Färg, Fokus och Fält i Kenneth Noland Målningar

En tillfällig åskådare kan förväxla Kenneth Noland med en målare av mönster. Faktum är att de mest minnesvärda Kenneth Noland-målningarna uttrycker ett begränsat urval av former och mönster: cirklar, vinklar, romber, ränder och rutmönster. Men tvärtemot detta synsätt var Noland inte alls intresserad av saker som form och mönster. Anledningen till att han återvände till samma bildspråk gång på gång var att han trodde att upprepning skulle få betraktarna att bortse från formerna och mönstren och istället fokusera på hans verkliga intresseområde: färgens och fältets oändliga potential.

En resa mot stil

Förutom att vara en utmärkt konstnär är Kenneth Noland också ett utmärkt exempel på värdet av G.I. Bill; ett amerikanskt statligt program som tillåter avskedade soldater att studera vid universitet utan studieavgift. År 1942 gick Noland med i USA:s flygvapen vid 18 års ålder. Efter att ha återvänt hem till North Carolina i slutet av andra världskriget använde han sina G.I. Bill-rättigheter för att börja på sin lokala konstskola. Den skolan råkade vara det berömda Black Mountain College, där många inflytelserika lärare från Bauhaus hade flyttat när deras akademi stängde på grund av nazistiskt inflytande.

Under sin tid på Black Mountain College studerade Noland under Ilya Bolotowsky, som hade varit lärjunge till Piet Mondrian, grundaren av neoplastiken. I neoplastikernas tradition förespråkade Bolotowsky enkla geometriska mönster och rena färger. Noland studerade också under Josef Albers, en ledande modernistisk teoretiker och målare, samt en passionerad färgstudiestuderande. Noland tog till sig sina lärares vägledning och byggde vidare på deras idéer, och utvecklade ett livslångt intresse för de uttrycksfulla möjligheterna i enkla kompositioner av livfull färg.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Akryl på duk. 60 x 60 tum. Samling av Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Post-målerisk abstraktion

Tillsammans med Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko och Jules Olitski blev Kenneth Noland snart förknippad med färgfältströrelsen, en av de konstnärliga tendenserna inom det som kallas post-målerisk abstraktion. Termen myntades 1964 av Clement Greenberg för en utställning han kuraterade på Los Angeles County Museum of Art. Post-målerisk abstraktion syftar på en riktning inom måleriet bort från måleriska, tjocka färgskikt och mot släta ytor och frånvaro av synliga penseldrag.

Även om termen färgfältmålning lider av en något oklar definition, var Kenneth Noland den typiske företrädaren för post-målerisk abstraktion. Hans målningar avvisade den personliga dramatiken i abstrakt expressionism. De förenklade måleriets medel, avvisade collage, sammansättningar, funna föremål och andra komplexiteter, och förlitade sig istället på de enklaste ingredienserna: färg och duk. Hans färger var livfulla och rena, hans kompositioner direkta och enkla, och hans bilder blev ett med sina underlag.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Akryl på duk. 75 x 141 tum. © Kenneth Noland

Att förena färg med fält

Noland skapade sina första så kallade färgfältmålningar omkring 1956. De bestod av koncentriska ringar av färgade cirklar. Det är frestande att spekulera i att dessa målningar på något sätt relaterade till hans erfarenheter från kriget, eftersom de liknade måltavlor. Men i olika intervjuer har Noland sagt att han valde cirkelmotivet eftersom det var en icke-bild som kunde låta ögat dras in i en färgupplevelse. Men färg var inte det enda hans målningar handlade om. De handlade också om att konfrontera skiljelinjen mellan en målning och dess yta.

Under större delen av konsthistorien har målningar setts som bilder målade ovanpå förberedda ytor. Fältet där målningen finns, alltså duken, var försträckt, förberedd och grundad. Det väntade på målningen, stödde den och var skilt från bilden. I målares tankar som Nolands var denna skiljelinje en nackdel. Istället för att njuta av fri, obehindrad uttrycksfrihet var konstnären begränsad eller styrd av ett förutbestämt underlag trots att den kommande bilden ännu kunde vara ouppfunnen. Noland ville förena bilden med underlaget och kombinera färg med fält i ett enhetligt estetiskt uttryck.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Akryl på duk. 103,7 x 142,5 tum. © Kenneth Noland

Det enade uttrycksfulla objektet

Noland fick sin uppenbarelse 1953, i form av ett ateljébesök hos målaren Helen Frankenthaler. I sin ateljé i New York hade Frankenthaler banat väg för det hon kallade soak-stain-tekniken. Istället för att grunda en försträckt duk som förberedelse för en målad bild bredde hon ut råa dukstycken på golvet och hällde sedan färg direkt på den ogrundade ytan. Färgen förenades med ytan och spred sig organiskt över tyget. Färgen och underlaget blev en enhet.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Akrylharpiks på duk. 98 x 208 tum. © Kenneth Noland

Noland antog omedelbart Frankenthalers soak-stain-teknik. Den gav honom möjlighet att skapa ett enat objekt där färgen var inbäddad. Den gjorde det också möjligt för honom att eliminera synliga penseldrag, som sågs som konstnärens personliga prägel. Tillsammans gjorde dessa två framsteg att han kunde börja skapa målningar som inte fokuserade på att avbilda något specifikt, utan handlade om de grundläggande element som upptog honom, såsom färg, yta, struktur, symmetri och skala.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Akryl på duk. © Kenneth Noland

Beskärning

Det är väl dokumenterat att Noland, liksom hans samtida Morris Louis, antog soak-stain-tekniken från Helen Frankenthaler. Men det finns en annan teknik som Kenneth Noland antog senare i sin karriär som också kan ha inspirerats av Frankenthaler. Det är metoden att beskära. Inom fotografi betyder att beskära en bild att man väljer ut endast den del av exponeringen man vill framkalla, och visar bara det man vill. Många foton av Frankenthaler i hennes ateljé visar henne arbeta på enorma, icke uppspända dukar. Hon beskärde och ramar in sina dukar efter att ha målat dem, vilket gav henne möjlighet att utveckla bilden med så få begränsningar som möjligt och sedan välja det område hon ansåg gav det mest uttrycksfulla objektet. Detta var en metod som Kenneth Noland använde flitigt, särskilt när han började göra formade dukar. Han arbetade på en enorm duk på golvet och skapade färgkompositioner utan rumsliga begränsningar. Detta tillät honom att fritt utforska färgförhållanden utan att oroa sig för slutresultatet. När skapande- och upptäcktsprocessen var klar kunde han sedan ”stansa ut” den slutgiltiga bilden, välja det område han ville rama in från oändliga möjliga alternativ i vad som i grunden var en redigeringsprocess. Noland beskrev skönheten i denna process i en intervju 1977 med Diane Waldman för Art in America, där han sade: ”En färg kunde vara på en bilds kant eller inne i bildens rum: frågan om topp, botten, vänster, höger blev helt flexibel liksom frågan om parallell, vertikal eller horisontell.”

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Akryl på duk. © Kenneth Noland

Enkelhetens djup

Kenneth Noland vände sig då och då till skulptörer i ett försök att utforska färgens abstrakta natur. Skulptören David Smith inspirerade honom särskilt, och Noland samarbetade till och med ibland med skulptören Tony Caro, och målade hans skulpturer efter att de byggts. Han gjorde detta rent av nyfikenhet och i experimentets anda. Han kunde inte exakt uttrycka vad han hoppades finna eller vad sådana experiment skulle betyda. Han sade: ”Vi tenderar att bortse från mycket av den mening som finns i livet som är icke-verbal. Färg kan förmedla ett helt spektrum av stämningar och uttryck, av ens livserfarenheter, utan att behöva ge det beskrivande eller litterära egenskaper.”

Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland

Personer med förkärlek för det utsmyckade kan lätt avfärda en karriär som helt bygger på enkelhet och nyfikenhet. Kenneth Nolands målningar verkar verkligen inte innehålla något drama alls. Och ändå är de uttrycksfulla. De är som ett barns klagan, en klockas klang eller en sirens skrik. Vi känner igen dem genast för vad de är. Vi vet att de ber oss reagera, även om vi kanske inte förstår deras exakta syfte eller exakt vad vår reaktion ska vara. Men kanske, likt klockor, rop och sirener, är en reaktion från alla inte nödvändig.

Utvald bild: Kenneth Noland - April (detalj), 1960. Akryl på duk. 16 x 16 tum. © Kenneth Noland
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio