"One Robią Abstrakcję - Wywiad z Główną Kuratorką Pompidou Christine Macel"

Centre Pompidou zapisze historię tego lata dzięki Elles font l’abstraction – najpełniejszemu wyjaśnieniu dotychczasowego wkładu artystek w rozwój sztuki abstrakcyjnej. Główna kuratorka Pompidou, Christine Macel, zgromadziła na wystawę ponad 500 dzieł 106 artystek. Macel nie ograniczyła się jedynie do wypełnienia galerii sztuką, lecz wykorzystała tę okazję, by pokazać, na czym naprawdę polega rola kuratora – kuratorzy piszą, a w najlepszym wydaniu korygują historię sztuki. Dziesiątki wybranych przez nią artystek będą znane publiczności. Dziesiątki innych będą całkowicie nowe, nawet dla ekspertów w dziedzinie. To dlatego, że Macel i jej zespół wykonali niezwykle trudną pracę odkrywania i uwypuklania głosów kobiet z całego świata, które mimo swojego geniuszu i wpływu zostały pominięte w kanonie historii sztuki. Obejmując okres od 1860 roku aż do lat 80. XX wieku, wystawa wraz z towarzyszącą dokumentacją – w tym tekstami, filmami i wykładami – na zawsze zmieni nasze rozumienie ewolucji abstrakcji jako języka plastycznego. Po moim niedawnym wywiadzie z Macel, jestem przekonany, że to dopiero początek. Poniżej nasza rozmowa.

Dziękujemy, że zgodziła się Pani z nami porozmawiać, Christine. Jestem wielkim fanem Pani pracy od czasu, gdy kuratorowała Pani Biennale w Wenecji w 2017 roku. Czy Elles font l’abstraction jest najbardziej ambitną instytucjonalną próbą, o której Pani wie, by odpowiednio docenić międzynarodowy wkład kobiet artystek abstrakcji?

Tak, rzeczywiście. Dlatego zdecydowałam się na to badanie i wystawę. Wyraźnie istniał proces niewidzialności kobiet artystek w historiografii abstrakcji.

Co było najtrudniejszą częścią przygotowania tej wystawy w Centre Pompidou?

Proces wypożyczeń i kwestie budżetowe, a także sytuacja pandemiczna. Muszę jednak powiedzieć, że otrzymaliśmy niesamowite wsparcie od muzeów i prywatnych kolekcjonerów z całego świata, a także od sponsorów. W środku pandemii mogłam liczyć na wsparcie Van Cleef and Arpels, Fundacji Luma, Przyjaciół Pompidou i innych, które były decydujące dla realizacji tego projektu. Nie wspominając o współpracy z Guggenheim Bilbao, która była kluczowa dla tej wystawy. Wielu historyków sztuki i badaczy również bardzo nas wspierało. Przede wszystkim Griselda Pollock, jedna z wielu autorek katalogu i nasza gość honorowa na sympozjum z organizacją Aware. Same artystki były również bardzo entuzjastyczne. To był wielki zastrzyk energii! Miałam wspaniałe rozmowy z Sheilą Hicks, Dorotheą Rockburne, Tanią Mouraud i Jessicą Stockholder, by wymienić tylko kilka.

Te cztery artystki mają szczególnie różne języki wizualne. To odświeżające widzieć tak niezwykle szeroki zakres wizualnych postaw reprezentowanych na tej wystawie.

Moim celem jest poszerzenie definicji mediów związanych z abstrakcją, podążając za stanowiskami samych artystek. Spirytualizm, taniec, sztuki dekoracyjne, fotografia i film były częścią tej historiografii. Chcę również podkreślić każdą artystkę jako osobną i oryginalną.

Huguette Caland – Bribes de corps, 1973. Z uprzejmości rodziny Caland. Zdjęcie Elon Schoenholz, z uprzejmości rodziny Caland

Jaki ton chciałaby Pani nadać tej wystawie?

Eksplozję radości i przyjemności; podziw i szacunek dla wszystkich tych artystek; świadomość długiej drogi przed nami, by naprawdę pogłębić tę historię.

Wiele artystek na tej wystawie nigdy nie otrzymało właściwego podziwu i szacunku. Czy bycie kobietą artystką abstrakcji dziś nadal jest doświadczeniem wykluczającym?

Nie, dziś nie jesteśmy w sytuacji wykluczenia, lecz otwartości, odkrywania i ponownych odkryć. Drzwi są szeroko otwarte, a wiele muzeów, historyków sztuki i młodych badaczy pracuje nad stworzeniem innej przyszłości.

Z pewnością mogła Pani uwzględnić znacznie więcej artystek na tej wystawie. Jak zawęziła Pani wybór?

To tak złożony proces, że nie potrafię go opisać kilkoma słowami. Dostępność dzieł, koszty transportu, kwestie przestrzenne itd. również wpływają na ostateczny rezultat. Ale zrealizowałam dużą część tego, co chciałam zrobić.

Georgiana Houghton – Album of Spirit Art, 1866-84. Zdjęcie dzięki uprzejmości The College of Psychic Studies, Londyn

Czy bała się Pani, że pominie kogoś kluczowego?

To mniej strach, a raczej pewien smutek, żal czasem, że trzeba wybierać. Pominięcie jest zawsze częścią pracy, bo historia to zawsze opowieść niepełna. Ta świadomość niemożności stworzenia pełnej narracji jest sednem badań w ogóle. Historia sztuki jest zawsze niedokończona i przepisywana. Nic ostatecznego, tylko propozycja.

Miała Pani 8 lat, gdy pierwszy raz odwiedziła Centre Pompidou. Jak inaczej wyglądałoby Pani postrzeganie, gdyby podczas tej wizyty pokazywano wystawę Elles font l’abstraction?

To byłoby zupełnie inne podejście. Zajęło mi trochę czasu, by zrozumieć, jak historia sztuki była zdominowana przez męskich historyków i artystów. Pamiętam wyraźnie artystów, których odkryłam, gdy jako dziecko chodziłam do Pompidou: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely – wszyscy mężczyźni! Ale jako nastolatka bardzo interesowałam się pisarkami: Anais Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Pamiętam też, że czytałam Shere Hite, która stała na tej samej półce co Freud w bibliotece publicznej! Może dlatego jako studentka zdecydowałam się napisać pracę o Rebece Horn i przetłumaczyć wszystkie jej filmy z niemieckiego na francuski.

Para-frazując pytanie, które zadała Pani w 2017 roku jako dyrektorka sektora sztuk wizualnych Biennale w Wenecji: Co dziś znaczy być kobietą artystką abstrakcji?

Właściwą postawą powinno być po prostu bycie artystą „bez dodatków”. Mamy już nadzieję za sobą esencjalizm. Nigdy nie uważałam się za „kobiecą kuratorkę”. Jak mówiłam, nikt nigdy nie pytał Okwui Enwezora, czy jest ojcem lub żonaty podczas wywiadów jako dyrektor Biennale w Wenecji. Uważam, że to bardzo irytujące, gdy ciągle pytają mnie o moją płeć i tak zwaną sytuację „kobiety”, zamiast o moją pracę. Potrzeba jeszcze wielu badań i wystaw, by dojść do tego punktu także dla „artystek”. Ale drzwi są teraz szeroko otwarte i nie będzie odwrotu dzięki młodszemu pokoleniu studentów sztuki.

Joan Mitchell – Mephisto, 1958. © Zespół Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Przez całą swoją karierę opowiadała Pani pełniejszą historię. Ale abstrakcja nie polega na opowiadaniu historii, lecz na kwestionowaniu percepcji. Czy pojawienie się tej wystawy teraz oznacza, że uważa Pani, iż nasze pokolenie powinno wrócić do bardziej ezoterycznych poszukiwań?

Nie powiedziałabym tego. Ale w chwili, gdy ludzie żyją w świecie wirtualności i obrazów, w świecie równoległym, głównie figuratywnym, czuję, że obecność sztuki abstrakcyjnej prowadzi nas do innej sfery. Opowiada o czymś zakorzenionym zarówno w naszych wymiarach poznawczych, jak i duchowych. Można bardzo precyzyjnie wyczuć, co mówi dzieło abstrakcyjne, czy jest na przykład materialistyczne czy transcendentalne, czy jest zabawne lub dotykowe, bez słów. To trochę jak muzyka. Percepcja wystarcza, by zrozumieć sens, a nawet poczuć, kto jest artystą za tym dziełem. W czasach, gdy sztuka bywa czasem zbyt obciążona wyjaśnieniami i równoległymi dyskursami, lubię być przy dziełach, które „mówią” same za siebie.

Dziękujemy Christine Macel za szczodre udzielenie wywiadu dla IdeelArt. Elles font l’abstraction można oglądać od 5 maja do 23 sierpnia 2021 w Centre Pompidou w Paryżu.

Zdjęcie główne: Hilma Af Klint – Łabędź, nr 16, Grupa IX/SUW, 1915. Z uprzejmości Fundacji Hilma af Klint. Zdjęcie: Moderna Museet, Sztokholm
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Wywiad przeprowadził Phillip Barcio