Элементы абстракции - Elizabeth Gourlay в интервью
Elizabeth Gourlay рассматривает свою работу как медитацию на тему форм и цветов, иногда сравнивая работу в студии с процессом сочинения музыки. Используя сочетание различных техник - от масляных красок и графита до коллажа, Gourlay создает абстрактные композиции, обращающиеся к эстетическому словарю, тонко уравновешенному между природой и геометрией. Gourlay живет в Честере, штат Коннектикут, и в этом месяце участвует в четырех групповых выставках в Нью-Йорке, Коннектикуте и Массачусетсе. IdeelArt удалось поговорить с ней о ее творчестве, выставочном календаре и новой серии работ.
Интервью с Elizabeth Gourlay - недавние выставки и проекты
IdeelArt: У вас очень насыщенный месяц! В этом месяце вы участвуете в четырех групповых выставках в четырех разных городах. Когда вы оказываетесь в подобной ситуации, когда множество разных зрителей получает возможность увидеть ваши работы, удается ли вам по-прежнему находить время для активной работы в студии или вы предпочитаете находиться в галереях, общаться со зрителями и воспринимать их реакцию на ваши произведения?
Elizabeth Gourlay: Впервые у меня одновременно проходит так много мероприятий. Это волнительно, но я привыкла полностью посвящать себя отдельным выставкам, а теперь мне пришлось пропустить одно открытие, чтобы попасть на другое. Но после того, как произведения доставлены, время снова становится моим. Хотя мне чрезвычайно хочется вернуться в студию даже после короткого периода активности, отвлекающего меня от работы, мне также нравится общение в галерее - разговоры с коллегами-художниками и друзьями во время открытий и других галерейных мероприятий. Абстрактное искусство - это язык, и общение со зрителями, особенно с художниками и друзьями на таких мероприятиях, укрепляет ощущение стойкости в новых формах выражения, которые мы находим.
IA: В этом месяце ваши выставки проходят в идиллических сельских местах, таких как The Tremaine Gallery в Лейквилле, штат Коннектикут, а также в густонаселенных городских центрах, таких как 1285 Avenue of the Americas Gallery в центре Манхэттена. Как зрители из столь разных условий по-разному реагировали на ваши работы?
E.G. В обоих случаях аудитория была визуально подготовленной, заинтересованной и доброжелательной. В Нью-Йорке зрители в целом казались более разговорчивыми: они охотнее задавали вопросы и высказывали свое мнение. Мне кажется, нью-йоркские зрители чаще подходили к произведениям вплотную!
IA: Как разговоры и другие виды взаимодействия со зрителями повлияли на направление вашей работы?
E.G. Я стараюсь не поддаваться влиянию реакции зрителей, хотя неизбежно, если новая линия развития, которая меня воодушевляет, вызывает положительный отклик, это побуждает меня продолжать исследовать этот путь. Всегда интересно наблюдать различия во мнениях и понимать, как и почему людей привлекают разные произведения.
Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Монотипия на бумаге. 40.6 x 38.1 см.
Прошлое и настоящее
IA: Чем работы, которые вы создаете сегодня, отличаются от тех, что вы создавали раньше?
E.G. Примерно с 1994 года мои работы очень часто основывались на сетке и имели квадратный формат. Они создавались слоями размывок и прочерченных линий. Около 2005 года я начала экспериментировать с гораздо более смелыми геометрическими формами и насыщенными цветами. С тех пор я чередую смелые, выразительные формы и цвета с более деликатными и приглушенными работами, иногда объединяя оба подхода. Произведения часто начинаются похожим образом, но могут завершаться совершенно по-разному. Вероятно, самое большое изменение - это свобода, которую я позволяю себе в процессе создания.
IA: Вы иногда упоминаете медитацию, когда говорите о своей работе. Не могли бы вы подробнее объяснить, что это слово означает применительно к вашему искусству? Например, считаете ли вы процесс создания работы медитативным? Считаете ли вы завершенное произведение потенциальным медитативным посредником для зрителей?
E.G. Я действительно считаю этот процесс медитативным. Я стараюсь не приходить в студию с чрезмерным количеством идей - возможно, только с идеей цвета или формы. Начиная работать, я позволяю внутреннему взору, бессознательному разуму реагировать на произведение и вести меня к воплощению ускользающего ментального элемента, который может быть далеким и одновременно таким присутствующим. Обычно мои лучшие работы появляются тогда, когда мои мысли не перегружены и я настроена на произведение. Рисуя непосредственно или накладывая размывки, я наслаждаюсь тем, как произведение постепенно возникает. Лучше всего это выразил Paul Klee, сказавший: «моя рука полностью является инструментом более отдаленной сферы». Я не работаю с намерением создать что-то ради переживания другого человека, но открыта его реакции и интерпретации. Люди, живущие с моими работами, часто говорят, что созерцание произведения приносит им покой, спокойную радость или ощущение опоры. Поэтому я уверена, что рассматривать завершенные произведения как медитативного посредника вполне правомерно, но я оставлю тем, кто живет с этими произведениями, и специалистам по сознанию и медитации право сделать наиболее точную оценку. Если икона или медитативный посредник - это объект, дарующий спокойную радость или заземляющее чувство покоя, тогда да: мне часто говорят, что мои произведения производят именно такой эффект.
Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Монотипия на бумаге. 38.1 x 40.6 см.
О процессе
IA: Wassily Kandinsky писал о музыке и ее способности передавать эмоции на абстрактном уровне. Вы также проводите связь между музыкой и своей работой. Одна из таких связей заключается в том, что ваш визуальный словарь линий и цветов может восприниматься как отсылка к музыкальным гаммам. В чем еще ваш процесс или ваши произведения схожи с музыкальной композицией?
EG: Я не думаю сознательно о музыке или музыкальной композиции. И все же людей, проводящих связь с музыкой, так много, что в этой аналогии должно быть что-то существенное. Я часто слушаю музыку во время работы, а в детстве училась играть на пианино, так что это может влиять на мои произведения. В некотором смысле я «сочиняю», и этот процесс может напоминать музыкальную композицию, особенно когда я играю с полосами, линиями и цветовыми блоками. Перемещать их по плоскости картины очень похоже на то, как ноты и аккорды располагаются в разных местах партитуры.
IA: Расскажите немного о своем процессе, особенно о ваших отношениях с коллажем. Например, как процесс наслаивания бумаги в ваших работах влияет на вас иначе, чем процесс живописи?
EG: Чаще всего мой живописный процесс - независимо от того, работаю ли я на бумаге или льне - очень непосредственный. Обычно я начинаю с рисования линий, затем наношу цветовые размывки, а после добавляю элементы формы. Я стараюсь удивить себя сильной неожиданной формой или цветом, выходящим за пределы моей привычной палитры. Я перемещаю их, пытаясь добиться равновесия между цветом и формой. Этот этап напоминает продолжающийся танец: формализм на какое-то время проникает в работу, а я сопротивляюсь ему. Решение о том, включать ли получившиеся смелые вторжения, создает своего рода динамику, которая может удерживать мое внимание на произведении неделями. Работа над коллажами начинается с игры с цветом: я окрашиваю края чернилами, рисую линии на японской бумаге, а затем разрезаю ее на полосы. Я аккуратно наклеиваю их на холст или лен, но не имею заранее заданной композиции или структуры. По мере развития произведения я начинаю анализировать его, позволяя редактору вернуться в комнату, чтобы скорректировать цвет или форму, пока произведение не начинает казаться правильным.
Избранное изображение: Elizabeth Gourlay в студии
Автор: редакция IdeelArt
Источники
- Elizabeth Gourlay: колорист из Коннектикута, Two Coats of Paint: Независимый профиль, подтверждающий ее связь с Коннектикутом, ориентированную на цвет практику и использование коллажа, гуаши и монотипии.
- Музыкальный художник: Paul Klee, The Sublime Blog: Сведения о музыкальном воспитании Klee и его цитате о том, что его рука является инструментом далекой сферы.
- Kandinsky, «О духовном в искусстве» (текст Wabash College): Текст книги Kandinsky, где цвет сравнивается с клавиатурой, а душа - с инструментом, на котором играет художник.
