Joanne Freeman Интервью

Изысканные белые полотна, украшенные всего несколькими тщательно продуманными петлями разных цветов, излучающие определённый ритм спокойствия и гармонии. Принцип меньше — значит больше очевиден в работах Joanne Freeman. Всего несколькими выразительными линиями она создаёт сильное впечатление и захватывает внимание зрителя. У IdeelArt была уникальная возможность задать Joanne Freeman несколько вопросов о её творчестве, процессе работы и жизни художника. Мы обсудили её взгляды на собственные работы, как она воспринимает связь между творцом и искусством, а также между искусством и зрителем. Наслаждайтесь нашим коротким, но содержательным интервью с самой очаровательной Joanne Freeman.

Вы учились в колледже в Мэдисоне, штат Висконсин, читали лекции в Массачусетсе, широко выставлялись по всей Америке и за рубежом, а сейчас живёте и работаете в Нью-Йорке. Можете ли вы рассказать, как ваше творчество связано с ощущением места?

Моё творчество сильно зависит от места. Как уже упоминалось, я живу и работаю в Нью-Йорке, и этот визуальный и культурный климат оказывает большое влияние на мои работы. Меня всегда удивляет то, что я замечаю, когда уезжаю и возвращаюсь. Время вдали даёт мне обновлённый взгляд и свежесть восприятия. Путешествия действуют так же: находясь в другой обстановке, я открыта для того, что другим может казаться обыденным из-за привычки. Я могу вспомнить множество влияний на мои работы — иногда прямо во время создания, а иногда спустя долгое время, когда смотрю на них.

Как ваше творчество связано с вашим телесным восприятием?

Мой процесс в мастерской физически напряжённый, особенно когда увеличивается масштаб картин. Чёткие линии на полотнах создаются взмахом моей руки от одного края холста до другого. Размер как внешних опор, так и внутренних линий зависит от процесса и пропорций моего тела.

Вы иногда работаете на круглых поверхностях. Учитывая физическую природу ваших движений, как меняется ваша связь с поверхностью при работе с круглыми формами?

Жесты становятся более сдержанными и контролируемыми при работе с круглыми поверхностями. Они более осознанно вращаются и повторяют круглый контур холста. Если в больших прямоугольных картинах я делаю широкие взмахи, выходящие за края и создающие ощущение бесконечности, то круглые работы сосредоточены на себе, подчёркивая форму и край поверхности, что способствует овеществлению картины.

Некоторые ваши работы создаются с ограничением доступа к поверхности с помощью заклеивания участков. Как меняется ваше эмоциональное и интеллектуальное состояние при работе с такими произведениями по сравнению с полной свободой доступа ко всей поверхности?

Полагаю, вы имеете в виду мои работы на бумаге, где я заклеиваю участки и создаю цветовые формы, в отличие от картин, которые кажутся более открытыми. Процесс на самом деле довольно похож в обоих случаях и достаточно интуитивен. Я ставлю линию или форму на поверхность и развиваю её. В картинах композиция более фиксирована, и мои возможности связаны больше с выбором цвета. Монохромная палитра в рисунках позволяет мне больше играть с композицией. В любом случае я упрощаю язык, устанавливаю границы и ограничиваю выбор, что парадоксально даёт больше свободы.

Вы упоминали, что на вас повлияли работы редуктивных художников. Можете назвать нескольких из них, чьё творчество вы цените, и рассказать, какие вопросы они помогли вам найти или решить?

Я много смотрю работы разных художников, на ум приходят: Пол Фили, Моррис Луис, Кеннет Ноланд, Мэри Хейлман, Карла Аккарди и Эллсворт Келли. Мне нравятся работы художников, чьи произведения кажутся минималистичными и монументальными, но при этом отмечают ручную работу и игривость. Это своего рода парадокс редуктивной живописи: чтобы прийти к простому и честному высказыванию, нужно пройти через множество работы и излишеств. Я ставлю под вопрос свои реакции на работы предшественников и стараюсь найти уверенность, чтобы сказать больше, используя меньше.

Что вы испытываете умственно во время физического акта создания редуктивного образа?

Я стараюсь действовать рефлексивно в мастерской, контролируя критические оценки и пытаясь принимать решения интуитивно, основываясь на информации перед собой. Канонизация художников и мощное влияние истории искусства могут привести к тому, что, как мне описали, возникает синдром Моны Лизы, когда мифология произведения затмевает честную реакцию на него. Я усвоила редуктивный визуальный язык, который работает для меня, опираясь на исторические художественные традиции: русский конструктивизм, Баухаус, неопластицизм, а также менее очевидные — раннее христианское искусство Джотто и Фра Анджелико в монастыре Сан-Марко. Эти учения вместе с влиянием более современных художников всегда со мной в мастерской. Надеюсь, этот усвоенный общий язык ведёт к уникальному прочтению.

Что вы надеетесь, что зритель почувствует, сталкиваясь с вашими работами?

Странно, но поскольку я так погружена в процесс создания, мне бывает трудно увидеть работу в момент её создания. У меня был опыт видеть свои работы спустя несколько лет в доме другого человека или в другом учреждении. В такие моменты всегда приятно подумать: «О, да, это работает». Я бы хотела, чтобы и зритель испытывал то же самое.

Joanne Freeman

Изображение: фотография серии «Covers» Joanne Freeman на выставке Art on Paper, стенд Kathryn Markel, пирс 36, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. 4-6 марта — любезно предоставлено художницей