Impasto-målning i abstrakt konst

Kanske är den mest symboliska byggnaden i Amerika One World Trade Center i Lower Manhattan. Som mittpunkten i utvecklingen som ersatte tvillingtornen som förstördes 2001, är dess existens ett kraftfullt uttalande. Två massiva, abstrakta impasto målningar som permanent är installerade i lobbyn vid dess södra ingång bidrar starkt till dess symbolik. Byggnaden kallas Frihetstornet, och det är den högsta byggnaden på den västra hemisfären. Den reser sig 1776 fot: en avsiktlig referens till året då Amerika förklarade sin självständighet. De nämnda impasto-målningarna som pryder väggarna i den södra lobbyn är av den amerikanska konstnären Donald Martiny. En av målningarna heter Lenape, och den andra heter Unami. Titlarna refererar till den förkolumbianska historien i New York. Lenape är den inhemska stam som ursprungligen bebodde marken där Frihetstornet byggdes. Unami är en Lenape-dialekt. På toppen av Frihetstornet finns en observationsdäck som kallas One World Observatory. Så långt ögat kan se från observationsdäcket, stödde hela den omgivande miljön en gång Lenape-kulturen. Så vad kommuniceras av denna byggnad? Den designades för att minnas en av de värsta terrorattackerna i mänsklighetens historia. Den framför idéerna om en värld, frihet, självständighet och handel. Den uppmuntrar besökare att ta det långa perspektivet. Och dess mest framträdande konstverk är namngivna efter dem som blev underkuvade för att bygga den nation som är ansvarig för dess skapelse. Vilken konversation pågår här? Vad betyder all denna symbolik? Kanske finns det något att lära av konstverken själva, och av de abstrakta kvaliteter som impasto målning representerar.

Skugga och Ljus

Termen impasto kommer från det italienska ordet för deg. Inom måleri refererar det till tekniken att applicera tjocka lager av medium på en yta för att ge en textural dimension till ett konstverk. Den italienska målaren Titian från 1500-talet var en av de första konstnärerna som kände till att medvetet inkorporera impasto-tekniker i sina målningar. Han började använda tekniken under en tid då målningar värderades för sina släta ytor och avsaknad av synliga penseldrag. En mästerlig realistisk målare insåg Titian att genom att ackumulera färg på vissa områden på en yta kunde han skapa variationer i hur ljuset reflekterades från den, vilket gav elementen i en målning en livlik känsla.

Varje impasto-målning penseldrag orsakar gradationer i färg som framträder från skuggorna som skapas när ljuset träffar den upphöjda färgen. Beroende på ljusets position och åskådarens synvinkel kan en impasto-målning skifta på subtila sätt, vilket ger variationer i djup och en ökad känsla av realism. I sin egen tid bröt Titian mot traditionen genom att låta sina penseldrag vara synliga och de materiella egenskaperna hos sitt medium att visa. Men han var så mästerlig i tekniken att hans inflytande snabbt gjorde den populär. Under 1600-talet inkorporerade Rembrandt berömt impasto-målning i sina verk. Och under 1800-talet var tekniken så väl ansedd att Van Gogh gjorde den till sin signaturstil.

Van Gogh - The Starry Night, 1889, 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4 in. MoMA Collection. © Van Gogh (Left) and detail (Right)

Abstrakta Uttryck

Runt sekelskiftet 1900 letade en grupp målare som kallades Expressionisterna efter sätt att uttrycka inre känslomässiga tillstånd i sina målningar istället för att bara fånga yttre verklighet. De antog impasto-målning som en av sina föredragna tekniker. Tjockt lager av färg har många inneboende egenskaper, såsom vikt, djup och tyngd. Ju tjockare det appliceras, desto mer skugga skapar det. Det abstraherar bilder, förvränger sättet som betraktare interagerar med motivet. Expressionisterna fann det idealiskt för att kommunicera allvar, intensitet och drama.

Runt samma tid som expressionismen blev mer framträdande, blev abstraktion också en växande oro för många konstnärer. Impastomålning visade sig vara en ideal teknik för abstrakta målare eftersom den hjälpte till att flytta fokus från motivet och över till de formella egenskaperna hos verket. En abstrakt impastomålning behöver därför inte handla om något annat än färgen. Hans Hofmann var en särskilt inflytelserik abstrakt konstnär som fullt ut omfamnade impastomålning. Hofmann trodde att genom att fokusera på de formella elementen av estetik snarare än att efterlikna verkligheten, kunde konstnärer uttrycka djupare sanningar. Han använde impastomålning för att uttrycka de abstrakta egenskaperna av struktur, rum, färg, form och illusion.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Oil on linen. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Private collection.  Courtesy Tom Powel Imaging (Left) and painting detail (Right)

Skulpturala Dimensioner

Förutom att vara målare var Hofmann också lärare. Många av de studenter han undervisade, såsom Helen Frankenthaler och Lee Krasner, fru till Jackson Pollock, blev ledande gestalter inom den abstrakta expressionismen. Hofmann hade en djupgående inverkan på hur dessa målare relaterade till sina medier. Eftersom fokus för många abstrakta expressionistiska målare var att förmedla sina undermedvetna känslor och fånga på duk den känsla och intensitet som måleriets handling innebar, instillade Hofmann i dem att de materiella egenskaperna hos deras medium skulle vara en nyckelelement i deras arbete.

Han lärde dem att, “varje uttrycksmedel har sin egen ordning av varande.” I händerna på målare som Jackson Pollock och Jane Frank fick impasto-målning en helt ny dimension, bokstavligt talat. Jane Frank byggde skulpturala lager av medier på sina impasto-ytor. Jackson Pollock stänkte, droppade och hällde färg i så stora mängder att den rena vikten av hans impasto-lager hotade att förstöra stöden för hans verk. De abstrakta expressionisterna utvidgade dessutom begreppet impasto-målning för att inkludera annat än färg, som ovanliga medier och skräp som krossat glas, stenar, cigarettfimpar. Genom att lägga till ovanliga material och medier i sina impasto-lager uttryckte dessa målare konceptuell såväl som fysisk djup.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Oil and spackle on canvas. 70 x 50 in. © Jane Frank

Allt om färgen

Som svar på den känslomässiga intensiteten i Abstract Expressionism föll impasto-målning ur favör hos många konstnärer under 1960- och 70-talen, särskilt de som var kopplade till Minimalism. Dessa konstnärer strävade efter att skapa släta ytor som eliminerade bevis på den individuella konstnären som skapade verket. För att skapa ultrajämna ytor vände de sig till tekniker som fläckning och sprutning, och använde mekaniserade och industriella processer. Men på 1980-talet återvände kärleken till impasto.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Oil on linen. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Courtesy George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

En anledning till att tekniken återfick sin popularitet var en reaktion mot den upplevda själlösheten hos Minimalism. En annan anledning var ett växande intresse för de formella egenskaperna hos konstnärliga material. Ett särskilt framgångsrikt uttryck för den minimalistiska estetik var den monokroma målningen. Monokromer uttrycker ren färg och platthet. På 1980-talet började målare som James Hayward och Alan Ebnother att återuppfinna monokromer genom impastomålning. Deras impasto monokromer omfamnade färgens uttryck men lade till en dimension av fysisk närvaro och mediumspecifikitet. Genom att eliminera den industriella anonymiteten hos minimalistiska monokromer och återinföra konstnärens märke omprioriterade de känsla och personlighet, och återförde förnyad uppmärksamhet till de grundläggande egenskaperna hos färg.

James Hayward - Abstrakt 31, 2001. Olja på duk på skiva. 30 x 28 tum. © James Hayward (Vänster) och Asymmetrisk Chromachord 38, 2009. Olja på duk på träpanel. © James Hayward (Höger)

Bortom deg

När man ser tillbaka på historien av impasto-målning är det tydligt att tekniken bär med sig en rad abstrakta associationer. I sina tidigaste dagar tog den det oöverträffade steget att inte dölja faktumet att ett konstverk var gjort av färg. I den meningen krossade den illusionen. Den tjänade senare till att framhäva de subtila och ofta skiftande skillnaderna mellan mörker och ljus. Under den modernistiska eran blev impasto-målning ett sätt att uttrycka den djupa känslan och de primala sensibiliteterna hos det undermedvetna. Och i sin samtida användning har den blivit ett uttryck för kraften och enkelheten i den konstnärliga gesten i sig. Så vad kan vi dra slutsatser om samtalet som äger rum mellan One World Trade Center och de abstrakta impasto-målningarna av Donald Martiny som finns i dess lobby? 

Även om dessa målningar verkar vara massiva impasto penseldrag, så är de faktiskt noggrant skapade i en mödosam process, under vilken Martini häller, droppar och smetar lager efter lager av medium, ibland med sina bara händer. De uttrycker hårt arbete, anpassning, tålamod, vision och den styrka som ligger i den noggranna uppbyggnaden av lager över tid. Utöver det, liksom alla impasto-målningar, symboliserar Lenape och Unami också krossandet av illusioner, den utvecklande naturen av mörker och ljus, spannet av känslomässig och fysisk djup, och de primala verkligheterna av det undermedvetna mänskliga sinnet. Betraktade från detta perspektiv blir de mer än estetiska objekt, och mer än symboliska gester. De blir de perfekta abstrakta representanterna för sitt medium, sin miljö, sina namne, sin historia och sin tid.

Utvald bild: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio