Det Fulla och Det Tomma i Henry Moores Skulpturer

En människokropp är mer än en enda massa; den är en samling av mindre massor. Och varje kropp är också en del av en större massa: mänskligheten. Och mänskligheten är en del av ännu en större massa: världens. Skulptören Henry Moore uttryckte det bäst när han sade, “Hela naturen är en oändlig uppvisning av form och gestalt.” Moore ägnade sin karriär åt att utforska form och gestalt. Trots att det låter akademiskt är Henry Moores skulpturer inte bara intellektuella föremål. De är inte heller enbart skönhetsföremål. De överskrider både intellektualism och estetik för att förena betraktaren med något djupare. Som figurativ konstnär först och sedan som abstraktionist skapade Moore verk baserade på relationen mellan människokroppen och den större naturliga världen. Hans skulpturer uttrycker tanken att mänskligheten är en del av naturen och att vi genom våra sinnen kan bli förenade med något tidlöst och universellt.

Henry Moores skulpturer – Materialets sanning

När en skulptör talar om materialets sanning syftar det på hur väl ett föremål representerar egenskaperna hos det material det är gjort av. Valnöt har en annan materialets sanning än marmor, som i sin tur har en annan än alabaster, och så vidare. Henry Moore trodde på materialets sannings kraft. Han avvisade idén att skulptörer skulle göra sina verk från formar eller gjutningar. Han förespråkade direkt karvning, eftersom det lämnade spår som avslöjade föremålets fysiska natur. Direkt karvning var inte allmänt accepterat under Moores tid, även om några andra inflytelserika skulptörer också omfamnade idén. Men för Moore var det inte bara en teori; det var hans natur.

Henry Moore – Liggande figur-relief på Underground Building vid St James’s, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore var ett av nio barn födda i en arbetarklassfamilj i Castleford, en kolgruveort i Yorkshire, England. Hans föräldrar kämpade och offrade för att skicka sina barn till skolan så att de inte skulle behöva arbeta med händerna. Vid 11 års ålder, efter att ha stött på Michelangelos verk, gjorde Henry dem besvikna genom att bestämma sig för att bli skulptör. Eftersom han inte hade råd att gå direkt till universitetet, tjänstgjorde Henry i en Civil Service Rifles-regemente under första världskriget och skadades i en gasattack. När han efter kriget hade råd att gå på konstskola, var han grundligt formad av sina egna materialens sanningar: han var född för hårt arbete och att göra saker för hand. Direkt karvning framhävde inte bara materialens karaktär, utan också hans egen.

Henry Moore – UNESCO:s liggande figur, 1958. © The Henry Moore Foundation.

Föreningen av Chac-mool och Cézanne

I slutet av 20-årsåldern, i Paris, mötte Moore ett estetiskt föremål som förändrade honom på ett djupt och meningsfullt sätt. Det var en Chac-mool, en förkolumbiansk aztekisk skulptur av en liggande människogestalt. Skulpturens hållning påminner om människogestalter skulpterade av klassiska skulptörer som Michelangelo, men den uppstod oberoende av sådana influenser och på en helt annan plats. Gestaltens uppsyn och mänsklighet inspirerade Moore, och han tog till sig formen som något universellt att arbeta med.

Henry Moore – Fyra-delad komposition: Liggande figur. © The Henry Moore Foundation.

Moore förenade Chac-mools väsen med figurativ inspiration från en av sina mest älskade målningar, Cézannes Badarna. Resultatet blev en ikonisk, modernistisk skulpturform som han kallade en ”liggande figur.” Han utforskade liggande figurer under hela sin karriär och återvände gång på gång till den som grund för upptäckter om volym och rum. Idag finns Moores liggande figurer över hela världen, i skulpturparker, naturområden och museer på sex kontinenter. Hans första offentliga uppdrag var en liggande figur i relief på Underground Building vid St James’s i London. Hans mest berömda pryder UNESCO:s högkvarter i Paris.

Cézanne – Badarna, 1898-1905, olja på duk, 210,5 cm × 250,8 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, USA

Formens förenkling

Majoriteten av Moores liggande figurer var abstrakta. Han reducerade ständigt människogestaltens form till dess väsentliga element och abstrakterade dem sedan till former som liknade de som finns i naturen. Hans biomorfa, abstrakta liggande figurer verkade ha en analogi med det naturliga landskapet, vilket inspirerade många att finna humanistiska budskap i dem. Även om han föredrog att tala så lite som möjligt om sin konsts mening, passar denna tolkning väl in i Moores filosofi om konstens, mänsklighetens och naturens sammanlänkning.

Henry Moore – Liggande figur. © The Henry Moore Foundation.

Förutom att abstrahera den liggande figuren dissekerade Moore den också. Han gjorde hål i figurerna och sade, “Det första hålet som görs i en sten är en uppenbarelse.” Han utmanade också uppfattningar om volym och rum genom att dra isär figurerna till samlingar av löst sammanfogade former som var abstrakta var för sig, men som tillsammans antydde en människogestalt.

Henry Moore – Moder och barn, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Skydda den inre formen

I höjdpunkten av Moores produktivitet bröt andra världskriget ut och han blev inkallad som krigskonstnär. Han skapade en serie teckningar som dokumenterade medborgare samlade i massor i tunnelbanan under bombanfall. Teckningarna fångar rädslan när människogestalter omsluter sig själva i ett skydd och sedan omsluter varandra i högar av hopkurade kroppar. Efter kriget manifesterades denna idé, om en form som skyddas inom en annan, överallt i hans skulpturer. Han skapade flera verk med titeln Moder och barn, några som frammanar ett barn inom moderns form, andra som visar två former separata men samlade tillsammans.

Henry Moore – Hjälmhuvud nr 5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Han utforskade också denna idé med en serie kallad Hjälmhuvud, där han skapade hjälmformer som ibland bara innehöll tomrum, och andra gånger sekundära former skyddade inuti dem. Dessa skyddande skulpturer använder massa och rummet runt den som sitt ämne. Formellt undersöker de rymdens fyllnad och tomhet. Humanistiskt visar de vår mest grundläggande verklighet: behovet av trygghet.

Henry Moore – Tre former ryggkotor, 1978-79, utanför stadshuset, Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Övningar i form

1947 skrev en samtida till Moore, den franske författaren Raymond Queneau, en bok kallad ”Övningar i stil,” där han berättade samma korta anekdot i 99 olika litterära stilar. Man kan säga att Henry Moore tog ett liknande grepp på sin karriär. Han ägnade sig åt några få ämnen på många olika sätt, med fokus på ett litet antal frågor, såsom form, gestalt och hur de samspelar med rummet. Men om det var allt han gjorde, skulle han inte ha lämnat ett så legendariskt avtryck på 1900-talets abstrakta konst.

Moores stora idé var alltid mänskligheten; en punkt som är mest tydlig när man betraktar hans offentliga skulpturer, som idag finns i 38 länder. Moore avsåg att de skulle beröras, klättras på, utforskas och bebos. De finns för alla våra sinnen. Moore sade en gång, “Vår kunskap om form och gestalt är i allmänhet en blandning av visuella och taktila upplevelser... Ett barn lär sig om rundhet genom att hantera en boll mycket mer än genom att bara titta på den.” Från Moores verk lär vi oss om rundhet, materialitet, form, rum och många andra formella, taktila saker. Men vi lär oss också något viktigare: något om vår sammanlänkning med landskapet, med varandra, med naturen och med oss själva.

Framträdande bild: Chac-mool, en skulptural gestalt som finns över hela förhistoriska Mexiko
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio