Treść i emocje w sztuce Grace Hartigan

Grace Hartigan (1922 – 2008) nie była dobrze traktowana przez samozwańczych pisarzy historii sztuki. Przez całą swoją karierę była niezrozumiana i błędnie klasyfikowana, wykluczana z ruchu, który kochała, i wrzucana do jednego worka z tym, którego nie cierpiała. Pomimo tego wszystkiego, a może właśnie dzięki temu, Hartigan jest wspaniałym wzorem do naśladowania — artystką, która pozostała wierna swojej osobistej wizji, zamiast dostosowywać się do trendów i oczekiwań szerokiej kultury. Uważana za „Drugą Generację Abstrakcyjnego Ekspresjonizmu”, Hartigan została niedawno uwieczniona w książce 9th Street Women autorstwa Mary Gabriel, która opowiada historię pięciu kobiet — Hartigan, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Joan Mitchell i Helen Frankenthaler — które były w centrum Szkoły Nowojorskiej w latach 50. XX wieku. Każda z tych pięciu kobiet wypracowała charakterystyczny język wizualny, który znacząco przyczynił się do rozwoju i wyodrębnienia Abstrakcyjnego Ekspresjonizmu. Jednak nawet wśród tych pionierów Hartigan była wyjątkowa. Na początku swojej kariery jej czysto abstrakcyjne obrazy zostały uznane za niezwykłe przez kuratorów muzealnych takich jak Alfred Barr i Dorothy Miller, którzy włączyli Hartigan do kilku ważnych wystaw. Mimo to Hartigan zaczęła odczuwać, że w jej abstrakcyjnych kompozycjach czegoś brakuje. W momencie, gdy jej kariera nabierała rozpędu, a słynny krytyk sztuki Clement Greenberg zaczął ją przedstawiać jako jedną z najbardziej utalentowanych abstrakcjonistek w Ameryce, Hartigan nieznacznie odsunęła się od czystej abstrakcji. Zaczęła malować studia dzieł Starych Mistrzów i wprowadzać figuralne elementy z życia współczesnego do swoich abstrakcyjnych kompozycji. Dla Hartigan połączenie figury i abstrakcji stanowiło doskonalsze połączenie treści i emocji. „Znalazłam swój temat” — ogłosiła — „dotyczy on tego, co wulgarne i żywotne w amerykańskim nowoczesnym życiu oraz możliwości jego przekroczenia w piękno.” To, co było przełomem dla Hartigan, okazało się rozczarowaniem dla Greenberga i innych, którzy wcześniej chwalili jej abstrakcyjną twórczość, i natychmiast wycofali swoje poparcie. Hartigan jednak nalegała na pierwszeństwo własnej wizji. W ten sposób mogła zerwać z sławą, celebryctwem i patriarchalną historią sztuki; ale udowodniła, że prawda i piękno można znaleźć w oporze.

Zewnętrzna wewnętrzna

Urodzona w biednej, robotniczej rodzinie w Newark, New Jersey, w 1922 roku, Hartigan nie zaczynała z zamiarem zostania artystką. W rzeczywistości, mając 19 lat, próbowała uciec z pierwszym mężem na Alaskę, by zostać osadnikami. Nawet po osiągnięciu sukcesu jako artystka twierdziła, że nigdy nie miała żadnego naturalnego talentu. „Po prostu miałam geniusz” — zażartowała. Jej pierwsze zawodowe doświadczenie artystyczne miało miejsce podczas II wojny światowej, kiedy utrzymywała się jako ilustratorka mechaniczna, podczas gdy jej pierwszy mąż walczył na froncie. W 1945 roku, po zapoznaniu się z twórczością Henriego Matisse’a, zainspirowała się do podjęcia kariery artystki plastyczki i przeprowadziła się na Dolny Wschód Nowego Jorku. Tam Hartigan stała się częścią kręgu zawodowego i towarzyskiego, który obejmował pionierów Abstrakcyjnego Ekspresjonizmu, takich jak Mark Rothko, Lee Krasner i Adolph Gottlieb.

Grace Hartigan - Próba do Untitled z Folderu, tom I, nr 1, 1953. Sitodruk. Kompozycja (nieregularna): 7 1/2 × 10 9/16" (19,1 × 26,8 cm); arkusz: 8 11/16 × 11 5/16" (22 × 28,7 cm). Próba poza edycją 500 egzemplarzy. Kolekcja MoMA. Dar Daisy Aldan. © 2019 Grace Hartigan

Intensywne, surowe pociągnięcia pędzla i biomorficzne formy w jej wczesnych obrazach odzwierciedlają zainteresowanie, które dzieliła z tymi malarzami zarówno abstrakcją, jak i surrealistyczną techniką automatycznego rysunku. Jednak Hartigan nigdy całkowicie nie pasowała do swoich współczesnych. Estetycznie obawiała się, że zbyt wiele zapożycza od innych. Ekonomicznie musiała zbierać płótna wyrzucane przez innych artystów i budować blejtramy z drewna z odzysku. Społecznie Hartigan czuła się outsiderką pracując wśród głównie męskich artystów. Podpisywała wiele swoich wczesnych obrazów imieniem George Hartigan — nawiązanie do XIX-wiecznych pisarek Mary Ann Evans, znanej jako George Eliot, oraz Amantine Lucile Aurore Dupin, która używała pseudonimu George Sand, co odzwierciedlało fakt, że nie czuła się całkowicie akceptowana przez zdominowaną przez mężczyzn Szkołę Nowojorską.

Grace Hartigan - Rysunek przygotowawczy do Pamięci moich uczuć, 1967. Tusz na folii. 13 15/16 x 11" (35,4 x 28 cm). Kolekcja MoMA. Dar artystki. © 2019 Grace Hartigan

Izolowane światło

Być może poczucie bycia outsiderką pomogło Hartigan zignorować krytyków, gdy odrzucili ją za wprowadzenie osobistej narracji do swoich obrazów. Nie ulega jednak wątpliwości, że ich niezrozumienie jej ewolucji sprawiło, że Hartigan cierpiała. Opisała kiedyś swoją dojrzałą twórczość jako „emocjonalny ból wspominany w spokoju”. Ostatecznie odrzuciła Nowy Jork, przeprowadzając się do Baltimore, gdzie przez cztery dekady kierowała Hoffberger School of Painting, wydziałem magisterskim Maryland Institute College of Art — programem stworzonym dla niej i opartym na jej naukach. Patrząc wstecz, wydaje się absurdalne, że krytycy mogli sądzić, iż dodanie figuratywnych odniesień do jej prac wyklucza Hartigan z dziedzictwa Abstrakcyjnego Ekspresjonizmu. Energia, intuicja i namacalna materialność tak istotne dla tego ruchu nigdy nie przestały być widoczne w jej twórczości. Nie porzuciła też całkowicie abstrakcji; po prostu przekonała się, że jej czysto abstrakcyjne obrazy czegoś brakuje, jeśli nie zawierają rozpoznawalnych odniesień do jej prawdziwego życia.

Grace Hartigan - Perski żakiet, 1952. Olej na płótnie. 57 1/2 x 48" (146 x 121,9 cm). Kolekcja MoMA. Dar George’a Poindextera. © 2019 Grace Hartigan

Ostatezną zniewagą dla Hartigan było to, że pod koniec życia całe nowe pokolenie samozwańczych pisarzy historii sztuki wątpliwie przedstawiło jej przyjęcie figuracji jako kamień milowy na drodze do Pop Artu, jakby w jakiś sposób zainspirowała powstanie tego ruchu. Hartigan potępiała to skojarzenie; dla niej Pop Art oznaczał jedynie fetyszyzację powierzchowności, podczas gdy jej prace miały na celu przekazywanie prawdy i emocji leżących u podstaw życia. Znacznie trafniej byłoby nazwać Hartigan pionierką Neoekspresjonizmu, z jego surowym, malarskim podejściem; lub Sztuki Feministycznej, biorąc pod uwagę autorytatywną pewność, z jaką stawiała czoła patriarchalnemu mizoginizmowi w dziedzinie sztuki. Jednak uważam, że najlepszym sposobem upamiętnienia jej spuścizny jest nie obciążanie jej żadnymi etykietami. Hartigan była wyjątkowa. Jej przykład dowodzi, że najlepszym sposobem na wspieranie inkluzywnego, postępowego i twórczego środowiska artystycznego nie jest przywiązywanie się do ruchów, lecz otwartość na eksperymenty i akceptacja estetycznych odchyleń.

Zdjęcie główne: Grace Hartigan - Untitled z Folderu tom I, nr 1, 1953. Sitodruk z magazynu z trzema sitodrukami. Kompozycja (nieregularna): 7 1/16 x 10 1/16" (17,9 x 25,5 cm); arkusz: 7 7/16 x 10 7/16" (18,9 x 26,5 cm). Edycja 500 egzemplarzy. Kolekcja MoMA. © 2019 Grace Hartigan
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio