Det Fulla och Det Tomma i Henry Moores Skulpturer

En människokropp är mer än en enda massa; det är en ansamling av mindre massor. Och varje kropp är också en del av en större massa: den av mänskligheten. Och mänskligheten är en del av en ännu större massa: den av världen. Skulptören Henry Moore uttryckte det bäst när han sa, “Hela naturen är en oändlig demonstration av form och gestalt.” Moore ägnade sin karriär åt en utforskning av form och gestalt. Trots hur akademiskt det låter, är Henry Moore-skulpturer inte bara intellektuella objekt. De är inte heller enbart skönhetsobjekt. De transcenderar både intellektualism och estetik för att koppla betraktarna till något djupare. Som figurativ konstnär först och sedan som abstraktionist skapade Moore verk baserat på relationen mellan människokroppen och den större naturliga världen. Hans skulpturer uttrycker idéerna att mänskligheten är en del av naturen och att vi genom våra sinnen kan bli kopplade till något tidlöst och universellt.

Henry Moore Skulpturer - Material Sanningar

När en skulptör pratar om materiell sanning, är det en referens till hur väl ett objekt representerar egenskaperna hos den resurs som det är gjort av. Valnöt har en annan materiell sanning än marmor, som har en annan materiell sanning än alabaster, och så vidare. Henry Moore var en troende på den materiella sanningen. Han avvisade idén att skulptörer skulle göra sina verk från formar eller gjutningar. Han förespråkade direkt snideri, eftersom det lämnade kvar märken som avslöjade objektets fysiska natur. Direkt snideri var inte allmänt accepterat under Moores tid, även om några andra inflytelserika skulptörer också omfamnade idén. Men för Moore var det inte bara en teori; det var hans natur.

Henry Moore - Liggande figur relief vid Underjordiska byggnaden vid St James’s, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore var ett av nio barn som föddes i en arbetarklassfamilj i Castleford, en kolgruvstad i Yorkshire, England. Hans föräldrar kämpade och offrade sig för att skicka sina barn till skolan så att de inte skulle behöva arbeta med sina händer. Vid 11 års ålder, efter att ha stött på Michelangelos verk, besvikte Henry dem genom att bestämma sig för att han skulle bli skulptör. Eftersom han inte hade råd att gå direkt till universitetet, kämpade Henry i en Civil Service Rifles-regementet under första världskriget och skadades i en gasattack. När han hade råd med konstskola efter kriget, var han grundligt formad av sina egna materiella sanningar: han var född för hårt arbete och att göra saker för hand. Direkt karvning framhävde inte bara karaktären hos hans material, det framhävde också hans egen karaktär.

Henry Moore - UNESCO:s liggande figur, 1958. © Henry Moore-stiftelsen.

"Chac-mools och Cézannes äktenskap"

I slutet av 20-årsåldern, i Paris, stötte Moore på ett estetiskt objekt som förändrade honom på ett djupt och meningsfullt sätt. Det var en Chac-mool, en prekolumbiansk aztekisk skulptur av en liggande mänsklig figur. Skulpturens hållning väcker tankar om mänskliga figurer skapade av klassiska skulptörer som Michelangelo, men den uppstod oberoende av sådana influenser, och en värld bort. Figurens uppträdande och mänsklighet inspirerade Moore, och han omfamnade formen som något universellt som han kunde arbeta med.

Henry Moore - Fyra-delad komposition: Liggande figur. © The Henry Moore Foundation.

Moore gifte sig med Chac-mools essens med figuration inspirerad av en av hans mest älskade målningar, Cézannes The Bathers. Resultatet blev en ikonisk, modernistisk skulptural form som han kallade en "liggande figur." Han utforskade liggande figurer under hela sin karriär och återvände till det gång på gång som grund för upptäckter om volym och rum. Idag kan Moores liggande figurer hittas över hela världen, i skulpturparker, naturutrymmen och museer på sex kontinenter. Hans första offentliga uppdrag var en liggande figur som var uthuggen i relief på Underground Building vid St James’s i London. Hans mest kända pryder UNESCO:s huvudkontor i Paris.

Cézanne - Badarna, 1898-1905, Olja på duk, 210,5 cm × 250,8 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, USA

Reduktion av form

Majoriteten av Moores liggande figurer var abstrakta. Han reducerade ständigt formen av den mänskliga figuren till dess väsentliga element och abstraherade dem för att likna former som finns i naturen. Hans biomorfa, abstrakta liggande figurer verkade analogiska med det naturliga landskapet, vilket inspirerade många att hitta humanistiska budskap i dem. Även om han föredrog att prata så lite som möjligt om sin konstverks betydelse, passar denna tolkning väl in i Moores filosofi om konstens, mänsklighetens och naturens sammanlänkning.

Henry Moore - Liggande figur. © The Henry Moore Foundation.

Förutom att abstrahera den liggande figuren, dissekerade Moore också den. Han genomborrade hål i figurerna och kommenterade: “Det första hålet som görs genom ett stycke sten är en uppenbarelse.” Han utmanade också uppfattningarna om volym och rum genom att dra figurerna isär i samlingar av löst sammanlänkade former som, separat, var abstraherade, men när de placerades tillsammans antydde en mänsklig form.

Henry Moore - Mor och Barn, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Skydda den inre formen

Vid höjden av Moores produktivitet bröt andra världskriget ut och han blev inkallad som krigskonstnär. Han skapade en serie teckningar som dokumenterade medborgare som samlades i massor i underjorden under bombanfall. Teckningarna fångar rädslan när mänskliga former innesluter sig själva i ett skydd, och sedan innesluter varandra i högar av hopkrupna kroppar. Efter kriget manifesterades denna idé, av en form som skyddas inom en annan, överallt i hans skulpturer. Han producerade flera verk med titeln Mor och Barn, vissa som framkallar ett barn inom moderns form, och andra som visar två former separata, men som kryper ihop tillsammans.

Henry Moore - Helmet Head No.5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Han utforskade också denna idé med en serie som heter Helmet Head, där han skapade hjälmformer som ibland bara innehöll tomt utrymme, och andra gånger innehöll sekundära former skyddade inom dem. Dessa skyddande skulpturer använder massa och det omgivande rummet som sitt ämne. I formell mening undersöker de fullheten och tomheten i rummet. I en humanistisk mening visar de vår mest grundläggande verklighet: behovet av säkerhet.

Henry Moore - Tre former vertebrae, 1978-79, utanför City Hall, Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Övningar i form

År 1947 skrev en samtida till Moore, den franske författaren Raymond Queneau, en bok som heter "Övningar i stil," där han berättade samma korta anekdot i 99 olika litterära stilar. Man skulle kunna säga att Henry Moore tog en liknande ansats i sin karriär. Han utforskade några ämnen på en mängd olika sätt, med fokus på ett litet antal frågor, såsom form, form och hur de interagerar med rummet. Men om det vore allt han gjorde, skulle han inte ha gjort ett så legendariskt avtryck på 1900-talets abstrakta konst.

Moores stora idé var alltid mänskligheten; en punkt som är mest uppenbar när man överväger hans offentliga skulpturer, som idag finns i 38 länder. Moore avsåg att de skulle beröras, klättras på, utforskas och bebos. De finns för alla våra sinnen. Moore sa en gång: “Vår kunskap om form och gestalt förblir, i allmänhet, en blandning av visuella och taktila upplevelser... Ett barn lär sig om rundhet genom att hantera en boll mycket mer än genom att titta på den.” Från Moores arbete lär vi oss om rundhet, och om materialitet, form, rum och många andra formella, taktila saker. Men vi lär oss också något viktigare: något om vår sammanlänkning med landskapet, med varandra, med naturen och med oss själva.

Utvald bild: Chac-mool, en skulptural figur som finns i hela förhistoriska Mexiko
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio