Desnudando a Tela - Adeus a Ron Gorchov

Durante uma entrevista em 2017 com o curador suíço Hans Ulrich Obrist, o pintor americano Ron Gorchov (1930 - 2020) ofereceu o seguinte conselho aos jovens artistas: “Seja desesperado e paciente.” A declaração aparentemente oxímorona encapsula perfeitamente a atitude com que Gorchov, que faleceu no início deste mês, abordava sua prática. Nascido em Chicago em 1930, sua família mudou-se de cidade em cidade mais de uma dúzia de vezes durante a Grande Depressão, enquanto seu pai, com espírito empreendedor, buscava trabalho. As circunstâncias podem tê-los deixado desesperados por dinheiro, mas seu pai ensinou Gorchov a ver o dinheiro como algo separado do propósito. Sua família estava sem dinheiro, diz Gorchov, mas nunca pobre. Gorchov trabalhou como salva-vidas quando se mudou para Nova York na década de 1950 e, mais tarde, ensinou arte: trabalhos que lhe deram o tempo necessário para abordar sua arte com a paciência que ela merecia. Seu princípio orientador era que os artistas deveriam sempre criar obras para o próximo século, não para o século em que vivem. Sua ideia para avançar a pintura no século 21 era combiná-la, na medida certa, com escultura e arquitetura. “Para mim,” disse Gorchov, “a essência da escultura é a massa. Na arquitetura, você sente o volume. E a pintura enfatiza a superfície.” As pinturas “em forma de sela” pelas quais ele se tornou conhecido foram sua solução para o problema. Já em 1949, Gorchov tinha a noção de que o mundo da pintura estava muito apegado à ideia do retângulo, um apego acelerado por Piet Mondrian, que Gorchov considerava ter esgotado a forma. Gorchov considerou várias opções para alterar a planicidade de uma tela retangular típica, como colocar uma bola de tênis atrás dela para criar um abaulamento. Levou 19 anos para desenvolver os “esticadores em forma de sela” que usou para criar suas superfícies de pintura convexas e curvas, agora icônicas. Sua primeira pintura em forma de sela, feita em 1968, intitula-se “Mine” — um duplo sentido que faz referência ao fato de que ele via a obra como exclusivamente sua, e também como uma potencial mina de ouro cheia de possibilidades criativas ainda não descobertas.

Abstrato ou Concreto

A maioria dos espectadores considera o trabalho de Gorchov como abstrato. No entanto, seu negociante John Cheim, principal e diretor de exposições da galeria Cheim & Read — que tem uma reputação distinta por trabalhar com gigantes da abstração como Joan Mitchell, Milton Resnick e Louis Fishman — afirma que Gorchov não deve ser visto como totalmente abstrato. “As formas têm uma forte relação com o trabalho de Giorgio Morandi. Gorchov não é um pintor puramente abstrato, assim como Morandi não é puramente figurativo,” diz Cheim. O diretor da galeria Stephen Truax acrescenta: “Ron usava coisas que via e encontrava na vida real como inspiração para as formas que usava em suas abstrações.”

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, óleo sobre linho, 215,9 x 190,5 x 33 centímetros. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), Nova York. Foto: Brian Buckley. Todas as imagens das obras cortesia do artista e da Cheim & Read, Nova York.

Uma pista sobre o conteúdo emocional de suas pinturas pode ser encontrada nos títulos que Gorchov lhes dava, que frequentemente fazem referência a mitos clássicos ou histórias de textos teológicos como a Bíblia. No entanto, Gorchov não começava tentando pintar uma figura ou cena específica de um mito. Em vez disso, pintava de forma intuitiva e subconsciente, muitas vezes pintando o lado direito da tela com a mão direita e o lado esquerdo com a mão esquerda. Ele pensava sobre o conteúdo depois do fato. “Quando faço uma pintura e a olho,” explicou Gorchov certa vez, “tenho que me perguntar: como me senti quando a fiz? Porque eu estava envolvido em fazê-la, não sei como me senti. Então estudo a pintura para descobrir... e tento encontrar uma história que pareça com o que senti.” Essa troca entre coisas vistas na vida, o ato subconsciente de pintar e as análises posteriores dos sentimentos me parece ser tanto abstrata quanto concreta. Isso me lembra como Jean Arp falava sobre o verdadeiro significado do Dadaísmo: a imprevisibilidade, o absurdo e a lógica perfeita da natureza expressos pela arte.

Ron Gorchov - Prometheus, 2016. Óleo sobre linho. 124,5 x 165,1 x 26,7 centímetros. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), Nova York. Todas as imagens das obras cortesia do artista e da Cheim & Read, Nova York.

O Reformador Revolucionário

Para mim, há algo profundamente americano na obra que Gorchov criou. A América é tanto uma coisa concreta quanto um conceito abstrato, constantemente dividida entre revolução e reforma. Quando ele desenvolveu seus esticadores em forma de sela, Gorchov era um artista revolucionário, determinado a subverter o conceito central secular da pintura: que ela deveria ser feita em superfícies retangulares e planas. Mesmo enquanto desenvolvia sua primeira tela curva, a noção de planicidade estava sendo novamente exaltada por críticos de arte líderes como Clement Greenberg como o objetivo da Abstração Pós-Pictórica, a última tendência na pintura segundo Greenberg. No entanto, depois de minar corajosamente os sistemas estruturais dos retângulos e da planicidade, Gorchov comprometeu-se completamente com seu novo sistema e o repetiu pelo resto de sua carreira, substituindo o antigo normal pelo novo normal. O que poderia ser mais americano do que ceder impulsos revolucionários à compulsão por reformas intermináveis, trabalhando dentro de sistemas recém-estabelecidos para criar variações infinitamente intrigantes?

RETRATO COM JAMBAS LESTE Ron Gorchov em seu estúdio no Brooklyn. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov JAMBAS LESTE 1971 Óleo sobre linho 195,6 x 195,6 x 31,8 centímetros © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), Nova York.

De fato, uma vez que você vê uma pintura de Gorchov, todas as futuras pinturas de Gorchov que encontrar serão instantaneamente reconhecíveis como suas. Mas isso não é um insulto. É a mesma crítica que se poderia fazer à natureza, que também trabalha dentro de seus próprios sistemas especiais para criar variações infinitas e belas. Na verdade, no contexto de sua relação com os modos da natureza, sinto que Gorchov pertence melhor à linhagem de Hans Arp — outro artista biomórfico, que foi parte dadaísta, parte surrealista e parte abstracionista, mas que sempre se referia à sua arte como concreta. Gorchov criou um corpo de trabalho que é ao mesmo tempo cerebral e caprichoso — completamente idiossincrático e ainda assim instantaneamente reconhecível — e assim, como Arp, acredito que isso coloca Gorchov em sua própria categoria especial.
Fico impressionado com o sucesso de Gorchov em alcançar seu princípio orientador original, lembrando-nos, por meio de seu exemplo, da importância tanto do pensar quanto do sentir para artistas que desejam ser relevantes não apenas em seu século, mas também no próximo.

Imagem em destaque: RETRATO POR AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Reproduzido com permissão.
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio