18 Artistas Abstratos Contemporâneos Falam Sobre Sua Linhagem

É perigoso e impossível ensinar arte. Ainda assim, também é imperativo. Para que a arte exista, os artistas precisam aprender a se tornar aquilo que quer que venham a se tornar e a criar aquilo que quer que venham a criar. Alguns aprenderão na escola, com outros seres humanos falíveis como eles, que, por qualquer razão, assumiram a perigosa, impossível e imperativa tarefa de compartilhar com os outros aquilo que aprenderam. Outros artistas encontrarão professores fora da sala de aula. Talvez aprendam o que significa ser artista convivendo com outros artistas em inaugurações ou em bares. Talvez aprendam o que significa fazer arte assistindo a vídeos on-line ou desconstruindo a arte que veem em museus ou em livros. Alguns artistas podem ensinar a si mesmos o que são seguindo a inspiração que recebem da arquitetura e do design, simplesmente reagindo aos pensamentos e sentimentos que vivenciam ao interagir com o ambiente construído cotidiano e seus inúmeros produtos e espaços. Outros ainda podem aprender a ser artistas simplesmente abraçando - e depois nutrindo - sua compulsão interior de criar. O processo de fazer pode nos ensinar a fazer. O processo de ser pode nos ensinar o que queremos ser. No fim, todos que atravessarem o processo de aprendizagem até o momento em que puderem dizer a frase “Sou artista” sem sentir que estão mentindo terão uma história para contar sobre seus professores. Hoje trazemos uma coleção dessas histórias, de artistas corajosos o bastante para compartilhar suas linhagens de aprendizado. Eles são corajosos porque anunciar sua herança estética ou conceitual os expõe a uma ameaça terrível. Você, leitor, pode perceber que um artista foi aluno de outro artista, ou que se inspirou nisto ou naquilo, e confundir isso com um atalho. Você pode dizer: “Ahá! Agora vejo quem eles estão copiando” ou “Agora entendo a arte deles!”. Em vez disso, ao ler essas anedotas sobre como esses 18 artistas se tornaram o que são, deixe que as informações ampliem sua percepção. Siga cada fio e aprofunde-se. Talvez você vislumbre a perigosa, impossível e imperativa beleza do que realmente significa ensinar e aprender arte.

Anya Spielman

Spielman foi aluna de Wayne Thiebaud na Universidade da Califórnia em Davis. Sobre seus outros professores, ela diz:

"Uma grande influência para mim foi ver o tríptico de Hieronymus Bosch, “O Jardim das Delícias Terrenas”, no Prado, quando eu era adolescente. Fiquei impressionada com a iconografia, assim como com as cores exuberantes e as composições complexas de sua obra. Respondi imediatamente à dualidade presente na obra de Bosch: sua paleta austera e luminosa: tons de preto de tinta, umbra, rosa-pálido, osso, vermelhão e azurita; as curvas de suas translúcidas cápsulas de prazer no Éden justapostas à descida psicológica e física, lancinante, rumo a um inferno alucinatório. O gênio visionário de Bosch retratou a natureza humana em todas as suas formas, com uma intimidade e um poder diretos que considero incrivelmente raros ainda hoje."

Anya Spielman - Ultravioleta, 2015. Óleo sobre painel. 15.3 x 15.3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin estudou com Louis Finkelstein enquanto fazia pós-graduação no Queens College, City University of New York. Na mesma instituição, estudou com Benny Andrews, que se formou como expressionista abstrato na School of the Art Institute of Chicago nos anos 1950; Clinton Hill, que foi assistente de ateliê de Mark Rothko; o crítico de arte e editor associado da Artforum Robert Pincus-Witten, que, segundo ela, “ajudou a desenvolver meu olhar crítico”; e Charles Cajori, que foi aluno de Hans Hofmann. Diz Sirlin:

"[Lineage] é, de fato, uma questão complicada. As conexões com outros artistas também são indiretas. Anne Truitt foi importante para mim quando eu era uma jovem artista em Yaddo. Melissa Meyer também estava lá naquele verão [1983]. Erin Lawlor foi minha colega de ateliê no The Rothko Centre, na Letônia. Jose Heerkens estava no Rothko Centre conosco na mesma época [2016]. Kara Walker era estudante quando lecionei no The Atlanta College of Art, e Kara e eu participamos da mesma Bienal de Atlanta em 1992. Depois, há os outros artistas - escritores e dramaturgos. Hayden Herrera [biógrafa de Frida Kahlo e Arshile Gorky] foi minha mentora como escritora de arte. Chris Kraus [I Love Dick] e eu estivemos juntos em Yaddo... Eu era amiga próxima do dramaturgo Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Ele era roteirista de Warhol... Espero não ter confundido você com esta resposta adicional."

Deanna Sirlin - Maravilha, 2015. Técnica mista sobre tela. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

“Quando comecei a pintar, fui fortemente influenciada por Picasso. Fiquei atraída pelo uso que ele fazia da cor e da criação de marcas, especialmente em “Girl Before A Mirror” (1932). Mais tarde, quando comecei a pintar de uma maneira mais ligada ao Expressionismo Abstrato, senti-me mais atraída por Joan Mitchell e Willem De Kooning. No entanto, só comecei a observar o trabalho deles depois de já pintar dessa maneira, não antes.”

Brenda Zappitell - No momento, 2017. Flashe e acrílica com cera fria sobre painel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

Em uma entrevista de 2006 para a Minus Space NY, o pintor Chris Ashley perguntou a Göttin onde ele começa como artista. Göttin respondeu:

A história da arte às vezes finge que um determinado movimento artístico é uma entidade completa. Usar o termo “concreto” não necessariamente coincide com o contexto ideológico da Konkrete Kunst, que também se baseava em ideias sobre a sociedade e a política. Minha preocupação é com uma entidade que também possa incluir contradições - um sim e um não, e até mesmo um talvez. Meu ponto de partida é uma síntese de diferentes visões ou posições ao mesmo tempo, o que, para mim, é uma visão espacial. Ela pode ser óbvia ou sutil, simétrica ou assimétrica, ou ambas ao mesmo tempo, com ou sem contradição. Pode ser regra e desvio juntos. Algumas das primeiras obras que fiz foram colagens relacionadas ao trabalho de Kurt Schwitters (Merz), qualquer material encontrado colado grosseiramente em um pedaço de papelão - físico, direto, improvisado, acidental, colorido, até dadaísta. Mais tarde, passei a me interessar pela Arte Minimalista, em que a obra de arte costuma ser planejada com precisão e construída de maneira perfeita e clara, com um uso definido dos materiais e atenção aos detalhes. Ambos os movimentos são importantes para mim e, às vezes, vejo meu trabalho carregando partes de ambos, correspondendo a uma posição intermediária entre essas duas posições da história da arte.

Daniel Göttin - Sem título 2 (Rosa), 1992. Acrílica sobre pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"É bastante difícil compreender as próprias influências, pelo menos para mim, pois trabalho principalmente a partir da intuição, e não tanto da consciência. Acredito, sim, que meus anos de formação como estudante de arte na UCLA (BA 74, MFA 77) moldaram grande parte de quem sou. Naquela época, a UCLA era uma escola bastante voltada à pintura, com uma inclinação europeia/modernista. Para minha primeira aula de pintura, fui matriculado na aula introdutória com Richard Diebenkorn (eu não fazia ideia de quem ele era), mas ele e a liderança do corpo docente tiveram alguns problemas, e sua posição foi encerrada antes do início da aula. Então estudei com Richard Joseph, um novo realista, que me deu uma base sólida. Só seis meses depois, trabalhando em uma aula de pintura mais avançada com Charles Garabedian, comecei a experimentar a abstração. Ao longo dos anos, o professor que provavelmente mais me influenciou foi William Brice. Bill era um professor e amigo muito articulado, digno, generoso, atencioso e engraçado. Como artista prolífico e trabalhador, ele costumava falar sobre a necessidade de passar tempo no estúdio lidando intensamente com as questões, e que todo o resto é menos importante. Penso nele com frequência e me sinto muito sortudo por tê-lo conhecido por tanto tempo. De fato, foram necessários vários anos para me desvincular da ideia de ser estudante e de ouvir as vozes dos meus antigos professores na cabeça sempre que pintava, mas, com o tempo, desenvolvi uma noção clara de quem sou e da responsabilidade que tenho de criar trabalhos que concretizem minha visão. Muitas vezes vejo aspectos de outros artistas no meu trabalho, às vezes sentindo que existe realmente uma conexão por meio das mesmas ideias, e outras vezes parece apenas que qualquer semelhança é superficial. No fim, deixemos que os críticos de arte falem sobre as influências."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tinta sobre papel. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) foi meu professor de gravura 25 anos atrás. Nos conhecemos quando eu estava hospedada no Fine Arts Work Center, em Provincetown, onde Michael oferecia um workshop de uma semana sobre gravura. Muitas coisas se destacam em nossa conexão inicial: Michael era uma pessoa incrivelmente empática e socialmente consciente, não apenas em relação aos temas que escolhia (desenhos e gravuras de pacientes em sofrimento em um hospital psiquiátrico e de animais atrás das grades em um zoológico), mas também em nossas conversas individuais sobre a vida. Ele me ensinou a ser generosa por meio do exemplo, como forma de equilibrar a absorção em si mesma do ateliê. Não havia nada sobre sua técnica ou sobre a busca por uma carreira artística que Michael não compartilhasse. Michael passou um período na China no fim dos anos 80 e foi por meio de seu amor pela paisagem asiática que aprendi a simplificar meus gestos, a pintar com economia de expressão, algo que guardo muito próximo do coração. Nunca esquecerei seu senso de humor quando me dizia: “Tracey, isto é ungepatchke!”, uma palavra em iídiche que significa excessivamente carregado e decorado."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Guache, grafite e tinta sobre papel rives. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee cita como sua primeira inspiração uma aquarela de Paul Cezanne que viu aos 11 anos, e que deixou “uma impressão inesquecível”. Ela continua:

"Meu professor, Klaus Stümpel, era tão próximo da natureza que quase ganhou o apelido de ‘fazendeiro’. Ele recomendou que eu estudasse Frantisek Kupka. Estudei seu processo de abstração e sua perspectiva cósmica e mística. Acima de tudo, aprendi mais do que qualquer outra coisa sobre seu amor pela vida e sua vontade de manter seus pensamentos. Quando voltei para a Coreia, pensei novamente em Kandinsky. Acho que o desejo dele de encontrar uma verdade objetiva e universal na arte é um desafio impossível. Penso que a arte é subjetiva e pessoal, mais do que qualquer outra coisa. Quando busco meu lado interior mais profundo, consigo me comunicar com o interior dos outros. Acho que a arte pode ser um meio de conectar o microcosmo (humano) e o macrocosmo (mundo). Especialmente, a cor é o tema da minha pesquisa. Procuro a cor como um adjetivo. Gosto da atitude de Richter em relação ao trabalho, de sua paixão pela pintura e do espírito de experimentação. Talvez On Kawara? Gosto do trabalho dele, que ele queria provar estar vivo, e quero provar a mim mesma, trabalhando todos os dias, que ainda estou viva, emocional e sensivelmente. Minhas ideias sobre Wassily Kandinsky e muitos outros minimalistas são muito diferentes da perspectiva geral. Não concordo com a visão artística deles."

Kyong Lee - Quadro com branco, 2008. Acrílica sobre tela, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman cita influências que incluem artistas (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman e Andy Warhol), designers (Saul Bass e Roy Kuhlman) e arquitetos (Le Corbusier). Mas ela também fala sobre as maneiras pessoais como a cultura influenciou sua arte, como na seguinte anedota:

"O negócio do meu pai era sinalização. Como a maioria das crianças urbanas nos Estados Unidos, cresci no banco de trás de um carro, extremamente consciente dos outdoors e letreiros de neon. Estímulos visuais diretos e chamativos faziam parte da minha psique. Muito recentemente, visitei o MoMA, em Nova York, e fiquei novamente impactada pela pintura de Barnett Newman, “Vir Heroicus Sublimis” (Homem, Heroico e Sublime) (1950-51). Minha resposta visceral ao seu poder, imediatismo e simplicidade foi avassaladora, reafirmando meu próprio passado e identidade visuais."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Guache sobre papel Khadi artesanal. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"Para mim, foi Mondrian. Os artistas abstratos daquela época trabalhavam de forma mais conceitual com a abstração, ou seja, gostavam da ideia dela, enquanto Mondrian trabalhava no sentido inverso, passando pela mecânica e saindo do outro lado reinventando o plano pictórico. Poucos fizeram isso desde então. Comecei a pensar que deveria haver mais maneiras de entrar nesse espaço estranho que Mondrian compreendia tão bem. [Ellsworth] Kelly e [Robert] Mangold mostraram outras formas de expressar esse ‘outro’ espaço. A experiência desses artistas me deu espaço para realmente apreciar os esforços dos meus contemporâneos e me empenhar em avançar além do próximo limite."

Brent Hallard - Nuvens, 2013. Acrílica sobre papel. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Sempre admirei e pensei com frequência no trabalho de Vija Celmins. Sua observação intensa e execução serena são muito inspiradoras para mim. Louise Bourgeois sempre me inspirou com sua determinação de se expressar no meio mais adequado às suas ideias. Uma inspiração mais óbvia seria Agnes Martin; adoro sua reserva confiante, e Mark Rothko, pelo impacto emocional que seu trabalho consegue provocar."

Audrey Stone - Nb. 61, 2011. Linha, tinta e grafite sobre papel. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville menciona os bunkers alemães da época da Segunda Guerra Mundial que margeiam o litoral atlântico francês. Ele diz: “A maioria das pessoas os considera cicatrizes feias. Aos meus olhos, sua essência fazia parte da paisagem; o tempo os fundiu à areia, às dunas e ao mar, ou às pinturas que artistas de rua fizeram sobre eles.” Além disso, Auville foi afetado por esta experiência na juventude:

"Aos seis ou sete anos, tive o privilégio de visitar a Caverna de Lascaux, no sudoeste da França. Foi um choque para mim. Meus pais compraram algumas réplicas como lembranças, e passei horas olhando para elas no porão de nossa casa, tentando entender o que fazia a diferença entre as imagens e a obra de arte real. A diferença era óbvia, mas eu lutava para compreender sua essência. Acendia e apagava a luz, colava areia nas imagens na tentativa de reproduzir a essência das pinturas de Lascaux, mas nunca alcancei o que imaginava ser a alma delas."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Cimento pigmentado sobre painéis de espuma. Estrutura e moldura suspensa na parte de trás. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan menciona influências que vão de artistas (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) a designers de capas de álbuns (Hipgnosis, Peter Saville) e músicos (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Ele diz:

"Nos anos que antecederam minha puberdade, a linguagem visual de Piet Mondriaan recebeu muita atenção nos Países Baixos. Eu era jovem demais para pensar em termos de arte, mas Mondriaan estava simplesmente presente, e isso era intrigante. E ainda é! Um pouco mais tarde, conheci os suprematistas que, assim como eu, tomavam formas geométricas como ponto de partida. Como minhas irmãs são cerca de cinco anos mais velhas do que eu, descobri (por meio dos namorados delas), ainda no início da adolescência, a música “progressiva” e o design das capas que a acompanhava. Não surpreendentemente, eu queria me tornar designer de capas de álbuns. Se tivesse que escolher um artista visual que mudou minha maneira de olhar para as coisas, seria Ellsworth Kelly. Em meados dos anos 80, o Stedelijk Museum, em Amsterdã, adquiriu “Blue Curve VI” (1982). Eu ia regularmente observá-la e estudava sua linguagem visual. Mas agora, talvez mais importante, também sou guiado pela minha própria reação à arte... Comecei a pensar sobre a arte... seu propósito, seu significado, meu Deus."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Tinta Ultrachrome HD sobre papel Hahnemühle. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Os ensinamentos de Josef Albers influenciam a maneira como penso em colocar cores em diferentes contextos. E os skyspaces de James Turrell influenciaram a maneira como penso em colocar cores atmosféricas em diferentes contextos. Em geral, a estética geral das minhas séries Paper Skies e Moving Pictures é fortemente influenciada por pintores americanos modernos como Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella etc."

Brenda Biondo -Paper Sky no. 21 (Large), 2015. Impressão por sublimação de tinta sobre alumínio (acabamento fosco/brilhante). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Descobri, há mais de 20 anos, a capela de Ronchamp, uma obra tardia do arquiteto Charles Edouard Jeanneret, conhecido como Le Corbusier. Nunca senti, nem antes nem depois, uma percepção tão clara da correção das possibilidades entre a massividade e a elevação. Então começou para mim esta longa busca, que ainda hoje me alimenta, com o objetivo de alcançar a relação mais adequada entre o cheio e o vazio."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum e ponta-seca sobre cobre. Impressão em papel bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Gostaria de falar sobre o artista que me inspirou por décadas, mais do que qualquer outro artista: Matisse, um artista que se poderia estudar por toda a vida. Seu trabalho seguiu tantos caminhos por causa de sua experimentação e investigação de novas possibilidades com a pintura. São belas, inspiradoras e complexas, às vezes adoráveis e serenas, às vezes difíceis e desafiadoras - um reflexo de como é a vida."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarela sobre papel. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

Em vez de listar suas influências, Cantrick cita os artistas cujo trabalho mais lhe interessa, tenha ele ou não alguma relação direta com sua própria obra. Sua lista curta de artistas modernos e contemporâneos:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé e Per Kirkeby. Essa é uma lista eclética e não exaustiva, mas o que eles têm em comum é clareza, complexidade e vitalidade - minhas próprias preocupações - expressas por meio de cores e estruturas fortes, formas distintas e um espaço pictórico raso. Entre os pré-modernos, Vermeer, Degas e Manet estão no topo da minha lista, novamente por causa desse trio de atributos: clareza, complexidade e vitalidade. Além disso: a tensão da representação sólida de Vermeer transmite uma quietude incrivelmente palpável - a suspensão do tempo. A maneira particular de Degas pontuar seu espaço com áreas “silenciosas” e inanimadas e/ou um forte elemento vertical promove uma observação prolongada e rítmica. E há em Manet uma imediaticidade e frescor que, além de todo o restante de seu domínio técnico, são, no seu melhor, arrebatadores."

Susan Cantrick - sbc 141, 2012. Acrílica sobre linho. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"No meu caso, não fui influenciada por um único artista, mas pela comunidade artística onde cresci, em Chicago. Havia artistas por toda parte no meu bairro, chamado de Lincoln Park ou Old Town, e, quando demonstrei interesse por desenho na pré-adolescência, fui incentivada a frequentar a escola afiliada ao maravilhoso Art Institute of Chicago para estudar desenho de figura. Para entrar na escola, eu passava diretamente pelo museu, com sua famosa coleção de impressionistas. Acho que isso basicamente formou meu interesse por linha, gesto e cor."

Anne Russinof - Look See, 2014. Óleo sobre tela. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Minha linhagem artística encontra-se em artistas que combinam uma abordagem “redutiva” à criação de imagens/objetos com atenção à superfície e aos detalhes sutis. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros e Sol Lewitt vêm à mente. Além disso, o trabalho escultórico de Richard Serra, Carl Andre e Fred Sandback, com seu uso particular do espaço tridimensional, continua a inspirar minha abordagem à pintura."

Macyn Bolt - Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrílica sobre tela. 122 x 96,9 cm

Fontes

• Tríptico do Jardim das Delícias Terrenas, Museo Nacional del Prado: Apoia a descrição dos painéis do Paraíso, das delícias terrenas e do Inferno do tríptico.