Alberto Burri och materialens transformation

Om vi säger att ett konstverk har mening innebär det att vi tror att mening finns. Men om mening finns, borde då inte livet självt vara det mest meningsfulla? Trots allt är det bara för att vi är vid liv som vi kan njuta av att fundera över meningen med andra saker. Alberto Burri blev konstnär under en tid av paradox kring mening. Han började måla som krigsfånge under andra världskriget. Han hade varit läkare före kriget och tjänstgjorde vid fronten i den italienska infanterin, och hade därmed själv bevittnat den slutsats som civilisationen uppenbarligen dragit om den till synes meningslösa människans liv. Samtidigt kastade sig konstnärer i Europa och Amerika huvudstupa in i uttrycksformer som helt handlade om personlig mening: omedveten mening, psykologisk mening, dold mening och universell mening. På något sätt höll samhället två motsatta tankar: att en levande varelse kan ha så liten mening att den kan slösas bort i krig, och att ett livlöst föremål kan ha så stor mening att det blir ovärderligt. Burris verk behandlar åtminstone delvis hans känslor kring vad som bör och faktiskt har mening. Genom att betrakta dem noga kan vi kanske nå fram till något av det som denna unika konstnär upptäckte; sanningar som kan öka vår förståelse av abstrakt konst och oss själva.

Alberto Burris rötter

På ett sätt, utan krig kanske Alberto Burri inte hade blivit konstnär. Han hade istället blivit distriktsläkare. Burri föddes i en liten ort i Umbrien, Italien, 1915, till en far som sålde vin och en mor som var lärare. Landsbygden där han växte upp är idyllisk. Dess landskap kom så småningom att bli motiv för många av Burris första målningar, de han lärde sig att måla som amerikansk krigsfånge i Texas. 1940 tog Burri examen med en läkarexamen. Han hade just börjat arbeta som läkare när Italien senare samma år gick in i andra världskriget. Burri blev inkallad till infanteriet. I nästan tre år kämpade han som frontsoldat i Nordafrika, samtidigt som han tjänstgjorde som läkare i fält.

När Burris enhet blev tillfångatagen skickades han till ett krigsfångläger i Hereford, Texas. Där fick Burri inte utöva medicin. Så som många andra krigsfångar började han måla för att fördriva tiden. Utan riktiga dukar målade han på säckväv. Han målade idylliska landskap från det han såg i Texas och från det han tidigare sett i Umbrien. Efter kriget, när han återvände till Italien, övergav Burri medicinen för alltid och kastade sig helt in i konsten. Men han tog sin estetik i en helt annan riktning. Han reducerade sitt bildspråk och skapade bilder som var helt abstrakta. Han fortsatte använda säckväv, som fanns i överflöd i efterkrigstidens Italien, och använde även andra material, medier och verktyg som var billiga och lättillgängliga. Hans färgskala och bilder liknade det sönderslitna landskapet i hans hemland och texturen och utseendet av mycket som hade gått till spillo.

Alberto Burri - Bianco, olja, tygcollage, sand, lim och säckväv på duk, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Jakten på mening

Det faktum att Burris nyabstrakta stil innehöll färger, strukturer, material och former som påminde om förstörelse och slakt verkar som en inbjudan till betraktaren att anta att han gjorde verk om sina erfarenheter som läkare och soldat. Men Burri hävdade under hela sin karriär att det inte fanns någon sådan mening i hans val, och att det inte fanns någon mening alls i hans bilder. 1994 sade han med hänvisning till hela sitt verk, ”Form och rum! Slut. Det finns inget annat.”

Kanske ligger den djupare sanning som Burri upptäckte om mening och existens i det uttalandet. Den enda universella egenskap som delas av alla ting, inklusive människor, målningar, djur och bomber, är att allt bara är materia som tar olika former i rummet. Inom filosofin prioriterar materialrealismen den fysiska världen framför den medvetna världen. Ibland använder ateister begreppet för att förneka en andlig värld. Ibland använder forskare det för att skilja objektiva observationer från sina personliga reaktioner på samma observationer. Om vi ska tro på vad Alberto Burri själv säger om sitt verk (och varför skulle vi inte?), exemplifierar hans konst materialrealism. Den utforskar verkligheten i de formella, fysiska egenskaperna hos hans material, och inget mer.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, akrylfärg och jutesäck på duk, 1954 (vänster) / Sacco 5 P, tyg på duk, säckväv och handsydd, 1953 (höger). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Burris materiella verkligheter

När det gäller de formella egenskaperna i hans verk var Burri en oerhört kreativ nyskapare. Han banade väg för en rad tekniker för att skapa sina verk och använde ett lika mångsidigt urval av material för att framhäva effekten av dessa tekniker. Med inspiration från collage fick hans bilder ett lager-på-lager-utseende som suddade ut gränsen mellan målning, relief och skulptur. Hans tidigaste verk var blandningar av färg och lager av tyg, som han sydde ihop. Senare tillförde han tredimensionalitet genom att skära, slita och göra hål i ytorna. Han använde eld för att bränna trädelar i sina verk och använde förkolningsprocessen för att skapa former. Han använde värme för att smälta plast och tillförde på så sätt en märkligt organisk dimension och struktur till sina kompositioner.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

För att understryka den formalistiska karaktären i sin konst gav han sina verk poetiska namn utan att använda dem, utan titulerade dem helt enkelt efter deras fysiska natur, med italienska ord för deras färg, material eller teknik han använt. Hans verk gjorda med tjära kallade han Catrami, hans smälta plastverk var Plastichi, hans träverk kallade han Legni. Hans säckvävsverk kallade han Sacchi, det italienska ordet för säckar. Verken han gjorde med eld kallade han Cumbustiono, och hans ikoniska utbuktande verk, som han skapade genom att sätta in främmande utbuktningar bakom ytorna, kallade han Gobbi, det italienska ordet för puckelryggar.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Den stora sprickan

En av de mest ikoniska prestationerna i Burris karriär kom i form av en estetik han banade väg för och kallade Cretto, ett toskanskt slangord för spricka. För att uppnå Cretto överdrev han de processer som leder till det naturliga utseendet av fina, hårfina sprickor i olika målningsmedier när de åldras, en effekt som kallas craquelure. Effekten anses normalt vara skadlig för en målning. Till exempel har Kazimir Malevichs banbrytande målning Svarta kvadraten, som en gång var en solid svart form, åldrats så dåligt att den nu liknar en av Burris Cretto-målningar.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl på cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Genom att ta till sig en process som normalt förknippas med förfall och istället göra den till en skapande process uttrycker Burri återigen en grundläggande motsats om tingens mening. Han skapar genom förstörelse. Han finner skönhet i förfall. Den ultimata manifestationen av detta uttryck kom 1985 när Burri använde det för att skapa sitt mest monumentala verk, Il Grande Cretto. Ett av de största kända verken inom landkonst, Il Grande Cretto byggdes över platsen för en utplånad stad, staden Gibellina på Sicilien, som förstördes i en jordbävning 1968. Il Grande Cretto vilar över sina ruiner, en massiv samling av stenformer och sprickor som mäter ungefär 120 000 kvadratmeter.

Kazimir Malevich - Svarta kvadraten, 1915, 80 cm x 80 cm, © Statliga Tretyakov-galleriet, Moskva

Ett arv av nyskapande

Burri var inte den enda konstnären som inspirerades att vända sig till denna typ av estetik efter andra världskriget. På 1960-talet använde så många konstnärer övergivna, till synes värdelösa material i sina verk att begreppet Arte Povera, eller fattig konst, myntades för att beskriva deras stil. Och begreppet Art Informel myntades för att beskriva de vilda, uttrycksfulla dukar som målare skapade genom intuition och känslomässig handling. Även om Burris estetik har gjort att han förknippas med både Arte Povera och Art Informel, hade han en helt annan anledning att omfamna denna estetik än de andra som följde efter honom.

Arte Povera var en reaktion på något annat som hände inom konsten; det var en återgång till en proletär estetik. Art Informel var ett omfamnande av personlig uttrycksfrihet och kraften i att skapa verk som uttrycker något djupt och dolt inom verket. Det Burri gjorde var inte en reaktion mot något annat. Och ingen mening var dold i hans verk. Han sade, ”Orden betyder ingenting för mig; de talar runt bilden. Det jag måste uttrycka syns i bilden.” Detta unika, självsäkra förhållningssätt till en helt formell undersökning av material, form och rum lämnade ett exempel som sade något hoppfullt: Målningar är bara målningar. Det är konstnären som bestämmer deras mening, och därför är det konstnären – den levande, andande, skapande individen – som bör värderas.

Framträdande bild: Alberto Burri - Ferro, 1954, fotokrediter Guggenheim Museum
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio