Abstrakt expressionism: Véhémences Confrontées

Alla känner till den här berättelsen. Ett plågat geni i en lada på Long Island släpper sina penslar, lägger duken på golvet och slungar emalj mot den. En nation som aldrig hade producerat en betydande konströrelse producerar plötsligt den enda som spelar någon roll. Måleriets huvudstad flyttar från Paris till New York tack vare några amerikanska armar, och den moderna konsten blir aldrig mer densamma.

Det är en underbar berättelse. Delar av den är till och med sanna.

Men det är en berättelse som var tvungen att utelämna saker för att fungera, och det den utelämnade är mer intressant än det den behöll. Fraktsedlarna, galleriinbjudningarna och utställningsaffischerna från 1950 till 1952 beskriver något helt annat än en erövring. De beskriver en debatt: högljudd, transatlantisk, förd på två språk och genuint olöst vid den tiden. Amerikaner och européer hängdes på samma väggar, medvetet, av gallerister och kritiker som ansåg att jämförelsen var hela poängen. Först därefter fick den ena sidan skriva katalogen.

I stället för att återberätta den heroiska versionen ännu en gång följer den här artikeln bevisen. Inte för att den heroiska versionen är en lögn, utan för att den verkliga versionen är bättre och förklarar något som myten inte kan: varför det gestuella bildspråk som förknippas med den abstrakta expressionismen faktiskt aldrig försvann, och varför målare i Antwerpen, Sydney, Teheran och Tallinn fortfarande arbetar med det i dag.

(Och om du bara är här för grunderna - vilka de var, när det hände och varför det slutade med just det namnet - besvarar de tjugo frågorna i slutet av artikeln allt detta utan argumentationen.)

Myten i en mening, och vilka den var till för

Den etablerade berättelsen lyder: mellan ungefär 1943 och 1956 uppfann en grupp målare verksamma på Manhattan den första amerikanska konströrelsen av global betydelse, befriade måleriet från den europeiska traditionen och gjorde New York till konstvärldens centrum.

Lägg märke till hur mycket arbete ordet ”befriade” utför.

Männen och kvinnorna i fråga såg inte sig själva som en rörelse, ogillade benämningen och kunde inte enas om ett namn för det de höll på med. Vid ett tre dagar långt symposium på Studio 35 i april 1950, organiserat av Robert Motherwell och Ad Reinhardt, satt de i ett rum och misslyckades med att namnge sig själva. ”Abstrakt-expressionistisk” föreslogs. Även ”abstrakt-symbolistisk”. Ingen var nöjd. Den benämning som fastnade hade lånats från den tyska expressionismen av kritikern Robert Coates, och flera av de målare som den beskrev tillbringade resten av sina liv med att invända mot den.

Så vem behövde egentligen denna "abstrakt-expressionistiska" rörelse? Kritiker, som behövde ett ämne. Gallerister, som behövde en kategori. Och i slutet av 1950-talet ett land som hade upptäckt att kultur var ett användbart utrikespolitiskt instrument. Vi återkommer till det.

Den rad namn som etiketten till slut fastnade för är värd att ha framför sig, och vi har redogjort för den på annan plats i 17 abstrakta expressionistiska konstnärer du bör känna till. Det som följer är den del som den redogörelsen utelämnar.

Blue and Grey (1962) av Mark Rothko - december 2023 - Fondation Louis Vuitton - ©IdeelArt

Vad som anlände med båt

Det första den heroiska berättelsen måste glömma är att en betydande del av den europeiska avantgarden faktiskt bodde i New York medan den abstrakta expressionismen uppfanns.

På flykt undan kriget tillbringade André Breton, Max Ernst, André Masson, Roberto Matta, Piet Mondrian, Fernand Léger och Marcel Duchamp alla betydande tid i staden i början av 1940-talet. Peggy Guggenheim öppnade sitt galleri Art of This Century 1942 och hängde de unga amerikanerna bredvid de surrealister hon hade samlat på och, i Ernsts fall, gift sig med. Hans Hofmann, som hade undervisat i München och tagit del av kubismen på nära håll i Paris, drev Amerikas mest inflytelserika målarskola på West 8th Street.

Tekniken i mytens centrum kom med dem. Surrealistisk automatism, praktiken att låta handen röra sig utan medveten styrning, är den direkta föregångaren till den hällda målningen. Masson hade gjort automatiska teckningar sedan 1920-talet. Matta lärde ut automatistiska övningar till en krets av unga New York-målare, däribland Motherwell och Baziotes. Arshile Gorky, en armenisk immigrant, är nyckelgestalten: hälften surrealist, hälften något nytt, och den målare som de andra höll ögonen på.

Detta förringar inte på något sätt det amerikanerna gjorde med det. Men det innebär att berättelsen om ett inhemskt geni som uppstod ur intet åtminstone är geografiskt djupt förvirrad. Gesten började inte i en lada i Springs. Den anlände till en kaj på Manhattan.

Det arvet går fortfarande att urskilja i dag. När Macha Poynder inleder ett verk med automatisk teckning och knyter därmed an till en tradition som etablerades av André Masson på 1920-talet, fördes över Atlanten av Matta och andra surrealister och omformades i New York av målare som Motherwell. Tråden går genom New York, men den börjar inte där.Det arvet är fortfarande läsbart i dag. 

Fotografi taget av George Platt Lynes i samband med en utställning på Pierre Matisse Gallery i mars 1942. Från vänster till höger, första raden: Matta, Ossip Zadkine, Yves Tanguy, Max Ernst, Marc Chagall, Fernand Léger; andra raden: André Breton, Piet Mondrian, André Masson, Amédée Ozenfant, Jacques Lipchitz, Pavel Tchelitchew, Kurt Seligmann, Eugene Berman. 

Oktober 1950: Hängda sida vid sida, med avsikt

Här är det faktum som borde finnas med i varje översikt men nästan aldrig gör det.

Från den 23 oktober till den 11 november 1950 visade Sidney Janis Gallery på 57th Street en utställning kallad Young Painters in U.S. and France. Janis hängde inte amerikanerna i ett rum och fransmännen i ett annat. Han parade ihop dem en och en och bad besökarna jämföra:

• Jackson Pollock med André Lanskoy
• Mark Rothko med Nicolas de Staël
• Franz Kline med Pierre Soulages
• Willem de Kooning med Jean Dubuffet
• Arshile Gorky med Roberto Matta
  

Från vänster till höger - Pierre Soulage - Utan titel - 1953 / Franz Kline - Cardinal - 1950

Läs listan igen. År 1950 i New York ansåg periodens mest inflytelserika gallerist att den intressanta frågan inte var om amerikanerna hade vunnit, utan om de gjorde samma sak som européerna. Paren är inte heller slumpmässiga. Kline och Soulages byggde båda svart arkitektur med laddade penslar. Rothko och de Staël gjorde båda färgen till massa. Janis framförde ett argument, och argumentet förutsatte jämlikhet.

Den heroiska berättelsen kan inte rymma den här utställningen, så den utelämnar den diskret.

Paris, 8 mars 1951

Fyra månader senare fördes argumentet tillbaka över Atlanten, och det blev ännu tydligare.

Från den 8 till den 31 mars 1951 visade Galerie Nina Dausset på rue du Dragon Véhémences confrontées, organiserad av kritikern Michel Tapié tillsammans med målaren Georges Mathieu. På affischen stod det att utställningen för första gången i Frankrike presenterade en konfrontation mellan de amerikanska, italienska och parisiska icke-figurativa målningarnas mest extrema riktningar.

På väggen hängde Jackson Pollock, Willem de Kooning och Alfred Russell , alla från New York, bredvid Wols, Hans Hartung, Georges Mathieu, Camille Bryen, Giuseppe Capogrossi och Jean-Paul Riopelle.

Ordet i titeln är värt att stanna upp vid. "Vehemences confronted". Inte influenser, inte lektioner, inte en överföring från lärare till elev. En konfrontation mellan jämlikar, där var och en antogs ha nått fram till våldsamheten oberoende av den andre.

Untitled (1955) av JP Riopelle från utställningen "Riopelle, Parfums d'Atelier" på Maeght Foundation, 2023 ©IdeelArt

Hur kom Pollock-målningarna dit? Inte genom MoMA och inte via någon officiell kanal. Alfonso Ossorio, den filippinsk-amerikanske målaren som var Pollocks vän och mecenat, tog själv med målningarna till Paris och visade dem för Tapié. Ossorio hade introducerats för Tapié av Dubuffet, vars samling av Art Brut Ossorio senare skulle hysa på sin egendom i East Hampton i ett decennium. Den transatlantiska förbindelsen var personlig, informell och helt dubbelriktad.

Tapié tyckte tillräckligt mycket om det han såg för att ge Pollock hans första separatutställning i Frankrike, på Studio Paul Facchetti 1952. Han skrev själv katalogtexten och noterade sin glädje över att kunna slunga in den här sortens bomb i den parisiska konstscenen.

Och Mathieu, den påstådda rivalen? Han hade arbetat för rederiet United States Lines sedan 1947, hade sedan 1948 försökt få amerikanska målare utställda i Paris och hade sin första separatutställning i New York på Stable Gallery 1952. Den som säger att de två scenerna inte kände till varandra beskriver en karta, inte en historia.

Fem namn för samma storm

Den term som till slut vann gehör, abstrakt expressionism, hade redan använts för det framväxande amerikanska måleriet av Robert Coates 1946, som anpassade en fras som tidigare förknippats med tysk expressionism. Men det var aldrig det enda namnet i omlopp, och inte heller nödvändigtvis det som bäst beskrev vad målare på båda sidor av Atlanten ägnade sig åt. Under det följande decenniet föreslog kritiker flera konkurrerande termer, som var och en ramade in samma omvälvning på olika sätt.

• "Action painting". Harold Rosenberg, The American Action Painters, 1952. Duken som en arena, målningen som återstoden av en händelse snarare än en bild av något.
• "Un Art Autre". Michel Tapié, 1952. Konst av ett annat slag: obestämd, orepeterbar, fientlig mot komposition. Skriven i Paris samma år, av samma material.
• Art Informel / Tachisme. Michel Tapié bidrog till att etablera Art Informel genom sin bok Un Art Autre från 1952, medan Tachisme användes av Pierre Guéguen 1951 och senare populariserades av Pierre Restany. Båda termerna beskrev måleri uppbyggt av spontana fläckar och märken snarare än förutbestämda former.
• "American-Type Painting". Clement Greenberg, 1955. Lägg märke till nationaliteten i titeln, och lägg märke till årtalet. Det är i detta ögonblick inramningen hårdnar.

Fem vokabulärer, två kontinenter, ungefär fyra år. Rosenberg och Tapié publicerade sina texter samma år utan att vara överens om något annat än att de gamla kategorierna hade kollapsat. Det är inte en berättelse om ett centrum som exporterade en idé; det är en berättelse om ett tillstånd som uppträdde på flera platser samtidigt, i efterdyningarna av ett krig som hade misskrediterat alla tillgängliga bildmässiga ordningar.

Skillnaderna är verkliga, och vi bör inte jämna ut dem. Tapiés informel är mer intresserad av materia, yta och den råa fläcken; Rosenbergs action painting är mer intresserad av det performativa jaget. Men detta är två tolkningar av ett överlappande verk, inte två separata konsthistorier.

Du kan fortfarande se en enda målare hålla båda tolkningarna samtidigt. Reiner Heidorn arbetar i en stark gestisk tradition samtidigt som han bedriver en materiell kritik av själva måleriet, vilket innebär att han för Tapiés argument om substans och Rosenbergs argument om det performativa jaget på samma bildyta.

Amerikanerna som gick åt andra hållet

Myten behövde New York för att undervisa och Paris för att lära. Så gick det inte till.

Fler än 400 amerikanska veteraner använde GI Bill för att studera i Paris mellan 1946 och 1953, en omständighet som lyftes fram av utställningen United States of Abstraction: American Artists in France, 1946-1964 på Musée d'arts de Nantes och Musée Fabre i Montpellier 2021. Bland dem och vid deras sida: Sam Francis, som anlände 1950 och blev en av de mest framgångsrika målarna i Frankrike innan han blev känd på hemmaplan; Shirley Jaffe, som stannade resten av sitt liv; Ellsworth Kelly och Jack Youngerman, vars hard edge-estetik formades i Paris, inte New York; Joan Mitchell, som flyttade till Frankrike i mitten av 1950-talet, levde med Jean-Paul Riopelle från 1955 och så småningom bosatte sig i Vétheuil i ett hus med utsikt över trädgården där Monet hade målat.

Around the Blues (1957-62) av Sam Francis, på utställningen "Making Traces" på Tate Modern, mars 2016. ©IdeelArt

Tänk på vad den sista meningen gör med den prydliga berättelsen. En av de främsta andra generationens abstrakta expressionisterna tillbringade större delen av sin karriär i Frankrike, tillsammans med en québécoisk målare som hade undertecknat Refus global, och arbetade inom synhåll från impressionismens egen adress.

Kuratorerna för utställningen i Nantes gjorde en iakttagelse som verkligen berör oss: dessa amerikaner i Paris förblev, som de uttryckte det, märkligt nog statslösa. De införlivades inte i Paris-skolan och skrevs i allt högre grad ut ur New York-berättelsen eftersom de hade lämnat staden. Myten har ingen kategori för dem, så den förlorade dem.

Den sortens statslöshet är nu helt enkelt det abstrakta måleriets normala tillstånd. Yari Ostovany rör sig mellan iransk mystisk poesi och amerikansk skala; Nikolaos Schizas är grek, baserad i Spanien, och överbryggar abstrakt expressionism med surrealism och popkonst; Carolina Alotus bor på Cypern, är svensk och hämtar inspiration från abstrakt expressionism och Colour Field i kombination; Jaanika Peerna är estnisk och arbetar i New York. Ingen av dem behöver en huvudstad för att ge verket sin auktoritet.

Visuell kartläggning av målarnas rörelser över Atlanten i båda riktningarna, Europa till New York 1932 till 1942 och New York till Paris 1946 till 1964. ©IdeelArt

1959: Hur ett argument blev en erövring

Så när upphör samtalet och erövringen börjar? Man kan nästan sätta ett datum på det.

1958 och 1959 skickade Museum of Modern Arts internationella program en utställning kallad The New American Painting till åtta europeiska länder: Basel, Milano, Madrid, Berlin, Amsterdam, Bryssel, Paris och London. Åttioen målningar av sjutton konstnärer, utvalda av Dorothy Miller tillsammans med poeten Frank O'Hara. Alfred Barr skrev introduktionen. Efter att ha visats på MoMA nådde den Paris 1959 och Tate i London i februari samma år.

Det här var ingen jämförande utställning. Det fanns inga européer med. Titeln är ett påstående, och målningarnas skala var i sig ett argument för att det europeiska måleriet inte kunde svara på samma plan.

"The New American Painting som visades i åtta europeiska länder" - Installationsbild av utställningen som ägde rum på MoMA efter dess Europaturné - © Soichi Sunami

Att USA:s CIA och, på armlängds avstånd, Congress for Cultural Freedom intresserade sig för att exportera amerikansk abstraktion under kalla kriget är numera väl dokumenterat och mycket omdebatterat. Den rättframma versionen, att den abstrakta expressionismen var en CIA-operation, är alltför grov: målarna var till största delen vänsterorienterade, flera var öppet fientliga mot regeringen och ingen tog emot order. Den hållbara versionen är snävare och mer skadlig för myten: en samling genuint radikala målningar blev användbar som bevis för att ett fritt samhälle skapade fri konst, och institutionella pengar följde denna användbarhet. Serge Guilbauts How New York Stole the Idea of Modern Art (1983) är fortfarande den skarpaste redogörelsen, och titeln är en provokation snarare än en dom.

Poängen för våra syften är helt enkelt denna. År 1959 hade paren från 1950 blivit otänkbara. Konfrontationen hade avgjorts genom ett pressmeddelande.

Vad myten kostade

Varje förenkling har ett pris, och det här priset betalades av specifika människor.

Kvinnorna. Lee Krasner var en mer sofistikerad målare än sin man när de träffades och tillbringade årtionden med att beskrivas som hans änka. Joan Mitchell, Grace Hartigan, Elaine de Kooning, Helen Frankenthaler och Alma Thomas skapade verk av högsta klass medan rörelsen paketerades kring Nina Leens fotografi av de Irascibla i Life 1951: femton målare, exakt en av dem kvinna (Hedda Sterne). Frankenthalers soak-stain-metod från 1952 är en av periodens genuina tekniska uppfinningar och lade grunden till en hel efterföljande rörelse.

Européerna. Wols dog 1951, trettioåtta år gammal, efter att ha skapat några av århundradets mest extrema målningar. Hartung, Soulages, Riopelle, Mathieu, de Staël och Zao Wou-Ki är alla betydande konstnärer vars anseende i den engelskspråkiga världen plattades till av en berättelse som inte hade plats för dem. Vi har skrivit separat om Hans Hartung och gestens betydelse, och om lyrisk abstraktion, som är den andra halvan av samma berättelse.

Idén i sig. Det här är den kostnad som betyder mest för oss. Om den abstrakta expressionismen är en heroisk episod som hör till en stad under ett årtionde, då är den avslutad och allt som kom efter är ett eko. Om den i stället är vad bevisen antyder, ett brett och internationellt svar på ett specifikt historiskt tillstånd, då är den ett språk, och språk upphör inte.

[YOUR PHOTO — OPTIONAL]
Konstnärer: Krasner, Mitchell, Frankenthaler, Elaine de Kooning, Hartigan, Alma Thomas. Eller Wols, Hartung, Soulages, de Staël, Zao Wou-Ki.
Period: 1950–1975
Obs: Vilken som helst av förlustens halvor fungerar. En Krasner eller Frankenthaler bär kvinnornas argument; en Wols eller de Staël bär det europeiska.

Vad det innebär att vara en abstrakt expressionistisk målare nu

Här är en märklig sak med traditionens mest framgångsrika arvtagare: nästan ingen av dem accepterar beteckningen.

Frågar man de målare som tydligast arbetar i denna tradition får man ett artigt avvisande. Begreppet hör hemma i ett specifikt rum under ett specifikt årtionde, säger de, och att göra anspråk på det nu är antingen nostalgi eller dåligt uppförande. Jason Stopa, en av en generation abstraktionister som slog igenom under 2010-talet, kallar hela uppdelningen mellan abstraktion och figurativt måleri ett 1900-talsproblem. Det är inte ett avvisande av metoden. Det är ett avvisande av förpackningen, vilket är exakt den invändning Rothko, Newman, Still och de Kooning själva framförde när kritiker först försökte placera dem i fack.

Och ändå finns metoden överallt.

Cecily Brown, född i London 1969 och verksam i New York, bygger upp dukar av en de Kooning-stor virvel där kroppar hela tiden nästan framträder. Amy Sillman har i fyrtio år hävdat, i måleri och i några av de skarpaste essäer någon målare har skrivit, att gesten är en form av tänkande snarare än en form av känsla. Albert Oehlen arbetar i Tyskland med en medvetet ful, medvetet postheroisk version av samma vokabulär. Julie Mehretu lägger arkitektonisk teckning under stormar av markeringar i en skala som Pollock omedelbart skulle ha känt igen. Jadé Fadojutimi, född 1993, skapar något av den mest energiska gestuella abstraktion som produceras någonstans. Frank Bowling, född i Guyana 1934, har i sextio år hällt och färgat över två kontinenter och fick slutligen det erkännande han förtjänade i åttioårsåldern.

Titta på den listan. Brittisk, amerikansk, tysk, etiopisk-amerikansk, brittisk, guyansk-brittisk. Inte en enda nationell skola. Det är väggen från 1951 igen, fast med bättre belysning.

Marknaden har uppmärksammat denna utveckling. Phillips presenterar sin guide till efterkrigstidens amerikanska konst 2026 genom att värdera den första generationen till åtta- och niosiffriga belopp och beskriver andra generationens abstraktion som en av de sista gränserna för att hitta värde till ett relativt tillgängligt pris. Läs det som samlare, så är det ett tips. Läs det som historiker, så är det ett medgivande: kanon håller tyst på att öppnas på nytt, och de människor som sorterades in i fotnoterna 1959 omprövas, ett dödsbo i taget.

Taught Thought av Jadé Fadojutimi - 2012 - foto Eva Herzog - © The artist - tillgänglig på Gagosian gallery

Så vad innebär det egentligen att arbeta i denna tradition i dag, om namnet inte går att använda och den heroiska hållningen inte längre är tillgänglig?

Tre saker, skulle vi föreslå.

Penseldraget är ett bevis på en kropp, inte ett fönster mot en själ. Den första generationens misstag, eller snarare deras kritikers misstag, var att läsa gesten som en bekännelse. Det gesten faktiskt dokumenterar är att någon stod på ett visst avstånd, rörde sig med en viss hastighet och inte kunde ta tillbaka det. Det är ett faktum om fysik innan det är ett faktum om känsla, och det är därför verket fortfarande håller när du inte vet någonting om målarens biografi.

Skalan gör anspråk på ditt utrymme, inte på din uppmärksamhet. En stor abstrakt målning skriker inte. Den fastslår att du och den befinner er i samma rum, på ett visst avstånd, och att mötet har en varaktighet. Detta är periodens mest bestående uppfinning, och det är därför dessa målningar inte gör sig bra på fotografi och inte översätts väl till en skärm.

Att vägra etiketten är en del av arvet. Varje målare i denna tradition, från 1950 till i dag, har invänt mot att kategoriseras. Det är varken en tillfällighet eller en modenyck. Det följer av metoden: om målningen är dokumentationen av ett beslut som ännu inte har fattats, då är en kategori som tillämpas i förväg en motsägelse i sig.

Det är det ärliga svaret, och det är därför språket har överlevt sitt eget namn.

Fyrtionio konstnärer, ett pågående argument

Det här är ingen retorisk utsmyckning. Gå igenom IdeelArts konstnärslista, så kan fyrtionio av våra konstnärer hävda en meningsfull koppling till abstrakt expressionism genom sin metod, sitt vokabulär eller sina egna uttalanden.

Det talet är argumentet. Om abstrakt expressionism vore ett avslutat heroiskt kapitel som tillhörde New York mellan 1947 och 1959, skulle ett galleri som arbetar 2026 inte kunna fylla ett rum med levande målare som beskriver sitt eget arbete i dess termer. Och de delar inte upp sig på det sätt som myten förutspår. Vissa gör anspråk på det amerikanska arvet, andra på det parisiska, och påfallande många gör anspråk på arvet från en helt annan kontinent.

Nedan följer de tolv vars band till rörelsen vi bedömer som starkast, ett urval som är vårt och medgerligen subjektivt, grupperade efter vilken sida av 1951 års vägg de står på.

Amerikanerna som bevarade metoden

Melissa Meyer arbetar i den mest direkta arvslinjen. Hennes penseldrag bär på det hon kallar en glyfliknande kvalitet, märken som svävar mellan skrift och ren gest, och hon beskriver hur en målning börjar när hon ser en färg, ett märke eller en gest någonstans och behöver svara på den. Det är exakt den andra generationens New York-metod: inte självuttryck, utan ett samtal med märket som redan finns på ytan.

Melissa Meyer, Sway, 2006

Ashlynn Browning beskriver tillvägagångssättet nästan som en definition. Hon berättar att hon använder en klassisk abstrakt expressionistisk metod: att göra ett märke och sedan svara på det märket. Hennes referenspunkter är Philip Guston och Joan Mitchell, och hennes former har samma känsla av att vara fångade mitt i ett beslut. Frenetic är en bra introduktion, och titeln är inte slumpmässig.

Ashlynn Browning, Frenetic, 2018

Ellen Priest nämner Willem de Kooning och Joan Mitchell direkt och tillför en dimension som den första generationen bara antydde. Hon målar till inspelad jazz och bygger skiktade verk som följer en specifik spelning snarare än en känsla i allmänhet. Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song #13/14 ingår i den långa serien. Action painting hävdade alltid ett släktskap med bebop. Priest gör faktiskt arbetet.

Ellen Priest, Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song #13/14, 2011

Yari Ostovany kallar sitt eget sätt att göra märken för ett gestiskt utbrott och placerar sin process mellan den abstrakta expressionismen och Colour Field. Det han tillför är ett andra arv som New York aldrig hade: Simorgh Descending III har fått sitt namn efter fågeln i slutet av Attars Fåglarnas konferens, den fågel som sökarna upptäcker är de själva. Rothko ville att måleriet skulle bära den sortens tyngd. Ostovany når fram till den genom den tradition som Rothko strävade mot.

Yari Ostovany, Simorgh Descending III, 2016

Européerna som gör anspråk på New York

Det här är gruppen som den heroiska berättelsen inte kan förklara, och den är den direkta arvtagaren till 1951. Fyra europeiska målare, ingen av dem amerikansk, vars uttalade arvslinje leder till Manhattan.

Macha Poynder är fransk, och hennes berättelse är den mest gripande av de tolv. När hon kom till New York på 1990-talet säger hon att hon i de abstrakta expressionisterna inte fann en stil utan en familj. Hon arbetar genom automatiskt tecknande, performativa gester och intuitiv färg, det vill säga genom det surrealistiska arv som från början nådde New York med båt. Truly Madly Deeply bär det vidare.

Macha Poynder, Truly Madly Deeply, 2013

Emma Godebska, också fransk, bygger uttryckligen vidare på Joan Mitchell och arbetar utifrån omedvetna spontana gester. Här finns en tilltalande cirkularitet som är värd att uttala högt. Mitchell var amerikanska, flyttade till Frankrike och målade inom synhåll från Monets trädgård. Godebska är en fransk målare som åberopar Mitchell. Trafiken har nu gått runt slingan två gånger.

Emma Godebska, Contrast 01, 2022

Jean-Daniel Salvat går ännu längre. Han är en fransk målare som är verksam i dag och beskriver sina intressen som New York-skolans, vägledda av Clement Greenberg. Låt oss minnas att Greenberg är kritikern som 1955 döpte om hela företeelsen till American-Type Painting. Sjuttio år senare har en målare i Frankrike lugnt plockat upp termen och fortsatt arbeta. N°1148 kommer från hans senaste produktion.

Jean-Daniel Salvat, N°1148, 2022

Danny Giesbers är nederländsk och nämner Jackson Pollock, Gerhard Richter och Willem de Kooning tillsammans, vilket är en linje som ingen amerikansk kritiker på 1950-talet skulle ha känt igen, men som nu är helt självklar i Europa. Hans ytor i flera hartslager håller gesten svävande snarare än uttorkad på duken. Sexual Healing är typisk.

Danny Giesbers, Sexual Healing, 2021

Parislinjen, aldrig avbruten

Och här är den halva av berättelsen som myten raderade, fortfarande pågående.

Daniela Schweinsberg är denna artikels tes sammanpressad till en enda biografi. Hon beskriver sitt arbete som en förlängning av arvet från tachism, lyrisk abstraktion och abstrakt expressionism, i den ordningen, och nämner Cy Twombly, Joan Mitchell och Georges Mathieu i samma andetag. Mathieu och Mitchell. Den parisiske organisatören av Véhémences confrontées och amerikanskan som flyttade till Frankrike. Hennes målning Pink Noise har undertiteln Abstrakt expressionism, vilket besparar oss besväret att diskutera saken.

Paul Landauer placerar sig samtidigt i traditionen av Informell konst och abstrakt expressionism, och hans metod är märkligare än någon av dem. Han räknar. Märkena, beröringarna och de grafiska spåren hopar sig genom upprepning snarare än genom en enda explosiv handling, vilket är Tapiés informel-besatthet av materia som når en slutsats som Rosenbergs arena aldrig nådde. Untitled (No 5) visar det.

Paul Landauer, Untitled (No 5), 2020

Robert Niesse bryr sig inte ens om en metafor. Han titulerar målningarna Abstrakt informal, med årtal och serienummer, och låter sjuttio år av fransk kritik vila i etiketten. Abstrakt informal 2024-2122-1 är från förra året. Begreppet som Tapié myntade 1952 är fortfarande, 2024, en träffande beskrivning av en målning som skapas i Tyskland.

Robert Niesse, Abstrakt informal 2024-2122-1, 2024

Alain Clément, född 1941, är den äldsta gestalten bland de tolv och den som står närmast källan. Han utgår från gestisk frihet, fysiskhet, experimenterande och omedelbarhet och behandlar färg som ett lyriskt uttryck för gesten snarare än som något som appliceras på den. Hans titlar är nakna alfanumeriska koder, vilket i sig är ett argument: målningen är händelsen, och händelsen behöver inget namn. 20J1G-2020 ingår i den tätt skiktade juniserien.

Alain Clément, 20J1G-2020, 2020

Och trettiosju till

Tolv är ett urval, inte en folkräkning. Resten av uppställningen faller in i tre band, och banden i sig berättar något om hur fullständigt detta språk har spridits.

De som uttryckligen benämner arvet. Ytterligare nio konstnärer vars egna uttalanden nämner abstrakt expressionism, Informel eller action painting vid namn: Adrienn Krahl, Carolina Alotus, Nikolaos Schizas, Karl Bielik, Robert Baribeau, Petra Schott, Anthony Frost, Frederic Prat, Margaret Neill. Bielik är det användbara undantaget: en brittisk målare som förmedlar den abstrakta expressionismens energi med en nästan punkig sensibilitet, där intuitionen övertrumfar förutbestämda planer. New York-skolan skulle ha funnit ordet punk förbryllande och attityden helt igenkännlig.

Karl Bielik, Smack, 2025

De som arbetar med det gestiska penseldraget utan att svära trohet åt det. Arton konstnärer för vilka den laddade penseln, droppet, det kalligrafiska spåret och hela kroppens rörelse helt enkelt är de tillgängliga medlen: Martin Reyna, Marcus Aitken, Gina Werfel, Anne Russinof, Jill Moser, Dana Gordon, Ludovic Dervillez, Emily Berger, Leon Phillips, Laura Newman, Tommaso Fattovich, Jaanika Peerna, Tracey Adams, Manuela Karin Knaut, Reiner Heidorn, Michael Barringer, Harald Kröner, André Debono. Werfels målning heter Gesture, vilket antingen är mycket direkt eller mycket roligt, och fungerar oavsett vilket.

Gina Werfel - Gesture - 2010

De som sätter spontaneity against geometric structure. Twelve artists whose work is built on the friction between the controlled edge and the spontaneous mark, which is the argument between Mondrian and Pollock carried on inside a single canvas: Joanne Freeman, Susan Cantrick, Peter Soriano, Kim Uchiyama, Martina Nehrling, Antony Densham, Marcy Rosenblat, Xanda McCagg, Matthew Langley, Philippe Halaburda, Luuk de Haan, Fieroza Doorsen.

Fyrtionio konstnärer, födda mellan 1941 och 1990, verksamma i femton länder. Vad som än tog slut 1959 var det inte detta.

Slutsats: Bättre än myten

Vi försöker inte riva ner Pollock. Autumn Rhythm är en fantastisk målning och inget i den historiska dokumentationen gör den mindre fantastisk. Kritiken riktar sig inte mot verket, utan mot paketeringen.

Det förpackningen kostade oss var att förlora sakens form. Abstrakt expressionism var inte en erövring som lanserades från Manhattan. Det var det amerikanska kapitlet i en transatlantisk kris, där målare i New York, Paris, Milano, Montreal och Tokyo nådde fram till gesten och färgfläcken ungefär samtidigt, såg noggrant på varandras verk när de fick chansen och sedan sorterades av kritiker och kalla krigets institutioner i vinnare och fotnoter.

Den goda nyheten är att argument, till skillnad från erövringar, kan tas upp på nytt. Det är vad vi på IdeelArt menar att det faktiskt innebär att samla på samtida abstrakt expressionism i dag: inte att köpa en souvenir från en avslutad heroisk epok, utan att delta i ett samtal som 1959 avbröt men aldrig avslutade.

[YOUR PHOTO — OPTIONAL]
Konstnärer: Ett verk av IdeelArt eller någon aktuell gestuell utställning
Period: 2015–2025
Obs: Något stillsamt att avsluta med. Ett enda verk, full bredd, endast konstnär / titel / år.

Vanliga frågor