18 Artistas Abstratos Contemporâneos Falam Sobre Sua Linhagem

É perigoso e impossível ensinar arte. No entanto, também é imperativo. Para que a arte exista, os artistas devem aprender a se tornar aquilo que vão se tornar, e a criar aquilo que vão criar. Alguns aprenderão na escola, com outros humanos imperfeitos como eles, que por algum motivo assumiram a tarefa perigosa, impossível e imperativa de compartilhar com os outros aquilo que aprenderam. Outros artistas encontrarão professores fora da sala de aula. Eles podem aprender o que significa ser um artista ao conviver com outros artistas em inaugurações ou bares. Podem aprender o que significa fazer arte assistindo a vídeos online, ou desconstruindo a arte que veem em museus ou livros. Alguns artistas podem ensinar a si mesmos o que são seguindo a inspiração que recebem da arquitetura e do design, simplesmente respondendo aos pensamentos e sentimentos que experimentam ao interagir com o ambiente construído cotidiano e seus inúmeros produtos e espaços. Outros ainda podem aprender a ser artistas simplesmente abraçando—e depois nutrindo—a sua compulsão interior para criar. O processo de fazer pode nos ensinar como fazer. O processo de ser pode nos ensinar o que queremos ser. No final, todos que passam pelo processo de aprendizado até o momento em que podem dizer a frase, “Eu sou um artista,” sem sentir que é uma mentira, terão uma história para contar sobre seus professores. Hoje trazemos uma coleção dessas histórias de artistas corajosos o suficiente para compartilhar suas linhagens de aprendizado. Eles são corajosos porque anunciar sua herança estética ou conceitual os expõe a uma ameaça terrível. Você, leitor, pode perceber que um artista foi aluno de outro artista, ou foi inspirado por isto ou aquilo, e confundir isso com um atalho. Pode dizer, “Aha! Agora vejo quem eles estão copiando,” ou, “Agora entendo a arte deles!” Em vez disso, ao ler essas anedotas de como esses 18 artistas se tornaram o que são, deixe a informação expandir sua percepção. Siga cada fio e aprofunde-se. Você pode vislumbrar a beleza perigosa, impossível e imperativa do que realmente significa ensinar e aprender arte.

Anya Spielman

Spielman foi estudante de Wayne Thiebauld na Universidade da Califórnia em Davis. Sobre seus outros professores, ela diz:

"Uma grande influência para mim foi ver o tríptico de Hieronymus Bosch, “O Jardim das Delícias Terrenas” no Prado quando eu era adolescente. Fiquei impressionada com a iconografia, assim como com as cores exuberantes e as composições intrincadas de sua obra. Respondi imediatamente à dualidade no trabalho de Bosch: sua paleta austera e iluminada: tons de preto tinta, umber, rosa pálido, osso, vermelhão e azurita; as curvas de suas cápsulas translúcidas de prazer no Éden em justaposição com a descida psicológica e física penetrante a um inferno alucinatório. O gênio visionário de Bosch representou a natureza humana em todas as suas formas, com uma intimidade direta e poder que acho incrivelmente raro até hoje."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Óleo sobre painel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin estudou com Louis Finkelstein enquanto era estudante de pós-graduação no Queens College, City University of New York. Na mesma escola, ela estudou com Benny Andrews, que se formou como Expressionista Abstrato na School of the Art Institute of Chicago nos anos 1950; Clinton Hill, que foi assistente de estúdio de Mark Rothko; o crítico de arte e editor associado da Artforum Robert Pincus-Witten, que ela diz “ajudou meu olhar crítico”; e Charles Cajori, que foi aluno de Hans Hoffman. Diz Sirlin:

"[Lineage] é realmente uma questão complicada. As conexões com artistas também são tortuosas. Anne Truitt foi importante para mim quando eu era uma jovem artista em Yaddo. Melissa Meyer também estava lá naquele verão [1983]. Erin Lawlor foi minha colega de estúdio no The Rothko Centre na Letônia. Jose Heerkins estava no Rothko Centre ao mesmo tempo que nós [2016]. Kara Walker era estudante quando eu ensinei no The Atlanta College of Art e Kara e eu expusemos na mesma Bienal de Atlanta em 1992. Depois, há os outros artistas — escritores e dramaturgos. Hayden Herrera [biógrafa de Frieda Kahlo e Arshile Gorky] foi minha mentora como crítica de arte. Chris Kraus [I Love Dick] e eu estávamos juntos em Yaddo... Eu era amiga próxima do dramaturgo Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Ele foi roteirista para Warhol... Espero não ter confundido as coisas para você com esta resposta adicional."

Deanna Sirlin - Maravilha, 2015. Técnica mista sobre tela. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

"Quando comecei a pintar, fui mais influenciada por Picasso. Fui atraída pelo uso de cor e pela marcação, em particular em “Garota Diante do Espelho” (1932). Mais tarde, quando comecei a pintar mais no estilo Expressionismo Abstrato, fui mais atraída por Joan Mitchell e Willem De Kooning. No entanto, realmente comecei a olhar para o trabalho deles depois que comecei a pintar dessa forma, não antes."

Brenda Zappitell - No momento, 2017. Flashe e acrílico com cera fria sobre painel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

Em uma entrevista de 2006 para Minus Space NY, o pintor Chris Ashley perguntou a Göttin onde ele começa como artista. Göttin respondeu:

"A história da arte às vezes finge que um movimento artístico particular é uma entidade completa. Usar o termo “concreto” não coincide necessariamente com o pano de fundo ideológico da Konkrete Kunst, que também se baseava em ideias sobre sociedade e política. Minha preocupação é com uma entidade que também pode incluir contradições—um sim e um não, e até um talvez. Meu ponto de partida é uma síntese de diferentes visões ou posições ao mesmo tempo, que para mim é uma visão espacial. Pode ser óbvia ou sutil, simétrica ou assimétrica ou ambas juntas, com ou sem contradição. Pode ser regra e desvio juntos. Algumas das primeiras obras que fiz foram colagens relacionadas ao trabalho de Kurt Schwitters (Merz), qualquer material encontrado grosseiramente colado em um pedaço de papelão—físico, direto, improvisado, acidental, colorido, até dadaísta. Mais tarde, me interessei pela Arte Minimal, onde a obra de arte é frequentemente planejada com precisão, e perfeitamente e claramente construída com um uso definido de materiais e atenção aos detalhes. Ambos os movimentos são importantes para mim, e às vezes vejo meu trabalho carregando partes de ambos, correspondendo entre essas duas posições históricas da arte."

Daniel Göttin - Sem título 2 (Rosa), 1992. Acrílico sobre pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"É bastante difícil entender as próprias influências, pelo menos para mim, pois trabalho principalmente pela intuição e não tanto pela consciência. Acho que meus anos formativos como estudante de arte na UCLA (BA 74, MFA 77) formaram grande parte de quem eu sou. Naquela época, a UCLA era uma escola bastante voltada para pintura com uma inclinação europeia/modernista. Para minha primeira aula de pintura, eu estava inscrito para fazer a aula introdutória de pintura com Richard Diebenkorn (eu não fazia ideia de quem ele era), mas ele e a liderança do corpo docente tiveram alguns problemas, e sua posição foi encerrada antes do início da aula. Então estudei com Richard Joseph, um novo realista, que me deu uma base sólida. Só seis meses depois, trabalhando em uma aula de pintura mais avançada com Charles Garabedian, comecei a experimentar com a abstração. Ao longo dos anos, o professor que provavelmente teve mais influência sobre mim foi William Brice. Bill era um professor e amigo muito articulado, digno, generoso, atencioso e engraçado. Como um artista prolífico e trabalhador, ele frequentemente falava sobre a necessidade de passar tempo no estúdio resolvendo as coisas e que todo o resto é menos importante. Penso nele frequentemente e me sinto muito sortudo por tê-lo conhecido por muito tempo. Demorou alguns anos para me separar da ideia de ser um estudante e de ouvir os sons dos meus antigos professores na minha cabeça sempre que eu pintava, mas com o tempo alcancei uma noção clara de quem sou e da responsabilidade que tenho de fazer um trabalho que realize minha visão. Muitas vezes vejo aspectos de outros artistas no meu trabalho, às vezes sentindo que há realmente uma conexão por meio das mesmas ideias e outras vezes parece que qualquer semelhança é apenas superficial. No final, deixo os críticos de arte falarem sobre as influências."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tinta sobre papel. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) foi meu professor de gravura há 25 anos. Nos conhecemos pela primeira vez quando eu estava hospedada no Fine Arts Work Center em Provincetown, onde Michael oferecia um workshop de uma semana sobre gravura. Muitas coisas se destacam sobre nossa conexão inicial: Michael era uma pessoa incrivelmente empática e socialmente consciente, não apenas em seu tema escolhido (desenhos e gravuras dos pacientes sofrendo em um hospital psiquiátrico e animais atrás das grades em um zoológico), mas em nossas conversas individuais sobre a vida. Ele me ensinou a ser generosa pelo exemplo como uma forma de equilibrar a autoabsorção do estúdio. Não havia nada sobre sua técnica ou a busca por uma carreira artística que Michael não compartilhasse. Michael passou um tempo na China no final dos anos 80 e foi através de seu amor pela paisagem asiática que aprendi a simplificar meus gestos, a pintar com uma economia de expressão, algo que guardo muito perto do meu coração. Nunca esquecerei seu senso de humor quando ele me dizia: “Tracey, isso é ungepatchke!”, uma palavra iídiche que significa muito ocupado e decorado.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafite e tinta sobre rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee cita sua primeira inspiração como uma aquarela de Paul Cezanne que viu quando tinha 11 anos, que deixou “uma impressão inesquecível.” Ela continua dizendo:

"Meu professor, Klaus Stümpel, estava tão próximo da natureza que quase ganhou o apelido de ‘fazendeiro.’ Ele recomendou que eu estudasse Frantisek Kupka. Estudei seu processo de abstração e sua perspectiva cósmica e mística. Acima de tudo, aprendi mais do que tudo sobre seu amor pela vida e sua vontade de manter seus pensamentos. Quando voltei para a Coreia, pensei novamente em Kandinsky. Acho que seu desejo de encontrar uma verdade objetiva e universal na arte é um desafio impossível. Acho que a arte é subjetiva e pessoal, e não outra coisa. Quando busco meu lado mais profundo, posso me comunicar com o interior dos outros. Acho que a arte pode ser um meio que conecta o microcosmo (humano) e o macrocosmo (mundo). Especialmente, a cor é o tema da minha pesquisa. Estou procurando a cor como um adjetivo. Gosto da atitude de Richter em relação ao trabalho, sua paixão pela pintura e o espírito de experimentação. Talvez On Kawara? Gosto do trabalho dele, que queria provar que estava vivo, e quero provar para mim mesma, trabalhando todos os dias, que ainda estou viva, emocional e sensivelmente. Meus pensamentos sobre Wassily Kandinsky e muitos outros Minimalistas são muito diferentes da perspectiva geral. Não concordo com o ponto de vista artístico deles."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Acrílico sobre tela, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman cita influências que incluem artistas (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman e Andy Warhol), designers (Saul Bass e Roy Kuhlman) e arquitetos (Le Corbusier). Mas ela também fala sobre as formas pessoais pelas quais a cultura influenciou sua arte, como na seguinte anedota:

"O negócio do meu pai era sinalização. Como a maioria das crianças urbanas na América, cresci no banco de trás de um carro, hiper consciente de outdoors e neon. Estímulos visuais diretos e chamativos faziam parte da minha psique. Muito recentemente, eu estava visitando o MoMA em Nova York e fiquei impressionada novamente com a pintura de Barnett Newman “Vir Heroicus Sublimis” (Homem, Heróico e Sublime) (1950-51). Minha resposta visceral ao seu poder, imediatismo e simplicidade foi avassaladora, reafirmando meu próprio passado visual e identidade."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache em Papel Khadi Artesanal. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Para mim, foi Mondrian. Os artistas abstratos daquela época trabalhavam mais conceitualmente com a abstração, ou seja, gostavam da ideia dela, enquanto Mondrian trabalhava de trás para frente através da mecânica e saía do outro lado reinventando o plano da imagem. Poucos fizeram isso desde então. Depois comecei a pensar que devia haver mais maneiras de entrar nesse espaço estranho que Mondrian tinha tão claro domínio. [Ellsworth] Kelly e [Robert] Mangold mostraram outras formas de expressar esse ‘outro’ espaço. A experiência desses artistas me deu espaço para realmente apreciar os esforços dos meus pares e para me esforçar para ultrapassar o próximo limite."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Acrílico sobre papel. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Eu amei e pensei frequentemente no trabalho de Vija Celmins. Sua observação intensa e execução calma são muito inspiradoras para mim. Louise Bourgeois sempre me inspirou com sua determinação de se expressar no melhor meio para suas ideias. Uma inspiração mais óbvia seria Agnes Martin, adoro sua reserva confiante, e Mark Rothko pelo impacto emocional que seu trabalho pode causar."

Audrey Stone - Nb. 61, 2011. Linha, tinta e grafite sobre papel. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville menciona os blockhaus alemães da era da Segunda Guerra Mundial que alinham a costa atlântica francesa. Ele diz: “A maioria das pessoas os considera cicatrizes feias. Aos meus olhos, sua substância fazia parte da paisagem, o tempo os fundiu com a areia, dunas e mar ou com as pinturas que artistas de rua fizeram sobre eles.” Além disso, Auville foi afetado por esta experiência de sua juventude:

"Com seis ou sete anos, tive o privilégio de visitar a Caverna de Lascaux, no sudoeste da França. Foi um choque para mim. Meus pais compraram alguns fac-símiles como lembranças e passei horas olhando para eles no porão da nossa casa, tentando entender o que fazia a diferença entre as imagens e a obra de arte real. A diferença era óbvia, mas eu lutava para entender sua substância. Eu ligava e desligava a luz, colava areia nas imagens na tentativa de replicar a substância das pinturas de Lascaux, mas nunca alcançava o que eu pensava ser a alma delas."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Cimento pigmentado sobre painéis de espuma. Estrutura e suporte para pendurar na parte de trás. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan menciona influências que vão desde artistas (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) até designers de álbuns (Hipgnosis, Peter Saville), passando por músicos (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Ele diz:

"Nos anos antes da minha puberdade, a linguagem visual de Piet Mondriaan recebeu muita atenção na Holanda. Eu era muito jovem para pensar em termos de arte, mas Mondriaan estava lá, e era intrigante. E ainda é! Um pouco mais tarde conheci os Suprematistas que, como eu, tomaram formas geométricas como ponto de partida. Como minhas irmãs têm cerca de cinco anos a mais que eu, descobri (através dos namorados delas) no início da adolescência música ‘progressiva’ e o design das capas que a acompanhava. Não surpreendentemente, eu queria me tornar um designer de capas. Se eu tivesse que escolher um artista visual que mudou minha forma de olhar as coisas, seria Ellsworth Kelly. Em meados dos anos 80, o Stedelijk Museum em Amsterdã comprou “Blue Curve VI” (1982). Eu ia regularmente olhar para ela e estudava a linguagem visual. Mas agora, talvez mais importante, também sou guiado pela minha própria reação à arte... Comecei a pensar sobre arte... o propósito, o significado, ai meu Deus."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Tinta Ultrachrome HD em papel Hannemuhle. 29,7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Os ensinamentos de Josef Albers influenciam como penso em colocar cores em diferentes contextos. E os skyspaces de James Turrell influenciaram como penso em colocar cor atmosférica em diferentes contextos. Em geral, a estética geral das minhas séries Paper Skies e Moving Pictures é fortemente influenciada por pintores americanos modernos como Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etc."

Brenda Biondo - Paper Sky nº 21 (Grande), 2015. Impressão por sublimação de corante em alumínio (acabamento mate/brilhante). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Descobri, há mais de 20 anos, a capela de Ronchamp, uma obra tardia do arquiteto Charles Edouard Jeanneret, conhecido como Le Corbusier. Não senti, nem antes nem depois, tal percepção da correção das possibilidades entre maciez e elevação. Então começou para mim essa longa busca, que ainda me alimenta hoje, visando aproximar a relação mais apropriada entre cheio e vazio."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum e ponta seca em cobre. Impressão em papel bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Eu gostaria de falar sobre o artista que me inspirou por décadas, mais do que qualquer outro artista: Matisse, um artista que se poderia estudar por toda a vida. Seu trabalho tomou tantos caminhos por causa de sua experimentação e investigação de novas possibilidades com a pintura. São belos, edificantes, complexos, às vezes adoráveis e serenos, às vezes difíceis e desafiadores — reflexo de como a vida é."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarela sobre papel. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

Em vez de listar suas influências, Cantrick cita os artistas cujo trabalho mais lhe interessa, independentemente de haver ou não alguma ligação direta com seu próprio trabalho. Sua lista curta para moderno e contemporâneo:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé e Per Kirkeby. Essa é uma lista eclética e não exaustiva, mas o que eles têm em comum é clareza, complexidade e vitalidade — que são minhas próprias preocupações — expressas por meio de cor forte e estrutura, formas distintas e um espaço pictórico raso. Para o pré-moderno, Vermeer, Degas e Manet estão no topo da minha lista, novamente por esse trio de atributos: clareza, complexidade, vitalidade. Além disso: a tensão na representação sólida de Vermeer transmite uma quietude incrivelmente palpável — a suspensão do tempo. A maneira particular de Degas de pontuar seu espaço com áreas “silenciosas”, não animadas e/ou um forte elemento vertical promove uma visualização prolongada e rítmica. E há uma imediaticidade e frescor em Manet que, além de toda a maestria, é, em seu melhor momento, fascinante."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrílico sobre linho. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"No meu caso, não fui influenciada por um artista em particular, mas sim pela comunidade artística onde cresci em Chicago. Havia artistas por toda parte no meu bairro, chamado Lincoln Park ou Old Town, e quando demonstrei interesse por desenho ainda pré-adolescente, fui incentivada a ir para a escola afiliada ao maravilhoso Art Institute of Chicago para desenho de figura. Lá, eu podia atravessar diretamente o Museu com sua famosa coleção impressionista para entrar na escola. Acho que isso basicamente formou meu interesse por linha, gesto e cor."

Anne Russinof - Look See, 2014. Óleo sobre tela. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Minha linhagem artística está encontrada em artistas que combinam uma abordagem "redutiva" para a criação de imagem/objeto com atenção à superfície e detalhes sutis. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros e Sol Lewitt vêm à mente. Além disso, o trabalho escultórico de Richard Serra, Carl Andre e Fred Sandback, com seu uso particular do espaço tridimensional, continua a inspirar minha abordagem à pintura."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrílico sobre tela. 122 x 96,9 cm