Impasto-målning i abstrakt konst

Kanske är den mest symboliska byggnaden i Amerika One World Trade Center i Lower Manhattan. Som mittpunkten i utvecklingen som ersatte tvillingtornen som förstördes 2001, är dess blotta existens ett starkt uttalande. Två massiva, abstrakta impasto målningar som är permanent installerade i lobbyn vid dess södra entré bidrar tydligt till dess symbolik. Byggnaden kallas frihetstornet och är den högsta byggnaden på västra halvklotet. Den reser sig 1776 fot: en avsiktlig hänvisning till året då Amerika förklarade sin självständighet. De nämnda impasto-målningarna som pryder väggarna i södra lobbyn är gjorda av den amerikanske konstnären Donald Martiny. En av målningarna heter Lenape och den andra heter Unami. Titlarna hänvisar till New Yorks förkolumbianska historia. Lenape är den ursprungsbefolkning som ursprungligen bebodde marken där frihetstornet byggdes. Unami är en dialekt inom Lenape. På toppen av frihetstornet finns en observationsplattform som kallas One World Observatory. Så långt ögat kan nå från observatoriet stödde hela den omgivande miljön en gång Lenape-kulturen. Så vad kommuniceras med denna byggnad? Den är utformad för att hedra ett av de värsta terrorattackerna i mänsklighetens historia. Den för fram idéerna om en värld, frihet, självständighet och handel. Den uppmuntrar besökare att se på lång sikt. Och dess mest framträdande konstverk är namngivna efter dem som underkuvades för att bygga nationen som är ansvarig för dess skapelse. Vilket samtal pågår här? Vad betyder all denna symbolik? Kanske finns det något att lära från konstverken själva och från de abstrakta egenskaper som impasto målning representerar.

Skugga och ljus

Termen impasto kommer från det italienska ordet för deg. Inom måleri syftar det på tekniken att applicera tjocka lager av medium på en yta för att ge konstverket en texturmässig dimension. Den italienske målaren Titian från 1500-talet var en av de första konstnärerna som medvetet använde impasto-tekniker i sina målningar. Han började använda tekniken under en tid då målningar värderades för sina släta ytor och avsaknad av synliga penseldrag. Som en mästerlig realistisk målare insåg Titian att genom att samla färg i vissa områden på en yta kunde han skapa variationer i hur ljuset reflekterades, vilket gav målningens element en livlik känsla.

Varje penseldrag i en impasto-målning skapar nyanser i färgen som framträder från skuggorna som uppstår när ljuset träffar den upphöjda färgen. Beroende på ljusets position och åskådarens synvinkel kan en impasto-målning skifta på subtila sätt, vilket tillför variationer i djup och en förhöjd känsla av realism. Under sin egen tid bröt Titian mot traditionen genom att låta sina penseldrag vara synliga och låta materialegenskaperna i hans medium visa sig. Men han var så skicklig i tekniken att hans inflytande snabbt gjorde den populär. På 1600-talet använde Rembrandt impasto-målning i sina verk. Och på 1800-talet var tekniken så högt värderad att Van Gogh gjorde den till sin kännetecknande stil.

Van Gogh - Stjärnenatt, 1889, 1889. Olja på duk. 29 x 36 1/4 tum. MoMA-samlingen. © Van Gogh (vänster) och detalj (höger)

Abstrakta uttryck

Runt sekelskiftet 1900 sökte en grupp målare som kallades expressionisterna efter sätt att uttrycka inre känslotillstånd i sina målningar snarare än att bara fånga yttre verklighet. De antog impasto-målning som en av sina föredragna tekniker. Tjockt lager av färg har många inneboende egenskaper, såsom tyngd, djup och tyngdkraft. Ju tjockare det appliceras, desto mer skugga skapas. Det abstraherar bilder och förvränger hur betraktare interagerar med motivet. Expressionisterna fann det idealiskt för att förmedla allvar, intensitet och dramatik.

Samtidigt som expressionismen växte i betydelse blev abstraktion också ett växande intresse för många konstnärer. Impasto-målning visade sig vara en idealisk teknik för abstrakta målare eftersom den hjälpte till att flytta fokus från motivet till verkets formella egenskaper. En abstrakt impasto-målning behöver därför inte handla om något annat än färgen. Hans Hofmann var en särskilt inflytelserik abstrakt konstnär som helt omfamnade impasto-målning. Hofmann trodde att genom att fokusera på de formella estetiska elementen snarare än att efterlikna verkligheten kunde konstnärer uttrycka djupare sanningar. Han använde impasto-målning för att uttrycka de abstrakta egenskaperna struktur, rum, färg, form och illusion.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Olja på linne. 40 x 50 tum (101,6 x 127 cm). Privat samling. Med tillstånd av Tom Powel Imaging (vänster) och målningens detalj (höger)

Skulpturala dimensioner

Förutom att vara målare var Hofmann också lärare. Många av hans elever, såsom Helen Frankenthaler och Lee Krasner, hustrun till Jackson Pollock, blev ledande figurer inom den abstrakta expressionismen. Hofmann hade ett djupt inflytande på hur dessa målare förhöll sig till sina medier. Eftersom många abstrakta expressionistiska målare fokuserade på att förmedla sina undermedvetna känslor och fånga känslan och intensiteten i måleriets handling, lärde Hofmann dem att materialegenskaperna i deras medium skulle vara en nyckelkomponent i deras verk.

Han lärde dem att, ”varje uttrycksmedel har sin egen ordning av varande.” I händerna på målare som Jackson Pollock och Jane Frank tog impasto-målning en helt ny dimension, bokstavligen. Jane Frank byggde skulpturala lager av medier på sina impasto-ytor. Jackson Pollock stänkte, droppade och hällde färg i så stora mängder att tyngden av hans impasto-lager hotade att förstöra underlaget för hans verk. De abstrakta expressionisterna utvidgade dessutom begreppet impasto-målning till att omfatta annat än färg, såsom ovanliga medier och skräp som krossat glas, stenar och fimpar. Genom att lägga till ovanliga material och medier i sina impasto-lager uttryckte dessa målare både konceptuellt och fysiskt djup.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Olja och spackel på duk. 70 x 50 tum. © Jane Frank

Allt handlar om färgen

Som svar på den känslomässiga intensiteten i abstrakt expressionism föll impasto-målning ur modet hos många konstnärer under 1960- och 70-talen, särskilt de som var förknippade med minimalismen. Dessa konstnärer sökte skapa släta ytor som eliminerade spår av den enskilde konstnären som skapat verket. För att skapa ultraslät yta använde de tekniker som infärgning och sprutning och använde mekaniserade och industriella processer. Men på 1980-talet återvände kärleken till impasto.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Olja på linne. 28,25 x 28,25 tum. 71,76 x 71,76 cm. Med tillstånd av George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

En anledning till att tekniken återfick sin popularitet var en reaktion mot minimalismens upplevda själlöshet. En annan orsak var ett växande intresse för de formella egenskaperna hos konstnärliga material. En särskilt framgångsrik uttrycksform för minimalismens estetik var den monokroma målningen. Monokroma uttrycker ren färg och platthet. På 1980-talet började målare som James Hayward och Alan Ebnother att omtolka den monokroma målningen genom impasto-teknik. Deras impasto-monokroma målningar omfamnade färgens uttryck men tillförde en dimension av fysisk närvaro och mediespecifikhet. Genom att eliminera minimalismens industriella anonymitet och återinföra konstnärens avtryck prioriterade de om känsla och personlighet och väckte förnyad uppmärksamhet på färgens grundläggande egenskaper.

James Hayward - Abstract 31, 2001. Olja på duk på board. 30 x 28 tum. © James Hayward (vänster) och Asymmetrical Chromachord 38, 2009. Olja på duk på träpanel. © James Hayward (höger)

Bortom impasto

När man ser tillbaka på impasto-målningens historia är det tydligt att tekniken bär med sig en rad abstrakta associationer. I sina tidigaste dagar tog den det banbrytande steget att inte dölja att ett konstverk var gjort av färg. I den meningen krossade den illusionen. Senare tjänade den till att framhäva de subtila och ofta skiftande skillnaderna mellan mörker och ljus. Under modernismen blev impasto-målning ett sätt att uttrycka djup känsla och ursprungliga sinnesstämningar i det undermedvetna. Och i sin samtida användning har den blivit ett uttryck för kraften och enkelheten i själva konstnärsgestalten. Så vad kan vi utläsa om samtalet mellan One World Trade Center och de abstrakta impasto-målningarna av Donald Martiny som finns i dess lobby?

Även om dessa målningar ser ut som massiva impasto-penseldrag är de faktiskt noggrant skapade i en mödosam process där Martiny häller, droppar och smetar lager efter lager av medium, ibland med bara händerna. De uttrycker hårt arbete, anpassning, tålamod, vision och styrkan som finns i att varsamt bygga upp lager över tid. Utöver det, som alla impasto-målningar, symboliserar Lenape och Unami också illusionernas krossande, mörkrets och ljusets föränderliga natur, det känslomässiga och fysiska djupets bredd samt de ursprungliga realiteterna i det undermedvetna mänskliga sinnet. Betraktade ur detta perspektiv blir de mer än estetiska objekt och mer än symboliska gester. De blir de perfekta abstrakta företrädarna för sitt medium, sin miljö, sina namngivare, sin historia och sin tid.

Framträdande bild: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio