Uma Entrevista com John Monteith

John Monteith nasceu em 1973 em Newmarket, Ontário, Canadá, e é formado pelo programa de mestrado em Belas Artes da Parsons The New School for Design em 2008. Ele viajou e morou extensivamente pelo mundo, o que influenciou e transformou sua prática artística ao longo dos anos. Suas peças intrincadas e coloridas feitas com cera e pigmentos sobre filme de desenho em camadas, assim como suas documentações fotográficas cuidadosamente sobrepostas, o tornaram um artista abstrato procurado e reconhecido.

John Monteith tem representação internacional e foi o foco de várias exposições individuais e coletivas, como: “At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; “Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zurique, Suíça; e “Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlim, Alemanha. Suas obras fazem parte de coleções permanentes na The New School, Manhattan, Nova York; BNY Melon, Nova York; e Morris and Associates em Londres, Inglaterra. A IdeelArt teve o prazer de entrevistar o artista para discutir seu processo de trabalho e projetos futuros.

Quais materiais e técnicas você usa em seu processo de trabalho? Como sua prática mudou ao longo do tempo?

Em minha prática inicial de pintura, eu usava óleo sobre tela e trabalhava de forma representativa, fazendo pinturas figurativas em grande escala. Desde 2005, fiz uma mudança significativa em termos de meio e tema. A trajetória do meu trabalho se desenvolveu naturalmente junto com meus pensamentos, não apenas sobre espaços urbanos, mas também sobre relacionamentos pessoais e múltiplas camadas de relação. Sempre me fascinei pelo que caracteriza o mostrado e o oculto.

Em 2006, comecei a trabalhar com filme de desenho, usando suas qualidades translúcidas para sobrepor imagens. Ainda trabalhando de forma representativa, eu usava tinta a óleo, que era diluída para aproveitar sua natureza transparente. Eu pintava arquitetura e centros urbanos, lugares que visitei e que tinham significado histórico, e até os restos de um antigo acidente de carro que vi em uma floresta em Kyoto, Japão, envolvendo alguns carros que saíram de uma estrada íngreme há cerca de quinze anos. Cada uma dessas cenas foi ou é um lugar de ruptura. Ao criar as pinturas dessa série, eu pintava cada imagem duas vezes em duas folhas diferentes de filme de desenho e depois colocava as folhas uma sobre a outra, deslocando o registro para que a pintura superior ficasse ligeiramente deslocada da inferior, que eram então sobrepostas para criar uma única imagem. Combinar essas duas “partes” em uma pintura criou uma obra que permanecia em uma zona enigmática de fluxo, em certo sentido, um movimento capturado no tempo. Após expor essas pinturas junto com uma série de trabalhos baseados em texto, tornei-me mais redutivo na minha criação artística, adotando uma abordagem Concreta para fazer meus desenhos e pinturas, que mantinham uma referência ao temporal dentro da esfera urbana, e um discurso de memória/história conforme proposto por escritores como Andreas Huyssen.

Em 2011, comecei a série (de) Construção/(re) Construção, criada a partir de documentação fotográfica de espaços intersticiais como portas e corredores de shoppings, terminais de aeroportos e outros espaços públicos. Fiz essas pinturas usando as formas de luz e sombra projetadas presentes nesses “espaços descartados”, um termo cunhado e escrito por Rem Koolhaas. São lugares de “nenhum lugar” onde passamos muito do nosso tempo em trânsito, movendo-nos do Ponto A ao Ponto B. Como na minha última série de pinturas, usei a mesma estratégia de pintar duas camadas idênticas, mas desta vez, ao juntar as camadas, eu as deslocava para a posição desejada antes de finalizar a pintura, destacando e recuando certos elementos.

Ao finalizar essas pinturas, as montei em plexiglass branco opaco, cortado à mão nas dimensões de cada pintura. Isso me permitiu pendurar as peças na parede como uma pintura tradicional, mas também pensar nas pinturas de forma escultórica, pendurando cada peça em seu próprio suporte. Instalar o trabalho dessa forma criou novas relações físicas entre as obras, ao mesmo tempo que fazia referência à arquitetura da galeria e alterava a linha de visão “um a um”, mudando assim a natureza da experiência das pinturas. Minhas obras assumem diferentes associações dessa maneira. Sempre me interessei por sobreposição, mas também por usar um material para referenciar outro, neste caso minhas pinturas instaladas como esculturas. Diferentes pinturas podem parecer desenhos, e fotografias e desenhos podem parecer pinturas. Cada etapa do meu processo criativo se manifesta visualmente na obra final; as marcas são sempre legíveis. Para mim, é aí que reside o conteúdo. Em nossas cidades, esse cenário se desenrola enquanto buscamos evidências e vestígios do passado, escondidos sob a superfície do presente.

Passei os últimos dois anos em Berlim, criando desenhos que cresceram organicamente, ao contrário do meu uso anterior de referências fotográficas. Eu estava particularmente observando a reconstrução da cidade, sua topografia e também os “vazios” da cidade que mantêm vestígios do passado. A partir dessa pesquisa, criei grupos interconectados de desenhos que se informam mutuamente quando vistos em conjunto, assim como trabalhos que consideram a reconstrução arquitetônica ocorrendo no centro da cidade.

Quanto tempo geralmente leva para fazer uma obra?

Depende muito. Quando estava em Berlim, geralmente ficava no meu estúdio seis dias por semana. É difícil dizer quanto tempo uma obra levará, pois costumo trabalhar em várias peças ao mesmo tempo. No meu processo, começo com tinta muito fina e depois vou construindo lentamente ou, no caso dos meus desenhos, muitas vezes passava algumas semanas fazendo testes antes de finalizar minha abordagem para a obra. Basicamente, meu processo é lento e trabalhoso.

O que é essencial para o seu trabalho?

Minha prática me levou a muitas cidades, tanto para morar quanto para pesquisa. Cada vez que me mudo, isso influencia e transforma meu trabalho. Esses lugares são catalisadores para as formas como penso em fazer arte e como executo meu processo. Novas formas de pensar e criar surgem à medida que hábitos antigos são quebrados e sacudidos.

Como você sabe quando uma obra está terminada?

Eu não trabalho de forma tão nebulosa; para mim é mais claro. Nunca houve dúvida sobre o que preciso fazer a seguir para resolver uma obra. A maior questão para mim é como posicionar cada peça contextualmente com outras peças na exposição, e como a obra será instalada? Essas são sempre as perguntas mais difíceis, pois considero como meu trabalho será interpretado e como o espaço da exposição influenciará essa legibilidade. Enquanto trabalho com o material escolhido, a moldura também é uma consideração. A moldura pode fazer ou desfazer meu trabalho. Gosto de trabalhar com moldureiros em quem confio e que podem oferecer suas percepções e ideias.

O que significa para o seu processo ter um espaço físico para fazer arte, e como você faz seu estúdio funcionar para você?

Meu estúdio precisa ser um espaço solitário e silencioso. Sou flexível quanto à localização, mas o espaço do estúdio determina certos parâmetros, especialmente em termos de escala e do tamanho possível para trabalhar. Se você tem um espaço pequeno, uma obra parecerá muito maior no seu estúdio do que quando estiver pendurada nas paredes de uma grande galeria.

Há algo em que você está trabalhando atualmente, ou que está animado para começar, que possa me contar?

Atualmente, estou em Halifax, Canadá, fazendo pesquisa sobre práticas artísticas baseadas em fibras para um novo conjunto de trabalhos em tear. Enquanto estava em Berlim, fiquei cada vez mais interessado em ampliar minha prática tradicional e incorporar novos meios — ainda vou pintar, mas de uma forma diferente.

Como você navega pelo mundo da arte?

Acho que a melhor forma de lidar com as pressões é passar o máximo de tempo possível no estúdio e continuar produzindo trabalho. Há um certo consolo no processo de avançar de maneiras que são desafiadoras para você. Leio textos e publicações de arte voltadas para teoria cultural e investigação, em vez de críticas diretas de exposições ou artigos dedicados ao mercado de arte. Também ajuda ter minha comunidade ao meu redor — tenho grupos em Berlim, Nova York e Toronto — compostos por artistas, curadores, escritores, designers, músicos e DJs que apoiam meu trabalho assim como eu apoio o deles. Engajar em conversas e simplesmente estar presente com eles me ajuda muito a lidar com as pressões de ser artista.

Qual foi o melhor conselho que você recebeu quando começou no mundo da arte? Que conselho você daria para jovens artistas em ascensão?

O melhor conselho que recebi foi de Martha Rosler, que disse: “Nunca confie sua carreira a ninguém. Você sempre precisa ficar de olho em como está sendo representado e como aqueles que te representam estão moldando a conversa em torno do seu trabalho.”

Você está envolvido em alguma exposição ou evento próximo? Onde e quando?

Farei parte de uma exposição coletiva na Gallery Wenger em Zurique, Suíça, que abre em 24 de outubro de 2015 e vai até 9 de janeiro. Tenho alguns outros projetos também, que estão em estágios iniciais de desenvolvimento.

Imagem em destaque: Instalação Memorial Day O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Cortesia do artista