"One Robią Abstrakcję - Wywiad z Główną Kuratorką Pompidou Christine Macel"

Centre Pompidou zapisze historię tego lata dzięki Elles font l’abstraction - najbardziej kompleksowemu wyjaśnieniu wkładu artystek w rozwój sztuki abstrakcyjnej. Główna kuratorka Pompidou, Christine Macel, zgromadziła ponad 500 prac 106 artystek na wystawę. Daleko od prostego wypełniania galerii sztuką, Macel wykorzystała tę okazję, aby pokazać, czym naprawdę jest rola kuratora - kuratorzy piszą, a w najlepszym przypadku poprawiają historię sztuki. Dziesiątki artystek, które wybrała, będą znane publiczności. Setki innych będą zupełnie nowe, nawet dla ekspertów w tej dziedzinie. To dlatego, że Macel i jej zespół wykonali niesamowicie trudną pracę odkrywania i uwydatniania globalnych głosów kobiet, które, mimo swojego geniuszu i wpływu, zostały pominięte w kanonie historii sztuki. Wystawa, obejmująca lata 1860-1980, oraz dokumentacja towarzysząca - w tym pisma, filmy i wykłady - na zawsze zmienią nasze zrozumienie ewolucji abstrakcji jako języka plastycznego. Po moim niedawnym wywiadzie z Macel, zaczynam wierzyć, że to dopiero początek. Nasza rozmowa poniżej.

Dziękuję za rozmowę z nami, Christine, jestem fanem twojej pracy od czasu, gdy kuratorowałaś Biennale w Wenecji w 2017 roku. Czy Elles font l’abstraction to najbardziej ambitna instytucjonalna próba, o której wiesz, aby odpowiednio uznać międzynarodowy wkład kobiet artystek abstrakcyjnych?

Tak, rzeczywiście. Dlatego zdecydowałem się na przeprowadzenie tych badań i wystawy. Wyraźnie istniał proces niewidzialności artystek w historiografii abstrakcji.

Jaką część organizacji tej wystawy w Centre Pompidou uważasz za najbardziej wymagającą?

Proces pożyczkowy i problemy budżetowe, a także sytuacja pandemiczna. Muszę jednak powiedzieć, że otrzymaliśmy niesamowite wsparcie od muzeów i prywatnych kolekcjonerów z całego świata, a także sponsorów. W trakcie pandemii mogłem liczyć na wsparcie Van Cleef i Arpels, Luma Foundation, Friends of the Pompidou itd., które były decydujące dla realizacji tego projektu. Nie wspominając o współpracy z Guggenheim Bilbao, która była kluczowa dla tej wystawy. Wiele historyków sztuki i naukowców również okazało się bardzo wspierających. Przede wszystkim Griselda Pollock, która jest jedną z wielu autorek katalogu i naszą gościnną honorową na sympozjum z Aware association. Sami artyści również byli bardzo entuzjastyczni. To był ogromny zastrzyk energii! Miałem wspaniałe dyskusje z Sheilą Hicks, Dorotheą Rockburne, Tanią Mouraud i Jessicą Stockholder, żeby wymienić tylko kilka.

Ci czterej artyści w szczególności mają tak różne języki wizualne. To odświeżające widzieć niezwykle szeroki zakres pozycji wizualnych reprezentowanych w tym pokazie.

"Moje oświadczenie ma na celu otwarcie definicji mediów związanych z abstrakcją, w oparciu o stanowiska samych artystów. Spiritualizm, taniec, sztuki dekoracyjne, fotografia i film były częścią tej historiografii. Chcę również podkreślić, że każdy artysta jest szczególny i oryginalny."

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Dzięki uprzejmości rodziny Caland. Zdjęcie Elon Schoenholz, dzięki uprzejmości rodziny Caland.

Jakim tonem chciałbyś, aby ta wystawa się charakteryzowała?

Eksplozja radości i przyjemności; podziw i szacunek dla wszystkich tych artystów; świadomość długiej drogi przed nami, aby naprawdę pogłębić tę historię.

Tak wielu artystów w tym pokazie nigdy nie otrzymało odpowiedniego uznania i szacunku. Czy bycie kobietą artystką abstrakcyjną dzisiaj wciąż pozostaje alienującym doświadczeniem?

Nie, dzisiaj nie jesteśmy w sytuacji alienacji, lecz otwartości, odkrywania i ponownego odkrywania. Drzwi są w dużej mierze otwarte, a wiele muzeów, historyków sztuki i młodych naukowców pracuje nad stworzeniem innej przyszłości.

Niewątpliwie mogłeś uwzględnić znacznie więcej artystów w tej wystawie. Jak zawęziłeś swoje wybory?

To taki skomplikowany proces, że nie mogę go opisać w kilku słowach. Dostępność prac, koszty transportu, problemy z przestrzenią itp. są również częścią ostatecznego wyniku. Ale zrozumiałem dużą część tego, co chciałem stworzyć.

Georgiana Houghton - Album Sztuki Duchowej, 1866-84. Zdjęcie dzięki uprzejmości The College of Psychic Studies, Londyn

Czy bałeś się pominąć kogoś kluczowego?

To mniej strach niż pewna smutek, żal, czasami, by być zmuszonym do wyboru. Omissja zawsze jest częścią pracy, ponieważ historia zawsze jest częściową opowieścią. Ta świadomość samej niemożliwości stworzenia całkowitej narracji jest czymś, co leży u podstaw badań w ogóle. Historia sztuki jest zawsze niedokończona i przepisana. Nic definitywnego, tylko propozycja.

Miałeś 8 lat, kiedy po raz pierwszy odwiedziłeś Centre Pompidou. Jak twoje postrzeganie dorastania byłoby inne, gdyby Elles font l’abstraction była wystawą, którą można było zobaczyć podczas tej wizyty?

To byłoby zupełnie inne podejście. Zajęło mi trochę czasu, aby zrozumieć, jak historia sztuki była zdominowana przez męskich historyków sztuki i artystów. Wyraźnie pamiętam artystów, których odkryłem, gdy jako dziecko poszedłem do Pompidou: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, wszyscy mężczyźni! Ale jako nastolatek bardzo interesowałem się pisarkami: Anaïs Nin, Lou Andreas-Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Pamiętam też, że czytałem Shere Hite, która stała na tej samej półce co Freud w bibliotece publicznej! Może dlatego jako student postanowiłem napisać swoją pracę magisterską o Rebece Horn i przetłumaczyć wszystkie jej filmy z niemieckiego na francuski.

Aby przeformułować pytanie, które zadałeś w 2017 roku jako dyrektor Sektora Sztuk Wizualnych Biennale w Wenecji: Co to znaczy być dzisiaj kobietą artystką abstrakcyjną?

Właściwie, bycie artystą "tout court" powinno być właściwą pozycją. Teraz jesteśmy ponad esencjalizmem, miejmy nadzieję. Nigdy nie myślałam o sobie jako o "kobiecie kuratorze". Jak zwykłam mówić, nikt tak naprawdę nie zapytał Okwui Enwezora, czy był ojcem lub żonaty podczas jego wywiadów jako dyrektora Biennale w Wenecji. Uważałam to za bardzo irytujące, że zawsze pytano mnie o moją płeć i rzekomą sytuację jako "kobiety", zamiast o moją pracę. Potrzebujemy znowu wielu badań i wystaw, aby dojść do tego punktu dla "artystek" również. Ale drzwi są teraz szeroko otwarte i nie będzie kroku wstecz dzięki młodszemu pokoleniu studentów sztuki.

Joan Mitchell - Mephisto, 1958. © Spadek po Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Więc przez całą swoją karierę opowiadałeś bardziej kompletną historię. Ale abstrakcja nie polega na opowiadaniu historii, ile na kwestionowaniu percepcji. Czy pojawienie się tego pokazu w tym czasie sygnalizuje, że uważasz, iż nasze pokolenie musi wrócić do bardziej ezoterycznych dążeń?

Nie, nie powiedziałbym tego. Ale w momencie, gdy ludzie żyją w wirtualności i obrazach, w równoległym świecie, głównie figuralnym, czuję, że obecność sztuki abstrakcyjnej prowadzi nas w inną sferę. Opowiada nam o czymś, co jest zakorzenione w naszych wymiarach poznawczych i duchowych. Można bardzo precyzyjnie poczuć, co mówi abstrakcyjne dzieło, czy jest materialistyczne, czy transcendentalne na przykład, czy jest zabawne, czy haptyczne, bez żadnych słów. To trochę jak muzyka. Percepcja wystarczy, aby zrozumieć przesłanie, a nawet poczuć, kto jest artystą stojącym za tym. W momencie, gdy sztuka jest czasami zbyt obciążona wyjaśnieniami i równoległymi dyskursami, uwielbiam być w towarzystwie dzieł, które "mówią" same za siebie.

Nasze podziękowania dla Christine Macel za hojne udzielenie IdeelArt tego wywiadu. Elles font l’abstraction jest wystawiane od 5 maja do 23 sierpnia 2021 w Centre Pompidou w Paryżu.

Obraz wyróżniający: Hilma Af Klint - Łabędź, nr 16, Grupa IX/SUW, 1915. Dzięki uprzejmości Fundacji Hilma af Klint. Zdjęcie: Moderna Museet, Sztokholm
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Wywiad z Phillipem Barcio