18 Artistas Abstratos Contemporâneos Falam Sobre Sua Linhagem

É perigoso e impossível ensinar arte. No entanto, também é imperativo. Para que a arte exista, os artistas devem aprender a se tornar o que quer que eles estejam prestes a se tornar e como criar o que quer que eles estejam prestes a criar. Alguns aprenderão na escola, com outros humanos imperfeitos como eles que, por qualquer motivo, assumiram a perigosa, impossível e imperativa tarefa de compartilhar com os outros o que quer que tenham aprendido. Outros artistas encontrarão professores fora da sala de aula. Eles podem aprender o que significa ser um artista ao conviver com outros artistas em vernissages ou em bares. Eles podem aprender o que significa fazer arte assistindo a vídeos online ou desconstruindo a arte que veem em museus ou em livros. Alguns artistas podem se ensinar o que são seguindo a inspiração que recebem da arquitetura e do design, simplesmente respondendo aos pensamentos e sentimentos que experimentam ao interagir com o ambiente construído cotidiano e seus inúmeros produtos e espaços. Outros ainda podem aprender a ser artistas simplesmente abraçando — e então nutrindo — sua compulsão interna de criar. O processo de fazer pode nos ensinar como fazer. O processo de ser pode nos ensinar o que queremos ser. No final, todos que conseguem passar pelo processo de aprendizado até o momento em que podem dizer a frase "Eu sou um artista" sem sentir que é uma mentira terão uma história para contar sobre seus professores. Hoje trazemos a você uma coleção de tais histórias de artistas corajosos o suficiente para compartilhar suas linhagens de aprendizado. Eles são corajosos porque anunciar seu patrimônio estético ou conceitual os expõe a uma terrível ameaça. Você, leitor, pode perceber que um artista foi aluno de outro artista, ou foi inspirado por isso ou aquilo, e confundir isso com um atalho. Você pode dizer: "Aha! Agora eu vejo de quem eles estão copiando", ou, "Agora eu entendo a arte deles!" Em vez disso, ao ler esses relatos de como esses 18 artistas se tornaram o que são, deixe as informações expandirem sua percepção. Siga cada fio e aprofunde-se. Você pode vislumbrar a perigosa, impossível e imperativa beleza do que realmente significa ensinar e aprender arte.

Anya Spielman

Spielman foi aluna de Wayne Thiebauld enquanto estava na Universidade da Califórnia em Davis. Sobre seus outros professores, ela diz:

"Uma grande influência para mim foi ver o tríptico de Hieronymus Bosch, "O Jardim das Delícias Terrenas" no Prado quando eu era adolescente. Fiquei impressionado com a iconografia, bem como com as cores exuberantes e as composições intrincadas de seu trabalho. Respondi imediatamente à dualidade na obra de Bosch: sua paleta nítida e iluminada: tons de preto tinta, ocre, rosa pálido, osso, vermelhão e azurita; as curvas de suas cápsulas de prazer translúcidas no Éden, juxtapostas com a descida psicológica e física penetrante em um inferno alucinatório. O gênio visionário de Bosch retratou a natureza humana em todas as suas formas, com uma intimidade e poder diretos que considero incrivelmente raros até hoje."

Anya Spielman - Ultravioleta, 2015. Óleo sobre painel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin estudou com Louis Finkelstein enquanto era estudante de pós-graduação no Queens College, City University of New York. Na mesma escola, ela estudou com Benny Andrews, que se formou como um Expressionista Abstrato na School of the Art Institute of Chicago na década de 1950; Clinton Hill, que foi assistente de estúdio de Mark Rothko; o crítico de arte e Editor Associado da Artforum Robert Pincus-Witten, que ela diz "ajudou meu olhar crítico;" e Charles Cajori, que foi aluno de Hans Hoffman. Diz Sirlin:

"[Lineage] é de fato uma questão complicada. As conexões com os artistas também são laterais. Anne Truitt foi importante para mim quando eu era um jovem artista em Yaddo. Melissa Meyer também estava lá naquele verão [1983]. Erin Lawlor foi minha colega de estúdio no Centro Rothko na Letônia. Jose Heerkins estava no Centro Rothko ao mesmo tempo que nós [2016]. Kara Walker era uma estudante quando ensinei no Atlanta College of Art e Kara e eu exibimos na mesma Bienal de Atlanta em 1992. Então, há os outros artistas—escritores e dramaturgos. Hayden Herrera [biógrafa de Frieda Kahlo e Arshile Gorky] foi minha mentora como escritora de arte. Chris Kraus [I Love Dick] e eu estávamos juntos em Yaddo... Eu era um amigo próximo do dramaturgo Ronald Tavel [Teatro do Ridículo]. Ele foi roteirista para Warhol... Espero que eu não tenha confundido as coisas para você nesta resposta adicional."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Mídia mista sobre tela. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"Quando comecei a pintar, fui mais influenciado por Picasso. Fui atraído pelo uso de cor e pela marcação, em particular em "Menina Diante do Espelho" (1932). Mais tarde, à medida que comecei a pintar de uma maneira mais Expressionista Abstrata, fui mais atraído por Joan Mitchell e Willem De Kooning. No entanto, realmente comecei a olhar para o trabalho deles depois que comecei a pintar dessa forma, não antes."

Brenda Zappitell - No momento, 2017. Flashe e acrílico com cera fria sobre painel. 127 x 127 cm

Daniel Gottin

Em uma entrevista de 2006 para o Minus Space NY, o pintor Chris Ashley perguntou a Göttin onde ele começa como artista. Göttin respondeu:

"A história da arte às vezes finge que um determinado movimento artístico é uma entidade completa. Usar o termo "concreto" não necessariamente coincide com o contexto ideológico da Konkrete Kunst, que também se baseava em ideias sobre sociedade e política. Minha preocupação é com uma entidade que também pode incluir contradições—um sim e um não, e até mesmo um talvez. Meu ponto de partida é uma síntese de diferentes visões ou posições ao mesmo tempo, que para mim é uma visão espacial. Pode ser óbvio ou sutil, simétrico ou assimétrico ou ambos juntos, com ou sem contradição. Pode ser regra e desvio juntos. Algumas das obras anteriores que fiz eram colagens relacionadas ao trabalho de Kurt Schwitters (Merz), qualquer material encontrado colado de forma grosseira em um pedaço de papelão—físico, direto, improvisado, acidental, colorido, até mesmo dadaísta. Mais tarde, me interessei pela Arte Minimal, onde a obra de arte é frequentemente planejada com precisão, e perfeitamente e claramente construída com um uso definido de materiais e atenção aos detalhes. Ambos os movimentos são importantes para mim, e às vezes vejo meu trabalho carregando partes de ambos, correspondendo entre essas duas posições da história da arte."

Daniel Göttin - Sem Título 2 (Rosa), 1992. Acrílico sobre pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Paletes

"É bastante difícil entender as influências de alguém, pelo menos para mim, já que trabalho principalmente a partir da intuição e não tanto da consciência. Eu realmente acho que meus anos formativos como estudante de arte na UCLA (BA 74, MFA 77) formaram uma grande parte de quem eu sou. Naquela época, a UCLA era uma escola bastante voltada para a pintura, com uma inclinação europeia/modernista. Para minha primeira aula de pintura, eu estava inscrito para fazer a aula introdutória de pintura com Richard Diebenkorn (eu não tinha ideia de quem ele era), mas ele e a liderança da faculdade tiveram alguns problemas, e sua posição foi encerrada antes que a aula começasse. Então, estudei com Richard Joseph, um novo realista, que me deu uma base sólida. Não foi até seis meses depois, trabalhando em uma aula de pintura mais avançada com Charles Garabedian, que comecei a experimentar com abstração. Ao longo dos anos, o professor que provavelmente teve mais influência sobre mim foi William Brice. Bill era um professor e amigo muito articulado, digno, generoso, reflexivo e engraçado. Como um artista prolífico e trabalhador, ele frequentemente falava sobre a necessidade de passar tempo no estúdio resolvendo as coisas, e tudo o mais é menos importante. Eu penso nele com frequência e me sinto tão sortudo por tê-lo conhecido por tanto tempo. Levou alguns anos para me separar da ideia de ser um estudante e de ouvir os sons dos meus antigos professores na minha cabeça sempre que eu pintava, mas com o tempo eu alcancei uma clara noção de quem eu sou e da responsabilidade que tenho de fazer um trabalho que cumpra minha visão. Muitas vezes vejo aspectos de outros artistas em meu trabalho, às vezes sentindo que realmente há uma conexão através das mesmas ideias e outras vezes parece que qualquer semelhança é apenas superficial. No final, deixem os críticos de arte falarem sobre as influências."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tinta sobre papel. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) foi meu professor de gravura há 25 anos. Nós nos conhecemos pela primeira vez quando eu estava hospedado no Fine Arts Work Center em Provincetown, onde Michael oferecia um workshop de uma semana sobre gravura. Muitas coisas se destacam sobre nossa conexão inicial: Michael era uma pessoa incrivelmente empática e socialmente consciente, não apenas em seu assunto escolhido (desenhos e gravuras dos pacientes sofrendo em um hospital psiquiátrico e animais atrás das grades em um zoológico), mas em nossas conversas individuais sobre a vida. Ele me ensinou a ser generoso pelo exemplo como uma forma de equilibrar a autoabsorção do estúdio. Não havia nada sobre sua técnica ou a busca por uma carreira artística que Michael não compartilhasse. Michael passou um tempo na China no final dos anos 80 e foi através de seu amor pela paisagem asiática que aprendi a simplificar meus gestos, a pintar com uma economia de expressão, algo que guardo muito perto do meu coração. Nunca esquecerei seu senso de humor quando ele dizia para mim: "Tracey, isso é ungepatchke!", uma palavra em iídiche que significa muito ocupado e decorado."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafite e tinta sobre rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee cita sua primeira inspiração como uma aquarela de Paul Cezanne que viu quando tinha 11 anos, a qual deixou "uma impressão inesquecível." Ela continua dizendo:

"Meu professor, Klaus Stümpel, estava tão próximo da natureza que quase recebeu o apelido de 'fazendeiro'. Ele recomendou que eu estudasse Frantisek Kupka. Estudei seu processo de abstração e sua perspectiva cósmica e mística. Acima de tudo, aprendi mais do que qualquer coisa sobre seu amor pela vida e sua vontade de manter seus pensamentos. Quando voltei para a Coreia, pensei novamente em Kandinsky. Acho que seu desejo de encontrar uma verdade objetiva e universal na arte é um desafio impossível. Acredito que a arte é subjetiva e pessoal, mais do que qualquer outra coisa. Quando busco meu lado mais profundo, consigo me comunicar com o interior dos outros. Acredito que a arte pode ser um meio de conectar o microcosmo (humano) e o macrocosmo (mundo). Especialmente, a cor é o tema da minha pesquisa. Estou procurando a cor como um adjetivo. Gosto da atitude de Richter em relação ao trabalho, sua paixão pela pintura e o espírito de experimentação. Talvez On Kawara? Gosto de seu trabalho, que ele queria provar que estava vivo, e quero provar a mim mesmo, trabalhando todos os dias, que ainda estou vivo, emocional e sensivelmente. Meus pensamentos sobre Wassily Kandinsky e muitos outros Minimalistas são muito diferentes da perspectiva geral. Não concordo com seu ponto de vista artístico."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Acrílico sobre tela, 150 x 200 cm

Joana Freeman

Freeman cita influências que incluem artistas (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman e Andy Warhol), designers (Saul Bass e Roy Kuhlman) e arquitetos (Le Corbusier). Mas ela também fala sobre as maneiras pessoais pelas quais a cultura influenciou sua arte, como na seguinte anedota:

"O negócio do meu pai era sinalização. Como a maioria das crianças urbanas na América, cresci no banco de trás de um carro, hiperconsciente de outdoors e neon. Estímulos visuais diretos que chamam a atenção faziam parte da minha psique. Muito recentemente, estive visitando o MoMA em Nova York e fui novamente impactado pela pintura de Barnett Newman "Vir Heroicus Sublimis" (Homem, Heroico e Sublime) (1950-51). Minha resposta visceral ao seu poder, imediata e simplicidade foi avassaladora, reafirmando meu próprio passado visual e identidade."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache em Papel Khadi Feito à Mão. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Para mim, foi Mondrian. Os artistas abstratos daquela época estavam trabalhando de forma mais conceitual com a abstração, o que significa que eles gostavam da ideia disso, enquanto Mondrian trabalhava de forma inversa através da mecânica e saía do outro lado reinventando o plano da imagem. Não muitos fizeram isso desde então. Então comecei a pensar que deve haver mais maneiras de entrar nesse espaço estranho que Mondrian tinha tão claramente sob controle. [Ellsworth] Kelly e [Robert] Mangold mostraram outras maneiras de expressar esse 'outro' espaço. A experiência desses artistas me deu espaço para realmente apreciar os esforços dos meus colegas e para me esforçar em direção a passar pelo próximo envelope."

Brent Hallard - Nuvens, 2013. Acrílico sobre Papel. 25,4 x 35,6 cm

Pedra de Audrey

"Eu amei e pensei frequentemente sobre o trabalho de Vija Celmins. Sua observação intensa e execução calma são muito inspiradoras para mim. Louise Bourgeois sempre me inspirou com sua determinação de se expressar no melhor meio para suas ideias. Uma inspiração mais óbvia seria Agnes Martin, eu amo sua reserva confiante, e Mark Rothko pelo impacto emocional que seu trabalho pode causar."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Linha, tinta e grafite sobre papel. 43,2 x 35,6 cm

Pedro Auville

Auville menciona os blockhouses alemães da era da Segunda Guerra Mundial que se alinham na costa atlântica francesa. Ele diz: “A maioria das pessoas os considera cicatrizes feias. Aos meus olhos, sua substância fazia parte da paisagem, o tempo os fundiu com a areia, as dunas e o mar ou com as pinturas que artistas de rua fizeram sobre eles.” Além disso, Auville foi afetado por essa experiência de sua juventude:

"Aos seis ou sete anos, tive o privilégio de visitar a Caverna de Lascaux, no sudoeste da França. Foi um choque para mim. Meus pais compraram algumas cópias como souvenirs e passei horas olhando para elas no porão da nossa casa, me perguntando o que fazia a diferença entre as imagens e a verdadeira obra de arte. A diferença era óbvia, mas eu estava lutando para entender sua essência. Eu ligava e desligava a luz, colava areia nas imagens na tentativa de replicar a substância das pinturas de Lascaux, mas nunca alcancei o que eu achava que era a alma delas."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Cimento pigmentado em painéis de espuma. Estrutura e moldura de pendurar na parte de trás. 120 x 120 x 6 cm

Lucas de Haan

De Haan menciona influências que vão de artistas (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) a designers de álbuns (Hipgnosis, Peter Saville), a músicos (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Ele diz:

"Nos anos que antecederam minha puberdade, a linguagem visual de Piet Mondriaan recebeu muita atenção na Holanda. Eu era muito jovem para pensar em termos de arte, mas Mondriaan estava ali, e era intrigante. E ainda é! Um pouco mais tarde, conheci os Suprematistas que, como eu, tomaram formas geométricas como ponto de partida. Como minhas irmãs são cerca de cinco anos mais velhas do que eu, descobri (através dos namorados delas) no início da minha adolescência a música 'progressiva' e o design de capas que a acompanhava. Não é surpreendente que eu quisesse me tornar um designer de capas. Se eu tivesse que escolher um artista visual que mudou minha forma de ver as coisas, seria Ellsworth Kelly. Em meados dos anos 80, o Museu Stedelijk em Amsterdã adquiriu "Blue Curve VI" (1982). Eu ia regularmente vê-lo e estudava a linguagem visual. Mas agora, talvez mais importante, sou guiado também pela minha própria reação à arte... Comecei a pensar sobre arte... o propósito, o significado, oh meu."

Luuk De Haan - Dança Diáfana 9, 2013. Tinta Ultrachrome HD em papel Hannemuhle. 29,7 x 21 cm

Brenda Loira

"Os ensinamentos de Josef Albers influenciam como eu penso sobre a colocação de cores em diferentes contextos. E os skyspaces de James Turrell influenciaram como eu penso sobre a colocação de cores atmosféricas em diferentes contextos. De maneira geral, a estética geral das minhas séries Paper Skies e Moving Pictures é fortemente influenciada por pintores americanos modernos como Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etc."

Brenda Biondo -Paper Sky n.º 21 (Grande), 2015. Impressão por sublimação em alumínio (acabamento mate/brilhante). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Descobri, há mais de 20 anos, a capela de Ronchamp, uma obra tardia do arquiteto Charles Edouard Jeanneret, conhecido como Le Corbusier. Não senti, nem antes nem depois, tal percepção da correção das possibilidades entre maciez e elevação. Então começou para mim essa longa busca, que ainda me alimenta hoje, visando aproximar a relação mais adequada entre o cheio e o vazio."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum e ponta seca sobre cobre. Impressão em papel bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jéssica Neve

"Eu gostaria de falar sobre o artista que me inspirou por décadas, mais do que qualquer outro artista: Matisse, um artista que se pode estudar por toda a vida. Seu trabalho tomou tantas direções por causa de sua experimentação e investigação de novas possibilidades com a pintura. Eles são belos, edificantes, complexos, às vezes adoráveis e serenos, às vezes difíceis e desafiadores—reflexo de como a vida é."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarela sobre papel. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

Em vez de listar suas influências, Cantrick cita os artistas cujo trabalho mais a interessa, independentemente de haver ou não uma ligação direta com seu próprio trabalho. Sua lista curta para arte moderna e contemporânea:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé e Per Kirkeby. Essa é uma lista eclética e não exaustiva, mas o que eles têm em comum é clareza, complexidade e vitalidade—que são minhas próprias preocupações—expressas através de cores e estruturas fortes, formas distintas e um espaço de pintura raso. Para o pré-moderno, Vermeer, Degas e Manet estão no topo da minha lista, pois, novamente, aquele trio de atributos: clareza, complexidade, vitalidade. Além disso: A tensão na sólida representação de Vermeer transmite uma quietude incrivelmente palpável— a suspensão do tempo. A maneira particular de Degas de pontuar seu espaço com áreas "silenciosas", não animadas e/ou um forte elemento vertical promove uma visualização prolongada e rítmica. E há uma imediata e frescura em Manet que, à parte de toda a maestria, é, em seu melhor, cativante."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrílico sobre linho. 100 x 100 cm

Ana Russof

"No meu caso, eu não fui influenciado por um artista em particular, mas sim pela comunidade artística onde cresci em Chicago. Havia artistas por toda a minha vizinhança, chamada de Lincoln Park ou Old Town, e quando mostrei interesse em desenhar na pré-adolescência, fui incentivado a ir para a escola afiliada ao maravilhoso Art Institute of Chicago para desenho de figura. Lá, eu tinha que passar diretamente pelo Museu com sua famosa coleção impressionista para entrar na escola. Eu acho que isso basicamente formou meu interesse por linha, gesto e cor."

Anne Russinof - Look See, 2014. Óleo sobre tela. 76 x 76 cm

Parafuso Macyn

"Minha linhagem artística é encontrada em artistas que combinam uma abordagem "reductiva" à criação de imagem/objeto com uma atenção à superfície e ao detalhe sutil. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros e Sol Lewitt vêm à mente. Além disso, o trabalho escultórico de Richard Serra, Carl Andre e Fred Sandback, com seu uso particular do espaço tridimensional, continua a inspirar minha abordagem à pintura."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrílico sobre tela. 122 x 96,9 cm