Абстракция в физическом - Жюль Олицки

Карьера украинско-американского художника Джулса Олицкого (1922 – 2007) напоминает нам, что искусство не является фиксированным человеческим занятием, которое должно выполняться одинаково каждым практиком, как, скажем, управление пассажирским самолетом. Художники могут — или должны — быть совершенно свободными в переосмыслении своей области так часто, как они хотят. Олицкий руководствовался лишь одним фактором: своей интуицией. У него была видение изображения, или ощущения, которое он хотел запечатлеть, или материального присутствия, которое он хотел проявить, и он начинал пытаться сделать это. Соответствовало ли его видение трендам или вкусам, не имело значения. Большинство людей называют его работы абстрактными, но он сам не делал этого различия, возможно, потому что его особое видение картины было для него своего рода предметом. Если кто-то мечтает нарисовать струю цвета, висящую в воздухе, а затем рисует картину, которая реализует эту мечту, то эта картина именно то, что она описывает: картина струи цвета, висящей в воздухе. Насколько более конкретным можно быть? Что касается совета другим художникам, Олицкий однажды сказал: "Не ожидайте ничего. Делайте свою работу. Празднуйте!" Он мог дать аналогичный совет своим зрителям: "Не ожидайте ничего. Смотрите на работу. Празднуйте!" Тем не менее, оценка искусства — это отдельное удовольствие от критики искусства. Критики, историки и арт-дилеры долгое время испытывали трудности с тем, чтобы точно определить, где разместить Олицкого в линейной сказке, известной как история искусства, возможно, потому что Олицкий никогда не беспокоился о том, где он вписывается. Он так часто менял стили, медиумы и методы, что его не только трудно историзировать, но и трудно коммерциализировать, поскольку так много коллекционеров хотят говорить о художниках, которых они собирают, в терминах удобного сокращения: "Это художник сетки. Это дама, которая делала пауков. Это парень, который делал коробки. И так далее." С Олицким этого сделать нельзя. Он сделал слишком много вещей, чтобы быть известным только за одну. Поэтому мы застряли с единственным вариантом — лучшим вариантом: "Не ожидайте ничего. Смотрите на картины. Празднуйте."

Живопись на грани

Родившись в Сновске, ныне Украина, Олицкий эмигрировал в Соединенные Штаты с матерью в возрасте одного года, после того как его отца убил местный советский комиссар. Они поселились в Бруклине, Нью-Йорк, и к старшей школе Олицкий проявил выдающиеся способности к искусству. Он выиграл приз на обучение искусству в Манхэттене и в конечном итоге получил стипендию для обучения в Институте Пратта. После того как его призвали на службу во Вторую мировую войну, Олицкий использовал свои привилегии по закону G.I. Bill, чтобы продолжить свое художественное образование в Париже. Там он близко изучал модернистских мастеров и столкнулся со своими собственными демонами. Примечательно, что он осознал, что его контролирует собственное образование. Упражнение, в котором он завязывал себе глаза во время рисования, иллюстрирует его желание преодолеть манипуляцию своими собственными идеями. Эта же преданность творческой свободе руководила им на протяжении всей жизни.

Джулс Олитски - С любовью и пренебрежением: Благословение восторга, 2002. Акрил на холсте. 60 x 84 дюйма. (152,4 x 213,4 см). Ameringer Yohe Fine Art, Нью-Йорк. © Джулс Олитски

Его первые выставки картин в 1950-х годах были доминированы настроенческими, темными, импастными абстракциями, такими как "В память о убитом Демиковском" (1958), работа, названная в честь его отца. Однако к 1960 году Олицкий принял совершенно другой подход, используя новые типы акриловых красок для создания плоских, ярко окрашенных композиций, в которых биоморфные, амебоподобные формы, казалось, возникают в живописных чашках Петри. Пять лет спустя он снова изменил направление, на этот раз используя промышленный распылитель в попытке достичь своей мечты о живописи "распыления цвета, которое висит как облако, но не теряет своей формы." Его картины, выполненные с помощью распылителя, действительно обладают многими из тех же эфемерных качеств, что и газообразные облака в далекой туманности, подсвеченные взрывами звезд. Эта серия работ действительно заставила Олицкого задуматься о том, что он называл "краем" картины. "Картина создается изнутри наружу," сказал он. Внешний край работы, согласно его пониманию, не был краем холста, а был краем цвета. Олицкий воспринимал, что цвет выходит за пределы краски, переносимый светом и умственным восприятием в лиминальное пространство между поверхностью картины и нашими глазами.

Жюль Олицкий - Графическая серия #2 (Оранжевый), 1970. Шелкография. 35 x 26 дюймов. (работа); 36 x 27 дюймов. (в раме). © Жюль Олицкий

Структура и течение

В середине 1970-х годов Олицкий снова изменил методы, сочетая свою раннюю, приглушенную, импасто-технику с использованием распылителя, создавая такие картины, как "Секретный огонь – 2" (1977), которые проецируют определенное материальное присутствие, несмотря на эфирную цветовую палитру. Он продолжал развивать эту смесь методов, создавая ряд смелых металлических абстракций в 1980-х годах, таких как "Домен вечности" (1989), и ряд адски примитивных работ в 1990-х годах, таких как "На море" (1996). Хотя визуально разнообразные, эти работы все же имеют общий руководящий принцип, который Олицкий сформулировал следующим образом: "Я думаю о живописи как о обладающей структурой, но структурой, рожденной из потока цветового ощущения." Картины, которые Олицкий создал в последние годы своей жизни, такие как "С любовью и пренебрежением: восторг" (2002), выражают этот руководящий принцип в драматической манере. Структура их материального присутствия так же непоколебима, как камень, но их легкость бытия несомненно заявляет о своем хроматическом праве в "потоке цветового ощущения."

Джулс Олитски - Патутский Пассаж, 1963. Магна на холсте. 88 x 71 1/2 дюймов (223.5 x 181.6 см). Yares Art. © Джулс Олитски

В дополнение к своей многолетней абстрактной живописи, Олицкий постоянно рисовал фигуративные портреты и пейзажи. У него также была плодовитая карьера скульптора, которая, как и его карьера живописца, не имела ограничений, кроме его собственного воображения. В детстве Олицкий получил прозвище Принц Патутский от своего отчима. Это имя снова и снова появляется в его работах: "Патутский в раю" (1966); "Патутская страсть" (1963); "Команда Принца Патутского" (1966). Именно эта преданность детской невинности, по моему мнению, пронизывает все, что Олицкий достиг как художник. История искусства обычно наделяет статусом легенды только тех художников, которые были радикальны в начале своей карьеры, за чем следовала "зрелость", а затем повторение. Олицкий не вписывался в этот характерный портрет. Он работал так экспериментально и свободно, как только мог, без ожиданий, и праздновал. Это делает его легендой для меня.

Изображение: Джулс Олитски - Basium Blush, 1960. Магна на холсте. 79 x 109 дюймов (200,7 x 276,9 см). Касмин, Нью-Йорк. © Джулс Олитски
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio