Optiska illusioner i konsten som präglade 1900-talet

Verkligheten är inte alltid fast; eller åtminstone kan det verka så för den mänskliga hjärnan. Vad vi tror baseras till viss del på vad vi uppfattar, men vad vi uppfattar bestäms ibland också av vad vi tror. Optisk illusion konst, eller Op konst för kort, är en estetisk stil som avsiktligt utnyttjar den underligheten i mänsklig perception som ger det mänskliga ögat förmågan att lura den mänskliga hjärnan. Genom att manipulera mönster, former, färger, material och former strävar Op-konstnärer efter att skapa fenomen som lurar ögat, vilket förvirrar betraktarna att se mer än vad som faktiskt finns där. Och eftersom tro kan vara lika inflytelserik som fakta, ställer Op-konst frågan om vad som betyder mer: perception eller sanning.

En kort historia om optisk illusion konst

Op Art har sina rötter i en teknik som kallas trompe-l'œil, vilket är franska för lura ögat. De tidigaste referenserna till sådana tendenser inom konsten går tillbaka till antiken, när antika grekiska konstnärer försökte göra målningar så realistiska att människor bokstavligen skulle bli lurade att tro att deras bilder var verkliga. Tekniken har därefter kommit in och ut ur mode många gånger genom århundradena, och nådde sin höjdpunkt på 1800-talet med trompe-l'œil-målningar som Escaping Criticism, målad 1874 av Pere Borrell del Caso, som visar en hyperrealistisk bild av ett barn som klättrar ut ur en ram.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Men även om det också är avsett att lura ögat, är Op Art inte detsamma som hyperrealistisk konst. Faktum är att Op Art som vi känner den idag oftare är abstrakt och förlitar sig på geometriska kompositioner för att övertyga ögat om att orealistiska former och rumsliga plan existerar. Den första abstrakta tekniken som designades för att lura ögat kallades Pointillism. Istället för att blanda färger i förväg placerade pointillistiska målare omixade färger bredvid varandra på en duk, vilket skapade illusionen av solida färgfält. När dessa målningar ses på avstånd verkar det som om färgerna är blandade. Georges Seurat uppfann Pointillism och behärskade effekten med målningar som Fyrtornet i Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

Abstrakta illusioner

Konceptet bakom Pointillism gav i slutändan upphov till många andra tekniker när konstnärer sökte efter sätt att lura sinnet att fullfölja en bild. Det inspirerade Divisionismen hos de italienska futuristerna, och de fyrdimensionella planen av Kubism. Men dess mest framgångsrika tillämpning kom när det kombinerades med estetiken av geometrisk abstraktion, som med den abstrakta geometriska etsningen Strukturell konstellation, målad 1913 av Josef Albers.

Enligt sina egna uttalanden försökte Albers inte skapa en optisk illusion med detta verk. Han var engagerad i enkla kompositionsexperiment angående uppfattningen av linjer och former på en tvådimensionell yta. Ändå upptäckte han att arrangemanget av linjer, former och färger på en yta faktiskt kan förändra hur sinnet uppfattar vad som är verkligt. Och även om han inte avsiktligt försökte lura betraktarna med sina verk, tillbringade han ändå ett liv med att undersöka dessa effekter.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebror och Schackbräden

Victor Vasarely, en samtida till Albers, engagerade sig dock i en medveten strävan att hitta sätt att lura betraktarna med sin konst. Vasarely var lika mycket en vetenskapsman som han var en målare, och han var särskilt intresserad av hur dessa två sysselsättningar samverkade för att påverka perceptionen. Redan på 1920-talet hade konstnären lärt sig att genom att manipulera linjer ensam kunde han helt förvränga en tvådimensionell yta på ett sätt som lurade sinnet att uppfatta den som ett tredimensionellt rum.

Ett ämne som Vasarely upprepade gånger vände sig till i sitt arbete var zebran. Ränderna på detta djur tjänar faktiskt till att bedra naturliga rovdjur som inte kan avgöra i vilken riktning djuret springer på grund av samspelet mellan dess svarta och vita ränder och omgivningen. När han låste upp hemligheterna bakom detta fenomen tillämpade han dem på mer komplexa geometriska kompositioner, och under 1960-talet skapade han en signaturstil som inspirerade det som idag anses vara den modernistiska Op Art-rörelsen. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Svartvitt

En av de mest kända optiska illusionkonstnärerna under 1900-talet var den brittiska konstnären Bridget Riley, som var direkt inspirerad av Victor Vasarelys verk. Riley studerade vid Royal College of Art i början av 1950-talet. Hennes tidiga arbete var figurativt, men efter att ha tagit ett jobb som illustratör på en reklambyrå blev hon mer intresserad av att skapa visuella illusioner. Hon började undersöka pointillism och sedan divisionism och utvecklade slutligen sin egen signaturstil av Op Art, som främst baserades på svart och vit geometrisk abstraktion.

Riley var så framgångsrik i att skapa optiska illusioner i sitt arbete att åskådare ibland rapporterade att de kände sig sjuka eller illamående när de tittade på hennes målningar. Detta fenomen fascinerade Riley, som blev övertygad om att gränsen mellan perception och verklighet faktiskt är ganska skör, och att en tro orsakad av en illusion faktiskt kan få verkliga konsekvenser i den fysiska världen. Sa Riley, "Det fanns en tid när betydelser var fokuserade och verkligheten kunde fixeras; när den sortens tro försvann, blev saker osäkra och öppna för tolkning."

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

Det lyhörda ögat

Höjdpunkten för den modernistiska Op Art-rörelsen kom med en utställning kallad The Responsive Eye som turnerade i USA 1965. Denna utställning innehöll mer än 120 konstverk av dussintals konstnärer som representerade ett brett spektrum av estetiska positioner. Utställningen inkluderade de starkt illusionistiska verken av Victor Vasarely och Bridget Riley samt mer dämpade geometriska abstraktioner från konstnärer som Frank Stella och Alexander Liberman och kinetiska skulpturer från konstnärer som Wen-Ying Tsai och Carlos Cruz-Diez.

Även skulptören Jesús Rafael Soto ingick i gruppen The Responsive Eye, som utan tvekan tog Op Art längst in i området för tredimensionell perception med ett verk som kallas Penetrables. Dessa interaktiva skapelser består av hundratals delvis målade, hängande plastslangar som åskådare kan gå igenom. När de inte störs presenterar de en slående illusion av att en konkret form svävar i rymden. Men när åskådare fysiskt interagerar med skulpturerna upplöses illusionen, vilket ger uppfattningen att en konkret verklighet faktiskt kan förvrängas och förändras av den mänskliga beröringen.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Op Art Legacy

Både välsignelsen och förbannelsen av Op Art är dess popularitet. När rörelsen var som mest framträdande på 1960-talet, avskydde många kritiker den eftersom dess bilder blev hungrigt approprierade av tillverkare av kitschprodukter som t-shirts, kaffemuggar och affischer. Men för konstnärer som Victor Vasarely och Jesús Rafael Soto var det just poängen.

Dessa kreatörer trodde att värdet av ett konstverk bestäms av den grad i vilken en betraktare kan delta i dess fullbordan. De skapade estetiska fenomen som anpassar sig till varje ny betraktare, vilket skapar oändliga tolkningsmöjligheter. Det faktum att deras konst konsumerades på en massnivå var helt i linje med deras koncept, vilket är att det inte bör finnas några barriärer mellan människor och konst, och att de barriärer som verkar finnas endast existerar i vår perception.

Utvald bild: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Akryl på duk. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio