Lättheten och transparensen av Gina Werfel

I en intervju från 2013 i Huffington Post, Gina Werfel och hennes man Hearne Pardee, båda livslånga målare och långvariga lärare vid UC Davis, blev tillfrågade om var deras praktiker korsades och där de skilde sig åt. Svaret som Werfel gav var upplysande. Det kokade ner till idén att hon är intresserad av saker som är organiska medan Pardee är intresserad av saker som är arkitektoniska. Men vad som var ännu mer avslöjande än vad hon sa var sättet hon sa det på. Hon förklarade att både hon och Pardee "utbildade sig i arvet av Hofmanns undervisning om "push-pull" plan i rymden", men att Pardee också påverkades av "Sewell Sillman, en student till Albers." Medan det kan låta för vissa som att någon helt enkelt droppar namn för skojs skull, så deklarerade Werfel faktiskt där att hon är en troende i konceptet konstnärlig tradition. Genom att placera både sig själv och sin man i traditionen av Hans Hofmann, kommunicerade hon att båda är abstrakta målare som börjar med observationer av verkligheten. Men genom att placera Pardee i linjen av Josef Albers, en konstnär känd för geografisk, repetitiv, processbaserad, högst strukturerad, hårdkantad abstraktion, sa hon att det finns flera avvikande, komplementära vägar en konstnär kan ta inom den Hofmannska universum av abstrakt måleri. Albers tradition, som hennes man tillhör, är en av konkret formalisering. Under tiden är traditionen som hon tillhör lyrisk, öppen, instinktiv, visceralt—eller som hon uttryckte det, "gränsande till totalt kaos." Genom att definiera sig själv som en konstnär som tror på tradition och arv, tog Werfel ställning. Hon förnekade den cyniska samtida ivern att störa och återuppfinna, och omfamnade istället att det finns något tidlöst och värdefullt med de gamla linjerna som konstnärer tillhör. Det perspektivet ekar i hennes senaste verk, som inkorporerar nya (för henne) medier och metoder, och sträcker rötterna av hennes estetiska tradition tillbaka mer än 400 år.

Skapa utrymme

Nya målningar av Gina Werfel visades nyligen på The American University i Paris i en utställning med titeln Recollections. Några av de ord som snabbt kommer att tänka på för att beskriva närvaron av dessa senaste verk är oändlighet, storslagenhet och rymlighet. Jämfört med hennes tidigare verk expanderar dessa bilder i alla möjliga riktningar. Det illusionära rummet inom bilderna verkar sprida sig oändligt bakåt, och verkar också projicera framåt. Mångfalden av lager och markeringar byter inflytande, drar oss inåt och runt bilden, vilket tvingar oss att titta längre och stirra djupare, men inte på någon enskild form, färg eller område. Det bästa sättet att beskriva fenomenet är att säga att på något sätt har Werfel funnit ett sätt att skapa mer utrymme. Hon har avplattat sina bilder; öppnat dem; blåst ut dem. Det är som om en big bang inträffade och nu sträcker sig hennes visuella universum utåt i panoramisk, mångfärgad oändlighet.

"Effekten, förklarar hon, har sina rötter inte i modernismen, utan i barockkonst. Werfel hade nyligen möjlighet att fungera som gästkonstnär vid American Academy i Rom. Det var hennes tredje stipendium eller residency i Italien, men något unikt inträffade under detta besök. Hon lade märke till vad hon kallar den "rumsliga komplexiteten i barocktakmålningar."En snabb Google-sökning av den frasen, barocktakmålningar, avslöjar exakt vad hon menar. Former, färger, linjer och former i dessa extraordinära verk besitter all den ljusstyrka och prakt som en Hubble-teleskopfotografi av en supernova. Werfel insåg att det som gör dessa målningar till så kraftfulla hallucinationer av himlen inte är deras ämnesinnehåll, utan snarare deras formella estetiska kvaliteter. Sättet som färger, texturer och former bebor ytan och interagerar med varandra - det är nyckeln till att skapa rum."

Gina Werfel - Galaxy, 2017 (Left) and Dragon Dance, 2017 (Right)

Skapar ljus

Förutom den rumsliga komplexitet som Werfel har infunderat i sina nya målningar, har verket också en ny höjd känsla av lätthet och genomskinlighet. Werfel skapade denna kvalitet genom att introducera två nya medier och metoder i sin process: collage och sprayfärgs schabloner. Collage gör att hon kan täcka över element på ett sätt som tillför fysisk dimension, en handling som förändrar hur ljuset interagerar med ytan av verket. De spraymålade schablonerna skapar en kuslig eterealitet: de förmedlar igenkännbara mönster och former, men de spöklika ytkvaliteterna av sprayfärg tillåter bakgrundsbilden att tränga igenom färgpartiklarna. Dessa metoder förvirrar ögat precis tillräckligt för att eliminera någon känsla av att en del av bilden är dominerande. Det finns djup och perspektiv, eller "push pull" som Hofmann skulle säga, men det är omöjligt att veta vad som är framför och vad som är bakom.

Denna superlätta och transparenta känsla som Werfel har introducerat i sina nya målningar kombineras med hennes ökade rymd för att ge verket en symfonisk känsla av öppenhet. Bilderna dånar och ekar. De hörs utanför sina egna gränser. De är musikaliska verk, vilket inte bara betyder att de förmedlar en känsla av drama eller rörelse, utan också att de har en unik ton. De skapar sin egen atmosfär, en som har en viss klarhet, förutom att dess betydelse och potential förblir öppna. Detta är det mogna verket av någon som arbetar i en tradition som sträcker sig tillbaka till konstnärer som Helen Frankenthaler, Joan Miró och Wassily Kandinsky. Men som Werfel nu också har lärt oss, är det en tradition som sträcker sig mycket längre tillbaka, åtminstone till barockmästarna, och utan tvekan ännu längre, till de mest uråldriga ursprungen av lyrik och konstnärlig intuition.

Gina Werfel - Island,2017 (Left) and Orange Explosion, 2017 (Right)

Utvald bild: Gina Werfel - Borders, 2017, akryl på duk, 40 x 34 tum.

Alla bilder © Gina Werfel

Av Philip Barcio