Элементы абстракции - Elizabeth Gourlay в интервью
Elizabeth Gourlay считает свою работу медитацией над формами и цветами, иногда сравнивая свою студийную практику с процессом сочинения музыки. Используя смесь материалов — от масел до графита и коллажа, Gourlay создаёт абстрактные композиции, которые отсылают к эстетическому языку, тонко сбалансированному между природой и геометрией. Жительница Честера, Коннектикут, Gourlay участвует в четырёх групповых выставках в этом месяце, проходящих в Нью-Йорке, Коннектикуте и Массачусетсе. IdeelArt удалось побеседовать с ней о её творчестве, выставочном графике и новой серии работ.
Интервью с Elizabeth Gourlay — последние выставки и события
IdeelArt: У вас насыщенный месяц! В этом месяце вы участвуете в четырёх групповых выставках в четырёх разных городах. Когда вы оказываетесь в такой ситуации, когда множество разных зрителей имеют возможность познакомиться с вашими работами, находите ли вы время, чтобы оставаться активной в студии, или предпочитаете находиться в галереях, общаясь с посетителями и впитывая их реакцию на ваши работы?
Elizabeth Gourlay: Это первый раз, когда у меня столько активности одновременно. Это волнительно, но я привыкла уделять индивидуальным выставкам всё своё внимание, теперь же мне пришлось пропустить одно открытие, чтобы побывать на другом. Но как только работы доставлены, время становится моим собственным. Хотя я очень стремлюсь вернуться в студию даже после короткого перерыва, я также наслаждаюсь общением в галерее, разговорами с коллегами и друзьями во время открытий и других мероприятий. Абстрактное искусство — это язык, и общение с зрителями, особенно с художниками и друзьями на мероприятиях, укрепляет чувство стойкости в новых выражениях, которые мы находим.
IA: В этом месяце у вас выставки в идиллических сельских местах, таких как галерея Tremaine в Лейквилле, Коннектикут, а также в густонаселённых городских центрах, например, в галерее 1285 Avenue of the Americas в Мидтауне Манхэттена. Как по-разному зрители в таких резко отличающихся условиях реагируют на ваши работы?
E.G. В обоих случаях аудитория была визуально искушённой и казалась вовлечённой и позитивной. В Нью-Йорке зрители обычно были более разговорчивыми, задавали вопросы и охотнее высказывали мнения. Мне кажется, что нью-йоркские зрители склонны подходить к работам ближе!
IA: Каким образом беседы или другие виды взаимодействия со зрителями влияли на направление вашей творческой практики?
E.G. Я стараюсь не поддаваться влиянию реакций зрителей, хотя неизбежно, если отклик положительный в отношении нового направления, которое меня вдохновляет, это склоняет меня продолжать исследовать этот путь. Всегда интересно наблюдать разницу во мнениях и понимать, почему люди тянутся к разным работам.
Elizabeth Gourlay — Tantara 1, 2013. Монотипия на бумаге. 40,6 x 38,1 см.
Прошлое и настоящее
IA: Чем сегодняшние работы отличаются от тех, что вы создавали раньше?
E.G. Мои работы примерно с 1994 года часто строились на сетке и имели квадратный формат. Они создавались слоями промывок и нарисованных линий. Около 2005 года я начала экспериментировать с более смелыми геометрическими формами и насыщенными цветами. С тех пор я колеблюсь между яркими, сильными формами и цветами и более нежными, приглушёнными работами, иногда сочетая оба подхода. Часто работы начинаются похоже, но заканчиваются очень по-разному. Наверное, самое большое изменение — это свобода, которую я позволяю себе в процессе создания.
IA: Вы иногда упоминаете медитацию, говоря о своих работах. Могли бы вы подробнее рассказать, что это слово значит в отношении вашего искусства? Например, считаете ли вы процесс создания работы медитативным? Считаете ли вы готовое произведение потенциальным медитативным посредником для зрителей?
E.G. Я действительно считаю процесс медитативным. Я стараюсь не приносить в студию слишком много идей, может быть, только идею цвета или формы. Начинаю работать и позволяю внутреннему взгляду, подсознанию, откликаться на работу и вести меня к захвату неуловимого ментального элемента, который может быть далёким и в то же время очень близким. Обычно мои лучшие работы рождаются, когда мысли не загромождены, когда я в гармонии с работой. Будь то прямой рисунок или наложение промывок, мне нравится процесс, когда работа постепенно проявляется. Я не могу выразить это лучше, чем Пауль Клее, который сказал: «моя рука — это полностью инструмент более далёкой сферы». Я не работаю с намерением создать что-то для опыта другого, но открыта к их реакции и толкованию. Люди, живущие с моими работами, часто говорят, что просмотр этих работ приносит им покой, тихую радость или что работа даёт ощущение устойчивости. Поэтому я уверена, что рассматривать готовые работы как медитативных посредников вполне уместно, но я оставлю это на усмотрение тех, кто живёт с этими работами и тех, кто является специалистами в области ума и медитации. Если икона или медитативный посредник — это объект, который приносит спокойную радость или устойчивый покой, то да, мне часто говорят, что мои работы обладают такими свойствами.
Elizabeth Gourlay — Kitha 4, 2014. Монотипия на бумаге. 38,1 x 40,6 см.
О процессе
IA: Василий Кандинский писал о музыке и её способности передавать эмоции на абстрактном уровне. Вы также проводите параллели между музыкой и своим творчеством. Одно из таких сопоставлений — ваш визуальный язык линий и цветов может восприниматься как отсылка к музыкальным гаммам. Какие ещё способы вы видите, в которых ваш процесс или ваши работы имеют сходство с музыкальным сочинением?
EG: Я не задумываюсь сознательно о музыке или музыкальном сочинении. Но поскольку так много людей проводят такую параллель, в этом, должно быть, есть что-то. Я часто слушаю музыку во время работы и в детстве училась играть на пианино, так что это может влиять на мои работы. Я «композирую» в некотором роде, который может показаться похожим на музыкальное сочинение, особенно в процессе игры с полосами, линиями и цветными пятнами. Перемещать их по плоскости картины очень похоже на расстановку нот и аккордов на нотном стане.
IA: Расскажите немного о вашем процессе, особенно о том, как вы работаете с коллажем. Например, чем процесс накладывания слоёв бумаги в ваших работах отличается для вас от процесса живописи?
EG: Чаще всего мой процесс живописи, будь то на бумаге или льняном холсте, очень прямой. Обычно я начинаю с рисования линий, затем накладываю цветовые промывки, потом добавляю элементы формы. Я стараюсь удивить себя сильной неожиданной формой или цветом, отличным от моей обычной палитры. Я перемещаю эти элементы, пытаясь найти баланс между цветом и формой. Этот этап похож на непрерывный танец, когда формализм ненадолго проникает, а я сопротивляюсь ему. Решения о том, включать ли в работу эти смелые вторжения, создают динамику, которая может удерживать меня у работы неделями. Коллажи начинаются с игры с цветом, окрашивания краёв чернилами и рисования линий на японской бумаге, которую затем режут на полоски. Я аккуратно, но без заранее продуманной композиции или структуры наклеиваю их на холст или лен. По мере развития работы я начинаю анализировать, позволяя «редактору» вернуться в комнату, корректируя цвет или форму, пока работа не станет правильной.
Изображение в заголовке: Elizabeth Gourlay в студии
