Lättheten och transparensen av Gina Werfel

I en intervju 2013 i Huffington Post blev Gina Werfel och hennes make Hearne Pardee, båda livslånga målare och långvariga lärare vid UC Davis, tillfrågade om var deras arbetssätt sammanföll och var de skilde sig åt. Svaret Werfel gav var upplysande. Det kokade ner till idén att hon är intresserad av organiska ting medan Pardee är intresserad av arkitektoniska ting. Men det som var ännu mer avslöjande än vad hon sade var hur hon sade det. Hon förklarade att både hon och Pardee ”utbildades i arvet från Hofmanns undervisning om ”push-pull”-plan i rymden,” men att Pardee också påverkades av ”Sewell Sillman, en elev till Albers.” Medan det för vissa kan låta som någon som bara nämner namn för skojs skull, gjorde Werfel där faktiskt ett ställningstagande för begreppet konstnärlig tradition. Genom att placera både sig själv och sin make i Hans Hofmanns tradition kommunicerade hon att båda är abstrakta målare som börjar med observationer av verkligheten. Men genom att placera Pardee i Josef Albers linje, en konstnär känd för geografisk, repetitiv, processbaserad, högstrukturerad, hårdkantad abstraktion, sade hon att det finns flera skilda, kompletterande vägar en konstnär kan ta inom Hofmanns universum av abstrakt måleri. Albers tradition, som hennes make tillhör, är en av konkret formalism. Samtidigt är den tradition hon tillhör lyrisk, öppen, instinktiv, kroppslig – eller som hon uttryckte det, ”gränsande till allomfattande kaos.” Genom att definiera sig själv som en konstnär som tror på tradition och härstamning tog Werfel ställning. Hon förnekade den cyniska samtida iver att bryta ner och uppfinna på nytt, och omfamnade istället att det finns något tidlöst och värdefullt i de urgamla släktskap som konstnärer tillhör. Denna syn speglas i hennes senaste verk, som införlivar nya (för henne) medier och metoder, och förlänger rötterna till hennes estetiska tradition mer än 400 år tillbaka.

Skapa rum

Nya målningar av Gina Werfel visades nyligen vid The American University i Paris i en utställning med titeln Recollections. Några ord som snabbt dyker upp för att beskriva närvaron i dessa senaste verk är enormhet, storslagenhet och rymd. Jämfört med hennes tidigare verk expanderar dessa bilder i varje möjlig riktning. Den illusoriska rymden inom bilderna tycks sträcka sig oändligt bakåt och tycks också projicera framåt. Mångfalden av lager och markeringar växlar inflytande, drar oss inåt och runt bilden, tvingar oss att titta längre och betrakta djupare, men inte på någon särskild form, färg eller område. Det bästa sättet att beskriva fenomenet är att säga att Werfel på något sätt har funnit ett sätt att skapa mer rum. Hon har gjort sina bilder mindre platta; öppnat upp dem; blåst ut dem. Det är som om en stor smäll inträffade och nu sträcker sig hennes visuella universum ut i panoramisk, mångfärgad oändlighet.

Effekten, förklarar hon, har sina rötter inte i modernismen utan i barockkonsten. Werfel hade nyligen möjlighet att vara gästkonstnär vid American Academy i Rom. Det var hennes tredje stipendium eller vistelse i Italien, men något unikt hände under detta besök. Hon lade märke till vad hon kallar ”barocktakmålningarnas rumsliga komplexitet.” En snabb Google-sökning på den frasen, barocktakmålningar, visar exakt vad hon menar. Former, färger, linjer och figurer i dessa extraordinära verk besitter all den ljusstyrka och prakt som ett Hubble-teleskops fotografi av en supernova. Werfel insåg att det som gör dessa målningar till så kraftfulla himmelska hallucinationer inte är deras motiv, utan snarare deras formella estetiska egenskaper. Sättet färger, ytstrukturer och former bebor ytan och samspelar med varandra – det är nyckeln till att skapa rum.

Gina Werfel - Galaxy, 2017 (vänster) och Dragon Dance, 2017 (höger)

Skapa ljus

Utöver den rumsliga komplexitet som Werfel har infört i sina nya målningar, besitter verken också en nyfunnen känsla av lätthet och genomskinlighet. Werfel skapade denna kvalitet genom att införa två nya medier och metoder i sin process: collage och schabloner med sprejfärg. Collage tillåter henne att täcka över element på ett sätt som tillför fysisk dimension, en handling som förändrar hur ljuset samspelar med verkets yta. De sprejmålade schablonerna skapar en kuslig eterisk känsla: de förmedlar igenkännbara mönster och former, men sprejfärgens spöklika ytegenskaper låter bakgrundsbilden tränga igenom färgpartiklarna. Dessa metoder förvirrar ögat precis tillräckligt för att eliminera känslan av att någon del av bilden dominerar. Det finns djup och perspektiv, eller ”push-pull” som Hofmann skulle säga, men det är omöjligt att veta vad som är framför och vad som är bakom.

Denna superladdade lätthet och transparens som Werfel har infört i sina nya målningar kombineras med hennes ökade rymd och ger verken en symfonisk känsla av öppenhet. Bilderna dånar och ekar. De ljuder bortom sina egna gränser. De är musikaliska verk, vilket inte bara betyder att de förmedlar en känsla av dramatik eller rörelse, utan också att de besitter en unik ton. De skapar sin egen atmosfär, en som har en viss klarhet, bortsett från att dess mening och potential förblir öppen. Detta är det mogna arbetet av någon som arbetar i en tradition som sträcker sig tillbaka till konstnärer som Helen Frankenthaler, Joan Miró och Wassily Kandinsky. Men som Werfel nu också har lärt oss, är det en tradition som sträcker sig mycket längre tillbaka, åtminstone till barockmästarna, och utan tvekan ännu längre, till de äldsta ursprungen för lyrik och konstnärlig intuition.

Gina Werfel - Island,2017 (vänster) och Orange Explosion, 2017 (höger)

Framträdande bild: Gina Werfel - Borders, 2017, akryl på duk, 40 x 34 tum.

Alla bilder © Gina Werfel

Av Phillip Barcio