Абстракция в физическом - Жюль Олицки

Творческий путь украинско-американского художника Жюля Олицкого (1922 – 2007) напоминает нам, что искусство — это не фиксированное человеческое занятие, которое должен выполнять каждый одинаково, как, скажем, управление пассажирским самолётом. Художники свободны — или должны быть свободны — постоянно переосмысливать своё дело столько раз, сколько захотят. Олицкого вёл лишь один фактор: его интуиция. Он видел образ, ощущение, которое хотел запечатлеть, или материальное присутствие, которое хотел воплотить, и стремился это осуществить. Неважно, соответствовала ли его идея моде или вкусам. Большинство называют его работы абстрактными, но он сам не делал такого различия, возможно, потому что для него его особое видение картины было своего рода сюжетом. Если мечтаешь нарисовать всплеск цвета, парящий в воздухе, а затем создаёшь картину, которая воплощает эту мечту, то эта картина — именно то, что она описывает: картина всплеска цвета, парящего в воздухе. Насколько более конкретным это может быть? По поводу советов другим художникам Олицкий однажды сказал: «Не жди ничего. Делай своё дело. Празднуй!» Возможно, он давал похожие советы и зрителям: «Не жди ничего. Смотри на работы. Празднуй!» Однако восприятие искусства — это отдельное удовольствие от художественной критики. Критики, историки и арт-дилеры долгое время испытывали трудности с тем, чтобы точно определить место Олицкого в линейной сказке, известной как история искусства, возможно, потому что он никогда не задавался вопросом, где он находится. Он так часто менял стили, материалы и методы, что его трудно не только исторически классифицировать, но и коммерциализировать, ведь многие коллекционеры хотят иметь возможность говорить об артистах, которых они собирают, в удобных ярлыках: «Это художник сеток. Это дама, которая рисовала пауков. Это парень, который делал коробки. И так далее.» С Олицким так не получится. Он сделал слишком много разных вещей, чтобы быть известным чем-то одним. Поэтому у нас остаётся только один вариант — лучший: «Не жди ничего. Смотри на картины. Празднуй.»

Живопись на грани

Родился в Сновске, на территории современной Украины, Олицкий эмигрировал в США с матерью в возрасте одного года после того, как его отца убил местный советский комиссар. Они обосновались в Бруклине, Нью-Йорк, и уже в старших классах Олицкий проявил выдающиеся способности к искусству. Он получил приз на обучение живописи в Манхэттене и в итоге выиграл стипендию для учёбы в Институте Пратта. После призыва на Вторую мировую войну Олицкий воспользовался льготами по закону G.I. Bill, чтобы продолжить художественное образование в Париже. Там он изучал мастеров модернизма вблизи и столкнулся со своими внутренними демонами. Особенно он осознал, что его контролирует собственное образование. Упражнение, в котором он завязывал себе глаза во время рисования, иллюстрирует его стремление преодолеть влияние собственных идей. Именно эта преданность творческой свободе руководила им всю оставшуюся жизнь.

Жюль Олицкий - С любовью и пренебрежением: Благословение восторга, 2002. Акрил на холсте. 152,4 x 213,4 см. Ameringer Yohe Fine Art, Нью-Йорк. © Жюль Олицкий

Его первые выставки живописи в 1950-х годах были наполнены мрачными, тёмными, густо нанесёнными абстракциями, такими как «В память о убитом Демиковском» (1958), работе, посвящённой его отцу. Однако к 1960 году Олицкий принял совершенно иной подход, используя новые виды акриловых красок для создания плоских, ярко окрашенных композиций, в которых биоморфные, амёбообразные формы словно всплывали в живописных чашах Петри. Пять лет спустя он снова сменил направление, на этот раз применяя промышленный распылитель в попытке воплотить свою мечту о картине «всплеска цвета, который висит как облако, но не теряет форму». Его работы с распылителем действительно обладают многими эфемерными свойствами, подобными газообразным облакам в далёкой туманности, подсвеченным взрывами звёзд. Этот цикл работ заставил Олицкого задуматься о том, что он называл «краем» картины. «Картина создаётся изнутри наружу», — говорил он. Однако, по его пониманию, внешний край работы — это не край холста, а край цвета. Олицкий воспринимал, что цвет выходит за пределы краски, переносимый светом и восприятием в пограничное пространство между поверхностью картины и нашими глазами.

Жюль Олицкий - Графический цикл №2 (Оранжевый), 1970. Шелкография. 89 x 66 см (работа); 91,5 x 69 см (в раме). © Жюль Олицкий

Структура и поток

В середине 1970-х Олицкий вновь изменил методы, сочетая свой ранний приглушённый, густо нанесённый стиль с использованием распылителя, создавая картины, такие как «Тайный огонь – 2» (1977), которые, несмотря на эфемерную цветовую палитру, излучают ощутимое материальное присутствие. Он продолжал развивать этот смешанный подход, создавая в 1980-х годах смелые металлические абстракции, например, «Вечность» (1989), и в 1990-х — первобытные, почти адские работы, такие как «На море» (1996). Несмотря на визуальное разнообразие, все эти работы объединяет один принцип, который Олицкий сформулировал так: «Я считаю, что живопись обладает структурой, но структурой, рожденной потоком цветового чувства». Картины, созданные им в последние годы жизни, такие как «С любовью и пренебрежением: Восторг» (2002), ярко выражают этот принцип. Структура их материального присутствия так же непреклонна, как камень, но их лёгкость бытия несомненно заявляет о своём хроматическом праве на рождение в «потоке цветового чувства».

Жюль Олицкий - Страсть Патутского, 1963. Магна на холсте. 223,5 x 181,6 см. Yares Art. © Жюль Олицкий

Помимо своей многолетней практики абстрактной живописи, Олицкий постоянно создавал фигуративные портреты и пейзажи. У него также была плодотворная карьера скульптора, которая, как и живопись, не была ограничена ничем, кроме его собственного воображения. В детстве Олицкого прозвали князем Патутским по прозвищу отчима. Это имя неоднократно встречается в его работах: «Патутский в раю» (1966); «Страсть Патутского» (1963); «Команда князя Патутского» (1966). Именно эта преданность детской невинности, по моему мнению, пронизывает всё, чего Олицкий достиг как художник. История искусства обычно возводит в легенды только тех художников, которые были радикальны в начале карьеры, затем наступает «зрелость», а потом повторение. Олицкий не вписывается в этот образ. Он просто делал своё дело так экспериментально и свободно, как мог, без ожиданий и праздновал. Для меня это делает его легендой.

Изображение на обложке: Жюль Олицкий - Basium Blush, 1960. Магна на холсте. 200,7 x 276,9 см. Kasmin, Нью-Йорк. © Жюль Олицкий
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор: Филлип Барцио