Piękno znalezione w portretach kubistycznych

W 1878 roku Margaret Wolfe Hamilton w swojej powieści Molly Bawn, ukuła jedno z najbardziej ukochanych przez ludzkość powiedzeń: „Piękno tkwi w oku patrzącego.” Trzy lata później urodził się Picasso. Choć Hamilton zmarła na dur brzuszny dekadę przed namalowaniem pierwszego obrazu, jej słowa wydają się stworzone na miarę kubistycznych portretów. Choć wielu, którzy zobaczyli je po raz pierwszy, było nimi zszokowanych, a nawet uważało je za ohydne zniekształcenia, dla wielu innych kubistyczne portrety były doskonałym wyrazem czegoś przemieniającego, czegoś pięknego i czegoś nowego.

Wczesne kubistyczne portrety

Dla Pabla Picassa portret był ulubionym tematem przez całą jego karierę. Kiedy on i Georges Braque znajdowali się na najwcześniejszych etapach rozwoju kubizmu, skupiali się na pejzażu, martwej naturze i portrecie jako kluczowych tematach. Braque mówił o ich dążeniu do ukazania przestrzeni. Czy było coś w ludzkiej twarzy, co idealnie nadawało się do takiego zadania? A może cechy ludzkie szczególnie dobrze nadawały się do rozbioru na wiele liniowych płaszczyzn lub do ukazania wielu punktów widzenia jednocześnie.

Georges Braque Głowa kobiety, 1909, olej na płótnie, 33 x 41 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Francja

Georges Braque – Głowa kobiety

Jeden z pierwszych kubistycznych portretów to Głowa kobiety, namalowany przez Georgesa Braque’a w 1909 roku. Ten temat i dokładny tytuł powracały wielokrotnie zarówno u Braque’a, jak i Picassa, pojawiając się jako obrazy, kolaże a nawet rzeźby. W początkowej eksploracji tego tematu przez Braque’a widzimy podstawowe elementy myśli kubistycznej ukazane w prostych, eleganckich detalach. Oczy widziane z góry są pełne żalu, podczas gdy twarz uniesiona wysoko wyraża wytrwałość i cichą siłę. Poważność przebija się w cieniu brwi, a delikatnie cieniowane niebieskie światło księżyca po prawej stronie ust ukazuje zmysłową życzliwość.

W Głowie kobiety Braque nie tylko udaje się uchwycić wiele punktów widzenia i stworzyć poczucie czasu i przestrzeni, ale wykorzystuje każdy z nich, by zbadać jednocześnie różne cechy charakteru swojej modelki. Jako jeden z najwcześniejszych kubistycznych portretów, dzieło to wyróżnia się także bogatą paletą barw. Z czasem paleta kubistyczna stała się bardziej monotonna, ale tutaj mamy bogate błękity, czerwienie, żółcie i brązy współistniejące na jednym obrazie, dodając dziełu prostą obfitość i ciepło.

Z tego samego roku pochodzi portret Picassa, również zatytułowany Głowa kobiety. Ogólny nastrój dzieła, połączony z zaciśniętymi ustami i pewnymi elementami oświetlenia, sugeruje, że może to być ta sama kobieta, z tej samej sesji. Jednak wybory Picassa dotyczące tego, które płaszczyzny przestrzenne przyciemnić, a które rozjaśnić, oraz które cechy uwypuklić, diametralnie zmieniają wyraz twarzy modelki. W oczach widać smutek. Widoczne z dołu ramiona wydają się opadnięte, pełne rozpaczy. Widoczne z wielu jednoczesnych kątów, twarz jest wykrzywiona w zdumieniu.

Podobnie jak w Głowie kobiety Braque’a z tego samego roku, dzieło Picassa zawiera stosunkowo żywą paletę barw, obejmującą żółcie, zielenie, pomarańcze i błękity. Piękno tego obrazu tkwi w jego mroku i ponurej, nastrojowej atmosferze. Picasso używa jednoczesności nie po to, by ukazać gamę emocji lub wielość cech charakteru, lecz by pokazać względną jednolitość, kumulatywny smutek widoczny z każdego kąta.

Pablo Picasso - Portret Wilhelma Uhde, 1910, olej na płótnie, 81 x 60 cm, kolekcja Josepha Pulitzera

Wczesne portrety Picassa

W 1910 roku Picasso namalował portret jednego ze swoich najwcześniejszych kolekcjonerów, handlarza dzieł sztuki Wilhelma Uhde. Kiedy Picasso malował ten portret, Uhde posiadał już znaczną liczbę jego prac, w tym co najmniej trzy kubistyczne portrety (Buste de femme, Siedząca naga oraz Dziewczyna z mandoliną). W portrecie Uhde, podobnie jak w wcześniejszej Głowie kobiety, Picasso używa jednoczesności, by przekazać kumulatywne odczucie jednej emocji u modela. Niezależnie od punktu widzenia, z którego rysuje, wszystko składa się na jedno: powagę.

Ten portret ukazuje ograniczoną paletę barw, która szybko zdominowała kubistyczne dzieła w tych latach. Uproszczona paleta skupia naszą uwagę całkowicie na modelu, a także pozwala lepiej docenić inny istotny element kubizmu: użycie linii. W tym portrecie widzimy, jak każda linia odpowiada na każdą inną, przyciągając się nawzajem ku emocjonalnemu wirującemu wyrazowi twarzy Uhde. Dwuwymiarowa płaskość tworzy subtelne wrażenie ruchu do przodu, podczas gdy linie jednocześnie tworzą komiczny efekt, jakby model zapadał się w sobie.

Pablo Picasso Głowa kobiety, 1909, olej na płótnie, 60,3 x 51,1 cm, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork

Jean Metzinger i Juan Gris

Jean Metzinger był malarzem dywizjonistycznym, który wcześnie przeszedł na kubizm. Zapalony pisarz, stał się jednym z czołowych teoretyków kubizmu, porównując jego podejście do ukazywania przestrzeni z teoriami w matematyce nieeuklidesowej. W tym portrecie z 1911 roku Metzinger osiąga unikalne poczucie wymiarowości. Poprzez selektywne rozmieszczenie plamek koloru i użycie ograniczonej liczby perspektyw w jakiś sposób ukazuje przestrzeń dwuwymiarową, trójwymiarową i czterowymiarową. Dzieło wydaje się płaskie, a jednak modelka zdaje się wyłaniać z powierzchni, a jednocześnie sprawia wrażenie ruchu, przemieszczania się w przestrzeni, obracania.

Przyjaciel Picassa i Braque’a od 1906 roku, Juan Gris skierował teorie kubizmu w unikalny kierunek estetyczny, czasem nazywany krystalicznym. W tym portrecie Gris namalował Picassa, różne punkty widzenia mają jednolity charakter, jakby pochodziły z różnych odbić na powierzchni diamentu. Jego ograniczona paleta barw, zamiast przytłumiać obraz, nadaje mu blask. I choć płaskość jest kluczowa dla tego dzieła, wybór miejsc, na których skupia błękity, dodaje sztucznego efektu wskazującego, że Picasso jest na pierwszym planie, co ma sens w kontekście tego oczywistego hołdu.

Jean Metzinger - Portret Madame Metzinger, 1911, ołówek i tusz na papierze, 22,6 x 15,7 cm, © Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż

Piękno i kubista

Łatwo wyobrazić sobie, jak świat przyzwyczajony do określonego rodzaju estetycznego piękna mógł odrzucić myśl, że te wczesne kubistyczne portrety są piękne. Ale z perspektywy czasu widzimy głębokie sposoby, w jakie te dzieła pomogły przesunąć spojrzenie kultury z poszukiwania piękna wyłącznie w temacie. W tych pracach odnajdujemy piękno w linii, w cieniowaniu, w formach i w wymiarowości. Odkrywamy emocjonalne powiązania z elementami malarstwa, nie tylko z tematem. Poza wrodzonym pięknem tych dzieł, jest w tym także coś pięknego.

Zdjęcie główne: Juan Gris - Portret Picassa, 1912, olej na płótnie, 93,3 x 74,4 cm, Art Institute of Chicago, Chicago, IL
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio