A Abstração está no Físico - Jules Olitski

A carreira do artista ucraniano-americano Jules Olitski (1922 – 2007) nos lembra que a arte não é um esforço humano fixo, que deve ser feito da mesma maneira por cada praticante, como, por exemplo, pilotar um avião de passageiros. Os artistas são - ou deveriam ser - completamente livres para reinventar o campo sempre que quiserem. Olitski era guiado por um único fator: sua intuição. Ele tinha uma visão de uma imagem, ou uma sensação que queria capturar, ou uma presença material que queria manifestar, e se dedicava a tentar fazer isso acontecer. Se sua visão se encaixava nas tendências ou gostos não importava. A maioria das pessoas chama seu trabalho de abstrato, mas ele mesmo não fazia essa distinção, talvez porque sua visão particular para uma pintura era, para ele, seu próprio tipo de assunto. Se alguém sonha em pintar um spray de cor pairando no ar, então pinta uma obra que realiza esse sonho, essa pintura é exatamente o que descreve: uma pintura de um spray de cor pairando no ar. Quão mais concreto você pode ser? Sobre o tema de conselhos a outros artistas, Olitski uma vez disse: “Não espere nada. Faça seu trabalho. Celebre!” Ele pode ter dado conselhos semelhantes a seus espectadores: “Não espere nada. Olhe para a obra. Celebre!” No entanto, a apreciação da arte é um prazer separado da crítica de arte. Críticos, historiadores e comerciantes de arte há muito têm dificuldade em saber exatamente onde colocar Olitski dentro do conto linear conhecido como história da arte, talvez porque Olitski nunca se preocupou em perguntar a si mesmo onde se encaixava. Ele trocou de estilos, meios e métodos com tanta frequência que não é apenas difícil de historicizar, mas também é difícil de commodificar, já que muitos colecionadores querem ser capazes de falar sobre os artistas que colecionam em termos de uma abreviação conveniente: “Este é o pintor da grade. Esta é a senhora que fez as aranhas. Este é o cara que fez as caixas. Etc.” Você não pode fazer isso com Olitski. Ele fez muitas coisas para ser conhecido por apenas uma. Portanto, estamos presos, com apenas uma opção - a melhor opção: “Não espere nada. Olhe para as pinturas. Celebre.”

Pintura na Beira

Nascido em Snovsk, na atual Ucrânia, Olitski emigrou para os Estados Unidos com sua mãe aos um ano de idade, após seu pai ser assassinado pelo comissário soviético local. Eles se estabeleceram no Brooklyn, Nova York, e, no ensino médio, Olitski mostrou uma propensão avançada para a arte. Ele ganhou um prêmio para estudar arte em Manhattan e, eventualmente, conquistou uma bolsa para frequentar o Pratt Institute. Depois de ser convocado para a Segunda Guerra Mundial, Olitski usou seus privilégios do G.I. Bill para continuar sua educação artística em Paris. Lá, ele estudou de perto os mestres modernistas e enfrentou seus próprios demônios. Notavelmente, ele percebeu que estava sendo controlado por sua própria educação. Um exercício em que ele se vendou enquanto pintava exemplifica seu desejo de superar a manipulação de suas próprias ideias. Essa mesma devoção à liberdade criativa o guiou pelo resto de sua vida.

Jules Olitski - Com Amor e Desconsideração: Bênção do Êxtase, 2002. Acrílico sobre tela. 60 x 84 pol. (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, Nova Iorque. © Jules Olitski

Suas primeiras exposições de pintura, na década de 1950, eram dominadas por abstrações sombrias, escuras e impasto, como “Em Memória de Slain Demikovski” (1958), uma obra nomeada em homenagem a seu pai. No entanto, em 1960, Olitski adotou uma abordagem completamente diferente, usando novos tipos de tintas acrílicas para criar composições planas e vividamente coloridas nas quais formas biomórficas, semelhantes a amebas, aparentemente surgem em pratos de Petri pictóricos. Cinco anos depois, ele mudou de direção novamente, desta vez usando uma pistola de spray industrial na tentativa de alcançar seu sonho de pintar “um spray de cor que paira como uma nuvem, mas não perde sua forma.” Suas pinturas com pistola de spray realmente possuem muitas das mesmas características etéreas que nuvens gasosas em uma nebulosa distante, iluminadas pelas explosões de estrelas em erupção. Esse corpo de trabalho realmente fez Olitski pensar sobre o que ele chamava de “borda” de uma imagem. “Uma pintura é feita de dentro para fora,” ele disse. A borda externa da obra, segundo sua compreensão, não era a borda da tela, mas a borda da cor. Olitski percebeu que a cor se estende além dos limites da tinta, carregada pela luz e pela percepção mental para o espaço liminal entre a superfície da pintura e nossos olhos.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Laranja), 1970. Serigrafia. 35 x 26 pol. (obra); 36 x 27 pol. (emoldurada). © Jules Olitski

Estrutura e Fluxo

Por volta de meados da década de 1970, Olitski mudou novamente seus métodos, misturando sua técnica anterior, de impasto suave, com o uso de uma pistola de spray, criando pinturas como “Fogo Secreto – 2” (1977), que projetam uma presença material definida, apesar de terem uma paleta de cores etérea. Ele continuou a desenvolver essa mistura de métodos, criando um corpo de abstrações metálicas ousadas na década de 1980, como “Domínio da Eternidade” (1989), e um corpo de obras hellish primordial na década de 1990, como “Sobre um Mar” (1996). Embora visualmente diversas, essas obras compartilham todas um princípio orientador semelhante, que Olitski resumiu da seguinte forma: “Eu penso na pintura como possuída por uma estrutura, mas uma estrutura nascida do fluxo do sentimento de cor.” As pinturas que Olitski criou nos últimos anos de sua vida, como “Com Amor e Desconsideração: Êxtase” (2002), expressam esse princípio orientador de forma dramática. A estrutura de sua presença material é tão inflexível quanto uma pedra, no entanto, sua leveza de ser reivindica inconfundivelmente seu direito cromático no “fluxo do sentimento de cor.”

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna sobre tela. 88 x 71 1/2 pol (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Além de sua prática de pintura abstrata ao longo da vida, Olitski continuamente desenhou retratos figurativos e paisagens. Ele também teve uma carreira prolífica em escultura, que, assim como sua carreira de pintura, não foi restringida por nada além de sua própria imaginação. Quando criança, Olitski recebeu o apelido de Príncipe Patutsky de seu padrasto. Esse nome aparece repetidamente em seu trabalho: “Patutsky no Paraíso” (1966); “Paixão Patutsky” (1963); “Comando Príncipe Patutsky” (1966). É precisamente essa devoção à inocência infantil que vejo inundando tudo o que Olitski alcançou como artista. A história da arte normalmente só confere status de lenda a artistas que são radicais no início de suas carreiras, seguidos por “maturidade” e, em seguida, repetição. Olitski não se encaixava nesse esboço de personagem. O mais experimental e livre que podia, ele simplesmente fez seu trabalho, sem expectativas, e celebrou. Isso o torna uma lenda para mim.

Imagem em destaque: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna sobre tela. 79 x 109 pol (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, Nova York. © Jules Olitski
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park