As Esculturas Humanas de Jonathan Borofsky

Quando iniciou sua carreira artística na década de 1960, Jonathan Borofsky aspirava encontrar uma forma de unificar o Minimalismo com a Arte Pop; fundir noções essencialmente abstratas como pureza e simplicidade com uma linguagem visual que pudesse ter apelo popular. Ao longo dos anos, Borofsky transitou por diversos corpos de trabalho distintos em busca desse objetivo evasivo. Uma ideia que ele perseguiu estava relacionada aos números, que ele sente terem uma espécie de poder quase espiritual: eles conectam pessoas, lugares e coisas de maneiras concretas e determinam todos os aspectos dos reinos físico e metafísico. Durante anos, Borofsky anotou seu número crescente a cada dia e criou várias obras que simplesmente indicavam o número em que ele estava naquele momento. Ele assinou outras obras que pareciam não ter relação com números não com sua assinatura, mas com sua contagem numérica do dia em que a obra foi concluída. Além de sua série numérica, Borofsky criou um corpo de trabalho baseado em declarações simples, feitas em superfícies bidimensionais, como placas. Outro corpo de trabalho recriou imagens e objetos que Borofsky viu em seus sonhos. Cada um desses experimentos tocou, de formas variadas, nas noções de abstração e figuração. Cada um, à sua maneira, foi ao mesmo tempo altamente conceitual e absolutamente literal. No entanto, nenhum realmente alcançou aquilo que ele desejava – uma encarnação do Minimalismo e da Arte Pop que pudesse ser compreendida instantaneamente. Borofsky finalmente alcançou seu objetivo ao focar no que talvez seja o assunto mais modesto imaginável: a forma humana. Começando com esculturas em pequena escala para galerias, passando para instalações complexas com centenas de formas humanas, e finalmente expandindo para o espaço público, Borofsky criou um vasto conjunto de esculturas humanas. Muitos dos espectadores que encontram essas esculturas as interpretam como obras figurativas diretas, e ainda assim, em cumprimento de sua ambição, muitos outros também encontram nelas qualidades que revelam os amplos e complexos mistérios do mundo invisível.

Essência Material e Pictórica

Uma das formas mais evidentes pelas quais Borofsky unificou os métodos do Minimalismo com os da Arte Pop foi ao dotar suas esculturas humanas de uma essência material sucinta. Materiais e processos são aspectos-chave da ética Minimalista. Artistas como Donald Judd valorizavam materiais industriais como metal, plástico e concreto por suas qualidades impessoais, que por sua natureza rejeitavam a virtuosidade ao disfarçar a “mão do artista”. Processos industriais também são preferidos pelos artistas Minimalistas porque democratizam a arte. Em vez de uma obra ser idolatrada por sua raridade, ela pode ser apreciada pelo fato de que poderia ser reproduzida infinitamente – um verdadeiro reflexo da Era Moderna. Junto com a derrota da virtuosidade e da raridade, o Minimalismo também defende a simplicidade, buscando alcançar a pureza pela eliminação de detalhes supérfluos. Embora suas esculturas humanas assumam uma grande variedade de qualidades físicas e visuais, Borofsky sempre toma cuidado para escolher materiais e processos industriais e para simplificar suas formas, garantindo que a obra expresse esses três ideais Minimalistas: democracia, abundância e pureza.

Jonathan Borofsky - Homem Andando, 17 metros de altura, estrutura interna de aço com revestimento externo de fibra de vidro. Instalação permanente, edifício Munich Re, Munique, Alemanha, 1995. © Jonathan Borofsky

Uma diferença essencial entre a Arte Pop e o Minimalismo é que os artistas Minimalistas tendem quase exclusivamente a fazer obras não narrativas e não figurativas, enquanto os artistas Pop tendem a fazer exatamente o oposto, assumindo descaradamente conteúdo narrativo e figurativo diretamente da cultura popular. De forma mais geral possível, a figura humana pode ser considerada o exemplo máximo de assunto cultural apropriado. Mas Borofsky não para por aí. Para suas esculturas humanas, ele busca manifestações particulares da figura humana que se relacionam com a cultura popular de outras maneiras, adicionando camadas à obra que se relacionam não apenas com a humanidade em geral, mas com momentos humanos específicos. Frequentemente, os elementos mais narrativos da obra revelam os aspectos mais ocultos, e às vezes mais cínicos, da natureza humana. Por exemplo, uma escultura humana que ele instalou em Los Angeles faz referência a atletas se abraçando após um jogo. Parte da série “Molecule Men”, a escultura apresenta centenas de buracos perfurados nas formas. Um crítico interpretou grosseiramente como um monumento a tiroteios em movimento, vendo os buracos como marcas de bala e assumindo que o metal escurecido era uma declaração sobre raça.

Jonathan Borofsky - Torre de Pessoas. 20 metros de altura, aço pintado. Instalação permanente, Parque Olímpico, Pequim, China, 2008. © Jonathan Borofsky

Tudo Sobre Relações

Sob alguns aspectos, com suas esculturas humanas, pode-se dizer que Borofsky está imitando, ou pelo menos se esforçando para imitar, toda a gama da potencialidade humana. Mesmo quando ele destaca um ato humano específico, como em suas esculturas “Homem Martelando” que mostram uma pessoa envolvida no ato cotidiano do trabalho manual, ele consegue evocar ambos os extremos do espectro da cultura humana. Em um sentido material, o “Homem Martelando” é extremamente austero. No sentido de sua escala e potenciais ramificações políticas, no entanto, ele é potencialmente ostensivo. Ao apresentar a combinação de ambos os extremos dentro do contorno da figura humana, Borofsky convida os espectadores a especular não apenas sobre o que a escultura é, mas sobre o que ela é para eles. Essa ampla declaração social ecoa as palavras de Walt Whitman: “Eu contenho multitudes.”

Jonathan Borofsky - Homem Martelando, Museu de Arte de Seattle. © Jonathan Borofsky

O mais fascinante é como os elementos que são os mais abstratos nas Esculturas Humanas frequentemente acabam fazendo o máximo para afetar a narrativa pública que evolui em torno da obra. No caso da escultura mencionada anteriormente em Los Angeles, cor e forma – dois dos elementos mais abstratos da peça – tornaram-se mais importantes do que a verdadeira história por trás da obra. Enquanto isso, outras obras, como as da série “Pessoas Caminhando para o Céu”, apresentam enormes postes diagonais prateados com pequenas formas humanas caminhando para cima sobre eles. O assunto narrativo é facilmente relacionável, mas o que dá à obra seu poder e presença são suas fortes qualidades lineares e seu acabamento metálico. Esses aspectos definem a relação da obra com a arquitetura ao redor. Eles também definem sua relação com os espectadores, à medida que percebemos que o que realmente estamos olhando é um reflexo de nós mesmos. Somos nós que atravessamos um caminho que é facilmente descrito enquanto marchamos alegremente para o desconhecido.

Imagem em destaque: Jonathan Borofsky - Estruturas Humanas e a Luz da Consciência. Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park - 30 de janeiro a 10 de maio de 2009. © Jonathan Borofsky
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio