Betydelsen av textur i abstrakt konst

I stora drag finns det två kategorier av yta i konsten, precis som i livet: grov och slät. Båda kan vara hårda eller mjuka, våta eller torra, organiska eller syntetiska, osv. Och oändliga nyanser av grovhet och släthet är möjliga. Men en viktig skillnad skiljer den funktion ytan har i livet från den funktion ytan har i konsten. I livet kan yta vara en fråga om överlevnad. Vår uppfattning om något är halt, slemmigt, fjälligt eller ludet kan betyda skillnaden mellan liv och död. Yta i konsten är mindre allvarligt. De flesta konstverk är inte ens avsedda att beröras. Och även när ett konstverk kan beröras relaterar dess yta mer till vår estetiska upplevelse än till vår fortsatta existens. Ändå är yta en viktig del av vår interaktion med konsten. Det är ett av de sju formella konstnärliga elementen, tillsammans med linje, färg, form, gestalt, värde och rum. Det kan påverka stämning, väcka psykologiska associationer, dra uppmärksamhet till ett medium eller avleda vårt fokus mot materialen som används i ett verk. Använt skickligt kan yta till och med utmana vår uppfattning om vad som är verkligt.

Drama och ljus

Ett av de tidigaste sätten abstrakta målare experimenterade med yta är genom en process som kallas impasto. När vi säger att en målning är impasto menar vi att målaren har applicerat färgen på ytan i tjocka lager. Ett impasto-verk anses vara måleriskt, eftersom det framhäver de fysiska märken som målaren gjort. Postimpressionistiska målare som Van Gogh använde impasto för att skapa drama och påverka hur ljuset samspelade med ytan på deras bilder eftersom impasto-lager skapar skuggor och höjdpunkter. Abstrakta expressionistiska målare som Jackson Pollock använder tjocka färglager för att dra uppmärksamhet till själva måleriet och för att avslöja konstnärens personlighet och individuella teknik.

Motsatsen till impasto-yta är släthet. Konstnärer som Helen Frankenthaler och Kenneth Noland färgade sina dukar genom att hälla utspädd färg direkt på oförberedda dukar för att förena ytan med färgen. Deras släta ytor avledde fokus från konstnärens fysiska gester och uppmuntrade till eftertanke kring andra element som färg, yta och rum. Tidiga abstrakta konstnärer som Kazimir Malevich målade också släta, icke-måleriska bilder. Intressant nog har många av de ikoniska släta målningarna som Malevich målade, såsom Svarta kvadraten, med tiden fått ytor som skiljer sig mycket från vad konstnären avsåg. Det är fascinerande att fundera över om den mening betraktare uppfattar i sådana verk har förändrats av förändringen i ytan.

Kazimir Malevich - Svarta kvadraten, 1915. Olja på linne. 79,5 x 79,5 cm. Tretyakovgalleriet, Moskva

Fysisk vs. visuell yta

Yta i konsten kan uppfattas på minst två sätt: genom beröring (fysisk yta) och genom syn (visuell yta). Fysisk yta ger ett konstverk en känsla av tinglighet. Det förknippar det med den konkreta fysiska världen. Den italienske konstnären Alberto Burri använde funna material för att skapa fysiska ytor i sina verk som kunde väcka primala känslomässiga reaktioner hos betraktarna. Koreanska Dansaekhwa-konstnärer och konstnärer knutna till den japanska avantgarden Gutai-gruppen lade också vikt vid materialitet, och trodde, som det står i Gutai-manifestet, att ”genom att förena mänskliga egenskaper och materiella egenskaper kan vi konkret förstå abstrakt rum.”

Andra konstnärer är mer intresserade av möjligheterna i visuell yta. Målningarna av den brittiska Op Art-målaren Bridget Riley är helt släta, men lurar ögat att uppfatta texturerade vågor och tredimensionella lager. Abstrakta fotografer leker också med visuell yta. Den kanadensiskfödda abstrakta fotografen Jessica Eaton bygger tredimensionella objekt och fotograferar dem sedan med flera filter. Hennes släta tryck verkar vara utan yta, men vid närmare granskning framträder de fysiska ytorna på de objekt hon byggt, vilket förvirrar ögat om det uppfattar ytor som är verkliga eller inbillade.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigmenttryck. © Jessica Eaton (vänster) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion på board. © Bridget Riley (höger)

Yta i abstrakt skulptur

Abstrakta konstnärer som arbetar i tredimensionellt rum har fler möjligheter att arbeta med elementet yta eftersom deras verk oftare är avsedda att beröras. Jesús Rafael Soto skapar storskaliga, tredimensionella skulpturer kallade Penetrables, som betraktare går igenom, vilket låter den släta, syntetiska ytan på trådarna omsluta dem som en del av deras estetiska upplevelse. Och konstnärer som Henry Moore, som gjorde många offentliga, utomhusskulpturer, har möjlighet att visa hur tid, mänskliga händer och naturens krafter förändrar ett konstverks grundläggande karaktär över tid.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetisk skulptur. © Jesús Rafael Soto

Yta är av största vikt för vår förståelse av abstrakt konst. Vad skulle Specifika objekt gjorda av Donald Judd betyda för oss om det inte vore för deras släta, högblanka, industriella yta, som var en integrerad del av deras status som minimalistiska, moderna verk? Och hur skulle det ökända Objektet, en pälsbeklädd kaffekopp av den tyskfödda schweiziska konstnären Meret Oppenheim, ha blivit en ikon för surrealismen utan dess kusliga yta? Oavsett om de är avsedda att ses, beröras eller båda delar, kan vi genom att begrunda ytan i abstrakt konst relatera till den på nya sätt, vilket kan påverka vår förståelse, fördjupa vår uppskattning och förändra den mening vi uppfattar i verket.

Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Rostfritt stål och röd plexiglas, i tio delar. © Donald Judd

Omslagsbild: Alberto Burri - Cretto (detalj), 1975. Acrovinyl på cellotex. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rom
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio