Betydelsen av textur i abstrakt konst

I stort sett finns det två kategorier av textur i konsten, precis som i livet: grov och slät. Båda kan vara hårda eller mjuka, våta eller torra, organiska eller syntetiska, osv. Och oändliga grader av grovhet och släthet är möjliga. Men en nyckelskillnad separerar den funktion som textur har i livet från den funktion som textur har i konsten. I livet kan textur vara en fråga om överlevnad. Vår uppfattning om huruvida något är halt, slemmigt, fjälligt eller fluffigt kan betyda skillnaden mellan liv och död. Textur i konsten är mindre allvarlig. De flesta konstverk är inte ens avsedda att beröras. Och även när ett konstverk kan beröras relaterar dess textur mer till vår estetiska upplevelse än till vår fortsatta existens. Ändå är textur en viktig del av vår interaktion med konsten. Det är ett av de sju formella konstnärliga elementen, tillsammans med linje, färg, form, värde och rum. Det kan påverka stämning, väcka psykologiska associationer, rikta uppmärksamhet mot ett medium, eller avleda vårt fokus mot material som används i ett verk. Används det skickligt kan textur till och med utmana vår uppfattning om vad som är verkligt.

Drama och ljus

Ett av de tidigaste sätten som abstrakta målare experimenterade med textur är genom en process som kallas impasto. När vi säger att en målning är impasto, menar vi att målaren har applicerat färgen på ytan i tjocka lager. Ett impasto-verk anses vara måleriskt, eftersom det ger framträdande åt de fysiska märken som skapats av målaren. Postimpressionistiska målare som Van Gogh använde impasto för att skapa drama och för att påverka hur ljuset interagerade med ytan av deras bilder, eftersom impasto-lager skapar skuggor och höjdpunkter. Abstrakta expressionistiska målare som Jackson Pollock använder tjockt lager av färg för att dra uppmärksamhet till måleriets handling och för att avslöja konstnärens personlighet och individuella teknik.

Motsatsen till impasto-textur är platthet. Konstnärer som Helen Frankenthaler och Kenneth Noland färgade sina dukar, hällde ut utspädd färg direkt på ogrundade dukar för att förena ytan med färgen. Deras platta texturer avledde fokus från de fysiska gesterna hos konstnären, vilket uppmuntrade till kontemplation av andra element som färg, yta och rum. Tidiga abstrakta konstnärer som Kazimir Malevich målade också platta, icke-måleriska bilder. Intressant nog har många av de ikoniska platta målningar som Malevich målade, såsom Svart kvadrat, med åren fått texturer som är mycket olika än vad konstnären avsåg. Det är fascinerande att fundera på huruvida den mening som betraktare uppfattar i sådana verk har förändrats av förändringen i textur.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915. Oil on linen. 79.5 x 79.5 cm. Tretyakov Gallery, Moscow

Fysisk vs. Visuell Textur

Textur i konsten kan uppfattas på minst två sätt: genom beröring (fysisk textur) och genom syn (visuell textur). Fysisk textur ger ett konstverk en känsla av objektivitet. Det kopplar det till den konkreta fysiska världen. Den italienska konstnären Alberto Burri använde funna material för att skapa fysiska texturer i sina verk som kunde väcka primitiva känslomässiga reaktioner hos betraktarna. Koreanska Dansaekhwa-konstnärer och konstnärer kopplade till den japanska avantgarden Gutai Group lade också vikt vid materialitet, och trodde, som det angavs i Gutai-manifestet, "att genom att sammanfoga mänskliga egenskaper och materiella egenskaper kan vi konkret förstå abstrakt rum."

Andra konstnärer är mer intresserade av potentialerna i visuell textur. Målningarna av den brittiska Op Art-konstnären Bridget Riley är helt platta, men lurar ögat att uppfatta texturerade vågor och dimensionella lager. Abstrakta fotografer leker också med visuell textur. Den kanadensiskfödda abstrakta fotografen Jessica Eaton bygger tredimensionella objekt och fotograferar dem med flera filter. Hennes platta tryck verkar vara utan textur, men vid närmare granskning framträder de fysiska texturerna av de objekt hon byggde, vilket förvirrar ögat om det uppfattar texturer som är verkliga eller imaginära.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigment print. © Jessica Eaton (Left) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion on board. © Bridget Riley (Right)

Textur i Abstrakt Skulptur

Abstrakta konstnärer som arbetar i tredimensionellt utrymme har ytterligare möjligheter att hantera elementet textur eftersom deras verk oftare är avsedda att beröras. Jesús Rafael Soto skapar storskaliga, tredimensionella skulpturer som kallas Penetrables, som åskådare går igenom, vilket gör att den släta, syntetiska texturen av tentaklerna omsluter dem som en del av deras estetiska upplevelse. Och konstnärer som Henry Moore, som gjorde många offentliga, utomhusskulpturer, har chansen att visa hur tid, mänskliga händer och elementen förändrar den grundläggande karaktären av ett konstverk över tid.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetic sculpture. © Jesús Rafael Soto

Textur är av största vikt för vår förståelse av abstrakt konst. Vad skulle de Specifika objekten skapade av Donald Judd betyda för oss om det inte vore för deras släta, högblanka, industriella textur, som var avgörande för deras status som minimal, moderna verk? Och hur skulle den beryktade Objektet, en pälsbeklädd kaffekanna av den tyskbördiga schweiziska konstnären Meret Oppenheim, ha blivit en ikon för surrealismen utan sin kusliga textur? Oavsett om de är avsedda att ses, beröras, eller båda, genom att betrakta texturen av abstrakt konst kan vi relatera till den på nya nivåer, vilket kan påverka vår förståelse, fördjupa vår uppskattning och förändra den mening vi uppfattar i verket.

Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Stainless steel and red Plexiglas, in ten parts. © Donald Judd

Utvald bild: Alberto Burri - Cretto (detalj), 1975. Acrovinyl på cellotex. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rom
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio