Bridget Riley och filosofin om ränder

Våra sinnesintryck förbinder oss med en värld av känslor. När vi ser något är den sinnesupplevelsen i sig en slags känsla. Men sedan känner vi också saker baserat på vad vi ser. Dessa känslor är vad den brittiska konstnären Bridget Riley har ägnat de senaste sex decennierna åt att undersöka. På 1960-talet blev Riley känd för sina bidrag till en konstnärlig rörelse som kallas Op Art, så kallad för de optiska illusioner som betraktare ofta uppfattar i verken. Op Art blev världsberömd efter framgången för en utställning kallad The Responsive Eye på Museum of Modern Art i New York 1965. Flera målningar av Bridget Riley ingick i den utställningen. De hade en sparsmakad svartvit färgskala och upprepade mönster som skapade en känsla av dynamik som fick betraktarna att känna sig ostadiga eller ur balans. Mönstren i hennes målningar verkade röra sig. Men Bridget Rileys verk handlar om mycket mer än att bara lura ögat med en optisk illusion. Det handlar om uppfattning. Det handlar om hur noggrant vi ser, hur värdefull vi anser vår gåva att se vara, och hur våra känslor kan påverkas av hur vi ser vår värld.

Den unga Bridget Riley

Som ung konstnär var Bridget Riley ofta frustrerad. Hon hade älskat att fritt kunna utforska miljön runt sina olika barndomshem i London, Lincolnshire och Cornwall. Hon hade en medfödd nyfikenhet och en önskan att experimentera. Men i 20-årsåldern, medan hon studerade vid Royal Academy of Art, fann hon att hennes nyfikenhet och experimentella anda motarbetades av hennes lärare. Hon tog examen osäker på sig själv. Och hennes brist på riktning förvärrades snabbt när hennes far kort därefter blev inlagd på sjukhus efter en bilolycka, och hon blev ansvarig för hans vård. De samlade påfrestningarna ledde till att hon drabbades av ett fullständigt sammanbrott.

Vändpunkten mot tillfrisknande kom för Riley när hon besökte en utställning med abstrakta expressionister på Tate i London 1956. Deras verk bekräftade hennes önskan att experimentera och utforska sin sanna vision, och hon började snart måla igen. Hon fick arbete med att undervisa konst för unga flickor och tog ett jobb som kommersiell illustratör. Sedan anmälde hon sig till en sommarkurs med Harry Thubron, som var känd för att förespråka kraften i element som rumsliga relationer, former och mönster.

Bridget Riley - Rörelse i rutor, 1961. Tempera på hårdboard. 123,2 x 121,2 cm. Arts Council Collection, Southbank Centre, London. © 2019 Bridget Riley (vänster) / Bridget Riley - Intag, 1964. Akryl på duk. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (höger)

Optiska verkligheter

I sin studie med Harry Thubron av de formella elementen i estetik, särskilt hur ögat uppfattar former i rummet, blev Riley återigen fast besluten att finna sin äkta röst. Hon flyttade till Italien 1960 och studerade verken av futuristerna. Inspirerad av deras utforskande av rörelse fortsatte hon att studera idéerna hos divisionisterna, särskilt Georges Seurat. Summan av dessa studier ledde henne till att utveckla ett enastående sätt att måla: ett där hon undersökte sätt att omvandla en tvådimensionell yta för att påverka synintrycket.

Hon visste att för att utmana hur betraktare såg på en målning, skulle hon behöva eliminera allt föreställande innehåll. Föreställande bilder skulle bara distrahera från hennes huvudidéer. Så hon förenklade sitt visuella språk till att endast använda svart och vitt samt elementen linje, form och gestalt. I katalogen för The Responsive Eye kallade kuratorn William C. Seitz verk som det Riley gjorde för ”den nya perceptuella konsten.” Seitz höjde ribban för vad denna konst kunde åstadkomma långt bortom något rent estetiskt. Han frågade, ”Kan sådana verk, som inte hänvisar till något utanför sig själva, ersätta med psykisk verkan det innehåll som övergivits? Kan en avancerad förståelse och tillämpning av funktionella bilder öppna en ny väg från näthinneexitation till känslor och idéer?” Det var precis den typen av frågor Riley ställde sig själv.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Emulsion på duk, 70 x 68 1/4 tum. © 2019 Bridget Riley (vänster) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Akryl på linne. Oinramad: 6 fot 4 3/4 tum x 6 fot 3 tum (194,95 x 190,5 cm). Inramad: 6 fot 7 3/8 tum x 6 fot 5 3/4 tum x 2 3/4 tum (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Nelson Atkins Museum of Art Collection. Förvärvad tack vare generositeten från William T. Kemper Foundation - Commerce Bank, förvaltare. © Bridget Riley. Alla rättigheter förbehållna, med tillstånd av Karsten Schubert, London (höger)

Det mottagliga folket

Allmänhetens respons på The Responsive Eye var hänförd. De fängslande, illusoriska effekterna av bilderna i utställningen gjorde betraktarna vilda. Formgivare tog snabbt till sig de svartvita mönstren och använde dem på alla tänkbara produkter, från klänningar till glasögon, matlådor och bilar. Men den wow-effekten hade liten dragningskraft för Riley, som var mer intresserad av de djupare betydelserna i sitt verk. Ja, det såg häftigt ut. Men hon ville upptäcka de mentala processer som pågick under ytan.

1966, just när hennes svartvita stil fått internationell genomslagskraft, började Riley en strävan att fördjupa sin vision genom att lägga till färg i sina verk. Hon tillbringade två år med att studera och upprepade gånger kopiera Georges Seurats pointillistiska målning Bridge of Courbevoie. I den såg hon en mästerskap i linjära strukturer och mönster. Hon såg också en mästerskap i färgkombinationer, en demonstration av hur olika färger placerade bredvid varandra på genomtänkta sätt skapar en känsla av rörelse när de uppfattas av det mänskliga ögat.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Akryl på duk. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Randigt för evigt

Samtidigt som hon gjorde färgpaletten mer komplicerad förenklade Riley sitt formspråk. Hon tog nästan bort rutor, trianglar och cirklar och fokuserade till stor del på ränder under 1970- och 1980-talen. Ränder lämpar sig lätt för studier av upprepning, vilket Riley ansåg vara avgörande för att få människor att verkligen titta på en bild med avsikt. Formen av en rand är också grundläggande stabil. Den stabiliteten upptäckte hon är viktig för studiet av färg eftersom färg i grunden är ostabil, då uppfattningen av den beror på andra faktorer som ljus och omgivande färger.

Riley använde en kombination av raka och vågiga horisontella och vertikala ränder. Hon började varje verk på små pappersremsor, där hon testade färgkombinationer och mönster. När hon hittade en färgkombination och randmönster som verkade röra sig, överförde hon det till en stor duk som hon sedan målade för hand. Varje rand i hennes färgglada randmålningar innehåller en utveckling av olika färger som smälter samman på precisa sätt, så att ögat, när det betraktar varje rand, uppfattar en antydan om nästa färg. Den utvecklingen skapar en känsla av rörelse när ögat färdas över ytan.

Musikens syn

Medan randernas stabilitet var avgörande för hennes upptäckt av färg, var det i slutändan färgen som hjälpte henne att nå sin estetiska vision. Hon sade, ”Färgens musik, det är vad jag vill ha.” Som så många andra konstnärer, från Seurat till Giacomo Balla till Sonia Delaunay till Josef Albers, hade insett, kan varje färg framkalla en känslomässig reaktion. Och när olika färger används tillsammans verkar de vibrera och skapa oförutsägbara känslomässiga reaktioner hos betraktarna. Den oförutsägbarheten hjälpte Riley att nå sitt ideala mål för en målning, som hon sade måste ”erbjud en upplevelse; erbjuda en möjlighet.”

De estetiska upptäckter Riley gjort genom sina färgade, randiga målningar har kommit till eftersom hon är en noggrann experimenterare. Hon för noggranna anteckningar om varje färgkombination och mönster hon provar, så att de kan upprepas vid behov. Men även om hennes experiment med färger och ränder verkar vetenskapliga, är de inte det, åtminstone inte i den mening att de försöker bevisa en hypotes. Snarare är de konstnärliga, i den meningen att de söker upptäcka något okänt och ge det form.

Bridget Riley - Carnival, 2000. Färgscreentryck på vävt papper, med fulla marginaler. 28 3/5 × 35 9/10 tum. 72,7 × 91,1 cm. Upplaga 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Huvudmål

Idag, i mitten av 80-årsåldern, fortsätter Riley att måla. Hon utforskar nu en blandning av geometriska former, vågiga former och diagonaler. Mönstren i hennes nyare målningar är mycket bredare, vilket skapar ett helt annat intryck och väcker helt andra känslor. Hennes randiga målningar från tidigare decennier står som starka uttryck för hennes livslånga undersökning av uppfattning. De går långt bortom att bara lura ögat till en värld av djup, subjektiv uppfattning.

Det viktiga med dessa verk är att de utmanar inte bara vårt sätt att se dem, utan också vårt sätt att se allt. De ränder Riley använder är kanske så enkla som former kan vara. Ändå verkar de förvandlingar som blir tydliga när man studerar dem vara gränslösa. Riley sade en gång, ”Upprepning fungerar som en slags förstärkare av visuella händelser som, om de ses enskilt, knappt skulle vara synliga.” Hennes ränder visar den filosofin: att komplexitet lurar under vår synliga världens till synes enkelhet, om vi bara tar oss tid att verkligen lägga märke till. De uppmanar oss att se noga och nära, och att fullt ut uppskatta den dyrbara gåvan att se.

Utvald bild: Bridget Riley - Conversation (detalj), 1992. Olja på linne. 92 x 126 cm. Abbot Hall Art Collection. Inköpt 1996. © Bridget Riley
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio