O Que a Seção D’Or Significou para o Cubismo e a Arte Abstrata em Geral

O Cubismo surgiu das mentes e pincéis de Pablo Picasso e Georges Braque. Mas o crédito por expandir o conhecimento do método cubista para as massas indiscutivelmente vai para o Groupe de Puteaux, e sua exposição cubista histórica de 1912, La Section d'Or. As primeiras pinturas cubistas apareceram por volta de 1909, causando uma onda de choque na vanguarda parisiense, o que por sua vez fez com que vários outros pintores adotassem as teorias e princípios que Picasso e Braque estavam desenvolvendo. Picasso e Braque raramente comentavam publicamente sobre seus experimentos, mas seus seguidores agarraram-se ao pouco que eles compartilhavam e usaram essas ideias para formular um movimento conceitual definitivo. Entre os primeiros convertidos ao Cubismo estavam Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier, Fernand Léger e os irmãos Duchamp – Marcel Duchamp, Jacques Villon e Raymond Duchamp-Villon. Alguns desses artistas expuseram juntos no Salon des Indépendants de 1911, após o qual começaram a se reunir formalmente nos subúrbios de Paris, seja no estúdio de Albert Gleizes em Courbevoie, ou na casa dos irmãos Duchamp em Puteaux. Esse segundo local de reunião deu ao Groupe de Puteaux, ou Grupo de Puteaux, seu nome. Nessas reuniões, o grupo teve discussões profundas sobre o que o Cubismo é e o que não é, e delineou tanto suas raízes quanto seus objetivos. Em 1912, eles tinham uma concepção totalmente formada de seu método, então para marcar o momento montaram a primeira grande exposição cubista: La Section d'Or. Para acompanhar a exposição, Gleizes e Metzinger publicaram “Du Cubism,” a primeira – e única – explicação do Cubismo escrita pelos próprios artistas cubistas iniciais. O impacto tanto da exposição quanto do ensaio no desenvolvimento da cultura artística de seu próprio tempo, e de todas as gerações futuras, é impossível de exagerar.

A Ideia Dourada

O Grupo de Puteaux chamou sua exposição inicial de “La Section d’Or” como uma referência à “proporção áurea,” um conceito matemático que remonta a mais de 2000 anos. O conceito envolve valores geométricos que aparecem regularmente na natureza. É uma fórmula objetiva, mas que também adquiriu certas atribuições místicas ao longo dos séculos. Os artistas de Puteaux frequentemente discutiam fórmulas matemáticas, incluindo a proporção áurea, em suas reuniões. Eles escolheram o termo como título para sua exposição por causa do que sentiam que ele implicava. De forma alguma estavam dizendo que realmente aplicavam a proporção áurea em seu trabalho. Eles estavam apenas interessados no que a ideia da proporção áurea significa para as pessoas. No entanto, os críticos correram para procurar evidências da proporção áurea nas pinturas exibidas em “La Section d’Or.”

Albert Gleizes - Les Baigneuses (As Banhistas), 1912. Óleo sobre tela. 105 x 171 cm. Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Retângulo dourado (pintura, 1 a 1,618 ± 0,07), grade da proporção áurea (grade dourada/amarela, so1 - so4), e sobreposição de grade 4 : 6. Fonte: wikipedia.

Em algumas pinturas de Juan Gris encontraram tais evidências na disposição da composição, e pelo menos uma pintura de Gleizes tinha dimensões incomuns que correspondem à fórmula. Mas em “Du Cubism” está claramente declarado: “Não somos nem geômetras nem escultores; para nós, linhas, superfícies e colunas são apenas nuances da noção de plenitude. Geometria é uma ciência, pintura é uma arte. O geômetra mede, o pintor saboreia.” Para muitos espectadores essa explicação é insatisfatória, especialmente se querem entender Cubismo em termos específicos. Inicialmente me ensinaram que o Cubismo era uma forma de expressar o espaço quadridimensional mostrando múltiplas perspectivas simultâneas – e escrevi isso em vários artigos anteriores. E embora eu ainda acredite que essa é uma maneira precisa de descrever muitas pinturas cubistas, depois de ler “Du Cubism” entendo meu erro. A linguagem do Cubismo não foi explicitamente definida. Ela foi baseada apenas parcialmente na lógica, e parcialmente no sentimento, e evoluiu ao longo do tempo. O objetivo dos artistas cubistas não era definir, mas sugerir. Como Gleizes e Metzinger escreveram, “Certas formas devem permanecer implícitas, para que a mente do espectador seja o lugar escolhido para seu nascimento concreto.”

Juan Gris - Homem em um Café, 1912. Óleo sobre tela. 127,6 x 88,3 cm. Philadelphia Museum of Art. Exposto no Salon de la Section d'Or de 1912

Erros do Olho

Mesmo que não possamos atribuir uma agenda específica aos cubistas, podemos pelo menos notar a importância que eles davam à inovação. “Du Cubism” afirma que a única lei da arte é a lei do tempo. Os artistas não devem imitar a arte do passado. Eles devem ser de seu próprio tempo e esforçar-se para descobrir por si mesmos o que isso significa. A luta que os cubistas enfrentaram não é diferente, nesse aspecto, da luta que toda geração de artistas abstratos enfrentou desde então: é a luta para superar a diferença entre o que o público vê e o que o público entende. Gleizes e Metzinger escreveram, “O olho rapidamente interessa a mente em seus erros.” Em parte, eles se referiam às suas próprias pinturas e a como os espectadores as escaneavam rapidamente com os olhos e depois pulavam para conclusões em suas mentes. Eles esperavam que os espectadores pudessem aprender a ler a arte abstrata lentamente, absorvendo os diferentes elementos como palavras em uma página, esperando até que toda a peça fosse lida antes de se aventurar a entendê-la.

Jean Metzinger - La Femme au Cheval (Mulher com um cavalo), 1911-1912. Óleo sobre tela. 162 x 130 cm. Statens Museum for Kunst, Galeria Nacional da Dinamarca. Publicado em Les Peintres Cubistes de Apollinaire, 1913. Exposto no Salon des Indépendants de 1912.

A expressão dessa esperança humilde é apenas uma das maneiras pelas quais “Du Cubism” afetou todos os métodos artísticos desenvolvidos no último século. Também vemos sua influência na expressão da “parentesco da cor e da forma,” onde as raízes dos ensinamentos de Hans Hofmann são claras; em sua insistência de que a arte seja “uma fixação de nossa personalidade: imensurável, na qual nada é jamais repetido,” onde o espírito do Expressionismo Abstrato, Tachisme, Forma 1, e tantas outras posições estéticas espreitam; e em sua aceitação de “tantas imagens do objeto quantos olhos para contemplá-lo, tantas imagens da essência quantas mentes para entendê-lo,” onde ouvimos o chamado da Arte Conceitual e da era Pós-Internet saturada de imagens. Qualquer influência futura que La Section d’Or, o Grupo de Puteaux ou o Cubismo ainda possa oferecer talvez seja melhor expressa em uma das frases finais de “Du Cubism,” onde Gleizes e Metzinger ofereceram este pensamento: “As pessoas finalmente perceberão que nunca houve uma técnica cubista, mas simplesmente uma técnica pictórica que alguns pintores exibiram com coragem e diversidade.”

Imagem em destaque: Albert Gleizes - Colheita e Debulha (Le Dépiquage des Moissons), 1912. Óleo sobre tela. 269 x 353 cm. Museu Nacional de Arte Ocidental, Tóquio

Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos

Por Phillip Barcio