Kubism av Sonia Delaunay och utforskning av färg

Mycket kan skrivas, och har skrivits, om de yrkesmässiga framgångarna hos Sonia Delaunay. Hon var en av de mest inflytelserika konstnärerna under 1900-talet. I tjugoårsåldern ledde hennes visionära syn på abstraktion till att hon blev en av de första modernistiska konstnärerna. I trettioårsåldern förvandlade hon sin ateljéverksamhet till en manifestation av ett Gesamtkunstwerk, eller totalverk, och visade Bauhaus-idealet två år innan Bauhaus ens existerade. Hon skapade en unik och inflytelserik samling målningar under sitt liv och arbetade oavbrutet ända fram till strax före sin död vid 94 års ålder. Förutom målning arbetade hon även inom mode, teater, film, förlagsverksamhet och engagerade sig i alla slags designaktiviteter. Vid 79 års ålder blev hon endast den andra levande konstnären någonsin att ha en retrospektiv utställning på Louvren, och den första kvinnliga konstnären att nå denna milstolpe. Det kan till och med lätt hävdas att Sonia Delaunay var den första konstnären som effektivt förvandlade sin person till ett varumärke, i den samtida betydelsen av ordet. Men att enbart fokusera på dessa yttre framgångar skulle antyda att det alltid var hennes mål att uppnå sådana saker. Men i själva verket hade Delaunay inga sådana avsikter. Hennes enda mål var uppriktigt att utforska färg, form och komposition, och att genom sin konst avslöja för resten av världen den okända essensen av vad det än var hon sökte inom sig själv.

Att bli Sonia Delaunay

Berättelsen om Sonia Delaunays tidiga liv kan beröra vilken förälder som helst. Hur lätt det är att skapa, eller missa, en möjlighet, och hur den minsta förändring i omständigheterna kan påverka ett barns chanser att lyckas djupt. Sonia Delaunay föddes som Sarah Ilinitchna Stern i en arbetarklassfamilj i det som nu är Ukraina. Hennes möjligheter i hemstaden var starkt begränsade, men hon hade en rik farbror och faster i Sankt Petersburg vid namn Henri och Anna Terk. Terkarna kunde inte få egna barn och bad att få adoptera Sarah från hennes kämpande föräldrar. Hennes mor var först motvillig. Men när Sarah var fem år gammal gav hennes mor slutligen med sig och tillät henne att flytta till Sankt Petersburg för gott för att bo med sin farbror och faster.

När hon väl anlände till Sankt Petersburg bytte Sarah namn till Sonia Terk. Med det nya namnet kom en ny uppsättning erfarenheter och mycket större möjligheter. Livet hos hennes faster och farbror innebar världsomseglingar, den finaste utbildningen och regelbundna besök på museer och bibliotek. Hon kunde bläddra i konstböcker hemma och delta i intellektuella diskussioner om olika ämnen. Vid 16 års ålder hade hon utvecklat ett intresse för att bli konstnär. Terkarna uppmuntrade hennes intresse och skickade henne vid 18 års ålder till Tyskland för att studera konst. Två år senare, 1905, flyttade hon igen, denna gång till Paris, epicentrum för avantgardekonst i Europa.

En bok av modernistpoeten Blaise Cendrars, inbunden och illustrerad av Sonia Delaunay 1913

Upptäckten av färg

I Paris fortsatte Sonia Delaunay att studera konst i skolan, men erfarenheten med hennes lärare var för akademisk och formell för hennes läggning. Hon fann att hon fick mycket mer inspiration i gallerierna, som visade verk av experimentella europeiska konstnärer som postimpressionisterna. Hon hade kommit till Paris vid den perfekta tiden. Hon befann sig i hjärtat av avantgardesamhället vid gryningen av kubismen, när geometriska plan först antogs i ett försök att förmedla fyrdimensionell verklighet. Och hon var där när futuristmanifestet först trycktes i franska tidningar, vilket förde fram idén om rörelse i den konstnärliga diskussionen. Och fauvisterna, som var på höjden av sin påverkan när hon anlände till staden, inspirerade henne djupt. Hon berördes starkt av hur hennes ögon uppfattade och hennes känslor upplevde relationerna mellan deras lysande och strålande färger.

De tidiga målningar som Sonia Delaunay gjorde efter ankomsten till Paris utforskade många av idéerna från dessa andra rörelser på ett figurativt sätt. Men hon sökte något annat. Specifikt ville hon ha ett sätt att utforska färgens element för dess egen skull. Men hon ville också vara intuitiv och fri. Hon hade litet intresse för de akademiska teorier som utbyttes av hennes samtida, vilka hon ansåg vara, ”för sofistikerade. Jag är närmare naturen och livet,” förklarade hon en gång, nära slutet av sitt liv. ”Jag sökte efter något inom mig själv och lite i taget blev det abstrakt måleri.”

Sonia Delaunay - Gul naken, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Att finna abstraktion

Genombrottet som slutligen ledde Sonia Delaunay till att helt omfamna icke-föreställande måleri kom på ett mycket oväntat sätt. Liksom hennes avresa från hemstaden till Sankt Petersburg uppstod det från ett djärvt val hon gjorde för att skapa sitt eget öde. När hon först anlände till Paris hade hon blivit vän med en gallerist och författare vid namn Wilhelm Uhde, som visade ledande avantgardekonstnärer. Hon och han var själsfränder, som hon sade, ”båda sökande efter något abstrakt.” De gifte sig, inte av romantisk attraktion, utan för att arrangemanget gav praktiska fördelar för båda. För Sonia frigjorde det henne från det tryck hon fick från sin födelsemor att ge upp sin konstnärskarriär.

Sedan, en kväll i galleriet mindre än ett år senare, mötte Sonia en åsiktsstark, passionerad ung konstnär vid namn Robert Delaunay. De två fick omedelbar kontakt och blev kära. Sonia bad Uhde om skilsmässa, vilket han vänligt beviljade, och året därpå gifte hon sig med Robert. När de fick sitt första barn sydde Sonia för hand en täcke till barnet med tekniker baserade på rysk folkkonst från hennes hemtrakter. När täcket var klart såg hon i det den inspiration hon sökt. Former påminde henne om kubistiska plan, men färgförhållandena mellan formerna gav hela kompositionen liv. Det täcke som Sonia Delaunay gjorde instinktivt för sitt barn blev grunden för allt hennes framtida abstrakta arbete.

Täcket som Sonia Delaunay gjorde till sitt barn 1911, nu en del av samlingen på Nationalmuseum för modern konst i Paris, Frankrike

Orfisk kubism

På kvällarna i Paris brukade Sonia Delaunay och hennes make Robert Delaunay promenera tillsammans genom staden och prata om konst. Under sina promenader beundrade de de elektriska lampor som just då började installeras. De diskuterade hur stadens färger påverkades av det syntetiska ljuset och gladdes åt de former och mönster som ljuset skapade. När de kom hem från sina promenader försökte var och en fånga sin upplevelse på duk, med hjälp av det abstrakta färg- och formspråk som inspirerats av täcket Sonia hade gjort.

De kallade sin unika visuella metod simultanism. Ordet syftade på relationen mellan färger och former, och den samtidiga existensen av flera verkligheter i deras kompositioner. När Sonia och Robert ställde ut dessa målningar gav deras vän, konstkritikern Guillaume Apollinaire, deras nya stil namnet Orfisk kubism, eller orfism. Även om referensen aldrig blev helt klar, relaterar termen till den mytiske grekiske musikern och poeten Orfeus, vars legendariska musik sades ha förmågan att förtrolla alla varelser och ting.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olja på duk. 182 x 149 cm. Nationalmuseum för modern konst, Paris, Frankrike

Färgernas poesi

Även om referensen till Orfeus verkar passande för Sonia Delaunays verk, är jämförelsen med kubismen felaktig. Kubismen var lika akademisk som estetisk. Medan Robert Delaunay var en ivrig teoretiker och analytiker, föredrog Sonia att arbeta intuitivt och lägga tonvikten på utforskande och experimenterande. Om denna skillnad sade hon en gång, ”Han talade, men jag insåg.” Även om Sonia använde ett formspråk liknande kubisternas, hade hon inga intellektuella mål gemensamma med dem. Hennes former var bara bärare av färg. ”Om det finns geometriska former,” förklarade hon en gång vid Sorbonne, ”är det för att dessa enkla och hanterbara element visat sig lämpliga för fördelningen av färger vars relationer utgör det verkliga föremålet för vår sökan.”

Sonia jämförde ofta måleri med poesi. Hon såg sig själv som en sökare av färgkombinationer som kunde väcka en mängd möjliga tolkningar och skapa samtidiga betydelser. Det var därför naturligt för henne att utvidga sina konstnärliga aktiviteter till designvärlden eftersom, som hon upplevde det, fanns ingen skiljelinje mellan konst och liv. Oavsett om hennes kompositioner fanns på sidan av en bil, på en pälsrock, på en dräkt för en pjäs eller på en duk, såg hon ingen skillnad. Hon trodde att, ”färger är ord, deras relationer rytmer,” och att de i vilken form hon än valde att föra samman dem blev, genom hennes ansträngning, ”en fullbordad dikt.”

Sonia Delaunay - Grande Helice Rouge, ca 1970. Litografi. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 tum)

Framträdande bild: Sonia Delaunay - Syncopated rhythm, så kallad The Black Snake (detalj), 1967
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio