Bridget Riley och filosofin om ränder

Våra sensoriska upplevelser kopplar oss till en värld av känslor. När vi ser något, är den sinnesupplevelsen i sig en sorts känsla. Men vi känner också saker baserat på vad vi ser. Dessa känslor är vad den brittiska konstnären Bridget Riley har ägnat de senaste sex decennierna åt att undersöka. På 1960-talet blev Riley känd för sina bidrag till en konstnärlig rörelse känd som Op Art, så namngiven för de optiska illusioner som betraktare ofta uppfattar i verken. Op Art nådde global berömmelse efter framgången med en utställning kallad The Responsive Eye på Museum of Modern Art i New York 1965. Flera målningar av Bridget Riley ingick i den utställningen. De hade en sparsam svart och vit palett och upprepande mönster som skapade en känsla av dynamik som fick betraktarna att känna sig instabila, eller ur balans. Mönstren i hennes målningar verkade röra på sig. Men arbetet av Bridget Riley handlar om mycket mer än att bara lura ögat med en optisk illusion. Det handlar om perception. Det handlar om hur noggrant vi tittar, hur värdefull vi tror att vår synförmåga är, och hur våra känslor kan påverkas av hur vi ser vår värld.

Den unga Bridget Riley

Som ung konstnär var Bridget Riley ofta frustrerad. Hon hade värderat att kunna fritt utforska miljön runt sina olika barndomshem i London, Lincolnshire och Cornwall. Hon hade en medfödd nyfikenhet och en önskan att experimentera. Men i sina 20-årsåldern, medan hon studerade vid Royal Academy of Art, fann hon att hennes nyfikenhet och experimentella anda avskräcktes av sina professorer. Hon tog examen osäker på sig själv. Och hennes brist på riktning förvärrades snabbt när hennes far snart efter blev inlagd på sjukhus efter en bilolycka, och hon blev ansvarig för hans vård. De kombinerade påfrestningarna ledde till att hon drabbades av en fullständig kollaps.

Vändpunkten mot återhämtning för Riley kom när hon besökte en utställning av Abstract Expressionists på Tate i London 1956. Deras arbete validerade hennes önskan att experimentera och utforska sin sanna vision, och hon började snart måla igen. Hon fick arbete med att undervisa konst för unga flickor och tog ett jobb som kommersiell illustratör. Sedan anmälde hon sig till en sommarkurs med Harry Thubron, som var känd för att förespråka kraften i element som rumsliga relationer, former och mönster.

Bridget Riley - Rörelse i rutor, 1961. Tempera på hårdboard. 123,2 x 121,2 cm. Arts Council Collection, Southbank Centre, London. © 2019 Bridget Riley (Vänster) / Bridget Riley - Intag, 1964. Akryl på duk. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Höger)

Optiska verkligheter

I sin studie med Harry Thubron av de formella elementen i estetik, särskilt hur ögat uppfattade former i rummet, blev Riley återigen dedikerad till att hitta sin autentiska röst. Hon flyttade till Italien 1960 och studerade verken av Futuristerna. Inspirerad av deras utforskning av rörelse fortsatte hon att studera idéerna hos Divisionisterna, särskilt Georges Seurat. Summan av dessa studier ledde henne till att utveckla en unik metod för målning: en där hon utforskade sätt att omvandla en tvådimensionell yta för att påverka visuell perception.

Hon visste att för att utmana sättet som betraktare såg på en målning, skulle hon behöva eliminera allt representativt innehåll. Representativa bilder skulle bara distrahera från hennes primära idéer. Så hon förenklade sitt visuella språk för att endast använda svart och vitt samt elementen linje, form och struktur. I katalogen för The Responsive Eye kallade kurator William C. Seitz verk som det Riley skapade för "den nya perceptuella konsten.” Seitz höjde ribban för förväntningarna på vad denna konst kunde åstadkomma långt bortom något rent estetiskt. Han frågade: "Kan sådana verk, som inte refererar till något utanför sig själva, med psykologisk effektivitet ersätta det innehåll som har övergivits? Kan en avancerad förståelse och tillämpning av funktionella bilder öppna en ny väg från retinal excitation till känslor och idéer?" Dessa var precis de typer av frågor Riley ställde sig själv.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Emulsion på duk, 70 x 68 1/4 tum. © 2019 Bridget Riley (Vänster) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Akryl på linne. Oinramad: 6 fot 4 3/4 tum x 6 fot 3 tum (194,95 x 190,5 cm). Inramad: 6 fot 7 3/8 tum x 6 fot 5 3/4 tum x 2 3/4 tum (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). The Nelson Atkins Museum of Art Collection. Förvärvad genom generositeten av William T. Kemper Foundation - Commerce Bank, förvaltare. © Bridget Riley. Alla rättigheter förbehållna, i samarbete med Karsten Schubert, London (Höger)

Den Responsiva Offentligheten

Det offentliga svaret på The Responsive Eye var euforiskt. De fängslande, illusoriska effekterna av bilderna i utställningen drev åskådarna till vansinne. Formgivare approprierade snabbt de svartvita mönstren och använde dem på alla tänkbara produkter, från klänningar till glasögon till matlådor till bilar. Men den wow-faktorn hade liten dragningskraft för Riley, som var mer intresserad av de djupare betydelserna av sitt arbete. Ja, det såg coolt ut. Men hon ville upptäcka de mentala processerna som arbetade under ytan.

År 1966, precis när hennes svartvita stil hade fått internationell dragningskraft, inledde Riley en strävan att gräva djupare i sin vision genom att lägga till färg i sitt arbete. Hon tillbringade två år med att studera och upprepade gånger kopiera Georges Seurats Pointillist målning Bridge of Courbevoie. I den såg hon en mästerlighet i linjära strukturer och mönster. Hon såg också en mästerlighet i färgkombinationer, en demonstration av hur olika färger som placeras bredvid varandra på genomtänkta sätt skapar en känsla av rörelse när de uppfattas av det mänskliga ögat.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Akryl på duk. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Stripes Forever

Samtidigt som hon komplicerade färgpaletten hon använde, förenklade Riley samtidigt sitt språk av former. Hon eliminerade i stort sett kvadrater, trianglar och cirklar, och fokuserade i stor utsträckning på ränder under 1970- och 1980-talen. Ränder låter sig lätt studeras i repetition, vilket Riley uppfattade som avgörande för att få människor att verkligen titta på en bild med avsikt. Formen av en rand är också grundläggande stabil. Den stabiliteten, upptäckte hon, är avgörande för studiet av färg eftersom färg är grundläggande instabil, eftersom uppfattningen av den beror på andra faktorer som ljus och omgivande färger.

Riley använde en kombination av raka och vågiga horisontella och vertikala ränder. Hon började varje verk på små pappersbitar, där hon testade färgkombinationer och mönster. När hon kom fram till en färgkombination och randmönster som verkade röra sig, överförde hon det till en stor duk som hon sedan handmålade. Varje rand i hennes färgglada randmålningar innehåller en evolution av olika färger som smälter samman på precisa sätt, så att ögat, när det tittar på varje rand, uppfattar en antydan av nästa färg. Den evolutionen skapar en känsla av rörelse när ögat rör sig över ytan.

Synen av musik

Medan stabiliteten i ränder var avgörande för hennes upptäckte av färg, var det i slutändan färgen som hjälpte henne att uppnå sin estetiska vision. Hon sa, “Musiken av färg, det är vad jag vill ha.” Som så många andra konstnärer, från Seurat till Giacomo Balla till Sonia Delaunay till Josef Albers, hade insett, är varje färg kapabel att väcka en känslomässig respons. Och när de används tillsammans, verkar olika färger vibrera, vilket skapar oförutsägbara känslomässiga reaktioner hos betraktarna. Den oförutsägbarheten hjälpte Riley att uppnå sitt ideala mål för en målning, som hon sa måste “erbjuda en upplevelse; erbjuda en möjlighet.”

De estetiska upptäckter som Riley har gjort genom sina färgade, randiga målningar har kommit till eftersom hon är en noggrann experimentatör. Hon för noggranna anteckningar om varje färgkombination och mönster som hon provar, så att det kan upprepas om det behövs. Men även om hennes experiment med färger och ränder verkar vetenskapliga, är de inte det, åtminstone inte i den meningen att de försöker bevisa en hypotes. Snarare är de konstnärliga, i den meningen att de strävar efter att upptäcka det okända och att manifestera det.

Bridget Riley - Karneval, 2000. Screenprint i färger, på wove-papper, med fulla marginaler. 28 3/5 × 35 9/10 tum. 72,7 × 91,1 cm. Upplaga 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Primära mål

I dag, i sina mitt 80-år, fortsätter Riley att måla. Hon utforskar nu en blandning av geometriska former, vågiga former och diagonaler. Mönstren i hennes nyare målningar är mycket bredare, vilket skapar ett helt annat intryck och väcker helt andra känslor. Hennes randiga målningar från decennier tillbaka står som kraftfulla manifestationer av hennes livslånga undersökning av perception. De går långt bortom att bara lura ögat in i ett rike av djup, subjektiv perception.

Det som är viktigt med dessa verk är att de utmanar inte bara vårt sätt att se dem, utan också vårt sätt att se på allt. De ränder som Riley använder är kanske så enkla som former kan vara. Ändå verkar de metamorfoser som blir uppenbara när man undersöker dem vara oändliga. Riley sa en gång: “Repetition fungerar som en slags förstärkare av visuella händelser som, om de ses enskilt, knappt skulle vara synliga.” Hennes ränder demonstrerar den filosofin: att komplexitet lurar under den till synes enkla ytan av vår visuella värld, om vi bara tar oss tid att verkligen lägga märke till det. De uppmanar oss att titta noggrant och nära, och att fullt ut uppskatta den värdefulla gåvan av att se.

Utvald bild: Bridget Riley - Samtal (detalj), 1992. Olja på linne. 92 x 126 cm. Abbot Hall Art Collection. Inköpt 1996. © Bridget Riley
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio