Abstraktion och Arte Povera Genom Anden av Giuseppe Penones Lymfmatris

Besökare på Palais d’Iéna i Paris under Foire Internationale d'Art Contemporain (FIAC) 2019 fick en sällsynt upplevelse: installationen av Matrice di Linfa (Lymfmatris), en 40 meter lång bisekterad furu-skulptur som Giuseppe Penone först presenterade 2008. När man först lade märke till Matrice di Linfa i palatsets stora hall, kanske besökarna inte kände igen den som ett verk av samtidskonst. De kanske trodde att en vikingakanot var utställd. Avskuren längs med, urholkad i mitten, och med sina grenar avskurna vid 80-centimetersmärket, liknar den fällda trädet verkligen ett gammalt transportmedel, med sina stympade åror som driver den genom mystiska floder. Men vid en närmare titt blir ytterligare ingrepp uppenbara. En vegetabilisk harts som simulerar sav rinner genom håligheten som en bäck, och täcker kroppsliga avtryck som Penone gjort med sina händer och fötter. På golvet ligger läderark. I en medföljande essä skriver Penone: "Stammen av en omkullvält furu förlorar en del av sin vegetala natur och föreslår en annan, djurisk typ av natur; Grenarna som, rörande sig i vinden, har tryckt trädet mot ljuset, omger nu det som ett offeraltare." Verket är idiosynkratiskt och svårt att tyda - ett perfekt uttalande om den konstnärliga filosofi som Penone hjälpte till att bana väg för: Arte Povera, eller Fattig Konst. Ett revolutionärt estetiskt perspektiv som först sammanfattades av Germano Celant 1967 i hans manifest "Anteckningar för en Guerilla", Arte Povera omfamnar humanisering och natur. I sitt manifest kritiserade Celant den systematiska avhumaniseringen av konsten som han såg bli utförd i USA, där självutnämnda auktoriteter som kritiker, kuratorer, professorer och gallerister konspirerade med historien för att fabricera så kallade konstnärliga rörelser. "Där borta en komplex konst," skrev han, "här en fattig konst, engagerad i nuet. Målet är befrielse... en avskaffande av alla positioner formulerade i termer av kategorier (antingen "pop" eller "op" eller "primära strukturer") till förmån för en fokalisering av gester som inte tillför något till våra förfiningar av perception, som inte ställer sig i motsats till livet som konst, som inte leder till klyvning och skapande av två olika plan av jaget och världen."

Individualitet nu

En av de bestående missuppfattningarna om Arte Povera är att ordet Povera har något att göra med billighet eller bräcklighet när det gäller de material som används i verken. I själva verket nämner Celant ingenstans i "Notes for a Guerilla" att Poor Art måste göras med material som inte kommer att hålla. Snarare tvärtom. Han föreslår att Poor Art kan göras med vilka medel eller material som helst som konstnären väljer. "Konstnären blir en gerillakämpe," säger han, "kapabel att välja sina stridsplatser." Denna felslut kan vara en generalisering som uppstår ur en felaktig tolkning av verken av första generationens Arte Povera-konstnärer som Pino Pascali, som använde enkla ingredienser som jord och vatten i sitt arbete; Piero Gilardi, som approprierade vardagliga, vanliga föremål som verktyg från en järnaffär; Piero Manzoni, som gjorde konst av sin egen avföring; eller Alberto Sacchi, som sa: "Jag valde att använda fattiga material för att bevisa att de fortfarande kunde vara användbara."

Giuseppe Penone, Matrice di Linfa, Palais d’Iéna, oktober 2019, utställningsvy. Giuseppe Penone, Matrice di linfa, 2008. Furuträ, harts, terrakotta, läder, metall, 131 x 4500 x 212 cm. Foto: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, arkitekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Med vänlig hälsning från Archivio Penone och Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London

Det operativa ordet som Sacchi använde var dock "välja." Att agera som om alla Arte Povera-konstnärer gjorde samma val ignorerar arbetet av Gianni Piacentino, som använde material som Plexiglas, gummi, polyester, järn och koppar; eller Alighiero Boetti, som idag är mest känd för sina kartor. Boetti använde allt från frimärken till plastpennor i sitt arbete, men materialitet var inte hans huvudfokus. Det som betydde mest var att göra personliga uttalanden, eller självklara, empiriska uttalanden, som att notera den uppenbara kulturella mångfalden i världen. Faktum är att det enda som Celant sa är väsentligt för Arte Povera är att konstnärer prioriterar individualitet. Könet språk till trots, hans manifest hyllar jaget och säger "Mannen är budskapet. Frihet, inom de visuella konsterna, är ett allkontaminerande virus. Konstnären vägrar alla etiketter och finner identifikation endast med sig själv." Celant funderar till och med på att termen Poor Art lätt skulle kunna bytas ut mot frasen Rich Art, tack vare "de enorma instrumentella och informationsmöjligheterna" som konstnärlig befrielse erbjuder.

Giuseppe Penone, Matrice di linfa, 2008 (detalj). Furuträ, harts, terrakotta, läder, metall, 131 x 4500 x 212 cm. Fotokredit: Rebecca Fanuele. Med vänlig hälsning från Archivio Penone och Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London.

Utrota klichén

Ett annat missförstånd om Arte Povera är att det var en rörelse som började och slutade i Italien under mitten av 1900-talet. I verkligheten har det alltid funnits och förhoppningsvis kommer det alltid att finnas. Celant satte bara ord på en verklighet som alltid har varit en del av den mänskliga tillvaron: den interna kampen mellan strukturerad styrning och ledarlös frihet. I detta avseende är Arte Povera-andan tydlig i den äldsta konst vi känner till: den paleolitiska grottkonsten i norra Spanien. Vi kan se att denna konst skapades med de material som fanns tillgängliga, och att den tycks återspegla mänsklighet och natur. Men vi vet ingenting om den sociala strukturen hos de konstnärer som skapade den. Var de fria? Var de fångar? Var de en del av ett strukturerat samhälle? Var de frivilliga medlemmar av en icke-hierarkisk klan? Deras arbete motstår för alltid att fullt ut förklaras, förutom att säga att det existerar - ett perfekt Arte Povera-uttalande.

Giuseppe Penone, Tankar av löv, 2016. Brons, flodstenar, 189 x 132 x 315 cm. Foto kredit: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, arkitekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Med vänlig hälsning från Archivio Penone och Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London.

Det kan sägas att den samma andan också är vad som drev Marcel Duchamp att ständigt ifrågasätta vad samhällets institutioner anser vara konst, och att det är vad som inspirerade Gutai-gruppen, Fluxus, de Nouveau Realists och Zero-gruppen mot deras tvetydiga upptäckter. Och den är fortfarande närvarande i praktiken hos otaliga samtida konstnärer som gör oklassificerbart arbete, eller som motstår trycket att upprepa sig själva. Som Celant skrev i sitt manifest, "Detta arbete är åtagit att registrera 'den oåterkalleliga av varje ögonblick.'" Är inte detta åtagande i hjärtat av abstraktion? Genom att göra definitiva uttalanden om vad som kategoriskt är odefinierbart, hjälper varje abstrakt konstnär till viss del oss att undkomma "dogmats konsekvens" så att vi kan frigöra oss. På sina ensamma sätt, arbetar de mot uttrycket av det okända och manifestationen av det tidigare osedda—hoppas, kanske förgäves, att inte kopiera det som redan är—dessa konstnärer är arvtagare till en av de primära strävan av Arte Povera: utrotningen av klichén.

Utvald bild: Giuseppe Penone - Pensieri di foglie, 2016, detalj. Foto: Rebecca Fanuele © Palais d’Iéna, arkitekt Auguste Perret, UFSE, SAIF. Med vänlig hälsning från Archivio Penone och Marian Goodman Gallery, New York, Paris, London.
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio