Optiska illusioner i konsten som präglade 1900-talet

Verkligheten är inte alltid fast; eller åtminstone kan det verka så för människans sinne. Det vi tror på baseras till viss del på vad vi uppfattar, men vad vi uppfattar bestäms också ibland av vad vi tror på. Optisk illusion konst, eller Op Konst förkortat, är en estetisk stil som medvetet utnyttjar den märklighet i människans uppfattning som ger det mänskliga ögat förmågan att lura den mänskliga hjärnan. Genom att manipulera mönster, former, färger, material och gestaltningar strävar Op-konstnärer efter att skapa fenomen som lurar ögat och förvirrar betraktaren till att se mer än vad som faktiskt finns där. Och eftersom tro kan vara lika inflytelserikt som fakta, ställer Op-konsten frågan vad som är viktigast: uppfattning eller sanning.

En kort historia om optisk illusionskonst

Op-konsten har sina rötter i en teknik som kallas trompe-l'œil, vilket är franska för lura ögat. De tidigaste referenserna till sådana tendenser i konsten går tillbaka till antiken, när antika grekiska konstnärer försökte göra målningar så verklighetstrogna att människor bokstavligen skulle luras att tro att deras bilder var verkliga. Tekniken har därefter gått i och ur modet många gånger genom århundradena, och nådde sin höjdpunkt under 1800-talet med trompe-l'œil-målningar som Escaping Criticism, målad 1874 av Pere Borrell del Caso, som visar en hyperrealistisk bild av ett barn som klättrar ut ur en bildram.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Olja på duk. Samling Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Men även om Op-konsten också är avsedd att lura ögat, är den inte samma sak som hyperrealistisk konst. Faktum är att Op-konsten som vi känner den idag oftare är abstrakt och förlitar sig på geometriska kompositioner för att övertyga ögat om att overkliga former och rumsliga plan existerar. Den första abstrakta tekniken som var utformad för att lura ögat kallades pointillism. Istället för att blanda färger i förväg placerade pointillistiska målare oblandade färger bredvid varandra på en duk, vilket skapade illusionen av solida färgfält. När dessa målningar betraktas på avstånd verkar färgerna vara blandade. Georges Seurat uppfann pointillismen och bemästrade effekten med målningar som Lighthouse at Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Olja på duk. Totalt: 66,7 x 81,9 cm (26 1/4 x 32 1/4 tum), inramad: 94,6 x 109,4 x 10,3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 tum). Samling av herr och fru Paul Mellon

Abstrakta illusioner

Konceptet bakom pointillismen gav slutligen upphov till många andra tekniker när konstnärer sökte sätt att lura sinnet att fullborda en bild. Det inspirerade divisionismen hos de italienska futuristerna och de fyrdimensionella planen i kubismen. Men dess mest framgångsrika tillämpning kom när den kombinerades med estetiken i geometrisk abstraktion, som i den abstrakta geometriska etsningen Structural Constellation, målad 1913 av Josef Albers.

Enligt hans egna uttalanden försökte Albers inte skapa en optisk illusion med detta verk. Han ägnade sig åt enkla kompositionsförsök rörande uppfattningen av linjer och former på en tvådimensionell yta. Ändå upptäckte han att arrangemanget av linjer, former och färger på en yta faktiskt kan förändra hur sinnet uppfattar vad som är verkligt. Och även om han inte medvetet försökte lura betraktare med sina verk, ägnade han ändå en livstid åt att undersöka dessa effekter.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. Vita linjer etsade i svart bakgrund på trä. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebror och schackbräden

Victor Vasarely, en samtida till Albers, ägnade sig däremot åt ett medvetet försök att hitta sätt att lura betraktare med sin konst. Vasarely var lika mycket vetenskapsman som målare, och han var särskilt intresserad av hur dessa två sysselsättningar förenades för att påverka uppfattningen. Redan på 1920-talet hade konstnären lärt sig att han genom att manipulera linjer ensam kunde fullständigt förvränga en tvådimensionell yta på ett sätt som lurade sinnet att uppfatta den som ett tredimensionellt rum.

Ett motiv som Vasarely återkom till ofta i sitt arbete var zebran. Detta djurs ränder tjänar faktiskt till att lura naturliga rovdjur som inte kan avgöra i vilken riktning djuret springer på grund av samspelet mellan dess svarta och vita ränder och omgivningen. När han låste upp hemligheterna bakom detta fenomen tillämpade han dem på mer komplexa geometriska kompositioner, och på 1960-talet skapade han en signaturstil som inspirerade det som idag anses vara den modernistiska Op-konst-rörelsen.

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Svart och vitt

En av de mest berömda optiska illusionskonstnärerna under 1900-talet var den brittiska konstnären Bridget Riley, som direkt inspirerades av Victor Vasarelys verk. Riley studerade vid Royal College of Art i början av 1950-talet. Hennes tidiga verk var figurativa, men efter att ha tagit anställning som illustratör på en reklambyrå blev hon mer intresserad av att skapa visuella illusioner. Hon började undersöka pointillism och sedan divisionism och utvecklade slutligen sin egen signaturstil inom Op-konsten, baserad främst på svart och vit geometrisk abstraktion.

Riley var så framgångsrik i att skapa optiska illusioner i sina verk att betraktare ibland rapporterade att de kände sig sjösjuka eller åksjuka när de tittade på hennes målningar. Detta fenomen fascinerade Riley, som blev övertygad om att gränsen mellan uppfattning och verklighet verkligen är ganska skör, och att en tro orsakad av en illusion faktiskt kan ge verkliga följder i den fysiska världen. Riley sade: ”Det fanns en tid då betydelser var fokuserade och verkligheten kunde fastställas; när den sortens tro försvann blev saker osäkra och öppna för tolkning.”

Bridget Riley framför en av sina storskaliga, hypnotiska Op-konstmålningar, © Bridget Riley

Det reagerande ögat

Höjdpunkten för den modernistiska Op-konst-rörelsen kom med en utställning kallad The Responsive Eye som turnerade i USA 1965. Denna utställning visade mer än 120 konstverk av dussintals konstnärer som representerade en bred rad estetiska ståndpunkter. Utställningen inkluderade de starkt illusionistiska verken av Victor Vasarely och Bridget Riley samt mer dämpade geometriska abstraktioner från konstnärer som Frank Stella och Alexander Liberman och kinetiska skulpturer från konstnärer som Wen-Ying Tsai och Carlos Cruz-Diez.

I The Responsive Eye-gruppen ingick också skulptören Jesús Rafael Soto, som kanske tog Op-konsten längst in i den tredimensionella uppfattningens område med en verkserie kallad Penetrables. Dessa interaktiva skapelser består av hundratals delvis målade, hängande plasttuber som betraktare kan gå igenom. När de är orörda ger de en slående illusion av att en konkret form svävar i rummet. Men när åskådare fysiskt interagerar med skulpturerna upplöses illusionen, vilket ger uppfattningen att en konkret verklighet faktiskt kan böjas och förändras av den mänskliga beröringen.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Op-konstens arv

Op-konstens välsignelse och förbannelse är dess popularitet. När rörelsen var som störst på 1960-talet avskydde många kritiker den eftersom dess bilder slukades hänsynslöst av tillverkare av kitschiga föremål som t-shirts, kaffemuggar och affischer. Men för konstnärer som Victor Vasarely och Jesús Rafael Soto var det just poängen.

Dessa skapare trodde att värdet av ett konstverk bestäms av i vilken grad en betraktare kan delta i dess fullbordan. De skapade estetiska fenomen som anpassar sig till varje ny betraktare och skapar obegränsade tolkningsmöjligheter. Det faktum att deras konst konsumerades i stor skala låg helt i linje med deras idé, som är att det inte ska finnas några hinder mellan människor och konst, och att de hinder som verkar finnas bara existerar i vår uppfattning.

Framträdande bild: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Akryl på duk. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio