A Abstração está no Físico - Jules Olitski

A carreira do artista ucraniano-americano Jules Olitski (1922 – 2007) nos lembra que a arte não é um empreendimento humano fixo, que deve ser feito da mesma forma por todo praticante, como, por exemplo, pilotar um avião de passageiros. Os artistas são — ou deveriam ser — completamente livres para reinventar o campo quantas vezes quiserem. Olitski era guiado por apenas um fator: sua intuição. Ele tinha uma visão de uma imagem, ou uma sensação que queria capturar, ou uma presença material que desejava manifestar, e se empenhava para realizá-la. Se sua visão combinava com tendências ou gostos, isso não importava. A maioria das pessoas chama seu trabalho de abstrato, mas ele mesmo não fazia essa distinção, talvez porque sua visão particular para uma pintura era, para ele, seu próprio tipo de tema. Se alguém sonha em pintar um borrifo de cor pairando no ar, e então pinta uma obra que realiza esse sonho, essa pintura é exatamente o que descreve: uma pintura de um borrifo de cor pairando no ar. Quão mais concreto se pode ser? Sobre o conselho para outros artistas, Olitski disse certa vez: “Não espere nada. Faça seu trabalho. Celebre!” Ele pode ter dado conselho semelhante aos seus espectadores: “Não espere nada. Olhe para a obra. Celebre!” No entanto, a apreciação da arte é um prazer distinto da crítica de arte. Críticos, historiadores e comerciantes de arte há muito tempo têm dificuldade em saber exatamente onde colocar Olitski dentro do conto linear conhecido como história da arte, talvez porque Olitski nunca se preocupou em perguntar a si mesmo onde se encaixava. Ele mudou de estilos, meios e métodos com tanta frequência que não é apenas difícil de historicizar, mas também difícil de comercializar, já que muitos colecionadores querem poder falar sobre os artistas que colecionam em termos de um atalho conveniente: “Este é o pintor das grades. Esta é a senhora que fez as aranhas. Este é o cara que fez as caixas. Etc.” Isso não se pode fazer com Olitski. Ele fez tantas coisas que não pode ser conhecido por apenas uma. Portanto, ficamos com apenas uma opção — a melhor opção: “Não espere nada. Olhe para as pinturas. Celebre.”

Pintura na Borda

Nascido em Snovsk, atual Ucrânia, Olitski emigrou para os Estados Unidos com sua mãe quando tinha um ano de idade, após seu pai ter sido assassinado pelo comissário soviético local. Eles se estabeleceram no Brooklyn, Nova York, e no ensino médio Olitski já mostrava uma inclinação avançada para a arte. Ele ganhou um prêmio para estudar arte em Manhattan e, eventualmente, obteve uma bolsa para frequentar o Instituto Pratt. Após ser convocado para a Segunda Guerra Mundial, Olitski usou seus privilégios do G.I. Bill para continuar sua educação artística em Paris. Lá, estudou de perto os mestres modernistas e enfrentou seus próprios demônios. Notadamente, percebeu que estava sendo controlado por sua própria educação. Um exercício em que ele se vendava enquanto pintava exemplifica seu desejo de superar a manipulação de suas próprias ideias. Essa mesma devoção à liberdade criativa o guiou pelo resto da vida.

Jules Olitski - With Love and Disregard: Rapture Blessing, 2002. Acrílico sobre tela. 152,4 x 213,4 cm. Ameringer Yohe Fine Art, Nova York. © Jules Olitski

Suas primeiras exposições de pintura, na década de 1950, foram dominadas por abstrações sombrias, carregadas de impasto, como “In Memory of Slain Demikovski” (1958), uma obra dedicada a seu pai. Em 1960, no entanto, Olitski adotou uma abordagem completamente diferente, usando novos tipos de tintas acrílicas para criar composições planas e vividamente coloridas, nas quais formas biomórficas, semelhantes a amebas, pareciam surgir em pratos de cultura pictóricos. Cinco anos depois, mudou novamente de direção, desta vez usando uma pistola de pintura industrial na tentativa de alcançar seu sonho de pintar “um borrifo de cor que paira como uma nuvem, mas não perde sua forma.” Suas pinturas com pistola de pintura realmente possuem muitos dos mesmos atributos etéreos das nuvens gasosas em uma nebulosa distante, iluminadas pelos explosivos de estrelas em erupção. Esse conjunto de obras fez Olitski refletir sobre o que ele chamava de “borda” de uma imagem. “Uma pintura é feita de dentro para fora”, disse ele. A borda externa da obra, segundo sua compreensão, não era a borda da tela, mas a borda da cor. Olitski percebeu que a cor se estende além dos limites da tinta, carregada pela luz e pela percepção mental para o espaço liminar entre a superfície da pintura e nossos olhos.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Laranja), 1970. Serigrafia. 89 x 66 cm (obra); 91,4 x 68,6 cm (emoldurada). © Jules Olitski

Estrutura e Fluxo

Por volta de meados da década de 1970, Olitski mudou novamente de método, mesclando sua técnica anterior, apagada e com impasto, com o uso da pistola de pintura, criando obras como “Secret Fire – 2” (1977), que projetam uma presença material definida, apesar de possuírem uma paleta de cores etérea. Ele continuou desenvolvendo essa mistura de métodos, criando um conjunto de abstrações metálicas ousadas na década de 1980, como “Eternity Domain” (1989), e um conjunto de obras primordiais infernais na década de 1990, como “Upon a Sea” (1996). Embora visualmente diversas, essas obras compartilham um princípio orientador semelhante, que Olitski resumiu assim: “Eu penso na pintura como possuída por uma estrutura, mas uma estrutura nascida do fluxo do sentimento da cor.” As pinturas que Olitski criou nos últimos anos de sua vida, como “With Love and Disregard: Rapture” (2002), expressam esse princípio orientador de forma dramática. A estrutura de sua presença material é tão inflexível quanto uma pedra, mas sua leveza de ser reivindica inconfundivelmente seu direito cromático de nascimento no “fluxo do sentimento da cor.”

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna sobre tela. 223,5 x 181,6 cm. Yares Art. © Jules Olitski

Além de sua prática vitalícia de pintura abstrata, Olitski desenhou continuamente retratos figurativos e paisagens. Também teve uma carreira prolífica na escultura, que, assim como sua carreira na pintura, não foi limitada por nada além de sua própria imaginação. Quando criança, Olitski recebeu o apelido de Príncipe Patutsky de seu padrasto. Esse nome aparece repetidamente em sua obra: “Patutsky no Paraíso” (1966); “Patutsky Passion” (1963); “Comando do Príncipe Patutsky” (1966). É precisamente essa devoção à inocência infantil que vejo inundando tudo o que Olitski alcançou como artista. A história da arte normalmente concede status de lenda apenas a artistas que são radicais no início da carreira, seguidos pela “maturidade” e depois pela repetição. Olitski não se encaixava nesse perfil. De forma experimental e livre, ele simplesmente fazia seu trabalho, sem expectativas, e celebrava. Isso o torna uma lenda para mim.

Imagem em destaque: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna sobre tela. 200,7 x 276,9 cm. Kasmin, Nova York. © Jules Olitski
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio