w pracy, to rzeczywiście wpływa to na mnie, by kontynuować eksplorację tej ścieżki. Zawsze interesujące jest doświadczanie różnicy w opiniach oraz tego, jak i dlaczego ludzie są przyciągani do różnych dzieł.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypia na papierze. 40,6 x 38,1 cm.

Przeszłość i teraźniejszość

IA: Jak twoja dzisiejsza praca różni się od tej, którą robiłeś w przeszłości? 

NP. "Moja praca, od około 1994 roku, bardzo często była oparta na siatce i w kwadratowym formacie. Była budowana w warstwach zmyć i rysowanych linii. Około 2005 roku zacząłem bawić się znacznie odważniejszymi kształtami geometrycznymi i nasyconymi kolorami. Od tego czasu wracałem tam i z powrotem między odważnymi, mocnymi kształtami i kolorami a pracami, które są bardziej delikatne i stonowane, czasami łącząc te dwa style. Prace często zaczynają się w podobny sposób, ale mogą kończyć się bardzo różnie. Prawdopodobnie największą zmianą jest wolność, którą sobie pozwalam w procesie tworzenia."

IA: Czasami odnosisz się do medytacji, mówiąc o swojej pracy. Czy mógłbyś rozwinąć, co to słowo oznacza w kontekście twojej sztuki? Na przykład, czy uważasz, że proces tworzenia dzieła jest medytacyjny? Czy uważasz, że gotowy produkt może być potencjalnym medytacyjnym pośrednikiem dla widzów? 

NP. Uważam, że proces ten ma charakter medytacyjny. Staram się nie przynosić do studia zbyt wielu pomysłów, może jakiegoś pomysłu na kolor lub kształt. Kiedy zaczynam pracować, pozwalam wewnętrznemu oku, nieświadomemu umysłowi, reagować na dzieło i prowadzić mnie do uchwycenia ulotnego elementu mentalnego, który może być odległy, a jednocześnie tak obecny. Zwykle moje najlepsze prace powstają, gdy moje myślenie jest niezakłócone, gdy jestem w harmonii z dziełem. Niezależnie od tego, czy rysuję bezpośrednio, czy nakładam warstwy farby, cieszę się doświadczeniem pozwalania, aby dzieło się ujawniało. Nie potrafię tego lepiej ująć niż Paul Klee, który powiedział: „moja ręka jest całkowicie instrumentem bardziej odległej sfery.” Nie pracuję z zamiarem stworzenia czegoś dla doświadczenia innej osoby, jednak jestem otwarty na ich reakcje i interpretacje. Miałem ludzi, którzy żyją z moimi pracami, często mówią, że patrzenie na nie daje im spokój, radosny spokój lub że dzieło jest ugruntowujące. Dlatego jestem pewien, że traktowanie ukończonych dzieł jako medytacyjnych pośredników jest bardzo uzasadnione, ale pozwolę tym, którzy żyją z tymi dziełami oraz tym, którzy są ekspertami w dziedzinie umysłu i medytacji, dokonać najlepszego osądu. Jeśli ikona lub medytacyjny pośrednik to obiekt, który daje radosny spokój lub pokój, który jest ugruntowujący, to tak, często słyszę, że moje prace mają takie efekty.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypia na papierze. 38,1 x 40,6 cm.

O procesie

IA: Wassily Kandinsky pisał o muzyce i jej zdolności do komunikowania emocji na poziomie abstrakcyjnym. Ty również nawiązujesz połączenia między muzyką a swoją pracą. Jednym z połączeń, które tworzysz, jest to, że twój wizualny słownik linii i kolorów może być interpretowany jako odniesienie do skal muzycznych. Jakie inne sposoby istnieją, w jakie twój proces lub twoje dzieła sztuki mają wspólne cechy z kompozycją muzyczną?

NP: Nie myślę świadomie o muzyce ani o kompozycji muzycznej. Jednak liczba osób, które łączą to z muzyką, jest tak duża, że musi być coś w tej analogii. Często słucham muzyki, gdy pracuję, a jako dziecko nauczyłem się grać na pianinie, więc to może wpływać na moją pracę. W pewnym sensie "komponuję" w sposób, który może wydawać się podobny do kompozycji muzycznej, szczególnie w procesie zabawy z pasami, liniami i blokami koloru. Przesuwanie ich po płaszczyźnie obrazu jest tak podobne do umieszczania nut i akordów w różnych miejscach na partyturze. 

IA: Opowiedz trochę o swoim procesie, szczególnie o relacji, jaką masz z kolażem. Na przykład, w jaki sposób proces nakładania papieru w twojej pracy wpływa na ciebie inaczej niż proces malowania? 

NP: Najczęściej mój proces malarski, niezależnie od tego, czy na papierze, czy na lnie, jest bardzo bezpośredni. Zazwyczaj zaczynam od rysowania linii, następnie nakładam warstwy koloru, a potem dodaję elementy kształtu. Staram się zaskoczyć siebie mocnym, nieoczekiwanym kształtem lub kolorem, który odbiega od mojej zwykłej palety. Przesuwam je, starając się uzyskać równowagę między kolorem a formą. Ten etap przypomina taniec, który trwa, gdzie formalizm wkrada się na chwilę, a ja się mu przeciwstawiam. Decyzje o tym, czy uwzględnić wynikające z tego odważne intruzje, to rodzaj dynamiki, która może utrzymać mnie zaangażowanym w dzieło przez tygodnie. Prace kolażowe zaczynają się od zabawy kolorem, barwienia krawędzi tuszem i rysowania linii na japońskim papierze, a następnie cięcia ich na paski. Kolażuję je na płótnie lub lnie ostrożnie, ale bez wcześniejszej koncepcji czy struktury w głowie. W miarę rozwoju dzieła zaczynam analizować, aby wpuścić edytora z powrotem do pokoju, aby dostosować kolor lub kształt, aż dzieło będzie wydawać się odpowiednie.   

Obraz wyróżniający: Elizabeth Gourlay w studiu