Treść i emocje w sztuce Grace Hartigan

Grace Hartigan (1922 – 2008) nie była dobrze traktowana przez samozwańczych pisarzy historii sztuki. Przez całą swoją karierę była niedoceniana i źle klasyfikowana, wykluczona z ruchu, który kochała, i wrzucona do jednego z tym, którego nienawidziła. Mimo to, a może właśnie z tego powodu, Hartigan jest wspaniałym wzorem do naśladowania — artystką, która pozostała wierna swojej osobistej wizji, zamiast dostosowywać się do trendów i oczekiwań kultury jako całości. Uważana za „drugą generację ekspresjonizmu abstrakcyjnego”, Hartigan została niedawno uwieczniona w książce 9th Street Women autorstwa Mary Gabriel, która opowiada historię pięciu kobiet — Hartigan, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Joan Mitchell i Helen Frankenthaler — które były w centrum Nowojorskiej Szkoły w latach 50. XX wieku. Każda z tych pięciu kobiet rozwinęła charakterystyczny język wizualny, który znacząco przyczynił się do rozwoju i wyodrębnienia ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Jednak nawet wśród tych pionierów, Hartigan była wyjątkowa. Na początku swojej kariery, jej czysto abstrakcyjne obrazy zostały uznane za niezwykłe przez kuratorów muzealnych, takich jak Alfred Barr i Dorothy Miller, którzy włączyli Hartigan do kilku ważnych wystaw. Niemniej jednak Hartigan zaczęła czuć, że czegoś brakuje w jej abstrakcyjnych kompozycjach. W okolicach momentu, gdy jej kariera nabierała rozpędu, a słynny krytyk sztuki Clement Greenberg zaczynał promować ją jako jedną z najbardziej utalentowanych abstrakcjonistek w Ameryce, Hartigan nieco odsunęła się od czystej abstrakcji. Zaczęła malować studia dzieł Starych Mistrzów i wprowadzać elementy figuralne z współczesnego życia do swoich abstrakcyjnych kompozycji. Dla Hartigan połączenie figuralności i abstrakcji reprezentowało doskonalszą mieszankę treści i emocji. „Znalazłam mój temat,” ogłosiła, „dotyczy on tego, co jest wulgarne i żywotne w amerykańskim nowoczesnym życiu oraz możliwości jego transcendencji w piękno.” To, co było przełomem dla Hartigan, jednak było rozczarowaniem dla Greenberga i innych, którzy kiedyś chwalili jej abstrakcyjną twórczość, i natychmiast porzucili swoje wsparcie. Niemniej jednak Hartigan upierała się przy pierwszeństwie swojej własnej wizji. W tym procesie mogła zerwać swoje relacje z sławą, celebrytem i patriarchalną historią sztuki; ale udowodniła, że prawda i piękno można znaleźć w oporze.

Zewnętrzny Insider

Urodzona w ubogiej rodzinie robotniczej w Newark w New Jersey w 1922 roku, Hartigan nie zaczęła od zamiaru zostania artystką. W rzeczywistości, w wieku 19 lat próbowała uciec z pierwszym mężem na Alaskę, aby zostać osadnikami. Nawet po tym, jak stała się odnoszącą sukcesy artystką, twierdziła, że nigdy nie miała żadnego naturalnego talentu. "Po prostu miałam geniusz," żartowała. Jej pierwsze profesjonalne doświadczenie artystyczne miało miejsce podczas II wojny światowej, kiedy utrzymywała się jako ilustratorka mechaniczna, podczas gdy jej pierwszy mąż walczył na wojnie. W 1945 roku, po zapoznaniu się z pracami Henriego Matisse'a, zainspirowała się do podjęcia kariery jako artystka sztuk pięknych i przeprowadziła się na Lower East Side w Nowym Jorku. Tam Hartigan stała się częścią profesjonalnego i towarzyskiego kręgu, który obejmował pionierów ekspresjonizmu abstrakcyjnego, takich jak Mark Rothko, Lee Krasner i Adolph Gottlieb.

Grace Hartigan - Proof for Untitled from Folder, Vol. I, No. I, 1953. Sitodruk. Kompozycja (nieregularna): 7 1/2 × 10 9/16" (19,1 × 26,8 cm); arkusz: 8 11/16 × 11 5/16" (22 × 28,7 cm). Proof poza edycją 500. Kolekcja MoMA. Dar Daisy Aldan. © 2019 Grace Hartigan

Intensywne, surowe pociągnięcia pędzla i biomorficzne formy w jej wczesnych obrazach odzwierciedlają zainteresowanie, które dzieliła z tymi malarzami zarówno w abstrakcji, jak i w surrealistycznej technice automatycznego rysunku. Jednak Hartigan nigdy całkowicie nie pasowała do swoich współczesnych. Estetycznie obawiała się, że zbyt wiele pożycza od pomysłów innych. Ekonomicznie musiała zbierać płótna porzucone przez innych artystów i budować ramy z odpadów drewnianych. Społecznie Hartigan czuła się outsiderką pracującą wśród głównie męskich artystów. Wiele swoich wczesnych obrazów podpisywała imieniem George Hartigan — nawiązanie do 19-wiecznych pisarek Mary Ann Evans, która posługiwała się pseudonimem George Eliot, oraz Amantine Lucile Aurore Dupin, która używała pseudonimu George Sand, co odzwierciedla fakt, że nie czuła się całkowicie akceptowana przez zdominowaną przez mężczyzn Nowojorską Szkołę.

Grace Hartigan - Rysunek przygotowawczy do W Pamięci Moich Uczuć, 1967. Tusz na acetacie. 13 15/16 x 11" (35,4 x 28 cm). Kolekcja MoMA. Dar artystki. © 2019 Grace Hartigan

Odosobnione światło

Być może jej poczucie siebie jako outsidera pomogło Hartigan zignorować krytyków, gdy odrzucili ją za wprowadzenie osobistej narracji do jej obrazów. Ale nie ma wątpliwości, że ich niezrozumienie jej ewolucji spowodowało, że Hartigan cierpiała. Kiedyś opisała swoją dojrzałą twórczość jako „emocjonalny ból zapamiętany w spokoju”. Ostatecznie odrzuciła Nowy Jork w zamian, przenosząc się do Baltimore, gdzie spędziła cztery dekady prowadząc Hoffberger School of Painting, wydział magisterski Maryland Institute College of Art — program założony dla niej i zbudowany wokół jej nauczania. Patrząc wstecz, wydaje się absurdalne, że krytycy myśleli, iż dodanie odniesień figuralnych w jej pracy wyklucza Hartigan z dziedzictwa ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Energia, intuicja i namacalność, tak istotne dla tego ruchu, nigdy nie przestały być widoczne w jej pracy. To także nie było tak, że całkowicie porzuciła abstrakcję; po prostu stała się przekonana, że jej czysto abstrakcyjne obrazy czegoś brakuje, jeśli nie zawierają jakiegoś rozpoznawalnego odniesienia do jej prawdziwego życia.

Grace Hartigan - Perski płaszcz, 1952. Olej na płótnie. 57 1/2 x 48" (146 x 121,9 cm). Kolekcja MoMA. Dar George'a Poindextera. © 2019 Grace Hartigan

Ostateczna zniewaga dla Hartigan przyszła późno w jej życiu, gdy całe nowe pokolenie samozwańczych pisarzy historii sztuki wątpliwie przekształciło jej przyjęcie figuralności w kamień milowy na drodze do Pop Art, jakby w jakiś sposób zainspirowała wzrost tego ruchu. Hartigan ubolewała nad tym skojarzeniem; dla niej Pop Art reprezentował jedynie fetyszyzację wyglądów, podczas gdy jej prace dotyczyły komunikowania ukrytej prawdy i emocji związanych z życiem. O wiele dokładniej byłoby nazwać Hartigan pionierką Neoekspresjonizmu, z jego surową, malarską postawą; lub Sztuki Feministycznej, biorąc pod uwagę autorytatywną pewność, z jaką stawiała czoła patriarchalnemu mizoginizmowi w dziedzinie sztuki. Jednak uważam, że najlepszym sposobem na zapamiętanie jej dziedzictwa jest nieobciążanie jej żadnymi etykietami. Hartigan była wyjątkowa. Jej przykład dowodzi, że najlepszym sposobem na wspieranie inkluzywnej, postępowej, kreatywnej dziedziny sztuki jest nie skupianie się na ruchach, ale przyjmowanie eksperymentów i witanie estetycznych odchyleń.

Obraz wyróżniony: Grace Hartigan - Bez tytułu z Folderu vol. I, nr I, 1953. Sitodruk z magazynu z trzema sitodrukami. Kompozycja (nieregularna): 7 1/16 x 10 1/16" (17,9 x 25,5 cm); arkusz: 7 7/16 x 10 7/16" (18,9 x 26,5 cm). Edycja 500. Kolekcja MoMA. © 2019 Grace Hartigan
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio