Давайте поговорим больше об искусстве Ларри Пунса

После своей первой выставки в начале 1960-х в нью-йоркской Green Gallery Larry Poons мгновенно завоевал признание критиков. На ней были представлены его ныне знаменитые точечные картины - математические композиции из точек на монохромных фонах. Картины хорошо продавались и пользовались любовью других художников. Плоскость этих работ также удачно вписывалась в искусствоведческий миф, который в то время продвигал арт-критик Клемент Гринберг: об эволюции абстрактной живописи в сторону плоских поверхностей - тенденции, которую он назвал «постживописной абстракцией». Однако Пунс создавал эти картины не потому, что хотел разбогатеть или войти в историю искусства. Он делал их потому, что плохо рисовал. Позже он вспоминал о мучениях, связанных с попытками создавать формы на разлинованной миллиметровой бумаге, а затем закрашивать их. «Я не был этим доволен», - объяснял он. После того как друг посоветовал ему упростить композицию, он решил: «Что ж, если я упрощу это, то просто буду рисовать точки». Так появились точечные картины. Однако точки не особенно вдохновляли Пунса. Как только его уверенность возросла, он стал экспериментировать смелее и радикально изменил свой подход. Перемена в его стиле оскорбила Гринберга, отпугнула покупателей и заставила дилеров от него отвернуться. С тех пор Пунс то пользовался общественным признанием, то выпадал из него, но никогда не прекращал экспериментировать как художник. Тем временем разные критики пытались найти объединяющие теории, объясняющие его эволюцию, возможно, чтобы предложить своего рода связующую нить, которая помогла бы объяснить его творчество будущим поколениям или рынку. В основном они сосредотачивались на цвете. Пишущая для The New York Times Роберта Смит сказала: «Пунс всегда явно предпочитал сплошные поля пульсирующего цвета, хотя способы их создания у него чрезвычайно различались». Пишущий для Hyperallergic Джейсон Эндрю отметил, что Пунс «занимался цветом ещё со своих ставших исторически значимыми точечных картин 60-х». Однако эти критики могут искать определённость там, где её нет. Для Пунса не существует связующей нити. Каждая картина - самостоятельная картина. Важно лишь смотреть и помнить, как сказал Пунс, что «в конечном счёте это всего лишь краска».

Просто краска

Точечные картины, которые Пунс создавал в начале 1960-х, возможно, возникли из желания писать проще, но двигаться вперёд как художнику ему позволила смелость просто писать. Отказавшись от сетки, он обнаружил множество интересных техник. Он создал серию картин, где линии краски стекали по холсту, образуя поля живописных полос. Он создавал жестовые композиции, в которых нанесение мазков выходило на первый план. В течение многих лет он экспериментировал с прикреплением к поверхности картин различных материалов, например листов бумаги и кусочков верёвки, создавая толстые, тяжёлые, фактурные работы, выступающие из стены. Между тем в его недавних работах рисунок вновь выходит на первый план: Пунс заранее набрасывает в композиции формы и очертания, затем закрашивает их и импровизирует вокруг них.

Larry Poons - Без названия (из серии «Заговор: художник как свидетель»), 1971. Шелкография. 19 3/4 × 27 дюйма (50,2 × 68,6 см). Тираж 150 экземпляров. Alpha 137 Gallery. © Larry Poons

Особенно примечательно в его методе то, какое удовольствие Пунс получает от редактирования. Обычно он пишет на больших листах не натянутого на подрамник холста, не зная, какая именно его часть в итоге станет законченной картиной. Некоторое время он раскладывал большой холст на полу и свободно писал на нём. В последнее время он начал развешивать по стенам своей студии круглый лист холста и писать на нём целиком. Однако работал ли он на полу или на стене, идея оставалась той же - он развлекается, пишет и ждёт, пока картина сама себя не проявит. Когда из большой композиции наконец вырисовывается отдельная картина, Пунс просто вырезает её. Такой способ работы открывает новые возможности. Он позволяет Пунсу избегать ограничений заранее составленного плана и отдавать приоритет удовольствию и свободе.

Larry Poons - Без названия, 1975. Цветная шелкография. 35 x 25 дюймов (88,9 x 63,5 см). Тираж 100 экземпляров. Robert Fontaine Gallery. © Larry Poons

Успешный художник

Когда документальный фильм «Цена всего» (режиссёр Натаниэль Кан) дебютировал в 2018 году на кинофестивале «Сандэнс», он вновь познакомил публику с Ларри Пунсом. Фильм исследует современный арт-рынок с точки зрения аукционных домов и их бесконечных попыток повышать цены. Явная мысль, которую аукционисты высказывают в фильме, заключается в том, что качество произведения искусства напрямую связано с его рыночной стоимостью. «Очень важно, чтобы хорошее искусство было дорогим», - говорит швейцарский аукционист и коллекционер произведений искусства Симон де Пюри. В фильме Пунс выступает как антипод - ветеран мира искусства, который уже давно перестал заботиться о том, продаются ли его картины. В интервью Габриэлле Анджелети для The Art Newspaper после выхода фильма Пунс заявил: «Если вы определяете успех как способность продать что-то, чтобы заплатить за жильё, значит, вы преуспели в оплате жилья. Это не означает, что ваше искусство хорошо или плохо».

Larry Poons - Robert Kinder Spiele, 1975. Акрил на холсте. 254 x 191,8 см (100 x 75,5 дюйма). Knoedler Contemporary Art, Нью-Йорк. Приобретено у вышеупомянутой галереи нынешним владельцем в 1975 году. © Larry Poons

Вместо этого Пунс описывает успех художника более простыми и приземлёнными словами: «вставать утром с желанием писать и идти писать». И всё же он не упускает из виду иронию: картины Пунса, которые больше всего ценит арт-рынок, были написаны наименее компетентной версией Пунса как художника. Для него эти любимые точечные картины были не более чем примитивным решением кризиса уверенности в себе. Это красивые картины, но если бы Пунс получал от их создания что-то личное или интеллектуальное, он продолжал бы их писать. Они ему наскучили, и он пошёл дальше. Рынку они не наскучили, и он за них ухватился. Пунс доказывает, что художник не обязан продолжать заниматься тем, что ему не нравится, лишь потому, что это нравится другим и за это готовы платить. Он показывает: успешный художник - это тот, кто находит личные причины продолжать писать, независимо от того, платят ему за это или нет.

Изображение на обложке: Larry Poons - Tristan da Cunga, 1964. Liquitex на холсте. 183,1 x 366,2 см (72 1/16 x 144 3/16 дюйма). Дар мистера и миссис Бертона Тремейна. Коллекция Национальной галереи искусства. © Larry Poons
Все изображения использованы исключительно в иллюстративных целях
Автор: Phillip Barcio, 2019
Отредактировано IdeelArt (2026)