Alberto Burri och materialens transformation

Om vi säger att ett konstverk har mening, implicerar det att vi tror att mening existerar. Men om mening existerar, borde inte livet självt vara den mest meningsfulla saken? Trots allt är det bara för att vi är vid liv som vi kan njuta av att fundera över meningen med andra saker. Alberto Burri blev en konstnär under en tid av paradox gällande mening. Han började måla som krigsfånge under andra världskriget. Han hade varit läkare före kriget och tjänstgjorde vid frontlinjen i den italienska infanteriet, och som sådan hade han bevittnat på nära håll den slutsats som civilisationen uppenbarligen hade kommit till gällande den uppenbara meningslösheten i människolivet. Ändå, samtidigt, kastade sig konstnärer i Europa och Amerika huvudstupa in i uttrycksformer som helt handlade om personlig mening: omedveten mening, psykologisk mening, dold mening och universell mening. På något sätt höll samhället två motsatta tankar: att en levande varelse kan ha så lite mening att den kan slösas bort i krig, och att ett livlöst objekt kan besitta sådan mening att det kan bli ovärderligt. Burris arbete, åtminstone delvis, tar upp hans känslor om vad som borde och faktiskt har mening. Genom att betrakta det noggrant kan vi kanske nå fram till en del av vad denna unika konstnär upptäckte; sanningar som kan öka vår förståelse av abstrakt konst och oss själva.

Alberto Burris Rötter

I en mening, utan krig kanske Alberto Burri inte skulle ha blivit en konstnär. Han skulle istället ha blivit en landsortsläkare. Burri föddes i en liten stad i Umbrien, Italien, 1915, av en far som sålde vin och en mor som undervisade i skolan. Landskapet i hans hemtrakt är idylliskt. Dess landskap skulle så småningom bli motiv för många av Burris första målningar, de som han lärde sig att måla som amerikansk krigsfånge i Texas. År 1940 tog Burri examen från universitetet med en medicinsk examen. Han hade just börjat praktisera som läkare när Italien senare samma år gick med i andra världskriget. Burri blev inkallad till infanteriet. I nästan tre år kämpade han som frontsoldat i Nordafrika, där han också tjänstgjorde som läkare i fält.

När Burris enhet blev fångad, skickades han till ett krigsfångläger i Hereford, Texas. Där fick Burri inte utöva medicin. Så som många andra krigsfångar började han måla för att fördriva tiden. Eftersom han saknade ordentliga dukar målade han på säckar av jute. Han målade idylliska landskap av vad han såg i Texas, och av vad han hade sett tidigare i livet, i Umbrien. Efter kriget, när han återpatrierades till Italien, övergav Burri medicinen för alltid och kastade sig helt in i sin konst. Men han tog sin estetik i en helt annan riktning. Han reducerade sitt visuella språk och skapade bilder som var helt abstrakta. Han fortsatte att använda jute, som var i överskott i efterkrigstidens Italien, och inkorporerade också andra material, medier och verktyg som var billiga och lättillgängliga. Hans palett och hans bilder liknade det sönderrivna landskapet i hans hemland och texturen och utseendet av så mycket som hade blivit slösat.

Alberto Burri - Bianco, oil, fabric collage, sand, glue and burlap on canvas, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Rushen till mening

Det faktum att Burris nyabstrakta stil inkorporerade färger, texturer, material och former som påminner om förstörelse och blodbad verkar som en inbjudan till åskådarna att anta att han skapade verk om sina erfarenheter som läkare och soldat. Men Burri hävdade under hela sin karriär att det inte fanns någon sådan mening att finna i sina val, och att det inte fanns någon mening alls i sina bilder. År 1994 sa han med hänvisning till hela sitt verk, "Form och Rum! Slutet. Det finns inget annat."

Kanske ligger den djupare sanningen som Burri upptäckte om mening och existens i det uttalandet. Den enda universalitet som delas av alla saker, inklusive människor, målningar, djur och bomber, är att allt bara är materia som tar olika former i rummet. Inom filosofin prioriterar Materialrealism den fysiska världen över den medvetna världen. Ibland använder ateister termen i referens till sin förnekelse av en andlig sfär. Ibland använder forskare den för att separera objektiva observationer från sina personliga reaktioner på dessa samma observationer. Om vi ska tro på vad Alberto Burri själv säger om sitt arbete (och varför skulle vi inte?), exemplifierar hans konstverk Materialrealism. Det utforskar verkligheten av de formella, fysiska egenskaperna hos hans material, och inget mer.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, acrylic paint and jute sack on canvas, 1954 (Left) / Sacco 5 P, fabric on canvas, burlap and hand stitching, 1953 (Right). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Burri’s Material Realities

När det gäller de formella egenskaperna i hans verk var Burri en vilt kreativ innovatör. Han banade väg för en rad tekniker för att skapa sitt arbete och inkorporerade en lika mångfaldig uppsättning material för att framhäva effekten av dessa tekniker. Genom att låna konceptet collage fick hans bilder ett lager-på-lager-utseende som suddade ut gränsen mellan målning, relief och skulptur. Hans tidigaste verk var blandningar av färg och lager av tyg, som han sydde och stygade ihop. Senare lade han till dimension genom att skära, slita och sticka hål i sina ytor. Han använde eld för att bränna träelement i sitt arbete, och använde förkolningsprocessen för att skapa sina former. Han använde värme för att smälta plast, vilket gav en märkligt organisk dimension och textur till sina kompositioner.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

I ett försök att återbetona den formaliska naturen av hans konstverk, istället för att ge sina verk poetiska namn, titulerade han dem helt enkelt utifrån deras fysiska natur, med de italienska orden för deras färg, material eller den teknik han använde för att skapa dem. Hans verk gjorda med tjära kallade han Catrami, hans smälta plastverk var Plastichi, hans verk i trä kallades Legni. Han kallade sina verk i jute Sacchi, det italienska ordet för påsar. De verk han gjorde med eld kallades Cumbustiono, och hans ikoniska utbuktande verk, som han skapade genom att sätta in främmande utbuktningar bakom ytorna; han namngav Gobbi, det italienska ordet för pucklar.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Den stora sprickan

En av de mest ikoniska prestationerna i Burris karriär kom i form av en estetik som han pionjärade och kallade Cretto, ett toskanskt slangord för spricka. För att uppnå Cretto överdrev han de processer som ledde till det naturliga utseendet av fina, hårfina sprickor i olika målningsmedier när de åldrades över tid, en effekt som kallas craquelure. Effekten anses normalt vara en skadlig sak för en målning. Till exempel, Kazimir Malevich’s banbrytande målning Svart kvadrat, som en gång var en solid svart form, har nu åldrats så dåligt att den liknar en av Burris Cretto målningar.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl on cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Genom att appropriera en process som normalt tillskrivs förfall, och istället omvandla den till en skapelseprocess, uttrycker Burri återigen en väsentlig dikotomi om betydelsen av saker. Han skapar genom handlingen av förstörelse. Han finner skönhet i förfall. Den ultimata manifestationen av detta uttryck kom 1985 när Burri använde det för att skapa sitt mest monumentala verk, Il Grande Cretto. Ett av de största kända verken av landkonst, Il Grande Cretto byggdes över den tidigare platsen för en utplånad stad, staden Gibellina på Sicilien, som förstördes i en jordbävning 1968. Il Grande Cretto ligger ovanför dess ruiner, en massiv samling av stenformer och sprickor som mäter cirka 120 000 kvadratmeter.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moscow

Ett arv av innovation

Burri var inte den enda konstnären som inspirerades att vända sig till denna typ av estetik efter andra världskriget. På 1960-talet använde så många konstnärer övergivna, till synes värdelösa material i sitt arbete att termen Arte Povera, eller fattig konst, myntades för att hänvisa till deras stil. Och termen Art Informel myntades för att hänvisa till de vilda, uttrycksfulla dukar som målare skapade genom intuition och känslomässig handling. Även om Burris estetik har gjort att han associeras med både Arte Povera och Art Informel, har han haft en mycket annan anledning att omfamna denna estetik än de andra som kom i hans spår.

Arte Povera var en reaktion på något annat som hände inom konsten; det var en återgång till en proletär estetik. Arte Informel var en omfamning av personlig uttryck och kraften i att skapa verk som uttryckte något djupt och dolt inom verket. Vad Burri gjorde var inte en reaktion mot något annat. Och ingen mening var gömd i hans verk. Han sa, "Orden betyder ingenting för mig; de pratar runt bilden. Det jag har att uttrycka framträder i bilden." Denna unika, självsäkra inställning till en helt formell granskning av material, form och rum lämnade ett exempel som uttalade något hoppfullt: Målningar är bara målningar. Det är konstnären som bestämmer deras mening, och därför är konstnären – den levande, andande, kreativa individen – den som bör värderas.

Utvald bild: Alberto Burri - Ferro, 1954, foto kredit Guggenheim Museum
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio