Uma Entrevista com John Monteith

John Monteith  nasceu em 1973 em Newmarket, Ontário, Canadá, e é graduado pelo programa de MFA da Parsons The New School for Design em 2008. Ele viajou e viveu extensivamente ao redor do mundo, o que influenciou e mudou sua prática de produção ao longo dos anos. Suas peças intrincadas e coloridas de cera e pigmentos em filme de desenho em camadas, bem como suas meticulosamente camadas documentações fotográficas, o tornaram um artista abstrato procurado e bem conhecido.

John Monteith foi representado internacionalmente e foi o foco de várias exposições solo e em grupo, como: “À Noite Todos os Gatos São Cinzas”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; “Ainda Não Intitulado”, Galerie Wenger, Zurique, Suíça; e “Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlim, Alemanha. Suas obras fazem parte de coleções permanentes na The New School, Manhattan, Nova York; BNY Melon, Nova York; e Morris and Associates em Londres, Inglaterra. A IdeelArt teve o prazer de entrevistar o artista para discutir seu processo de trabalho e projetos futuros.

Quais materiais e técnicas você utiliza em seu processo de trabalho? Como sua prática mudou ao longo do tempo?

Na minha prática de pintura anterior, eu usava óleo sobre tela e trabalhava de forma representacional, fazendo pinturas figurativas em grande escala. Desde 2005, fiz uma mudança significativa em termos de meio e assunto. A trajetória do meu trabalho se desenvolveu naturalmente junto com meus pensamentos, não apenas sobre espaços urbanos, mas também sobre relacionamentos pessoais e múltiplas camadas de relação. Sempre fui fascinado pelo que caracteriza o mostrado e o oculto.

Em 2006, comecei a trabalhar com filme de desenho, usando suas qualidades translúcidas para sobrepor imagens. Embora ainda trabalhasse de forma representacional, eu usava tinta a óleo, que era diluída para aproveitar sua natureza transparente. Eu estava pintando arquitetura e centros urbanos, lugares que visitei que tinham significado histórico, e até mesmo os restos de um antigo acidente de carro que vi em uma floresta em Quioto, Japão, que envolveu alguns carros saindo de uma estrada íngreme há talvez quinze anos ou mais. Cada uma dessas cenas foi ou é atualmente um lugar de ruptura. Ao criar as pinturas desta série, eu pintava cada imagem duas vezes em duas folhas diferentes de filme de desenho e, em seguida, colocava as folhas uma sobre a outra, deslocando o registro para que a pintura de cima ficasse ligeiramente desalinhada em relação à pintura de baixo, que eram então sobrepostas para criar uma única imagem. Combinar essas duas "partes" em uma pintura criou uma obra que pairava dentro de uma zona enigmática de fluxo, de certa forma, um movimento preso no tempo. Depois de expor essas pinturas ao lado de uma série de obras baseadas em texto, tornei-me mais reducionista na minha produção artística, adotando uma abordagem Concreta para fazer meus desenhos e pinturas, que mantinham uma referência ao temporal dentro da esfera urbana, e um discurso de memória/história conforme proposto por escritores como Andreas Huyssen.

Em 2011, comecei a série (de) Construção/(re) Construção, que foi criada a partir da documentação fotográfica de espaços intersticiais, como portas e corredores, de shoppings, terminais de aeroportos e outros espaços públicos. Fiz essas pinturas usando as formas de luz e sombras projetadas presentes nesses "espaços de lixo", um termo cunhado e escrito por Rem Koolhaas. Esses são lugares de "nenhum lugar" onde passamos grande parte do nosso tempo em trânsito, movendo-nos do Ponto A ao Ponto B. Assim como no meu último grupo de pinturas, usei a mesma estratégia de pintar duas camadas idênticas, mas desta vez, quando coloquei as camadas juntas, eu as deslocava para a posição desejada antes de finalizar a pintura, puxando e empurrando certos elementos.

Ao completar essas pinturas, eu as montei em plexiglass branco opaco, cortado à mão nas dimensões de cada pintura. Isso me permitiu pendurar as peças na parede como se fosse uma pintura tradicional, mas alternativamente pensar nas pinturas de forma escultural, pendurando cada peça em seu próprio suporte. Instalar o trabalho dessa maneira criou novas relações físicas entre as obras, ao mesmo tempo em que faz referência à arquitetura da galeria e altera a linha de visão "um a um" da visualização, mudando assim a natureza da experiência de cada um com as pinturas. Minhas obras assumem diferentes associações dessa forma. Sempre estive interessado em camadas, mas também estou interessado em usar um material para referenciar outro, neste caso, minhas pinturas instaladas como esculturas. Pinturas diferentes podem parecer desenhos, e fotografias e desenhos podem parecer pinturas. Cada passo do meu processo criativo se manifesta visualmente na obra final; os traços são sempre legíveis. Para mim, é aqui que reside o conteúdo. Em nossas cidades, esse cenário se desenrola enquanto buscamos evidências e vestígios do passado, escondidos sob a superfície do presente.

Passei os últimos dois anos em Berlim, criando desenhos que cresceram organicamente, ao contrário do meu uso anterior de referências fotográficas. Estava particularmente observando a reconstrução da cidade, sua topografia e também os "vazios" da cidade que mantêm vestígios do passado. A partir dessa pesquisa, criei grupos interconectados de desenhos que se informam mutuamente quando vistos em conjunto, assim como trabalhos que consideravam a reconstrução arquitetônica que está acontecendo no centro da cidade.

Quanto tempo geralmente leva um trabalho?

Depende muito. Quando eu estava em Berlim, geralmente eu ficava no meu estúdio seis dias por semana. É difícil dizer quanto tempo um trabalho levará, já que costumo trabalhar em várias peças ao mesmo tempo. No meu processo, eu começo com tinta muito fina e depois vou construindo lentamente ou, no caso dos meus desenhos, eu costumava passar algumas semanas fazendo testes antes de finalizar minha abordagem ao trabalho. Basicamente, meu processo é um trabalho lento e intensivo.

O que é fundamental para o seu trabalho?

"Minha prática me levou a muitas cidades, tanto para viver quanto para pesquisa. Cada vez que me mudo, isso influencia e muda meu trabalho. Esses lugares são catalisadores para as maneiras como penso sobre fazer arte e como executo meu processo. Novas maneiras de pensar e criar surgem à medida que hábitos passados são quebrados e agitados." 

Como você sabe quando um trabalho está terminado? 

Eu não trabalho de maneira tão nebulosa; é mais claro para mim. Nunca houve uma dúvida sobre o que eu preciso fazer a seguir para resolver um trabalho. A maior questão para mim é como coloco cada peça contextualizada com outras peças na exposição, e como o trabalho será instalado? Essas são sempre as perguntas mais difíceis, pois considero como meu trabalho será lido e como o espaço da exposição influenciará essa legibilidade. Ao trabalhar com meu material escolhido, a moldura também é uma consideração. A moldura pode fazer ou quebrar meu trabalho. Gosto de trabalhar com molduradores em quem confio, que podem oferecer suas percepções e ideias.

O que significa ter um espaço físico para fazer arte no seu processo, e como você faz seu espaço de estúdio funcionar para você?

Meu estúdio precisa ser um espaço solitário e tranquilo. Sou flexível quanto à localização, mas o espaço do estúdio dita certos parâmetros, particularmente em termos de escala e quão grande é possível trabalhar. Se você tem um espaço pequeno, uma obra vai parecer muito maior no seu estúdio do que quando estiver pendurada nas paredes de uma grande galeria. 

Há algo em que você está trabalhando atualmente ou que está animado para começar e que pode me contar?

Atualmente, estou em Halifax, Canadá, fazendo algumas pesquisas sobre práticas artísticas baseadas em fibra para um novo conjunto de obras tecidas em tear. Enquanto estava em Berlim, fiquei cada vez mais interessado em aumentar minha prática tradicional e incorporar novos meios—continuarei pintando, mas de uma maneira diferente.

Como você navega no mundo da arte?

Acho que a melhor maneira de lidar com as pressões é passar o máximo de tempo possível no seu estúdio e continuar criando. Há um certo consolo no processo de avançar de maneiras que são desafiadoras para você. Leio diferentes textos e publicações de arte que são voltados para a teoria cultural e investigação, em vez de críticas de exposições ou artigos dedicados ao mercado de arte. Também ajuda ter minha comunidade ao meu redor—tenho grupos em Berlim, Nova York e Toronto—compostos por artistas, curadores, escritores, designers, músicos e DJs que apoiam meu trabalho enquanto eu apoio o deles. Engajar em conversas e apenas estar presente com eles me ajuda imensamente a lidar com as pressões de ser artista.

Qual é o melhor conselho que você recebeu quando entrou no mundo da arte? Que conselho você tem para jovens artistas em ascensão?

"O melhor conselho que recebi foi de Martha Rosler, que disse: 'Nunca confie em ninguém com sua carreira. Você sempre deve ficar de olho em como está sendo representado e como aqueles que o representam estão moldando a conversa em torno do seu trabalho.'"

Você está envolvido em algum show ou evento próximo? Onde e quando?

Farei parte de uma exposição coletiva na Gallery Wenger em Zurique, Suíça, que abre em 24 de outubro de 2015 e vai até 9 de janeiro. Tenho alguns outros projetos também, que estão nas fases iniciais de desenvolvimento.

Imagem em destaque: Instalação do Dia da Memória O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Cortesia do artista