Fan czerwieni? Ta sztuka abstrakcyjna jest dla Ciebie!

Czerwień to pierwszy kolor, który opanowali, wytworzyli, powielili i rozbili na różne odcienie ludzie, twierdzi Michel Pastoureau w swojej przełomowej książce Czerwień: Historia koloru. Od naszych paleolitycznych przodków, którzy wybierali czerwień do malowideł jaskiniowych, po współczesnych artystów, czerwień króluje na palecie barw. Dzięki swojej potężnej metaforycznej sile, bogatym symbolom i spolaryzowanym skojarzeniom, czerwień zafascynowała również artystów abstrakcyjnych. Jednak oprócz wzniosłych idei, czerwona sztuka abstrakcyjna przyniosła także niemałe zyski. Badacze z CentERlab na Uniwersytecie w Tilburgu w Holandii przeanalizowali 5500 abstrakcyjnych dzieł sprzedanych na aukcjach w latach 1994–2017, aby zrozumieć wpływ koloru na historyczne ceny aukcyjne. Ich badanie Kolory, emocje i wartość aukcyjna obrazów wykazało, że obrazy w odcieniach niebieskiego i czerwonego sprzedają się lepiej niż w innych kolorach. Dokładniej, średnio czerwone obrazy przyciągają o 17,28 procent wyższe oferty i silniejszą chęć zakupu. Tak, słyszymy was – czerwona sztuka abstrakcyjna jest absolutnie porywająca. Przewiń w dół, aby zobaczyć nasz najlepszy wybór czerwonych dzieł abstrakcyjnych i dodaj te czerwone cuda do swojej kolekcji.

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II

W Breaking Contour (Red Square) II Annear zestawia uspokajające ziemiste tony z kojącą czerwienią, nakładając farbę na farbę, mokre na mokre. To chromatyczne zlanie łączy pierwotne i starożytne motywy z nowoczesnym wyrazem wizualnym Anneara. Annear preferuje olej na płótnie, budując obrazy z warstw i tworząc złożone faktury powierzchni. Nieustannie bada relację między abstrakcją a farbą, skupiając się na odszyfrowaniu związku między naturalnym środowiskiem wyrażonym ziemistymi tonami a surowymi kolorami podstawowymi. Annear jest angielskim malarzem mieszkającym i pracującym w Kornwalii.

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Olej na płótnie. 100 x 80 cm.

Audrey Barcio - Untitled #7

Untitled #7 ucieleśnia dziedzictwo suprematyzmu, abstrakcji geometrycznej i minimalizmu, gdy Barcio trafnie przekształca nicość i pustkę w konkretną formę. Jednak jej praca wykracza poza tę historyczną linię – jej zaplanowana kompozycja i surowe płótno z szaro-białym wzorem zmieniają się, gdy poddaje się swoim wizualnym instynktom i (nie)świadomej intuicji. Wypełnia pustkę Photoshopa dwoma odcieniami czerwieni, które budują konkretność kompozycji i odsłaniają jej znaczenie, nie definiując go jednoznacznie. Barcio jest amerykańską artystką abstrakcyjną, która bada i rozwija dziedzictwo modernizmu oraz jego związek z narzędziami wirtualnej epoki przemysłowej. Mieszka i pracuje w Chicago.

Audrey Barcio - Untitled #7, 2017. Akryl, flasz i mika na płótnie. 152,4 x 127 x 3,81 cm.

Arvid Boecker - #1182

Od 2014 roku Boecker tworzy obrazy olejne na płótnie o wymiarach 50x40 cm, które dzieli podłużną linią na dwa pola malowane różnymi kolorami. Długi czas schnięcia gruntowanego płótna skutkuje rodzinami obrazów lub seriami, które dojrzewają, gdy nakłada do 40 warstw koloru. Czas schnięcia jest nieodłączną częścią pracy, podczas której rozważa kolor, jego wpływ na widza, wzajemne oddziaływanie barw itd. #1182 zestawia warstwy czerwonego i pomarańczowego pigmentu, tworząc poczucie głębi i gorzko-słodkiego uczucia upływu czasu. Boecker jest niemieckim malarzem i kuratorem, przedstawicielem sztuki konkretnej. Mieszka i pracuje w Heidelbergu w Niemczech.

Arvid Boecker - #1182, 2018. Olej na płótnie na drewnianej płycie. 50 x 40 x 5,5 cm.

Anthony Frost - Surface Pressure

Surface Pressure to fascynujący przykład żywiołowej, surowej energii w twórczości Frosta. Zainspirowany estetyką punku, która przelała się z buntowniczego gatunku muzycznego do sztuki wizualnej, Frost przyjął zapał punku do kolażu, który zręcznie wplata w swoje obrazy. Tworzy abstrakcyjne kształty z odnalezionych materiałów, nakłada je warstwami na płótno i maluje żywymi kolorami. Wolność we wszystkich jej koncepcyjnych wyrazach dominuje w jego twórczości, w tym w jego wysoce intuicyjnej metodzie podobnej do automatycznego rysunku czy malarstwa akcji. Frost jest brytyjskim malarzem, synem słynnego Sir Terry’ego Frosta, znanego z abstrakcyjnych dzieł składających się z jaskrawo kolorowych grafik i kolaży.

Anthony Frost - Surface Pressure, 2016. Akryl i techniki mieszane na płótnie. 50,8 x 40,6 cm.

Daniel Göttin - 2003 Untitled 5

2003 Untitled 5 ukazuje śmiałą próbę Göttina uchwycenia czerwieni w jej najbardziej istotnej, minimalistycznej formie, demonstrując wyjątkową klarowność i przemyślenie. Ta klarowność nie jest stała, lecz opiera się na jego iteracyjnej, powtarzalnej strategii, która reaguje na zmieniające się warunki, badając subiektywną naturę percepcji. Göttin łączy swoje prace naścienne, takie jak ten akryl na bawełnianej tkaninie i MDF, z pracami na ścianie, tworząc ciągle rozwijającą się całość swojej twórczości. Daniel Göttin jest szwajcarskim artystą, którego prace dzielą się na dzieła site-specific oraz kolorowe lub malowane obiekty na ściany. Mieszka i pracuje w Bazylei.

Daniel Göttin - 2003 Untitled 5, 2003. Akryl na bawełnianej tkaninie na MDF. 40 x 36 cm.

Jill Moser - Soft Assembly 3

Ten monotyp ujawnia nieustanne zgłębianie przez Moser głębi historii pisma. Głęboka fascynacja Moser językiem wizualnym i indeksacyjnym kulminuje się w lirycznych, gestualnych i kaligraficznych znakach, które są zarówno autoreferencyjne, jak i odkrywcze. Soft Assembly 3 to delikatny przykład łączenia rozległych i energicznych pociągnięć pędzla z drobnymi liniami. Szerokie, uspokajające czerwone pociągnięcia łączą się z mocnymi, czerwonymi zakrzywionymi liniami i przestrzeniami dymnej ulotności, tworząc unikalne miejsce do performatywnej kontemplacji. Moser jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której twórczość bada przecięcie malarstwa, pisma i animowanego obrazu. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Jill Moser - Soft Assembly 3, 2003. Monotyp. 76,2 x 121,92 cm.

Ulla Pedersen - Cut-Up Paper II.4

Pedersen wyróżnia się ograniczoną paletą barw, w której dominuje niecodzienna czerwień oraz jej minimalistyczne, ostre i półgeometryczne kształty na uspokajającym jednolitym tle. Harmonia i napięcie w Cut-Up Paper II.4 wynikają z kontrastujących kolorów, wzorów oraz geometrycznych i organicznych form. Pedersen inspiruje się siłą formalnych elementów estetycznych oraz relacjami, które powstają i ewoluują, gdy takie elementy jak kolor, forma, kształt i wzór są mieszane, przesuwane i nakładane warstwami. Pedersen jest duńską artystką abstrakcyjną. Jej twórczość to minimalistyczne i konkretne badanie koloru, materii, formy i równowagi.

Ulla Pedersen - Cut-Up Paper II.4, 2016. Akryl na papierze. 30 x 30 cm.

Claude Tétot - Untitled 10

Ten żywy, przejrzysty obraz olejny i akrylowy na papierze ukazuje wyrafinowany język wizualny Tétota pełen komplementarnych sprzeczności – negatywna przestrzeń staje się wyrazem formy; solidne pola koloru równoważą precyzyjne wzory; ostre linie i siatki zestawione są z ekspresyjnymi elementami. Untitled 10 ucieleśnia te zagadkowe jedności wyrażone przez pozorne dysharmonie – żywe i rozbieżne – przekładając chaos na porządek i odwrotnie. Tétot dostrzega piękno w rozbieżności oczywistości, w niezgodzie tego, co dane. Tétot jest francuskim artystą abstrakcyjnym, którego prace wyrażają harmonię w dysharmonii, badając zagadkową jedność, jaka może istnieć między pozornie odmiennymi elementami. Mieszka i pracuje w Savins we Francji.

Claude Tétot - Untitled 10, 2018. Olej i akryl na papierze. 70 x 100 cm.

Audrey Stone - Full Flush

Full Flush czerpie z idei obrazu Flush, ale chromatycznie skupia się wyłącznie na czerwieni, badając wszystkie skojarzenia i metaforyczną niejednoznaczność tego koloru. Stone wykorzystuje nasze kulturowo bogate skojarzenia, które łączą czerwień zarówno z pasją, złością, jak i autorytetem. Jej eksploracja rozwija się na intymnej skali, warstwa po warstwie, gdy surowa powierzchnia ustępuje miejsca nowym cechom ograniczonego koloru i bardziej złożonej kompozycji. Stone jest amerykańską artystką abstrakcyjną, która bada kolor, linię, materię i proces w różnych mediach i na różnych powierzchniach. Mieszka i pracuje w Brooklynie. Anya Spielman – Flame ukazuje przekonującą i bezpośrednią metaforyczną moc, jaką zawiera czerwień. Semantyczna waga czerwieni definiuje całą kompozycję i wywołuje znaczenie niemal pobocznego różu, bladej kremowości i żółci. Tworzy to rozdzierające napięcie, które przedstawia powtarzające się podwójne obrazy: napięcie między wiedzą a niewiedzą, byciem widzianym i niewidzialnym oraz człowieczeństwem i nieludzkością. Spielman jest amerykańską malarką abstrakcyjną, której prace badają konstelację sił i form binarnych. Mieszka i pracuje w rejonie Los Angeles.

Audrey Stone - Full Flush, 2015. Flasz i akryl na lnie. 43,2 x 43,2 cm.

Anya Spielman - Flame

Flame ukazuje przekonującą i bezpośrednią metaforyczną moc, jaką zawiera czerwień. Semantyczna waga czerwieni definiuje całą kompozycję i wywołuje znaczenie niemal pobocznego różu, bladej kremowości i żółci. Tworzy to rozdzierające napięcie, które przedstawia powtarzające się podwójne obrazy: napięcie między wiedzą a niewiedzą, byciem widzianym i niewidzialnym oraz człowieczeństwem i nieludzkością. Spielman jest amerykańską malarką abstrakcyjną, której prace badają konstelację sił i form binarnych. Mieszka i pracuje w rejonie Los Angeles.

Anya Spielman - Flame, 2015. Olej na papierze. 17,8 x 17,8 cm.

Odkryj więcej czerwonych dzieł abstrakcyjnych!

Zdjęcie wyróżnione: Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018, widok instalacji.
Fot. Jovana Vuković