Färg, Fokus och Fält i Kenneth Noland Målningar

En vanlig observatör kan förväxla Kenneth Noland som en målare av mönster. Faktum är att de mest minnesvärda Kenneth Noland-målningarna uttrycker ett begränsat spektrum av former och mönster: cirklar, chevrons, diamanter, ränder och rutigt. Men i motsats till det perspektivet var Noland överhuvudtaget inte intresserad av saker som form och design. Anledningen till att han återvände till samma bildspråk gång på gång var att han trodde att upprepning skulle bjuda in betraktare att ignorera formerna och mönstren, och istället fokusera på hans verkliga intresseområde: den oändliga potentialen av färg och yta.

En resa till stil

Förutom att vara en utmärkt konstnär är Kenneth Noland också ett utmärkt exempel på värdet av G.I. Bill; ett amerikanskt regeringsprogram som gör det möjligt för avskedade soldater att gå på universitet utan att betala undervisningsavgift. År 1942 gick Noland med i den amerikanska flygvapnet vid 18 års ålder. Efter att ha återvänt hem till North Carolina i slutet av andra världskriget använde han sina G.I. Bill-förmåner för att anmäla sig till sin lokala konstskola. Den skolan råkade vara den berömda Black Mountain College, där många inflytelserika lärare från Bauhaus hade flyttat när deras akademi stängdes ner som svar på nazistisk inblandning.

Under sin tid på Black Mountain College studerade Noland under Ilya Bolotowsky, som hade varit en protegé till Piet Mondrian, grundaren av Neo-Plasticism. I traditionen av Neo-Plasticisterna förespråkade Bolotowsky enkla geometriska mönster och rena färger. Noland studerade också under Josef Albers, en ledande modernistisk teoretiker och målare, samt en passionerad student av färdrelateringar. Noland tog till sig mentorskapet från sina lärare och byggde vidare på deras idéer, vilket ledde till ett livslångt intresse för de uttrycksfulla möjligheterna hos enkla kompositioner gjorda av livfulla färger.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Akryl på duk. 60 x 60 tum. Samling av Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Post-målerisk abstraktion

Tillsammans med Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko och Jules Olitski, blev Kenneth Noland snart associerad med Color Field-rörelsen, en av de konstnärliga tendenserna kopplade till det som kallas Post-Painterly Abstraction. Termen Post-Painterly Abstraction myntades 1964 av Clement Greenberg för en utställning han kuraterade på Los Angeles County Museum of Art, och hänvisar till en trend inom måleri bortom måleriska, impasto verk, och mot platta ytor och en brist på synliga penseldrag.

Även om termen Color Field Painting lider av en något otydlig definition, var Kenneth Noland den typiska representanten för Post-Painterly Abstraction. Hans målningar avvisade den personliga dramatiken i Abstract Expressionism. De förenklade måleriets medel, avvisade collage, assemblage, funna objekt och andra komplexiteter, och förlitade sig istället på de enklaste ingredienserna: färg och duk. Hans färger var livfulla och rena, hans kompositioner var direkta och enkla, och hans bilder blev ett med sina stöd.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Akryl på duk. 75 x 141 tum. © Kenneth Noland

Sammanfoga färg med fält

Noland skapade sina första så kallade Color Field-målningar omkring 1956. De bestod av koncentriska ringar av färgade cirklar. Det är frestande att spekulera i att dessa målningar på något sätt relaterade till hans erfarenhet i kriget, eftersom de liknade mål. Men i olika intervjuer har Noland sagt att han valde cirkelmotivet eftersom det var en icke-bild som kunde låta ögat dras in i en upplevelse av färg. Men färg var inte det enda som hans målningar handlade om. De handlade också om att konfrontera separationen mellan en målning och dess yta.

Under större delen av konsthistorien har målningar setts som bilder målade på förberedda ytor. Fältet där målningen existerar, dvs. duken, var förbehandlad, förspänd och grundad. Det väntade på målningen, stödde den och var skilt från bilden. I sinnet hos målare som Noland var den separationen en nackdel. Istället för att njuta av fri, oinskränkt uttryck var konstnären begränsad eller styrd av ett förutbestämt stöd trots att den resulterande bilden kanske ännu var oinbillad. Noland ville förena bilden med stödet och kombinera färg med fältet i ett enhetligt estetiskt uttalande.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Akryl på duk. 103,7 x 142,5 tum. © Kenneth Noland

Det Enade Uttryckande Objektet

Noland fick sin uppenbarelse 1953, i form av ett studiebesök hos målaren Helen Frankenthaler. I hennes New York-studio hade Frankenthaler banat väg för vad hon kallade soak-stain-tekniken. Istället för att grunda en förbehandlad duk i förberedelse för en målad bild, bredde hon ut råa dukar på golvet och hällde sedan färg direkt på den ogrundade ytan. Färgen smälte samman med ytan och spred sig på organiska sätt över ytan när den förenades med tyget. Färgen och stödet blev en enhet.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Akrylharts på duk. 98 x 208 tum. © Kenneth Noland

Noland antog omedelbart Frankenthalers soak-stain-teknik. Den gav honom möjlighet att skapa ett enhetligt objekt, där färgen var inbäddad. Den gjorde det också möjligt för honom att eliminera utseendet av penseldrag, som sågs som ett tecken på konstnärens personlighet. Tillsammans gjorde dessa två framsteg att han kunde börja skapa målningar som inte fokuserade på att avbilda något specifikt, utan handlade om de grundläggande element som upptog honom, såsom färg, yta, textur, symmetri och skala.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Akryl på duk. © Kenneth Noland

Beskärning

Det har väl dokumenterats att Noland, liksom hans samtida Morris Louis, antog soak-stain-tekniken från Helen Frankenthaler. Men det finns en annan teknik som Kenneth Noland antog senare i sin karriär som också kan ha inspirerats av Frankenthaler. Det är praktiken att beskära. Inom fotografi innebär att beskära en bild att välja endast den del av en exponering som du vill trycka, och avslöja endast det du gillar. Många foton av Frankenthaler i hennes studio visar henne arbeta med massiva, obesträckta dukar. Hon beskärde och ramar in sina dukar efter att ha målat dem, vilket gjorde att hon kunde utveckla bilden med så få begränsningar som möjligt och sedan välja det område som hon kände resulterade i det mest uttrycksfulla objektet. Detta var en praktik som Kenneth Noland använde i stor utsträckning, särskilt när han började göra formade dukar. Han arbetade på en massiv duk på golvet och skapade färgkompositioner utan rumsliga begränsningar. Detta gjorde att han kunde utforska färgrelationer fritt utan att oroa sig för det slutliga resultatet. När skapelse- och upptäcktsprocessen var klar, kunde han sedan "stämpla ut" den slutliga bilden, välja det område som han ville rama in från oändliga möjliga alternativ i vad som i grunden var en redigeringsprocess. Noland hänvisade till skönheten i denna process i en intervju från 1977 med Diane Waldman för Art in America, där han sa: “En färg kunde vara på kanten av en bild eller inne i utrymmet av en bild: frågan om topp, botten, vänster, höger blev helt flexibel liksom frågan om parallell eller vertikal eller horisontell.”

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Akryl på duk. © Kenneth Noland

Simplicityns Djup

Kenneth Noland tittade periodiskt på skulptörer i ett försök att utforska den abstrakta naturen av färg. Skulptören David Smith inspirerade honom särskilt, och Noland samarbetade till och med ibland med skulptören Tony Caro, genom att måla hans skulpturer efter att de hade byggts. Han gjorde detta enbart av nyfikenhet och i experimentets anda. Han kunde inte exakt uttrycka vad han hoppades hitta, eller vad sådana experiment var avsedda att betyda. Han sa, “Vi tenderar att bortse från mycket av den mening som pågår i livet som är icke-verbal. Färg kan förmedla ett helt spektrum av stämning och uttryck, av ens livserfarenheter, utan att behöva ge det beskrivande eller litterära egenskaper.”

Kenneth Noland - Kadmiumstrålning. © Kenneth Noland

Människor med en förkärlek för det elaborerade kan lätt avfärda en karriär som helt bygger på enkelhet och nyfikenhet. Kenneth Noland-målningar verkar verkligen inte innehålla någon dramatik alls. Ändå är de uttrycksfulla. De är som ett barns klagan, klangen av en klocka, eller skriket från en siren. Vi känner igen dem omedelbart för vad de är. Vi vet att de ber oss att reagera, även om vi kanske inte förstår deras exakta syfte eller precis vad vår reaktion ska vara. Men kanske, precis som med klockor, rop och sirener, är en reaktion från alla inte nödvändig.

Utvald bild: Kenneth Noland - April (detalj), 1960. Akryl på duk. 16 x 16 tum. © Kenneth Noland
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio