Porozmawiajmy więcej o sztuce Larry'ego Poonsa

Po swojej pierwszej wystawie, na początku lat 60. w Green Gallery w Nowym Jorku, Larry Poons natychmiast stał się ulubieńcem krytyków. Zaprezentował na niej swoje obecnie słynne obrazy kropkowe - matematyczne układy kropek na monochromatycznym tle. Obrazy dobrze się sprzedawały i były uwielbiane przez innych artystów. Ich płaskość dobrze wpisywała się również w mit historii sztuki, który krytyk Clement Greenberg lansował wówczas na temat ewolucji malarstwa abstrakcyjnego w kierunku spłaszczonych powierzchni - trend ten nazwał „abstrakcją postmalarską”. Poons nie tworzył jednak tych obrazów, ponieważ chciał się wzbogacić albo zapisać w historii sztuki. Tworzył je, ponieważ nie potrafił rysować. W późniejszym okresie życia Poons wspominał torturę zmagania się z tworzeniem kształtów na papierze milimetrowym, a następnie wypełnianiem ich farbą. „Nie byłem z tego zadowolony” - wyjaśniał. Kiedy przyjaciel powiedział mu, żeby uprościł swoje prace, pomyślał: „Cóż, jeśli to uproszczę, będę po prostu malował punkty”. Tak narodziły się obrazy kropkowe. Poons nie był jednak zachwycony kropkami. Gdy tylko wzrosła jego pewność siebie, stał się bardziej eksperymentalny i radykalnie zmienił swoje podejście. Zmiana stylu zirytowała Greenberga, zniechęciła nabywców i odstraszyła marszandów. Od tamtej pory Poons przeżywał okresy zarówno popularności, jak i zapomnienia, ale nigdy nie przestał eksperymentować jako malarz. Tymczasem kolejni krytycy próbowali opracować spójne teorie wyjaśniające jego ewolucję, być może po to, by zapewnić swego rodzaju nić łączącą, która pomogłaby wyjaśnić jego twórczość przyszłym pokoleniom lub rynkowi. Najczęściej skupiają się na kolorze. Pisząc dla „The New York Times”, Roberta Smith stwierdziła: „Pan Poons wykazuje wyraźne upodobanie do wszechogarniających pól pulsującego koloru, nawet jeśli sposoby ich osiągania znacznie się różniły”. Jason Andrew napisał w „Hyperallergic”, że Poons „zajmował się kolorem już od swoich przełomowych obrazów kropkowych z lat 60.”. Krytycy ci mogą jednak szukać pewności tam, gdzie jej nie ma. Dla Poonsa nie istnieje żadna nić łącząca. Każdy obraz jest odrębnym obrazem. Chodzi po prostu o to, by patrzeć i pamiętać, jak powiedział Poons, że „ostatecznie to tylko farba”.

Po prostu malować

Obrazy kropkowe, które Poons tworzył na początku lat 60., mogły wynikać z pragnienia prostszego malowania, ale tym, co pozwoliło mu rozwijać się jako artyście, było odnalezienie odwagi, by po prostu malować. Kiedy porzucił siatkę, odkrył wszelkiego rodzaju interesujące techniki. Tworzył serie obrazów, na których strużki farby spływały po płótnie, tworząc pola malarskich pasów. Tworzył gestualne kompozycje, w których sam akt nanoszenia śladów znajdował się na pierwszym planie. Przez lata eksperymentował z przytwierdzaniem do powierzchni swoich obrazów różnych materiałów, takich jak arkusze papieru i kawałki liny, tworząc grube, ciężkie, fakturowe dzieła wystające ze ściany. Tymczasem jego najnowsze prace ponownie wysuwają rysunek na pierwszy plan: Poons wcześniej szkicuje w kompozycji kształty i formy, a następnie wypełnia je farbą i improwizuje wokół nich.

Larry Poons - Untitled (z cyklu Conspiracy: The Artist as Witness), 1971. Sitodruk. 19 3/4 × 27 cali (50,2 × 68,6 cm). Edycja 150 egzemplarzy. Alpha 137 Gallery. © Larry Poons

Szczególnie niezwykła w jego metodzie jest radość, jaką Poons czerpie z edytowania. Zwykle maluje duże arkusze nierozciągniętego płótna, nie wiedząc, która jego część stanie się gotowym obrazem. Przez pewien czas kładł duże płótno na podłodze i swobodnie na nim malował. Później zaczął zawieszać okrągły arkusz płótna na ścianach swojej pracowni i malować go w całości. Niezależnie od tego, czy pracuje na podłodze, czy na ścianie, idea pozostaje taka sama - dobrze się bawi, maluje i czeka, aż obraz sam się ujawni. Kiedy jakiś obraz w końcu wyłania się z większej kompozycji, Poons po prostu go wycina. Taki sposób pracy otwiera wiele możliwości. Pozwala Poonsowi uniknąć pułapek planowania oraz stawiać na dobrą zabawę i swobodę.

Larry Poons - Untitled, 1975. Kolorowy sitodruk. 35 x 25 cali (88,9 × 63,5 cm). Edycja 100 egzemplarzy. Robert Fontaine Gallery. © Larry Poons

Spełniony malarz

Kiedy w 2018 roku na Festiwalu Filmowym w Sundance zadebiutował dokument „The Price of Everything” w reżyserii Nathaniela Kahna, ponownie przedstawił publiczności Larry’ego Poonsa. Film analizuje współczesny rynek sztuki z perspektywy domów aukcyjnych i ich nieustannego dążenia do podbijania cen. Wyraźny przekaz aukcjonerów przedstawiony w filmie jest taki, że jakość dzieła sztuki pozostaje bezpośrednio związana z jego wartością rynkową. „To bardzo ważne, by dobra sztuka była droga” - mówi szwajcarski aukcjoner i kolekcjoner sztuki Simon de Pury. W filmie Poons jawi się jako kontrapunkt - weteran świata sztuki, który dawno przestał przejmować się tym, czy jego obrazy się sprzedają. W rozmowie z Gabrielą Angeleti dla „The Art Newspaper” po premierze filmu Poons stwierdził: „Jeśli zdefiniujesz sukces jako możliwość sprzedania czegoś, by zapłacić czynsz, oznacza to, że odnosisz sukces w płaceniu czynszu. Nie oznacza to, że twoja sztuka jest dobra albo nie”.

Larry Poons - Robert Kinder Spiele, 1975. Akryl na płótnie. 254 x 191,8 cm (100 x 75,5 cala). Knoedler Contemporary Art, Nowy Jork. Nabyte od powyższej galerii przez obecnego właściciela w 1975 roku. © Larry Poons

Zamiast tego Poons opisuje sukces malarza w bardziej przyziemnych kategoriach, jako „wstawanie rano z poczuciem, że chce się malować, i pójście do pracowni, by malować”. Nie umyka mu jednak ironia faktu, że obrazy Poonsa najbardziej cenione przez rynek sztuki są tymi obrazami Poonsa, które namalowała najmniej kompetentna wersja Poonsa-artysty. Dla niego ukochane obrazy kropkowe były jedynie uproszczonym rozwiązaniem kryzysu pewności siebie. Są to piękne obrazy, ale gdyby Poons czerpał z ich tworzenia coś osobistego lub intelektualnego, nadal by je malował. Uznał je za nudne, więc poszedł dalej. Rynek nie uznał ich za nudne, więc się ich uchwycił. Poons jest żywym dowodem na to, że artysta nie musi czuć się związany z czymś, czego nie lubi robić, tylko dlatego, że innym się to podoba i są gotowi za to zapłacić. Pokazuje nam, że spełniony malarz to taki, który skutecznie znajduje osobiste powody, by nadal malować, niezależnie od tego, czy ktoś mu za to płaci.

Obraz wyróżniony: Larry Poons - Tristan da Cunga, 1964. Liquitex na płótnie. 183,1 x 366,2 cm (72 1/16 x 144 3/16 cala). Dar państwa Burton Tremaine. Kolekcja National Gallery of Art. © Larry Poons
Wszystkie obrazy wykorzystano wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio, 2019
Redakcja: IdeelArt (2026)