Kubism av Sonia Delaunay och utforskning av färg

Mycket kan, och har skrivits om, de professionella prestationerna av Sonia Delaunay. Hon var en av de mest inflytelserika konstnärerna under 1900-talet. I sina 20-årsåldern ledde hennes visionära tillvägagångssätt för abstraktion henne till att bli en av de första modernistiska konstnärerna. I sina 30-årsåldern förvandlade hon sin studioverksamhet till en manifestation av ett Gesamtkunstwerk, eller totalverk, och visade Bauhaus-idealet två år innan Bauhaus existerade. Hon skapade en unik och inflytelserik samling av målningar under hela sitt liv, och arbetade kontinuerligt fram till strax före sin död vid 94 års ålder. Utöver måleri arbetade hon också inom mode, teater, film, förlag och engagerade sig i alla typer av designaktiviteter. Vid 79 års ålder blev hon endast den andra levande konstnären någonsin att ha en retrospektiv utställning på Louvren, och den första kvinnliga konstnären att uppnå den milstolpen. Det skulle till och med lätt kunna hävdas att Sonia Delaunay var den första konstnären som effektivt omvandlade sin persona till ett varumärke, i den samtida betydelsen av ordet. Men att enbart fokusera på dessa externa prestationer skulle innebära att det var hennes mål hela tiden att uppnå sådana saker. Men i själva verket hade Delaunay inga sådana avsikter. Hennes enda mål var i allvar att utforska färg, form och komposition, och att avslöja för resten av världen genom sin konst den okända essensen av vad det nu var som hon sökte inom sig själv.

Att bli Sonia Delaunay

Berättelsen om Sonia Delaunays tidiga liv kan resonera med varje förälder. Hur lätt det är att skapa, eller misslyckas med att ta en möjlighet, och hur den minsta förändringen i omständigheterna kan påverka ett barns chanser att lyckas. Sonia Delaunay föddes som Sarah Ilinitchna Stern i en arbetarklassfamilj i det som nu är Ukraina. Hennes möjligheter i hemstaden var kraftigt begränsade, men hon hade en rik farbror och faster i Sankt Petersburg som hette Henri och Anna Terk. Terks kunde inte få egna barn, och de bad att få adoptera Sarah från hennes kämpande föräldrar. Hennes mamma motstod först. Men när Sarah var fem år gammal gav hennes mamma äntligen med sig och tillät henne att flytta till Sankt Petersburg för gott för att bo med sin farbror och faster.

När hon anlände till Sankt Petersburg, ändrade Sarah sitt namn till Sonia Terk. Tillsammans med sitt nya namn kom en ny uppsättning erfarenheter och mycket mer mångsidiga möjligheter. Livet med sin moster och farbror inkluderade världsomresor, den finaste utbildningen och regelbundna besök på museer och bibliotek. Hon kunde bläddra i konstböcker hemma och delta i intellektuella diskussioner om en mängd olika ämnen. Vid 16 års ålder hade hon utvecklat ett intresse för att bli konstnär. Terkarna uppmuntrade hennes intresse, och vid 18 års ålder skickade de henne till Tyskland för att studera konst. Två år senare, 1905, flyttade hon igen, denna gång till Paris, epicentrum för avant-garde konst i Europa.

En bok av den modernistiska poeten Blaise Cendrars, bunden och illustrerad av Sonia Delaunay 1913

Upptäcker färg

I Paris fortsatte Sonia Delaunay att studera konst i skolan, men erfarenheten hon hade med sina lärare var för akademisk och formell för hennes läggning. Hon upptäckte att hon fick mycket mer inspiration i gallerierna, som visade verk av experimentella europeiska konstnärer som postimpressionisterna. Hon hade kommit till Paris vid rätt tidpunkt. Hon befann sig i hjärtat av den avantgardistiska gemenskapen vid gryningen av kubismen, när geometriska plan först antogs i ett försök att förmedla en fyrdimensionell verklighet. Och hon var där när futurist-manifestet först trycktes i de franska tidningarna, vilket satte idén om rörelse i centrum av den konstnärliga diskussionen. Och fauvisterna, som var på höjden av sitt inflytande när hon kom till staden, inspirerade henne djupt. Hon blev visceralt rörd av hur hennes ögon uppfattade, och hennes känslor upplevde, relationerna mellan deras lysande och ljusa färger.

De tidiga målningarna som Sonia Delaunay gjorde efter att ha anlänt till Paris utforskade många av idéerna från dessa andra rörelser på ett figurativt sätt. Men hon sökte efter något annat. Specifikt ville hon ha ett sätt att utforska färgelementet för dess egen skull. Men hon ville också vara intuitiv och fri. Hon hade litet intresse för de akademiska teorier som utbyttes av hennes samtida, som hon tyckte var, “För sofistikerade. Jag är närmare naturen och livet,” förklarade hon en gång, nära slutet av sitt liv. “Jag sökte efter något inom mig själv och lite i taget blev det abstrakt måleri.”

Sonia Delaunay - Gul naken, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Hitta abstraktion

Genombrottet som slutligen fick Sonia Delaunay att helt omfamna icke-objektiv målning kom på ett mest oväntat sätt. Liksom hennes avfärd från hennes hemstad till St. Petersburg, uppstod det ur ett djärvt val hon gjorde för att skapa sitt eget öde. När hon först anlände till Paris hade hon blivit vän med en gallerist och författare vid namn Wilhelm Uhde, som visade de ledande avantgardekonstnärerna. Hon och han var själsfränder, som hon sa, “båda sökande efter något abstrakt.” De gifte sig, inte av romantisk attraktion, utan för att arrangemanget gav praktiska fördelar för dem båda. För Sonia befriade det henne från det tryck hon fick från sin biologiska mor att ge upp sin karriär som konstnär.

Sedan en natt i galleriet mindre än ett år senare, träffade Sonia en åsiktsfull, passionerad ung konstnär vid namn Robert Delaunay. De två hade en omedelbar koppling och de blev kära. Sonia bad Uhde om skilsmässa, vilket han vänligt beviljade, och året därpå gifte hon sig med Robert. När de två fick sitt första barn, gjorde Sonia en filt för barnet för hand med tekniker baserade på ryska folkkonsttraditioner från sitt hem. När filten var klar, såg hon i den den inspiration hon hade sökt. Formerna påminde henne om kubistiska plan, men färgrelationerna mellan formerna gav hela kompositionen liv. Den filt som Sonia Delaunay gjorde av instinkt för sitt barn blev grunden för allt hennes framtida abstrakta arbete.

Den quilt som Sonia Delaunay gjorde för sin bebis 1911, nu en del av samlingen vid Nationalmuseum för modern konst i Paris, Frankrike.

Orfisk kubism

På kvällarna i Paris skulle Sonia Delaunay och hennes man Robert Delaunay promenera tillsammans genom staden och prata om konst. Under sina promenader skulle de förundras över de elektriska ljusen som just då började installeras. De skulle diskutera hur stadens färger påverkades av det syntetiska ljuset och glädjas åt de former och mönster som ljuset skapade. När de kom hem från sina promenader skulle var och en sträva efter att fånga sin upplevelse på duk, med hjälp av språket av abstrakt färg och form inspirerat av det lapptäcke som Sonia hade gjort.

De kallade sin unika visuella metod simultanéisme. Ordet var en referens till förhållandet mellan färger och former, och den samtidiga existensen av flera verkligheter i deras kompositioner. När Sonia och Robert ställde ut dessa målningar, döpte deras vän, konstkritikern Guillaume Apollinaire, deras nya stil Orfisk kubism, eller Orfism. Även om referensen aldrig gjordes helt klar, relaterar termen till den mytiska grekiska musikern och poeten Orfeus, vars legendariska musik sägs ha haft förmågan att charma alla varelser och ting.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olja på duk. 182 x 149 cm. Nationalmuseum för modern konst, Paris, Frankrike

Färgernas poesi

Även om referensen till Orfeus verkar lämplig för Sonja Delaunays verk, är jämförelsen med kubismen felaktig. Kubismen var lika akademisk som den var estetisk. Medan Robert Delaunay var en ivrig teoretiker och analytiker, föredrog Sonja att arbeta intuitivt och lägga betoningen på utforskning och experimentering. Om den dikotomin sa hon en gång: “Han pratade, men jag insåg.” Även om Sonja använde ett språk av former som liknade kubisternas, hade hon inga intellektuella mål gemensamma med dem. Hennes former var endast kärl för färg. “Om det finns geometriska former,” förklarade hon en gång, när hon talade vid Sorbonne, “är det för att dessa enkla och hanterbara element har visat sig vara lämpliga för fördelningen av färger vars relationer utgör det verkliga objektet för vår sökning.”

Sonia jämförde ofta måleri med poesi. Sonia Delaunay såg sig själv som en som sökte efter kombinationer av färger som kunde väcka en mängd möjliga tolkningar och skapa samtidiga betydelser. Det var helt naturligt för henne att utvidga sina konstnärliga aktiviteter till designens värld eftersom, som hon upplevde det, fanns det ingen separation mellan konst och liv. Oavsett om hennes kompositioner fanns på sidan av en bil, på en pälsjacka, på en kostym för en pjäs eller på ytan av en duk, såg hon ingen skillnad. Hon trodde att, "färger är ord, deras relationer rytmer", och att i vilken kapacitet hon än valde att föra dem samman blev de, genom hennes ansträngning, "en fullbordad dikt."

Sonia Delaunay - Grande Helice Rouge, ca. 1970. Litografi. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 tum)

Utvald bild: Sonia Delaunay - Synkoperad rytm, så kallad Den svarta ormen (detalj), 1967
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio