Давайте поговорим больше об искусстве Ларри Пунса

После своего первого шоу в начале 1960-х годов в Green Gallery в Нью-Йорке Ларри Пунс стал мгновенно любимцем критиков. На выставке были представлены его ныне печально известные точечные картины — математические композиции точек на монохромных фонах. Картины хорошо продавались и были любимы другими художниками. Плоскость картин также хорошо вписывалась в художественный миф, который в то время продвигал арт-критик Клемент Гринберг о развитии абстрактной живописи к плоским поверхностям, тренду, который он назвал "Постхудожественной абстракцией". Однако Пунс не создавал эти картины, потому что хотел разбогатеть или войти в историю искусства. Он делал их, потому что плохо рисовал. Позже в жизни Пунс вспоминал о муках, связанных с попытками создать формы на линованной графической бумаге, а затем закрашивать эти формы. "Мне это не нравилось," — объяснял он. После того как друг сказал ему упростить, он подумал: "Ну, если я сделаю это проще, я просто буду рисовать точки." Так родились точечные картины. Однако Пунс не был в восторге от точек. Как только его уверенность возросла, он стал более экспериментальным и радикально изменил свой подход. Его смена стиля оскорбила Гринберга, оттолкнула покупателей и испугала дилеров. С тех пор Пунс был то в фаворе, то вне его, но он никогда не прекращал экспериментировать как художник. Тем временем разные критики пытались придумать объединяющие теории, чтобы объяснить его эволюцию, возможно, чтобы предоставить какую-то связующую нить, которая помогла бы объяснить его работу для потомков или для рынка. В основном они сосредоточены на цвете. Пишущая для The New York Times Роберта Смит сказала: "Г-н Пунс проявил сильное предпочтение к полям пульсирующего цвета, даже если его способы достижения этого сильно варьировались." Пишущий для Hyperallergic Джейсон Эндрю написал, что Пунс "всегда был о цвете с его историческими точечными картинами 60-х годов." Однако эти критики могут искать определенности там, где ее нет. Для Пунса нет связующей нити. Каждая картина — это отдельная картина. Суть в том, чтобы смотреть и помнить, как сказал Пунс, что "в конце концов, это просто краска."

Просто рисуй

Точки, которые Пунс рисовал в начале 1960-х годов, могли возникнуть из желания рисовать проще, но то, что освободило Пунса для дальнейшего движения как художника, заключалось в том, что он нашел смелость просто рисовать. Как только он отказался от сетки, он открыл для себя множество интересных техник. Он создал серию картин, на которых линии краски капали вниз по холсту, создавая поля живописных полос. Он создавал жестовые композиции, в которых создание знаков было поставлено на первое место. В течение многих лет он экспериментировал с прикреплением материалов к поверхностям своих картин, таких как листы бумаги и куски веревки, создавая толстые, тяжелые, текстурированные работы, которые выступают из стены. Его недавние работы, тем временем, возвращают рисование на передний план, так как Пунс заранее набрасывает формы и фигуры в своей композиции, а затем закрашивает их и импровизирует вокруг них.

Ларри Пунс - Без названия (из Конспирации: Художник как свидетель), 1971. Шелкография. 19 3/4 × 27 дюймов (50.2 × 68.6 см). Тираж 150. Галерея Альфа 137. © Ларри Пунс

Особенно примечательно в его методе то, что Поунс получает удовольствие от редактирования. Он склонен рисовать большие листы нерастянутого холста, не зная, какая часть холста в конечном итоге станет завершенной картиной. Некоторое время он работал, укладывая большой холст на пол, а затем свободно его рисуя. В последнее время он начал вешать круглый лист холста по стенам своей студии и рисовать его целиком. Однако, работая на полу или на стене, идея остается той же — он получает удовольствие, рисует и ждет, когда картина сама себя проявит. Когда картина наконец вырывается из более крупной композиции, Поунс просто вырезает ее. Этот способ работы открывает новые возможности. Он позволяет Поунсу избежать ловушек плана и приоритизировать удовольствие и свободу.

Ларри Пунс - Без названия, 1975. Цветной шелкография. 35 x 25 дюймов (88.9 x 63.5 см). Тираж 100. Галерея Роберта Фонтейна. © Ларри Пунс

Успешный художник

Когда документальный фильм «Цена всего» (режиссер Натанил Кахн) дебютировал в 2018 году на кинофестивале Сандэнс, он снова представил публике Ларри Пунса. Фильм исследует современный рынок искусства с точки зрения аукционных домов и их бесконечного стремления повышать цены. Явная мысль, которую высказывают аукционисты в фильме, заключается в том, что качество произведения искусства напрямую связано с его рыночной стоимостью. «Очень важно, чтобы хорошее искусство было дорогим», — говорит швейцарский аукционист и коллекционер искусства Симон де Пюри. В фильме Пунс выступает в роли контраста — ветерана арт-мира, который давно перестал заботиться о том, продаются ли его картины. В интервью Габриэлле Анджелети в The Art Newspaper после выхода фильма Пунс заявил: «Если вы определяете успех как возможность продать что-то, чтобы заплатить за аренду, то это означает, что вы успешны в оплате своей аренды. Это не означает, что ваше искусство хорошее или плохое."

Ларри Пунс - Роберт Киндер Шпиле, 1975. Акрил на холсте. 254 x 191.8 см (100 x 75.5 дюймов). Knoedler Contemporary Art, Нью-Йорк. Приобретено у вышеуказанного текущим владельцем, 1975. © Ларри Пунс

Вместо этого Поунс описывает успех художника более приземленными терминами, такими как «встать с постели утром, почувствовать желание рисовать и пойти рисовать». Тем не менее, ирония не ускользает от него: картины Поунса, которые арт-рынок ценит больше всего, — это картины Поунса, написанные наименее компетентной версией Поунса-художника. Для него эти любимые точечные картины были ничем иным, как упрощенным решением кризиса уверенности. Это красивые картины, но если бы Поунс получил что-то личное или интеллектуальное от их создания, он бы продолжал это делать. Ему они показались скучными, и он пошел дальше. Рынок не нашел их скучными, поэтому он зацепился за них. Поунс — живое доказательство того, что художник не обязан чувствовать себя связанным с чем-то, что ему не нравится делать, только потому, что людям это нравится и они готовы за это платить. Он показывает нам, что успешный художник — это художник, который успешно находит личные причины продолжать рисовать, независимо от того, платит ли кто-то ему за это или нет.

Изображение: Ларри Пунс - Тристан да Кунга, 1964. Ликвитекс на холсте. 183,1 x 366,2 см (72 1/16 x 144 3/16 дюйма). Подарок мистера и миссис Бёртон Треймейн. Коллекция Национальной галереи искусства. © Ларри Пунс
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio